Nascida em Lisboa em 1945, com um percurso de formação que a fez passar pelo Conservatório (cujo curso concluiu) e depois pelo Coro Gulbenkian, e primeiros discos (dois EP) editados entre 1968 e 1969, Maria Guinot tinha encontrado uma vida profissional noutro rumo (em concreto na TAP) quando, em 1981, se apresentou no Festival da Canção com “Um Adeus, Um Recomeço”, que acabou classificada em 3º lugar e lhe deu, então, um terceiro lançamento no formato de 45 rotações. Seguiu-se, no mesmo ano, um quarto sete polegadas, “Falar Só Por Falar” (uma das canções que leva ao Festival da Canção da Rádio Comercial), seguindo-se novo hiato, desta vez de apenas três anos, interrompendo depois o silêncio com nova participação no concurso da RTP. O ano era o de 1984 e, numa edição do Festival da Canção que contava entre a lista de concorrentes com nomes como os de Adelaide Ferreira, as Doce, Samuel, António Salam Banda Tribo ou Fernando Tordo, “Silêncio e Tanta Gente” acabaria por levar Maria Guinot à lista dos vencedores do concurso.
Tal como sucedera com a canção que havia levado ao Festival da Canção em 1981, “Silêncio e Tanta Gente” tinha letra e música da própria Maria Guinot. Em disco e, depois, na Eurovisão, contou com arranjos e direção de orquestra de Pedro Osório. Na noite do Festival da Canção, a 7 de março, perante uma greve de músicos que obrigou os restantes concorrentes a usar instrumentais pré-gravados, Maria Guinot apresentou-se no palco do antigo Cinema Europa (em Campo de Ourique), fazendo-se acompanhar apenas pelo piano que ela mesma tocou. O júri, constituído por 18 reconhecidas figuras públicas, deu-lhe o primeiro lugar tanto na ronda inicial como, depois, na super-final que decidiu a vencedora.
Canção elegante, pensada para um relacionamento entre voz e piano (aceitando depois a presença da orquestra), “Silêncio e Tanta Gente” representou uma das melhores representações de sempre de Portugal na Eurovisão, não obtendo contudo senão um 11º lugar.
A canção conheceu edição em single, pela Dacapo, contando com “Estimo Que Esta Carta Te Encontre De Saúde…” no lado B. Um EP então editado juntou ainda a estas duas canções versões em francês e alemão do tema levado à Eurovisão, apresentando-as respetivamente com os títulos “Le Silence Et La Foule” e “Augenblick der Illusion”.
A 21 de março de 1964 o Tivolis Konsertsal, em Copenhaga, acolheu a nona edição do Festival da Eurovisão num ano que, após as sugestões de modernidade da canção dinamarquesa que triunfara em 1963, voltava a afirmar sinais emergentes de juventude neste formato com a a vitória da italiana Gigliola Cinquetti, então com apenas 16 anos, tornando-se então na mais jovem vencedora da Eurovisão, estatuto que manteve até o triunfo da belga Sandra Kim em 1986.
Natural de Verona, então já com estudos de piano e de teoria de composição, Gigliola Cinquetti apresentou-se em palco com “Non Ho L’Etá”, uma balada de orquestração elegante, que vincava pelas palavras a própria ideia de juventude que a concorrente desde logo sugeria. Vencedora semanas antes em Sanremo, a canção conquistou aquela que ainda hoje é a mais expressiva vitória de toda a história do Festival da Eurovisão, ao somar quase três vezes mais pontos que a
classificada logo a seguir (e que dava ao Reino Unido o seu quarto segundo lugar). A canção conheceu edição em discos de 45 rotações (em single ou formato de EP, dependendo dos hábitos de então em cada território) e foi depois integrada no álbum de estreia que a cantora lançou nesse mesmo ano.
Foi ainda neste ano que Portugal fez finalmente a sua estreia com “Oração”, de António Calvário, que foi a 11ª canção a desfilar entre as 16 concorrentes. Portugal chegava à Eurovisão num tempo em que era membro da EFTA (onde tinha como parceiros a Áustria, Reino Unido, Dinamarca, Noruega, Suíça e Suécia), mas numa época na qual estava consideravelmente afastado dos modelos políticos em vigor na esmagadora maioria dos restantes países representados no concurso. E se musicalmente a canção portuguesa não causou impressão maior no concurso, já a presença em palco de um primeiro representante português gerou um incidentequando um homem, que se fizera passar como alguém a trabalhar na produção, irrompeu pelo palco com um cartaz com uma mensagem contra Franco (o ditador espanhol) e Salazar. Nesse momento as câmaras desviaram a atenção para o scoreboard enquanto as forças de segurança retiravam de cena o ativista. Em casa os espectadores escutaram apenas sons inesperados, passos a correr e alguns ruídos mais, mas em poucos segundos o desfile das canções continuava, chamando ao palco a canção belga. Apesar de concorrer desde 1961 Espanha não tinha ainda sido alvo de uma crítica pública na Eurovisão, pelo que este incidente correspondeu a um episódio marcante na história (para além da música) dos dois países neste concurso e representou uma das primeiras manifestações de ativismo político eurovisivo.
Aqui está a apresentação solo autointitulada do pianista/tecladista Steve Kuhn em 1971. Jazz vocal vibrante e levemente funky desenvolvido por uma banda super sólida (Ron Carter, Billy Cobham, Airto Moreira), lindos arranjos de cordas e vocais discretos do próprio Kuhn. É tocado principalmente direto, mas Kuhn lança o desafio esquisito com "Pearlie's Swine", que brilha por mais de quatro minutos de jazz-funk instrumental barulhento antes de entrar com versos como "Ham / How I love to eat ham / Vultures don' não dou a mínima" e "Carne / Macacos comem com os pés".
Assim como Towner's Diary , Blue Sun é um empreendimento completamente solo, o que significa que ele escreveu e executou cada peça - guitarras, piano, corneta, sintetizadores, algumas percussões leves. Muito fácil para os ouvidos.
Recebi um pedido de mais Badgerlore, então aqui está o álbum final. Neste ponto, a antiga dupla havia se transformado em um quase supergrupo de seis membros, abrangendo os dois originais, mais Liz Harris do Grouper, Tom Carter do Charalambides e muito mais. Considerando todas as coisas, We Are All Hopeful Farmers... realmente não é tão diferente do Badgerlore que veio antes - figuras de guitarra esqueléticas, drones cintilantes e um vocal espectral aqui e ali - mas parece o versão mais plenamente realizada da visão do projeto.
Rammstein é uma banda alemã formada em 1994. Em termos de gênero , eles formam o Neue Deutsche Härte, que é um tipo de música crossover que incorpora influências do rock , techno e outros. Algo que não surpreende quando o termo significa “Nova Dureza Alemã”. De qualquer forma, o Rammstein se destaca por ser pioneiro da Neue Deutsche Härte. Além disso, têm tido muito sucesso, como demonstra a forma como são conhecidos muito além da sua Alemanha natal.
7. Rosenrot
Rosenrot foi o quinto álbum de estúdio do Rammstein. Não pode ser considerado um lançamento ruim. No entanto, o processo pelo qual Rosenrot surgiu mostrou-se muito claramente em seu conteúdo. Para quem não conhece, foi lançado apenas um ano depois de seu antecessor imediato Reise, Reise. Como tal, seis de suas canções eram canções omitidas de seu antecessor imediato, razão pela qual já foi chamada de Reise, Reise Volume Dois. Seria um exagero dizer que Rosenrot parecia uma coleção de lados B, especialmente porque grande parte de seu conteúdo era bastante memorável por si só. Ainda assim, o fato de ter sido feito em apenas um ano transparecia de vez em quando. Algo que o tornou menos capaz de competir com o resto da obra do Rammstein.
6. Herzeleid
A produção de Herzeleid foi complicada por uma série de coisas. Para citar um exemplo, o Rammstein enfrentou problemas quando foi instruído a procurar um produtor porque isso era incomum na Alemanha Oriental. Inicialmente, eles queriam Bob Rock ou Rick Rubin, e como resultado foram instruídos a serem menos ambiciosos. Em vez disso, Rammstein acabou com Jacob Hellner. Os dois lados não tinham uma linguagem comum, então a banda não tinha como comunicar que não estava feliz com a forma como Hellner os fazia soar. Felizmente, Rammstein e Hellner conseguiram se comunicar com a ajuda de um engenheiro holandês chamado Ronald Prent, permitindo-lhes superar esse obstáculo específico. No final, Herzeleid conseguiu ser uma excelente plataforma de lançamento para a carreira da banda. As características que fazem do Rammstein quem ele é podem ser encontradas aqui, embora sejam ainda mais refinadas em lançamentos subsequentes.
5. Reise, Reise
Reise, Reise tornou-se muito comentada por vários motivos. Por exemplo, os falantes de inglês poderão lembrar-se disso por causa de “Amerika”, que era uma crítica ao imperialismo americano perto do início da Guerra do Iraque. No entanto, também deve ser mencionado que o primeiro single foi chamado de “Cannibal Song” na Alemanha porque se tratava de um incidente real envolvendo exatamente isso. Independentemente disso, Reise, Reise foi um lançamento sólido com um bom número de músicas memoráveis. Experimentou um pouco, mas em muitos aspectos permaneceu fiel ao que veio antes. Como tal, o álbum de estúdio estava longe da perfeição, mas ainda assim valia a pena ser ouvido.
4. Sehnsucht
Sehnsucht foi apenas o segundo álbum de estúdio do Rammstein. Mesmo assim, fez bastante sucesso comercial. Como prova, consideremos o facto de ter conseguido vender mais de 500 mil exemplares na Alemanha, o que foi suficiente para ser certificado como platina naquele país. Além disso, Sehnsucht também tem a distinção de ser o único álbum de estúdio do Rammstein cantado 100% em alemão a ser certificado como platina nos Estados Unidos. Na verdade, os falantes de inglês podem se lembrar disso por causa de “Du Hast”, que apareceu em Matrix e também em outros filmes . Dito isto, Sehnsucht não teve tanto sucesso por pura coincidência. Em vez disso, ganhou por ser ao mesmo tempo lúdico e poderoso, com o resultado de se tornar influente no metal industrial como um todo. Não pode ser considerado o melhor do Rammstein, mas muitas de suas músicas continuam a ser a base do Rammstein mesmo nos tempos atuais.
3. Untitled
Há muitas bandas que desaparecem com o tempo, como se tivessem um suprimento limitado de energia criativa que foi esbanjada em seus lançamentos anteriores, sem sobrar nada para seus trabalhos subsequentes. Rammstein não pode ser considerado um deles. Afinal, os lançamentos da banda têm sido bem recebidos pela crítica, com considerável consistência e também com polêmica consistente. Algo que permaneceu verdadeiro para o álbum de estúdio sem título do Rammstein lançado em 2019. Este lançamento foi particularmente interessante porque uma década se passou desde o lançamento de seu antecessor imediato, mostrando que a banda manteve sua habilidade de fazer música apesar da passagem de tanto tempo. Nada serviu como melhor prova disso do que o seu primeiro single “Deutschland” se tornou a segunda música da banda a atingir a posição número um na Alemanha.
2. Liebe ist für alle da
A esta altura, talvez não seja surpreendente saber que o sexto álbum de estúdio do Rammstein também foi objeto de considerável controvérsia, especialmente porque a banda é muito boa em tomar decisões destinadas a atraí-lo. Na verdade, este lançamento acabou restringido à venda a adultos na Alemanha, pelo que teve de ser relançado sem uma música e também sem uma imagem para o mercado alemão. Mesmo assim, o sexto álbum de estúdio foi bem recebido tanto no sentido crítico quanto comercial.
1. Mutter
Houve muitas bandas com sucesso de curta duração e continuará a haver muitas bandas com sucesso de curta duração. No entanto, Mutter deixou bem claro que o Rammstein não iria embora tão cedo após o sucesso de Sehnsucht. O lançamento provou seu valor com sua execução magistral, tanto que passou a ser considerado um dos maiores álbuns de metal industrial já feitos. Naturalmente, isso também significou que Mutter foi extremamente influente, consolidando assim o Rammstein no cenário musical.
Maurilio Rossi e seu GOAD preparam um ótimo presente para os amantes da música, e no Natal os presentes são sempre lindos!
O seu décimo sexto ato de gravação intitula-se " Titania ", uma obra monumental composta por 14 faixas originais num total de mais de 75 minutos, além de uma performance ao vivo com músicas de 2006 tocadas em Gênova (12 faixas no CD, enquanto no vinil há 2 faixas bônus).
Gostaria de me limitar a um comentário baseado em estados emocionais, pois há muita objetividade no artigo, o que se revela através da entrevista que realizei com Maurilio Rossi e que me proponho acompanhar, além de todos os dados oficiais (incluindo ouvir “Titania”)
Tudo isto leva-me a deter-me na minha escrita, mas tenho sempre a esperança de que haja jovens curiosos que queiram explorar caminhos que lhes são desconhecidos, e nesse caso os detalhes tornam-se fundamentais para a compreensão.
Mais uma vez Rossi inspira-se na literatura inglesa (de Shakespeare a John Keats), e surgem histórias que correspondem a cânones literários bem codificados, com problemas existenciais muito particulares esculpidos pelo fino pensamento dos autores, aos quais a adição de magníficas texturas sonoras e fornece mais brilho.
O GOAD nasceu em meados dos anos setenta pelas mãos de Maurilio Rossi, influenciado pelos novos modelos musicais que chegavam do outro lado do Canal, e dessa música, tão distante do ponto de vista temporal, tudo resiste, tudo faz parte este novo projeto que busca todos os caminhos possíveis, todas as experiências possíveis; para chegar à construção de “Titânia” não basta ter assimilado a escola de velhos mitos com que o autor foi formado, mas é preciso se esforçar, esquecer os rótulos e pensar na beleza global de música, que não é apenas perfeição técnica ou capacidade de criá-la e propô-la, mas é preciso atingir pontos que possam tocar a alma de quem ouve, e neste ponto rótulos e classificações não têm mais valor.
Um pequeno exemplo: as faixas que compõem o álbum são muito encorpadas, também do ponto de vista da quantidade, e exigem um certo comprometimento se você quiser entrar bem no projeto. E então, entre muitas músicas elaboradas, sai uma de 74 segundos, “ Sea Bird ”, e me emociono ao ouvir a voz do Maurilio (que neste caso toca a cor do Jon Anderson), me emociono ao captar as atmosferas rarefeitas que eles proporcionam autenticidade ao momento, que se torna mágico e, felizmente, repetível!
Encontrei toda a “minha música” condensada num único espaço, gostei das mudanças de ritmo e situação, da mistura de géneros, com tapetes de teclados que oferecem um classicismo que, embora utilizado no rock, tornou-se imortal.
E quando termina a muito longa viagem, é necessária uma pausa reflexiva, porque uma parede de som e lirismo desta magnitude pode desorientar, sendo então necessário metabolizar a experiência acabada de viver.
Depois de recuperar o fôlego, um segundo capítulo nos espera, o show ao vivo genovês em 2006 que nos dá uma versão especial da banda, lembrando sempre que é nessa fase que os músicos encontram maior satisfação, quando há público ao qual eles podem dar e dar o que receber.
Altamente recomendado! Mas talvez seja interessante ler as palavras de Maurilio Rossi com quem conversei!
O bate-papo com Maurilio Rossi
Já se passaram dois anos desde que comentei “La Belle Dame”: parece obrigatório perguntar algo sobre suas experiências musicais que ligam esse álbum ao atual: do que se trata “Titania”?
É a continuação da “Belle Dame” no uso dos textos de Keats. GOAD musicou uma pesada massa de versos de "Endymion", do poeta inglês. “TITANIA” é mencionada diversas vezes em suas letras. Poesia como memória, sonho sem sono (ver Poe, em vez disso, a vida como um sonho dentro de um sonho, musicado por GOAD em 1994). As musas de Keats são os grandes poetas do passado, entre os quais se destaca Shaespeare.
Ouvindo sua música tão complexa e com atenção aos detalhes, e vendo-a aliada a letras tão nobres, vem naturalmente pensar que, além de ser um recipiente atemporal, ela poderia parecer... fora do tempo, colocada - como muitos outros - longe do conhecimento da nova geração que você nunca poderá alcançar! A quem você está se dirigindo com este trabalho?
A todos aqueles que conhecem e querem ouvir, ler, compreender a complexidade do mundo também através da música e da poesia. Enquanto apenas um fizer isso, o mundo terá um futuro.
Há alguma novidade se falamos de aspectos puramente musicais?
Houve certamente em “Titania” a vontade de explorar formas musicais que, partindo da “música” entendida no melhor sentido (BEATLES…) rumaram para o clássico, o jazz, o blues, sem estabelecer limites expressivos.
Conte-me sobre o treinamento e quaisquer “colaboradores ocasionais”!
Neste momento o laboratório interactivo GOAD conta com membros fixos, imóveis ou quase: Alessandro Bruno (excelente jazzista e professor de guitarra, multi-instrumentista), Francesco Diddi (criativo multi-instrumentista, connosco desde 2006), o meu irmão Gianni (o núcleo duro da banda, aquele a quem todos se referem dentro e fora do palco porque não perde o ritmo), Paolo Carniani (bateria, conosco desde 1974, ainda que intermitente por problemas diversos, mas confiável e preparado, capaz de interpretar as músicas que compomos sem protagonismo De vez em quando, mas com muito prazer - após a demissão de Roberto Masini por limite de idade (está conosco desde 1995), e que aparece integralmente no CD bônus -, estava Antonio Vannucci no teclados, Pippo Trentastasi na bateria, Marcello Becattini em vários instrumentos (guitarra em primeiro lugar, com GOAD no lendário álbum dedicado a Poe em 94 e ao vivo na apresentação no ano anterior. Acrescento Martino Rossi, meu filho, que foi no palco tocando baixo, samples de tonalidades e fazendo contrapontos.
A sua discografia é interminável mas, olhando para trás, encontra o fio condutor que começa naquele longínquo 1983 e chega aos dias de hoje?
Sim, acredito que a vontade de ir além de qualquer lógica de mercado, embora não rentável, fez com que a banda crescesse além dos limites do tempo; único erro ou falha, tendo desistido da proposta de Freddy Mercury em 1981, mas era um grupo diferente, e vigorava a regra da maioria a favor ou contra.
Quem criou a obra de arte e o que ela representa?
É obra da magnífica produção de Francesco Palumbo, da My Kingdom Music, que nos submeteu antes de qualquer escolha alternativa. Nós realmente gostamos! Para mim, que vivo de sensações, representa uma magnífica mistura entre o clássico e o moderno, uma Nike grega com elementos botticellianos nas flores e outros detalhes mais modernos... as cores são magníficas!
O projeto contém um segundo CD ao vivo: conte-me algo sobre a escolha…
Quando apresentamos a ideia de uma performance ao vivo em CD, já havíamos remasterizado uma série de apresentações ao vivo de 2000 a 2015 em Roma pelo nosso técnico e colaborador artístico Max Cirone, mas depois tivemos algumas sessões de gravação em Florença com alguns amigos próximos, familiares ou amigos, e adicionamos mais músicas de 20022-23. Escolhemos com base no “Tiro”, como dizemos, e no “impacto” sonoro de cada peça no exame das músicas, e saiu aquele setlist bem representativo do GOAD.
Você tem algum show ao vivo planejado?
Infelizmente não por enquanto, por vários motivos. Os vários membros da banda tocam profissionalmente, além do meu irmão, e têm várias bandas ou artistas com quem colaboram regularmente. Para a música alternativa, como sabem, os orçamentos são ridículos e, depois de mais de 6.000 concertos de todos os géneros, realizados desde 1974, queremos salvar o nosso profissionalismo.
Normalmente quando um álbum sai já existem condições para novos projetos: o que está cozinhando na panela do GOAD?
Você está absolutamente certo. Há um álbum duplo sendo escrito no arranjo e vamos e voltamos entre Florença e Roma... com outras colaborações; além dos textos sagrados de Keats, que ainda estão presentes em muitas músicas, desta vez também textos originais do GOAD em maior número, e acredito que haverá muitas surpresas do ponto de vista tanto da composição quanto das escolhas estilísticas, sempre na íntegra liberdade expressiva!
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