A música de Charles Manson

Periodicamente o nome e a vida de Charles Manson e sua família vêm à tona e recentemente essa história macabra foi tema de um importante filme, “ Era uma vez em... Hollywood ”, de Quentin Tarantino, e também entre séries de TV que temos disponível, há um que usa como pano de fundo os acontecimentos que levaram ao massacre de Cielo Drive , entre 8 e 9 de agosto de 1969 , uma semana antes do início de Woodstock : da costa oeste à costa leste.E é justamente a visão da série Aquarius que me levou a ouvir a famosa música escrita por Manson para os Beach Boys , modificada na estrutura, a ponto de enfurecer Manson: esse poderia ser o evento desencadeador que o levou a ordenar o assassinato de muitas pessoas, incluindo Sharon Tate, esposa do diretor Roman Polansky, que estava grávida de oito meses.Abaixo relato notícias comuns encontradas online que mostram o lançamento de um álbum do Manson, publicado em 1970, poucos meses após sua prisão.Uma história, a do Manson e dos seus seguidores, que carrego comigo desde a minha juventude, quando soube pelos jornais, e em detalhe, os acontecimentos que nunca esqueci, juntamente com os de Woodstock, de natureza completamente diferente.

NOTAS RECUPERADAS ONLINE" Never Learn Not to Love " é uma canção gravada pelos Beach Boys , creditada a Dennis Wilson , e lançada como lado B do single " Bluebirds over the Mountain " em 2 de dezembro de 1968. 

A canção é na verdade uma versão modificada da canção " Cease to Exist ", composta por Charles Manson , na época um ex-presidiário em busca de carreira como cantor e compositor. 

Musicalmente, Wilson desviou-se da estrutura do Manson e adicionou uma seção de ponte. Dois meses após seu lançamento, a faixa foi incluída no décimo quinto álbum de estúdio dos Beach Boys, " 20/20".

Manson não recebeu nenhum crédito de composição, mas recebeu uma certa quantia em dinheiro e uma motocicleta, no entanto, ele ficou um tanto ressentido quando soube que Wilson havia mudado algumas letras de sua música.

Em agosto de 1969, cerca de um ano depois que os Beach Boys gravaram a música, Manson e seus seguidores cometeram vários assassinatos e foram presos três meses depois.

Uma gravação da versão original de Cease to Exist de Manson foi incluída em seu álbum de estreia “ Lie: The Love and Terror Cult ”, lançado em março de 1970 enquanto ele estava na prisão.

Um pouco de história…

No final da primavera de 1968, de acordo com alguns relatos, o baterista Dennis Wilson estava dirigindo pelas ruas de Malibu quando pegou carona em duas pessoas da Família Manson, Patricia Krenwinkel e Ella Jo Bailey, e as levou para sua casa em Pacific Palisades para passar algum tempo. tempo juntos. Voltando para casa na manhã seguinte, após uma noite passada no estúdio de gravação, ele encontrou Manson, que o cumprimentou como se nada tivesse acontecido. Após uma desconfiança inicial, Wilson tornou-se amigo de Manson e, nos meses seguintes, muitos membros da Família, especialmente mulheres jovens, passaram a residir na casa de Wilson.

Na época, Manson procurava uma carreira no mundo da música e Wilson, convencido de seu talento, quis contratá-lo para o selo Brother Records dos Beach Boys. Dan Caffrey do Consequence of Sound comentou que " era compreensível porque Wilson sentia uma afinidade musical com Manson ", e tomando os recentes Little Bird e Be Still de Wilson como exemplos , explicou que os dois compartilhavam abordagens não convencionais semelhantes e interesse em "desgastar as bordas do formas composicionais tradicionais".

Manson discutiu e apresentou algumas de suas composições para Wilson e em troca Wilson pagou pelas sessões de estúdio para ele gravar o material. Além disso, Wilson o apresentou à indústria musical, apresentando-o, entre outros, Gregg Jakobson, Terry Melcher e Rudi Altobelli. Naquele verão, Manson reservou uma sessão no estúdio de gravação caseiro de Brian Wilson para gravar algumas de suas canções, que foram co-produzidas por Brian e Carl Wilson. Muitas das faixas não eram simples demos, mas versões polidas, provavelmente incluindo Cease to Exist , que mais tarde foi regravada para Lie: The Love and Terror Cult (1970). Essas gravações ainda não foram lançadas; O musicólogo Andrew Doe afirma que as fitas ainda existem, mas devido à má reputação de Manson, é improvável que sejam lançadas.

De acordo com o biógrafo Peter Ames Carlin, Manson compôs Cease to Exist especificamente para os Beach Boys gravarem, e o biógrafo Steven Gaines também disse que Manson escreveu a música "notoriamente" para ajudar a aliviar as tensões dentro do grupo. Mike Love se lembra de não saber na época que a música foi escrita por Charles Manson e pensou que era de Dennis. Em troca dos royalties de Cease to Exist , Manson recebeu uma quantia em dinheiro e uma motocicleta (que Manson deu ao membro da família "Little" Paul Watkins). Quando Wilson comprou a música dele, na maior parte, ele seguiu as orientações artísticas de Manson. Porém, na tentativa de harmonizar melhor a peça com o estilo dos Beach Boys, Wilson retrabalhou a estrutura blues da peça e adicionou outra ponte. Além disso, a letra original de Cease to Exist foi parcialmente alterada (por exemplo, a linha de abertura "Cease to exist" tornou-se "Cease to resist"), e o título da música foi alterado para Never Learn Not to Love , para grande desdém de Manson. Os Beach Boys gravaram a faixa no estúdio caseiro de Brian Wilson em 11 e 16 e 18 de setembro de 1968.

Never Learn Not to Love foi lançado em 2 de dezembro de 1968 como lado B do single Bluebirds over the Mountain . Apenas na versão 45 rpm, a música tem uma introdução que vem de uma sessão anterior dos Beach Boys. O single alcançou a posição 61 na Billboard Hot 100 dos EUA e a posição 33 na UK Singles Chart. Em 10 de fevereiro de 1969, Never Learn Not to Love foi incluído no álbum 20/20 dos Beach Boys. Em 1971, quando questionado por que não incluiu Manson entre os escritores da peça, Dennis respondeu: “ Ele não queria. Ele queria dinheiro em vez disso. Dei a ele cerca de cem mil dólares ."

Manson ameaçou Dennis de morte quando descobriu que havia mudado a letra de sua música. O colaborador dos Beach Boys, Van Dyke Parks, relembrou: “ Um dia, Charles Manson mostrou uma bala para Dennis e ele perguntou: 'O que é isso ?' E Manson respondeu: 'É uma bala. Cada vez que você olha para ela, quero que você pense como é bom que seus filhos ainda estejam sãos e salvos .' Após esse episódio, Wilson percebeu o real perigo de Manson e seus acólitos e decidiu afastá-lo e encerrar sua amizade com ele.

O crítico musical Bruce Eder, em crítica para o site AllMusic, escreveu que os Beach Boys " colidiram com o lado negro dos anos 60, na forma de Never Learn Not to Love ". Em sua avaliação da música, Richie Unterberger escreveu que Never Learn Not to Love é mais conhecido por sua conexão com Manson, ao invés de seus méritos musicais decididamente "medianos". Colin Larkin, em The Encyclopedia of Popular Music, escreveu que a canção "teve a irônica distinção de ter colocado Charles Manson nas paradas". O jornalista Nathan Jolly chamou a música de " suave, mas ainda assustadora ", e observou ainda que os fãs dos Beach Boys que ouviram a música ao longo dos anos " não tinham ideia do mal inerente ao seu verdadeiro compositor ".

Durante o julgamento de Manson pelos assassinatos de 69, seu álbum de estreia, Lie: The Love and Terror Cult, foi lançado em 6 de março de 1970 . Composto por 13 faixas gravadas entre 1967 e 1968, também inclui o arranjo original de Cease to Exist do Manson . Aproximadamente 2.000 cópias do álbum foram distribuídas, mas apenas 300 foram vendidas.

Em uma resenha do álbum no AllMusic, sua versão de Cease to Exist é referida por Theodor Grenier como " uma das melhores e mais distintas performances de Charles Manson, tocando comparável a Jim Croce e José Feliciano ". O crítico Michael Little considera a versão de Manson superior à dos Beach Boys, elogiando sua performance vocal em particular: " você esperaria uma voz esfarrapada, crua e desgastada, com um toque de raiva louca, mas o que você ouve é uma voz aveludada como um cantor folclórico ."

 

Various Artists - Rock Anthems

 

Concept era uma empresa de marketing no estilo K-Tel. J&B era uma empresa irmã. Eles estavam baseados em 37 Whiting Street Artamon Sydney e mais tarde 139 Murray Street, Pyrmont. Fora isso há pouca informação. A gravadora foi fundada por Theo Tambakis. Ele havia trabalhado na K-Tel, onde produziu Hooked on Swing.

Concept foi um produtor altamente prolífico de compilações e durou até a era do CD. O primeiro lançamento foi em 1984 – Breakin' It Up CC0001, e o último parece ser depois de CC0200D – Unforgettable Songs, em 1992. Os álbuns foram fortemente divulgados no rádio e na televisão.

A maioria de suas compilações não exibia datas de lançamento em suas capas e esta compilação é uma delas. No entanto, daqueles que têm datas (veja a listagem do Discogs ), a maioria foi lançada durante 1987-1989, e então meu palpite é que esta compilação foi lançada em algum momento durante este período.

Esta compilação traz faixas dos anos 60 e 70 e, na minha opinião, contém 20 clássicos fantásticos do rock. Mas são todos Hinos do Rock? Bem, vou deixar você ser o juiz.

Meatloaf - "Bat Out Of Hell" (1977)
O single e o álbum "Bat Out Of Hell" (de mesmo nome) agitados, crescentes, mas melódicos, abalaram a cena musical punk/new wave do final dos anos 1970/início dos anos 80, lembrando-a com força da presença do hard rock, mas também da passagem para a apreciação pop 'teatral'. Seu perpetrador, Meat Loaf (nascido Marvin Lee Aday no Texas em 1948), adotou uma teatralidade tumultuada, que não deveria surpreender ninguém, já que ele já havia estrelado o filme "Rocky Horror Picture Show". Como todos os sucessos do Meat Loaf, Bat Out Of Hell foi escrito pelo pianista Jim Steinman. Ele disse que escreveu esta para ser a melhor "música sobre acidente de motocicleta". A letra refere-se a um piloto sendo jogado da bicicleta em um acidente e seus órgãos expostos. O álbum Bat Out of Hell passou 474 semanas na parada de álbuns do Reino Unido e se tornou um dos cinco álbuns mais vendidos de todos os tempos.

Elton John - "Crocodile Rock" (1972)
"Crocodile Rock" foi escrita por Elton John e Bernie Taupin e gravada no verão de 1972 no estúdio Château d'Hérouville na França (foi listado como "Strawberry Studios" nos créditos do álbum ), onde John e sua equipe já haviam gravado o álbum Honky Château. Foi lançado em 27 de outubro de 1972 no Reino Unido e 20 de novembro de 1972 nos EUA, como um single de pré-lançamento de seu próximo álbum de 1973, 'Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player', e se tornou seu primeiro número nos EUA. -um single, alcançando o primeiro lugar em 3 de fevereiro de 1973, e lá permaneceu por três semanas. Nos EUA, foi certificado Ouro em 5 de fevereiro de 1973 e Platina em 13 de setembro de 1995 pela RIAA.

A música foi inspirada na descoberta de Elton da banda australiana Daddy Cool e seu single de sucesso "Eagle Rock", que foi o single australiano de maior sucesso no início dos anos 1970, permanecendo em primeiro lugar por um recorde de 10 semanas.

Elton ouviu a música e o grupo em sua turnê australiana de 1972 e ficou muito impressionado com ela. Uma foto incluída na embalagem do álbum mostra o letrista de John, Bernie Taupin, usando um "Daddy Who?" crachá promocional. (veja à direita)

The Spencer Davis Group - "Gimme Some Lovin'" (1966)
O grupo Spencer Davis foi contratado por Chris Blackwell, que lançou seu primeiro single, um cover da música "Dimples" de John Lee Hooker, em 1964. Ele tinha o disco do grupo canções escritas pelo compositor jamaicano Jackie Edwards, duas das quais foram sucessos número 1 no Reino Unido em 1965: "Keep on Running" e "Somebody Help Me". Quando Blackwell voltou sua atenção para o mercado americano para o grupo, ele os fez gravar com o produtor Jimmy Miller e pediu-lhes que escrevessem uma música original que fosse bem recebida nos EUA. "Gimme Some Lovin'" foi o resultado; Miller tornou o lançamento nos EUA mais atraente ao gosto americano adicionando percussão e um refrão feminino. A música serviu ao seu propósito, tornando-se o primeiro hit americano do The Spencer Davis Group.

Gimme Some Lovin' foi escrita pelo vocalista do grupo, Steve Winwood (Spencer Davis era o guitarrista - ele foi escolhido como homônimo do grupo porque era o único que gostava de dar entrevistas). Winwood diz que eles tocaram tudo no estúdio na primeira ou na segunda tomada. A música também foi escrita na hora. Na revista Rolling Stone, o baixista Muff Winwood disse: "Steve estava cantando 'Gimme some lovin'', apenas gritando qualquer coisa. Demorou cerca de uma hora para escrever e depois foi até o pub para almoçar."

Dave Edmonds - "I Hear You Knockin" (1970)
Dave Edmunds é um daqueles artistas que está sempre prestes a se tornar um grande nome na indústria pop. Tudo começou em 1967, quando, como guitarrista da banda britânica LOVE SCULPTURE, alcançou o primeiro lugar no Reino Unido com Saber Dance. Em 1970 ele decidiu seguir carreira solo e seu primeiro single, I Hear You Knockin, alcançou o primeiro lugar na Inglaterra, vendendo mais de 3.000.000 de cópias. O disco também chegou ao Top 20 na Austrália.

A música foi muito bem na América, mas muito melhor em seu país natal, o Reino Unido (Edmond's Welsh), onde foi um dos singles mais vendidos de todos os tempos até aquele momento. Ele teve vários outros sucessos no Reino Unido, seguindo com outro cover retrô: "Baby, I Love You", que alcançou a 8ª posição em 1973. Ele teve vários outros sucessos em sua Grã-Bretanha natal, entre eles "Queen of Hearts" e " Eu conhecia a noiva (quando ela costumava fazer rock & roll)."

Canned Heat - "On The Road Again" (1968)
Embora o blues tenha se originado nos Estados Unidos e existam alguns blues-rockers americanos confiáveis ​​​​(como The Paul Butterfield Blues Band e os primeiros grupos do Captain Beefheart), o gênero foi dominado por estrelas do Reino Unido como The Roiling Stones, Cream, Fleetwood Mac e Jeff Beck Group. No exato momento em que todos esses artistas estavam no auge, Canned Heat alcançou o top 40 em 7 de setembro de 1968 com "On the Road Again" adaptado de um disco pouco conhecido de Floyd Jones.

Baseado no sul da Califórnia, longe das origens do blues no sul do Delta, o Canned Heat demonstrou com o single que uma jovem banda branca americana poderia tocar o blues com credibilidade e adicionar brilho de rock psicodélico suficiente para torná-lo relevante no final dos anos 60. Os toques modernos foram fornecidos por uma batida de rock sólida e um drone pseudo-oriental de tamboura, embora o vocal agudo e misterioso de Al Wilson soasse literalmente de outro mundo. Canned Heat eram colecionadores de discos e folcloristas dedicados, além de músicos. Wilson até ajudou a ensinar o lendário bluesman do Delta, Son House, a tocar guitarra novamente quando House fez seu retorno no circuito folk dos anos 60. Portanto, não foi nenhuma surpresa que eles remontassem aos anos 20 para seu próximo hit, "Going Up the Country", que adaptou elementos de "Bull Doze Blues" do country bluesman Henry Thomas.

T. Rex - "Get It On" (1971)
A banda pioneira de glam rock T. Rex (originalmente Tyrannosaurus Rex) não poderia fazer nada de errado em sua Inglaterra natal. De 1970 a 1973, eles tiveram dez singles no Top 5, incluindo quatro #1. (Sim, você leu certo.) A banda foi formada em 1967 pelo guitarrista Marc Bolan, que não tinha nem 20 anos na época, e ele se uniu ao produtor Tony Visconti para moldar os discos do grupo, um relacionamento que continuaria. por oito álbuns.

Em 1971, sua gravadora britânica, Fly, lançou “Get It On” e se tornou o segundo hit consecutivo da banda em primeiro lugar nas paradas em 24 de julho. Sua gravadora nos EUA mudou o nome da música para “Bang a Gong (Get It On) ”Para evitar confusão com uma música também chamada “Get It On”, que foi lançada no mesmo ano por uma banda de jazz rock chamada Chase.

Segundo o baterista do T. Rex, Bill Legend, ele e Bolan trabalharam o ritmo um dia no quarto de hotel de Bolan, e quando a turnê chegou a Los Angeles, o grupo se reuniu novamente com membros da equipe que trabalhou em seu primeiro álbum: o produtor Tony Visconti e os cantores de apoio Howard Kaylan e Mark Volman, que eram membros do The Turtles e gravaram como Flo & Eddie. Na casa de Kaylan em Laurel Canyon, eles passaram a noite toda trabalhando na música e, no dia seguinte, gravaram-na no Wally Heider Studios, em Los Angeles. Quando chegaram ao estúdio, eles tinham o refrão, o ritmo e a frase “você é sujo e doce”, mas Bolan teve que criar as outras letras na hora, indicando que ele não estava pensando muito sobre eles. Todos concordam que a cocaína esteve envolvida em todo o processo.

Joe Cocker - "With A Little Help From My Friends" (1968)
Os braços agitados de Joe Cocker, parodiados por John Belushi no Saturday Night Live, sempre davam a impressão de um homem fora de controle, impressão às vezes intensificada pelo estilo de vida de Cocker: isso desmentia uma paixão profunda e respeitosa pelo R'n'B e por Ray Charles em particular. Depois de pagar dívidas suadas em clubes do norte, sua ascensão à fama foi rápida: um single número um no Reino Unido com seu cover de 'With A Little Help From My Friends' (os amigos incluíam Jimmy Page e Steve Winwood) e aparições notáveis ​​​​em Woodstock e a Ilha de Wight. A divagante e cambaleante turnê Mad Dogs and Englishmen pelos EUA, organizada por Leon Russell em 1970, foi uma saga de exaustão (sessenta shows em três meses) e autodestruição, e a tensão quase acabou com ele. Mas Cocker era feito de aço Sheffield, ressurgindo para fazer um dueto com Jennifer Warnes em 'Up Where We Belong' e dar início à sua carreira.

The Kinks - "All Of The Day & All Of The Night" (1964)
Dado o domínio posterior de Ray Davies, vale lembrar que foi o guitarrista do Kink, Dave Davies, seu frenético irmão mais novo, que deu aos primeiros singles do grupo seu valor substancial: ele arrancou os alto-falantes em seu amplificador de prática e os conectou com alguns de seus amplificadores Vox para o som cru de "You Really Got Me". Dave e Ray brigavam constantemente, como todas as boas bandas fraternas, mas as habilidades de composição de Ray prevaleceram. Em "Dedicated Follower Of Fashion" e "Waterloo Sunset", os Kinks seguiram para o próprio modelo de uma banda inglesa, com suas participações especiais bem observadas da vida em Blighty, sempre sérias, mas abençoadas com um sorriso cintilante e enrugado.

Daí em diante, foi apenas um passeio alegre em direção a alguns álbuns conceituais, sucesso na América após 'Lola' ('Celluloid Heroes' foi o paralelo hollywoodiano de 'Waterloo') e obediência de Paul Weller, Supergrass e Blur - cujo single 'Country House' foi uma homenagem indisfarçável ao 'House In The Country' de 1966 dos Kinks.

"All Day and All of the Night" foi lançado como single em 1964, alcançando a posição nº 2 na UK Singles Chart e a posição nº 7 na parada Billboard Hot 100 dos EUA em 1965. A música foi incluída no Kinksize Hits EP no Reino Unido e no segundo álbum americano dos Kinks, Kinks-Size (1965). Como seu hit anterior "You Really Got Me", a música é baseada em um riff de acordes poderosos. Ambas as músicas são semelhantes em batida e estrutura, com vocais de fundo, progressões e solos de guitarra semelhantes.

Santana -   "Black Magic Woman"(1970)

Black Magic Woman foi um sucesso para Santana, mas poucas pessoas sabem que essa música era na verdade um cover de uma música do Fleetwood Mac de 1968 que alcançou a 37ª posição no Reino Unido. Peter Green, que foi membro fundador do Fleetwood Mac, escreveu as letras.

Muitos também não sabem que Santana começou como uma banda de blues, assim como o Fleetwood Mac. “Eu costumava ir ver o Fleetwood Mac original e eles me matavam, simplesmente me nocauteavam”, disse Carlos Santana no livro The Guitar Greats. "Para mim, eles eram a melhor banda de blues."

Santana deu um toque próprio à música, incorporando texturas latinas, mas manteve intacto o som básico do original. O tecladista de Santana, Gregg Rolie, cantou a música principal. Mais tarde, ele se juntou ao Journey em 1973.

Em 10 de janeiro de 1971, "Black Magic Woman" alcançou a posição 4 (por 2 semanas) na parada Hot Top 100 da Billboard; entrou nas paradas em 8 de novembro de 1970 e passou 13 semanas no Top 100 (e 7 dessas 13 semanas estiveram no Top 10).

Toto - "Hold The Line" (1978)
“Hold the Line” foi lançado em 1978 como o primeiro single da banda SEMPRE e também apareceu em seu primeiro álbum autointitulado. Poucos artistas tiveram a oportunidade de deixar uma primeira impressão tão marcante no momento em que entraram no mundo cruel da indústria musical. No entanto, Toto fez isso com esta música – ela alcançou imediatamente as primeiras posições nas paradas dos EUA, Suécia, África do Sul, Canadá e Austrália. Também é certificado pela RIAA como “GOLD”.

A música foi escrita pelo tecladista da banda – David Paich e os vocais principais são executados pelo incrivelmente talentoso Bobby Kimball.

A música apresenta percussão de piano de nota única, técnica bastante popular na época. Além disso, na minha opinião, o maior trunfo da música seria o elegante mas vigoroso riff de guitarra “cremoso”. A música simplesmente provou que seis músicos talentosos, que costumavam apoiar outros artistas famosos, podem realmente fazer mágica por conta própria desde a primeira tentativa!

“Tudo começou com o riff de piano que está na introdução. Comecei a tocar esse riff e simplesmente não conseguia parar de tocá-lo. Toquei por dias e comecei a cantar: “Segure a linha, o amor nem sempre chega na hora”. Foi uma frase que simplesmente veio à minha cabeça. . . foi uma bênção. (As palavras) vieram até mim durante a noite, e então fui para o verso. Escrevi em 2 horas. Às vezes as músicas vêm rapidamente assim, e às vezes passo 2 anos tentando terminar uma música”, disse David Paich sobre a composição da música.

Bachman-Turner Overdrive - "You Ain't Seen Nothing Yet" (1974)
Randy Bachman levantou um riff aqui e uma frase ali, criando o clássico rocktástico de Bachman Turner Overdrive "You Ain't Seen Nothing Yet", uma música que ainda paga suas contas.

Randy relembra: “Estou procurando uma coisa e então You Ain't Seen Nothing Yet aparece por acidente. Eu estava ensaiando e produzindo o terceiro álbum do BTO. Precisávamos de um hit FM Top 40, algo leve com um toque pesado. Naquela época, fui inspirado por Dave Mason do Traffic e sua música Only You Know And I Know, que tinha um ritmo dang-a-lang, e Listen To The Music dos Doobie Brothers. Então eu controlei aqueles ritmos estridentes, mudei os acordes e adicionei alguns acordes poderosos de minha autoria. Eu estava com um trabalho em andamento, em duas partes: um ritmo ótimo e um riff pesado.”

“Há muito tempo, meu irmão Garry, um dos quatro meninos Bachman, tinha um problema de fala; ele gaguejou e gaguejou. Para a provocação final, escrevi uma música como ele falava. Então liguei para ele e o assustei dizendo que isso estaria no álbum. “As palavras simplesmente fluíram sem pensar: 'Eu conheci uma mulher Diabólica e ela levou meu coração embora.' Isso parecia bom. Então, para o refrão, copiei o jeito que ele dizia: 'Você ainda não viu nn-nada', e também o jeito que ele tropeçou no 'ff-esqueça', e o jeito que ele disse 'bbb baby'. Gostei da ideia, mas nunca iria terminá-la.

Randy teria arquivado a música completamente se o homem de ligação com o artista de Mercury, Charley Fach, não tivesse intervindo.

“Ele adorou o álbum que se tornou Not Fragile, mas não conseguia ouvir um single de rádio FM. Ele disse: 'É ótimo, mas precisamos de uma dose.' Eu tinha acabado de fazer uma turnê de 90 dias, então disse a ele: 'É pegar ou largar. Mas tenho um péssimo trabalho com uma péssima impressão de Van Morrison. O engenheiro tocou para ele e em 1 segundo ele disse: 'Coloque isso no álbum agora.' Algumas semanas depois ele me telefona e diz que o disco é enorme!

Nota: O título está gramaticalmente incorreto. É uma dupla negativa, embora “Você ainda não viu nada” não soasse o mesmo.

Status Quo - "Rockin' All Over The World" (1977)
Muitas vezes descartado como piadas de três acordes, Status Quo riu por último. Depois de quatro décadas, eles acumularam mais de 50 entradas no Top 40 do Reino Unido, mesmo que apenas o guitarrista Rick Parfitt e o guitarrista/vocalista Francis Rossi estivessem sempre presentes.

Eles começaram como uma banda psicodélica cujo excelente "Pictures Of Matchstick Men" (1967) os viu ganhar seu único hit no Top 40 americano. Antes do tong, porém, o grupo começou a esfregar suas camisas estampadas.

Eles usaram o álbum Ma Kelly's Greasy Spoon (1970) para afirmar uma nova direção: o boogie prático. É um caminho do qual eles nunca se desviaram, sua atuação de palco encorajadora e encorajadora resumida por sua surra de machado literalmente de cabeça para baixo (que pose icônica eles apresentaram na capa de seu álbum Piledriver de 1972) e pelo tom de seu único número 1 no Reino Unido, "Down Down" (1974).

Com o passar do tempo, porém, um estranho toque country ou pop apareceu no processo, e sua canção mordaz sobre o exílio fiscal, Living on An lsland, (1979) foi uma surpresa particular.

Embora eles próprios escrevam muito material, a música característica de Quo se tornou sua versão de "Rockin' All Over The World" de John Fogerty, que entrou nas paradas do Reino Unido em 8 de outubro de 1977. Sua emocionante celebração do rock foi considerada por Bob Geldof como sendo a maneira perfeita de abrir o show do Live Aid de 1985, garantindo assim ao Quo uma imortalidade ainda mais elevada do que seu recorde de mais entradas nas paradas do Reino Unido do que qualquer outra banda britânica.

Steppenwolf - "Born To Be Wild" (1968)
Em 1968, o rock 'n' roll estava se tornando mais difícil e urgente, refletindo a incerteza e o perigo dos tempos - e "Born To Be Wild" de Steppenwolf, que entrou no Top 40 da Billboard em 20 de julho de 1968, selou o legado da banda nos anais de uma contracultura furiosa com seus riffs de guitarra altos, bateria densa e letras ilegais.

Escrita por Mars Bonfire (também conhecido como Dennis Edmonton), o segundo verso da música faz referência a "heavy metal Thunder" na primeira vez que a frase "heavy metal" apareceu na música. O uso do termo por Steppenwolf, usado pela primeira vez coloquialmente pelos poetas Beat Herman Hesse e Williams S. Burroughs, cunhou o nome do gênero emergente - que dominou as paradas americanas ao longo dos anos 70.

Como comentou o cantor do Steppenwolf, John Kay, "nossa filosofia era bater forte, defender seu ponto de vista e seguir em frente". Com seus riffs de guitarra agressivos e letras que desafiavam os valores mainstream e da contracultura e valorizavam a liberdade individual acima de tudo, "Born To Be Wild", do álbum Steppenwolf (1968), abriu caminho para bandas como Led Zeppelin e Black Sabbath, e mesmo agora para bandas como HIM, com atmosfera pesada. Também forneceu o complemento sonoro perfeito para o influente filme de motociclistas de Dennis Hopper e Peter Fonda, Easy Rider (1969).

Free - "All Right Now" (1970)
Puro e não adulterado, Free emergiu como guardião da chama bruxuleante do blues britânico em um quarteto de belo equilíbrio. Os vocais de desejo Huskily de Paul Rodgers, roupas cortesia dos pequenos anúncios no Melody Maker; Paul Kossoff ampliando seus licks de guitarra atemporais com o sustain de sua Les Paul; o baixo de milha de largura do adolescente Andy Fraser; o firme Simon Kirke 4/4'ing tudo junto na bateria. Em nenhum lugar seu manifesto foi melhor proclamado do que em seu hit de 1970, "All Right Now".

Alexis Korner sugeriu que eles se chamassem Free em homenagem ao seu próprio trio de blues, Free At Last, e aparentemente surgindo do nada, eles se encontraram entre as atrações principais do Festival da Ilha de Wight de 1970. No entanto, eles nunca foram capazes de construir completamente nesse sucesso, sobretudo através da tentativa de manter sob controle o vício em drogas de Paul Kossoff. 'Wishing Well' de 1973, o último single de Free, foi um apelo sincero de Rodgers a Kossoff - ele não prestou atenção à mensagem da música e morreu em três anos.

Uriah Heep - "Gypsy" (1970)]
"Gypsy" é o single de estreia da banda britânica de rock progressivo/hard rock Uriah Heep. É a faixa de abertura de seu primeiro álbum, …Very 'Eavy …Very 'Umble, lançado em 1970. "Gypsy" foi escrita por Mick Box e David Byron. O lado B da música na maioria dos países era "Bird of Prey", embora em outros os lados B fossem "Wake Up (Set Your Sights)", "Come Away Melinda" e "Lady in Black". A versão do álbum de "Gypsy" dura mais de seis minutos e meio, enquanto a versão do single dura menos de três minutos.

Para se diferenciar de outras bandas de rock da época, Heep substituiu o solo de guitarra quase obrigatório por um solo selvagem de órgão nesta música. A música foi uma das mais pesadas de seu tempo, rapidamente se tornou uma das músicas mais amadas de Heep e hoje é considerada uma das mais importantes composições do início do heavy metal.

Procol Harum - "Conquistador" (1967)
Formado no início de 1967 em Southend, Essex, a partir das cinzas do grupo de R&B Paramounts, o primeiro single do Procol Harum, o etéreo 'A Whiter Shade Of Pale', influenciado por Bach, deu-lhes um enorme sucesso internacional. Número 1 no Reino Unido durante seis semanas, é uma pedra angular imortal do célebre Verão do Amor de 1967. Royer e Harrison foram substituídos por Robin Trower na guitarra e BJ Wilson na bateria durante a gravação de seu primeiro álbum, mas Procol Harum recebeu maior reconhecimento (e vendas de discos mais saudáveis) nos EUA do que em casa, onde seu primeiro álbum nas paradas foi o de 1969. 'Um cachorro salgado'.

"Conquistador" foi escrita por Gary Brooker e Keith Reid e apareceu originalmente no álbum de estreia autointitulado da banda em 1967. Foi lançado como single do álbum da banda 'Procol Harum Live In Concert' de 1972 com a Orquestra Sinfônica de Edmonton, e é esta versão o lançamento mais popular. Observe que a versão lançada nesta compilação é a versão original de estúdio.

O letrista do Procol Harum, Keith Reid, disse ao Songfacts que a música de "Conquistador" foi escrita antes da letra. Ele acrescentou que isso era incomum, já que "99 entre 100" das canções do Procol Harum daquela época "foram escritas primeiro com a letra e depois musicadas". 

Joe Walsh - "Rock Mountain Way" (1973)
"Rocky Mountain Way" é uma canção de 1973 do guitarrista de rock Joe Walsh e sua banda Barnstorm. A música foi lançada originalmente no álbum The Smoker You Drink, the Player You Get. A música apresenta Walsh usando um talk box de guitarra, fabricado pelo engenheiro de som Bob Heil, que inventou o dispositivo usado por quase todos os expoentes do rock. O tom distinto "... dá ao blues de Walsh uma onda futurística, como se uma fera mecânica enorme estivesse pairando sobre aquelas montanhas rochosas que

Joe explicou em um artigo para a Rolling Stone Magazine - eu tinha deixado a James Gang, saí de Cleveland e fui para Colorado porque Bill Szymczyk estava lá e um monte de outras pessoas que eu conhecia. Tínhamos o álbum Smoker praticamente pronto [The Smoker You Drink, the Player You Get], exceto que tínhamos uma faixa que era instrumental. Não conseguia pensar em nenhuma palavra e todo mundo estava esperando pacientemente que eu pensasse em alguma coisa.

Um dia, eu estava no meu quintal em Boulder cortando a grama e pensei: "Cara, espero que deixar a gangue James tenha sido bom. ideia!" Porque eu ainda não tinha surgido como um ato solo. Eu estava quase lá, mas não exatamente. E então olhei para cima... e lá estavam as Montanhas Rochosas. Era verão, mas você ainda podia ver neve nas costas Alcance. Me dei conta de como tudo era lindo, a 1.500 metros de altura. E foi isso - as palavras vieram: "Passei o ano passado no caminho das Montanhas Rochosas / Não consegui subir muito. E o segundo verso é sobre o meu antigo." gestão – nos dizendo isso, nos dizendo aquilo, hora de trocar a massa. Eu entendi tudo isso de uma vez. E corri para dentro para anotar antes que esquecesse.

O único problema foi que esqueci de desligar o cortador de grama. Ela continuou se movendo e foi até o quintal da vizinha e comeu suas roseiras. Abri um pequeno caminho direto. Então essas letras acabaram me custando, não sei, talvez 1.500 dólares. Mas valeu bem a pena. A vizinha, porém, estava chateada. Eu disse a ela: "Você não entende! Eu entendi as palavras!" Mas ela apenas olhou para mim. [Minha vida em 15 músicas: Rolling Stone, maio de 2016]

Cheap Trick - "Dream Police" (1979)
"Dream Police" é uma canção escrita por Rick Nielsen e originalmente lançada em 1979 pela banda de rock americana Cheap Trick. É a primeira faixa do álbum homônimo do grupo. Nielsen afirmou que a música "é uma tentativa de pegar um pensamento pesado - um pedaço rápido de REM capturado logo antes de acordar - e colocá-lo em um formato pop". Ele também afirmou que "a música era sobre o Big Brother observando você.

"Dream Police" remonta a 1976. Foi uma das 22 músicas que a banda escreveu para seu primeiro álbum, e não foi incluída. A música evoluiu enquanto eles a tocavam ao vivo e a refinavam no estúdio, e ela foi lançada como faixa-título de seu quarto álbum de estúdio. Nessa época, seu álbum ao vivo, At Budokan, foi lançado, quebrando-os com o single "I Want You To". Want Me." O próximo single foi "Dream Police", e se tornou uma de suas canções mais populares, alcançando a 26ª posição nos EUA na Billboard Hot 100.

Rod Stewart - "Maggie May" (1971)
Nos anos 60, os Beatles lideraram as paradas de singles e álbuns do Reino Unido e dos EUA, tudo ao mesmo tempo, mas nunca tecnicamente com o mesmo produto. Foi preciso Rod Stewart para alcançar o que até mesmo os poderosos Fabs não tinha. Ainda vocalista do The Faces, mas cada vez mais conhecido por seus álbuns solo, em 1971 Stewart gravou sua obra-prima em LP, 'Every Picture Tells A story'. Como sempre, era feito de uma mistura altamente incomum de folk, soul e rock, uma versão épica de "I'm Losing You" esfregando ombros com a bela evocação rústica da vida fronteiriça de Stewart, "Mandolin Wind". Também contou com uma colaboração entre Stewart e o guitarrista clássico Martin Quittenton sobre a primeira conquista sexual do artista.

Apesar de um tema atrevido e uma melodia cativante e estridente desencadeada por um solo de bandolim cativante, tudo levado para casa pela rouquidão emocional única de Stewart, a Mercury Records não achou que a música fosse um material de sucesso, relegando-a para um lado B, em vez disso, "Reason To Believe" foi escolhido como single do álbum. Mas o destino, na forma de opinião de DJ, interveio, e o single "Maggie May" recebeu o toque de rádio que merecia; em 9 de outubro de 1971, a canção liderou as paradas de singles no Reino Unido. alcançou o primeiro lugar nos Estados Unidos em 2 de outubro, mesmo dia em que o álbum liderou as paradas de álbuns dos EUA. Com o álbum também apresentado no NO. 1 na Grã-Bretanha, foi um golpe duplo-duplo sem precedentes.

Boston - "More Than A Feeling" (1976)
Ao mesmo tempo, o lançamento de estreia de Boston foi o álbum de estreia mais vendido de todos os tempos. Quase tudo neste álbum é elaborado com maestria, desde o volume até as camadas e tudo mais. A musicalidade encontrada em cada música é excelente. Embora Tom Scholz toque vários instrumentos, o mais notável é o violão. Embora existam muitos bons músicos por aí, não é aí que Boston se destaca.

Tomemos por exemplo a faixa de abertura “More Than a Feeling”. Este single de estreia entrou na parada da Billboard em 16 de outubro de 1976, rumo ao pico da posição 5. Além de ter um dos riffs mais reconhecíveis, a maneira como tudo se encaixa na hora certa é algo que poucos foram capazes de fazer. antes de Boston.

O som é difícil de explicar sem ouvir o álbum, mas vou tentar. Imagine um nível de som onde a guitarra solo está tocando e a vanguarda, onde normalmente está. Com Boston, Scholz encontrou uma maneira de fazer todos os instrumentos, da bateria ao órgão e ao baixo; ser facilmente ouvido ao mesmo tempo, nos lugares certos para obter o efeito máximo.

Há algo no LP de estreia de Boston que o torna um dos melhores LPs de todos os tempos, e embora eles tenham feito grande sucesso com seu single “More Than A Feeling”, este álbum tem muito, muito mais a oferecer.

Esta postagem consiste em FLACS extraídos do meu Concept Vinyl e inclui a capa completa do álbum e scans da gravadora. Esta é uma das minhas compilações favoritas e oferece uma ampla gama de sucessos dos anos 60 e 70. Algumas raridades que valem a pena mencionar nesta compilação: "Gypsy" de Uriah Heep (o lançamento do single é uma versão mais curta do lançamento do álbum com a qual as pessoas estão mais familiarizadas) e a versão de estúdio de Conquistador do Procol Harum (a maioria das pessoas está mais familiarizada com o Live versão).  

O único ponto negativo que tenho com este comp é a ausência de qualquer Aussie Anthems, o que é um pouco míope por parte do Concept, na minha opinião. Mas, novamente, este é apenas um disco conceitual! LOL

Tracklist

A1 – Meat Loaf (Bat Out Of Hell)

A2 – Elton John (Crocodile Rock)

A3 – The Spencer Davis Group (Gimme Some Lovin')

A4 – Dave Edmunds (I Hear You Knocking)

A5 – Canned Heat (On The Road Again)

A6 – T. Rex  (Get It On)

A7 – Joe Cocker (With A Little Help From My Friends)

A8 – The Kinks (All Day & All Of The Night)

A9 – Santana (Black Magic Woman)

A10 – Toto (Hold The Line)

B1 – Bachman-Turner Overdrive    (You Ain't Seen Nothing Yet)

B2 – Status Quo (Rockin' All Over The World)

B3 – Steppenwolf    (Born To Be Wild)

B4 – Free (All Right Now)

B5 – Uriah Heep (Gypsy)

B6 – Procol Harum (Conquistador)

B7 – Joe Walsh (Rocky Mountain Way)

B8 – Cheap Trick    (Dream Police)

B9 – Rod Stewart    (Maggie May)

B10 – Boston   (More Than A Feeling)

MUSICA&SOM

Red Hot Chili Peppers - Unauthorised: Live Vol.1 (1993) Bootleg

 

The Red Hot Chili Peppers Eat It Raw
(Grooving on the “mother’s milk” of sex and funk)
por Roy Trakin 

Uma coisa que George Clinton me contou sobre tocar funk que nunca esquecerei é que você tem que levar tudo para casa, — diz Flea. Sentado no meio de um bistrô italiano da moda na Melrose Avenue, o baixista do Red Hot Chili Pepper e cofundador do grupo está fazendo sua parte usando um gorro com uma hélice presa no topo.

“Você não desiste pela metade”, diz seu amigo, vocalista e membro original Anthony Kiedis, que está atraindo alguma atenção por meio de uma tatuagem particularmente colorida em seu ombro “Funk é uma música hardcore que lida com músicas pesadas. -emoções centrais. Guerra e Paz. Amor e ódio…”

Ele poderia ter acrescentado vida e morte, porque é isso que os Chili Peppers enfrentam em seu quarto e aparentemente mais bem sucedido LP, Mothe6 Milk (sem incluir o “melhor ou EP de 1988, Abbey Road). Foi necessária a overdose de heroína do guitarrista de longa data Hillel Slovak e a saída do baterista Jack Irons - e a adição de John Frusciante e Chad Smith para substituí-los - para Flea e Anthony tomarem as rédeas do culto dos Chili Peppers e dirigirem rumo à terra prometida do sucesso comercial.

Red Hot Chili Peppers 1989

“A morte de Hillel mudou toda a nossa atitude”, explica Anthony, porta-voz da banda. “Perder seu melhor amigo aos 26 anos é um alucinante. Mas definitivamente houve uma inspiração que veio da morte de Hillel e que ajudou a aprimorar o foco da banda. Flea e eu ficamos juntos e decidimos: 'Aqui está algo que começamos há muito tempo e ainda não terminamos.' Nós dois percebemos que tínhamos que nos esforçar, mudar nosso estilo de vida e olhar para o que era importante para nós – coisas como amizade, amor, fazer boa música e não nos deixarmos desviar pelas influências mais negativas da vida. Tentamos usar a nossa perda como uma influência positiva e encorajadora – no mínimo, para provar ao mundo que o que estávamos fazendo era digno e legítimo. Hillel pode estar morto; não estivessem."

Anthony Kiedis e Flea, agosto de 1989

O grupo ressaltou essa determinação com o primeiro single do novo álbum, o hino do AOReady chamado “Knock Me Down”. É uma saga de advertência que avisa: “Se você me ver ficando chapado… me derrube”.

“Estranhamente, comecei a escrever essa música antes da morte de Hillel”, revela Anthony. “Eu realmente não tinha pensado em completá-lo até depois que ele faleceu. Trata-se de reconhecer que somos todos seres humanos e que o melhor que podemos ser é apenas isso: humanos. Ninguém é melhor ou pior do que ninguém. E você nunca está acima de um problema... incluindo a doença mortal do vício. Deve-se estar disposto a aceitar a ajuda de seus amigos mais próximos, em vez de tentar fazer tudo sozinho. Você nunca deve pensar que é tão legal ou que está no controle a ponto de poder cuidar de problemas que estão além de serem resolvidos por um indivíduo.”

Teatro de Fantasia, Lakewood 1989

Anthony insiste que não sente culpa por ser incapaz de evitar o que aconteceu, apenas “tristeza final”. pensando bem, eu gostaria de tê-lo ajudado, mas é ridículo insistir nisso”, diz ele. “Você não pode se culpar.”

Em vez disso, Anthony e Flea escolheram um par de Chili Peppers novos e tentaram transformar sua tragédia em triunfo. Depois de três álbuns e um EP que não conseguiu atingir as paradas, a banda estava ansiosa para aumentar as apostas, insistindo que não havia pressão da administração ou de sua gravadora, a EMI, para fazê-lo.

“Temos o desejo de comunicar nossa música para um número muito maior de pessoas do que no passado”, concorda Flea, com as pás da hélice girando em seu chapéu. “Acho que capturamos mais energia do que jamais havíamos registrado antes. Considerando tudo o que aconteceu, o fato de termos ficado juntos foi um grande fator de união.” “Nossa gravadora nunca tentou nos pedir para fazer outra coisa senão o que fazemos”, afirma Anthony. 

“Provavelmente mais por medo do que qualquer outra coisa. Acho que foi essa falta de pressão que nos ajudou porque fizemos o nosso trabalho sem mudar por causa da indústria, do rádio ou de qualquer coisa. A única pressão veio de nós mesmos.”

As contribuições do novo guitarrista Frusciante e do baterista Smith foram mais do que incidentais. Frusciante era um cara do vale de Chatsworth, Califórnia, que seguiu o Red Hot Chili Peppers como um fã ávido antes de se juntar ao grupo, no mesmo dia em que saiu do Thelonious Monster.

“Foi como uma injeção de sangue fresco de macaco na têmpora”, observa Anthony, comendo um aperitivo de queijo mussarela fresco. John acrescenta: “Eu já me sentia espiritualmente como um membro dessa banda antes mesmo de conhecê-los. Eles foram uma extensão da minha atitude em relação ao mundo e à música, e da minha filosofia de como quero viver minha vida.”

Quanto a Smith, nativo de Detroit, ele não tinha ideia do que eram os Chili Peppers antes de fazer o teste. “Acabamos de explicar que éramos uma banda de sexfunk psicodélica e hardcore do céu”, Anthony ri. “E ele poderia produzir esse tipo de bateria?

Nas primeiras semanas de lançamento, Mother's Milk vendeu quase 200.000 cópias, mais do que qualquer outro álbum anterior do Chili Peppers. “Este disco é mais aceitável nas rádios”, concorda Anthony. “Embora não fosse nossa intenção mudar nessa direção. Não estávamos tentando nos encaixar. Era apenas uma expressão natural de como nos sentíamos. Esta foi uma ligação direta entre nossos corações, almas e órgãos genitais com guitarras e cordas vocais.” [extrato de thechilisource.com ]

The Mother's Milk Tour
Com John Frusciante e Chad Smith a bordo, Mother's Milk instantaneamente atraiu mais atenção do que os discos anteriores da banda e, como tal, os locais em que a banda se apresentou foram capazes de acomodar multidões muito maiores. A banda estava agora tocando em mais arenas do que nunca e ganhando mais exposição na televisão e no rádio, especialmente através da rádio universitária, que foi uma grande apoiadora do álbum e ajudou a banda a eventualmente ganhar mais atenção do mainstream. Pela primeira vez a banda também atualizou para um ônibus de turnê completo e adicionou músicos e cantores de apoio.

A turnê foi de longe a maior da banda na época, levando-os a novos públicos e locais maiores para se apresentar. A turnê também incluiu aparições na televisão em programas como The Arsenio Hall Show, onde eles até fizeram uma homenagem ao apresentador noturno chamado "Ode To Arsenio", que foi usada como introdução ao cover de "Higher Ground" de Stevie Wonder. Em Austin, Texas, durante a apresentação de abertura de Mary's Danish, todos os quatro Chili Pepper's subiram ao palco totalmente nus e atacaram as duas vocalistas femininas de Mary's Danish. Suspeito que Mary Danish foi escolhida como banda de apoio porque tinham um interesse comum na música de Jimi Hendrix. O setlist do show do RHCP na época consistia em "Castles Made Of Sand" e "Crosstown Traffic" 

ESTATÍSTICAS DO SHOW DE RECURSOS

46º show da “Turnê Leite da Mãe”

80º show em 1989

3º show em Lakewood, Ohio

497º show nos Estados Unidos

A qualidade da gravação não é tão boa quanto outros lançamentos do JOKER que ouvi, mas a clareza ainda está lá. A extensão do set list deste bootleg é curta e incompleta, apresentando apenas 10 das 21 músicas tocadas na noite . Infelizmente, o encore "Crosstown Traffic" é uma das faixas que faltam. 

Este bootleg foi lançado anteriormente sob o título "SuperFunky" (veja acima) e incluí arte para ambos os lançamentos. Observe que a faixa 9 está listada no lançamento do Joker como "Special Secret Song Inside", mas é claro que a faixa é na verdade "Party On Your Pussy". Estou pensando que a equipe do JOKER estava preocupada com a reação negativa que poderia receber das autoridades se publicasse seu nome verdadeiro, já que esses piratas eram vendidos em muitos meios de comunicação convencionais. 

Claro, não há primeiro prêmio para adivinhar qual seria a linha do refrão da Faixa 10!   

Tracklist

01. Out In LA (2:17)

02. Backwoods (3:37)

03. Dr. Funkenstein (1:10)   'Parliament Cover'

04. Funky Crime (3:26)

05. Higher Ground (3:37)    'Stevie Wonder Cover'

06. Hollywood ( 6:08)       'The Meters Cover'

07. Knock Me Down (4:03)

08. Castles Made Of Sand (3:27)     'Jimi Hendrix Experience Cover'

09. Special Secret Song Inside (aka Party On Your Pussy) (3:57)

10. F # U (1:13)

Pessoal

Flea - baixo, backing vocals

John Frusciante - guitarra, backing vocals

Anthony Kiedis - vocal principal

Chad Smith - bateria

MUSICA&SOM

November - Live (1970-1971)

01 - Långt från Sergel

02 - Tillbaks till Stockholm

03 - Allt genom dig

04 - Mouchta (drömnmen om Malin)

05 - Mina fotspår fylls av vatten

06 - Kommer långsamt

07 - Sekunder

08 - Åttonde

09 - Mina fotspår fylls av vatten

10 - Tillbaks till Stockholm

11 - Allt genom dig

Músicos: Christer Ståhlbrandt (vocais, baixo) ; Björn Inge (bateria) ; Richard Rolf (guitarras)

Super power-trio sueco. Seu som é um hard poderoso e enérgico, com uma cozinha destruidora e cantado em sua própria língua natal. Alterna passagens pesadas, com claras influências de Black Sabbath, com trechos suaves com a incursão de flauta e piano, criando climas muitas vezes inesperados e dinâmicas incríveis. Os destaques, no primeiro disco, ficam com a matadora abertura, "Mount Everest", a frenética "Gröna Blad" e o hard rock espetacular de "Ta ett steg in i Sagans land" (que foi lançada em single numa versão em inglês, com o título de "Nobody's Hand to Hold" junto com "Mount Everest", também em inglês). No segundo disco, merecem audição especial as faixas "Men Mitt Hjärta Ska Vara Gjort Av Sten" e "Mina Fotspår Fylls Av Vatten". O disco ao vivo contém gravações de vários shows, por este fato algumas faixas estão repetidas, pois tratam-se de gravações diferentes. A história está no link http://whiplash.net/materias/hard70/000244-november.html , cortesia de Marcos A. M. Cruz, dessecando a história desses malucos do hard. Altamente recomendável!

Damnation - The 2nd Damnation (1970)

 

01 - No Way

02 - Death of a Virgin

03 - Driver

04 - Everyone

05 - Back to the River

06 - Money Free

07 - Ba-dup

08 - New York City Woman

09 - In the Morning

10 - Smile

Músicos : Adam Blessing (vocais) ; Ray Benick (baixo) ; Bob Kalamasz (guitarras, vocais) ; Jim Quinn (guitarras, vocais) ; Billy Schwark (bateria)

Quinteto da cidade de Cleveland, Ohio - EUA, conterrâneos do power-trio James Gang. A banda, em 1973 foi renomeada como Damnation of Adam Blessing. Tiveram um relativo sucesso comercial e gravaram 4 discos (que em breve rolarão aqui no HR 70's). Este disco, segundo da banda, foi inclusive lançado na época no Brasil e relançado pelo valoroso selo Akarma! Um hard psicodélico bastante pesado, com uma cozinha vigorosa, boas composições e muita energia, a receita que todo mundo aqui gosta de ouvir! Altamente recomendado!

MUSICA&SOM

Wizard - Wizard (1971)

01 - Freedom

02 - Come and See the Bride

03 - What do You Know About Mary

04 - Opus Ate

05 - Goin' Away

06 - Killing Time

07 - Got to See my Way

08 - Ride

09 - Seance

10 - Talkin' to God

11 - Evergreen

12 - Got Love

13 - Freedom (Bonus)

Músicos : Ben Schultz (guitarra e vocais) ; Paul Forney (baixo e vocais) ; Chris Luhn (bateria)

Banda norte-americana, da qual não tenho muitas informações. Este é o único e raro e registro da banda. Sua sonoridade é aquela pauleira hard característica dos power-trios e com um som que remete a nomes como Trapezze, James Gang, Grand Funk Railroad, Mountain e Led Zeppelin. Um timbre deliciosamente ardido de guitarra, um baixo esfuziante, uma bateria mão pesada e boas composições. Altamente recomendado!

MUSICA&SOM

Highway - Highway (1975)

01 - Too Many Changes

02 - Look Away

03 - Pegasus

04 - Seems To Me

05 - It Won't Last Long

06 - Days Go By

07 - Bright Side

08 - Meadow

09 - Slip Away

10 - Tomorrow

11 - Lady Luck

12 - My Music

Músicos : Steve Murphy (guitarra e vocais) ; Dan Cammarata (bateria) ; Eric Bannister (baixo)

Power-trio norte-americano, de Minnesota, com este único e raro registro. A banda foi formada em 1972, porém só 3 anos depois conseguiram lançar seu disco. Durante o período tiveram somente fama local. O som foi todo composto pelo guitarrista Steve Murphy e nele contém aquela tradição do hard norte americano - bastante peso e referências a psicodelia sessentista e ao country-blues. O som remete-nos facilmente a bandas como o Grand Funk Railroad, Josefus, Bolder Damm e Morly Grey. O baixo marca presença firme e a guitarra saturada harmoniza o trabalho estrondoso da bateria. As quatro últimas faixas são bônus da mesma época do lançamento do disco.

MUSICA&SOM