- Lars Reinau - lead guitar, vocals - Jørn Anker - Hammond organ, vocals - Ole Fester - bass - Peter Lindhe - drums + - Carsten Meinert - producer - Jørgen Bornefeldt - producer, engineer
01. Preambulum (Jørn Anker) /Discovery In Blue (Lars Reinau) - 6:22 02. Believe Me (Ole Fester) - 4:30 03. Fell The Joy (John Kjærgård/Peter Lindhe) - 6:53 04. What Can I Do (Lars Reinau) - 6:41 05. The Lonely Shepherd Boy (Jørn Anker) - 4:28 06. Globe Without A Soul (Jørn Anker, Steen Christiansen) - 6:00
- Chris Spedding - guitar, lead vocals, producer - Paul Abraham - organ - Royston Mitchell - piano, harmonium, backing vocals - Roy Babbington - bass - Laurie Allan - drums - Frank Ricotti - congas (09) - Andrew King - produce
All songs written by Chris Spedding except where noted. 01. For What We Are About To Hear - 2:29 02. Backwood Progression - 3:43 03. Words Don't Come - 1:44 04. The Hill - 3:26 05. You Can See - 5:17 06. Session Man - 1:25 07. Please Mrs. Henry (Bob Dylan) - 2:17 08. The Soldiers And The Goodtime Girls - 3:56 09. Ought To Be A Law - 2:27 10. She's My Friend - 3:07 11. Should The Occasion Arise (Roger Potter, Chris Spedding) - 2:13 12. Never Carry More Than You Can Eat - 2:23 13. Backwood Theme - 2:03
Puta merda. Ajuda o fato de John McLaughlin já ser um dos guitarristas mais subestimados de todos os tempos, mas sua banda também é formada por músicos incrivelmente unidos e magistrais. The Inner Mounting Flame é o jazz fusion no seu estado mais pesado, mais contundente, possivelmente no seu melhor. De peças progressivas complexas a jams de blues dementes, a orquestra de McLaughlin é um barril de pólvora de energia que está sempre prestes a explodir. Deveria continuar assim também.
Este álbum é incrível por muitos motivos. É o momento em que, por pura força de vontade, o jazz voltou para se chocar de cabeça com o rock progressivo. Este álbum é quase tão pesado quanto Red do King Crimson, de verdade. Jan Hammer, que toca piano neste álbum, fez a música tema do Miami Vice dos anos 80.
Este é o álbum que fez de John McLaughlin um nome semi-familiar, um encontro furioso, cheio de energia, mas rigorosamente concebido, de virtuosos que, para todos os efeitos, definiu a fusão do jazz e do rock um ano depois de Bitches Brew, de Miles Davis. avanço.
Estreia cativante de uma banda que soube captar a fusão do Jazz a níveis enormes e elevar a sua apresentação a horizontes remotos com uma visão vanguardista. McLaughlin tinha ideias muito sui generis sobre como orquestrar seu grupo, sempre buscando o conceito de misturar gêneros na hora de compor. Principalmente, eu estava procurando um violinista. Depois revelou sua guitarra de braço duplo (de 6 e 12 cordas), e Hammer acrescentou um sintetizador Moog, que lhe permitiu estabelecer um diálogo com a linguagem da guitarra de McLaughlin e o resultado foi um álbum interessante que vem de dentro e do jazz. som com influências progressivas, portanto, o álbum desenvolve uma atmosfera mística envolta em um jazz eclético e composto por elementos progressivos , sendo em si um álbum intenso, "extrovertido", complexo, ousado, que se mantém nos improvisos e escala as paredes do desrazão; Em suma, um álbum DES-CO-MU-NAL que, sendo inexperiente e imaturo em termos de performance, consegue produzir momentos intensos e brilhantes. Em suma, uma estreia magistral que desenvolve uma sonoridade explosiva e se desenrola livremente.
Contracapa em acetato onde a faixa pode ser vista em colagem fotográfica.
Minhas impressões são altas, para uma estreia esse trabalho me deixou flutuando em um mar de sensações, a performance aqui é pura vanguarda e a manifestação sonora é um turbilhão de pulsações elétricas; o tempo muda, os arranjos elegantes e as passagens ecléticas deslumbram demais, a conexão dos músicos e a visão da banda consegue ser uma experiência fantástica, músicas como Vital Transformation são uma explosão de liberdade, enquanto A Lotus no Irish Streams é O outro lado da moeda. Há uma configuração sonora que abre espaço para as apresentações altamente progressivas porque tiram muito disso, em determinado momento o álbum quebra em progressões e fica impregnado dessas influências. Mesmo imaturo em conceitos e ideias, a estreia consegue ascender aos reinos do CULT. Na minha opinião é um prelúdio para a verdadeira evolução da Orquestra Mahavishnu, a banda irá expandir sua proposta e deixar verdadeiras OBRAS DE ARTE no futuro, por enquanto The Inner Mounting Flame é a ponta da lança rumo à magnificência do mais elegante, vaidoso e rembombate, pretensão resplandecente do conceito JAZZ PROG. Até nos vermos novamente.
Mini fatos: * The Inner Mounting Flame é o primeiro álbum de estúdio da banda americana de jazz fusion Mahavishnu Orchestra, lançado em 14 de agosto de 1971. É classificado em 89º lugar na Billboard 200 em 1971. Lançado como The Mahavishnu Orchestra com John McLaughlin , é considerado um dos primeiros álbuns de jazz rock.
*Seus dois primeiros álbuns são obras-primas absolutas do gênero. Uma conquista impressionante e certamente um dos maiores álbuns já criados, “The Inner Mounting Flame”desafia qualquer categorização, pois justapõe influências do rock, jazz, música clássica, indiana e celta de uma forma que é ao mesmo tempo agressiva e pouco sutil ano depois.
01. Meeting of the Spirits 02. Dawn 03. Noonward Race 04. A Lotus on Irish Streams 05. Vital Transformation 06. The Dance of Maya 07. You Know, You Know 08. Awakening
Ao falar sobre Zeuhl, a contribuição de Magma não foi a fusão da complexidade do rock progressivo, a fluidez da música jazz e a grandeza da música clássica, mas sim as mudanças rítmicas abruptas, gradientes harmônicos nítidos, forma geométrica estrita, canto tenso e teatralidade violenta, atributos isso fazia com que a música deles parecesse que você estava descendo uma ladeira correndo, com ocasionais quedas no vazio que induzem à ansiedade.
Não é de admirar que essa banda seja tão boa, já que até a estreia deles me arrasou. Ou pelo menos a maior parte da minha bunda. Não tão excêntricos ou tão sinfônicos quanto seriam, mas isso está muito longe do caminho comum para este período de tempo. Uma influência jazzística mais proeminente, mas ainda com muitas mudanças progressivas. Na verdade, muito disso soa muito bem como Krautrock, e muito bom Krautrock. O segundo disco parece estar faltando um pouco, mas devo dizer que ainda estou surpreso com o quão bem este álbum se comporta.
Quantas outras bandas você consegue citar que tiveram a ousadia de estrear com um álbum duplo?
Kobaian é uma linguagem construída, criada pelo baterista e compositor francês Christian Vander para sua banda de rock progressivo Magma. É a língua de Kobaïa, um planeta fictício inventado por Vander para uma "ópera espacial" cantada em Kobaïan em dez álbuns conceituais do Magma .
Uma estreia que explora excessivamente todos os recursos disponíveis e consegue criar um download de sons que vão além da razão, o álbum é um caos mas também é harmonia, é um emaranhado de ideias que se juntam e uma revolução foi concebida dentro de o universo do Jazz. A atuação do Magma é de altíssimo nível, sua proposta inicial é uma mistura vanguardista de rock, jazz e música contemporânea mas a questão não para por aí, o “selo magma” manifesta um som rítmico, poderoso e em rápida mudança. vezes; É cru, sombrio, mas também resplandecente e influenciado por Stravinksy, John Coltrane e/ou Albert Ayler. Kobaïa abre as portas para um universo e promulga um movimento musical chamado Zeuhl (“celestial” em Kobaïan), mas este não é o álbum chave para o conceito seminal; Aqui se abrem as portas que tomarão a forma mas a verdadeira essência ainda não foi decantada, isso será melhor apreciado com o mítico Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh e começará a ser criada uma escola onde nascerão novas propostas e ideias para germinar completamente o gênero musical Zeuhl. Christian Vander concebe todo um universo e expande-o para o universo sonoro, criando assim uma epopeia onde o conceito original se expandirá e nascerá uma proposta experimental/inovadora rica em texturas, camadas e conceitos vanguardistas. Magma é uma entidade arrepiante que nos mergulha numa aventura cósmica dentro de um redemoinho de Jazz experimental que gira a uma velocidade intermitente.
Minhas impressões são altíssimas, a experiência com esse álbum é simplesmente delirante, sua performance é puro progressismo e o conceito que ele tem é uma loucura de proporções bíblicas. Mergulhar profundamente nesta obra é cansativo, entre passagens paradisíacas, arranjos pomposos, mudanças de tempo insanas, atmosferas sombrias e sons pesados acabamos exaustos de tantas sensações e experiências; É um álbum que transborda de elementos infinitos e cada vez que se regressa à “experiência” há sempre novos detalhes. Uma das coisas que mais destaco em Kobaïa é a conceitualidade da obra, a proposta criativa de gerar uma história e traduzi-la em música é louvável, é um universo totalmente novo de capacidades, texturas e visões. Vander é um visionário que esteve à frente do seu tempo, portanto TODOS os seus trabalhos têm personalidade e essência próprias e esta estreia tem um conceito inicial que deixa clara a sua enorme criatividade, basta ouvir músicas como Thaud Zaia , Naü Ektila ou Kobaïa para captar o enorme dimensão do Magma. Muitos descrevem a estreia da banda como: "Uma ópera dark jazz-rock com alguma orquestração sinfónica, bateria bombástica, “atmosfera orffiana” e vibrações tribais" e têm razão mas para mim é mais do que isso, é um trabalho intemporal que Ele funde um universo e inventa uma conjugação sonora que ascenderá pelos éteres e engendrará uma nova geração de músicos que tomarão suas bases e darão origem ao Zeuhl. Até nos vermos novamente.
Mini fatos: * Magma (mais tarde relançado como Kobaïa ) é o álbum de estreia da banda francesa de rock progressivo Magma. Em 1969 apareceu o primeiro single e finalmente em 1970 foi publicado na íntegra em LP duplo. Neste álbum ele conta a história de Kobaïa, um planeta fictício onde se instala um grupo de refugiados que fogem da Terra. Todas as letras do álbum (e de outros álbuns do Magma) estão em Kobaïan, uma linguagem construída inventada pelo vocalista do Magma, Christian Vander, para contar a história conceitual de seus álbuns.
*Vander disse em uma entrevista que inventou o Kobaïan para Magma porque "o francês não era expressivo o suficiente. Seja pela história ou pelo som da música. Além disso, revelou que a linguagem se desenvolveu paralelamente à música e que os sons apareciam durante a composição ao piano e até nos sonhos. Vander baseou Kobaïano em elementos eslavo-germânicos e no scat-yodelling, o estilo vocal americano do cantor de jazz de vanguarda Leon Thomas.
*Christian Vander chamou a música de Magma de Zeuhl ("celestial" em Kobaïan, que se tornou um gênero musical usado para descrever música semelhante à de Magma). Com o tempo, várias bandas japonesas Zeuhl apareceram, incluindo Ruins e Kōenji Hyakkei, cujas letras também são cantadas em línguas construídas semelhantes ao Kobaian.
*A garra, dentro da mitologia Kobaïan, pertence a Kreühn Köhrmahn, a divindade ou ser supremo deste universo que se desenvolveria à medida que a carreira musical de Vander e companhia crescesse.
Mesmo que você não esteja tão por dentro da carreira de Tim Maia, só precisa bater o olho nas faixas de "Disco Club" (1978) para entender toda a importância do álbum. Suas três primeiras canções, "A Fim de Voltar", "Acenda o Farol" e "Sossego", foram alguns dos maiores sucessos do cantor, e, hoje, o trabalho é considerado um dos mais importantes da sua carreira. Além de ter representado o histórico mergulho do soulman brasileiro na disco music, o álbum teve nas suas gravações alguns dos episódios mais conturbados do cara dentro de estúdio, nos quais a genialidade de Tim se sobressaiu a tudo e a todos!
A simples escolha do cara por um álbum de disco music deu início às polêmicas, já que o estilo era visto pelos puristas como uma visão "branca" para gêneros de origem negra como funk e soul. Tim pensava diferente - via as batidas dançantes e os trajes extravagantes como algo "complementar" à sua cultura e não teve medo de assumir a responsabilidade, mostrando que também quebrava tudo no som das pistas! O caminho até o resultado final, porém, teve alguns percalços.
Tim reuniu um time de músicos realmente incrível em estúdio, desde o ainda jovem Pepeu Gomes até o cantor e compositor Hyldon e o produtor Guti Carvalho. No entanto, ainda faltava uma das partes mais importantes de qualquer trabalho de disco music: os arranjos orquestrais, que contagiavam tanto quanto as batidas ou as guitarras. Depois da recomendação de Guti, o cantor chamou o maestro argentino Miguel Cidras para trabalhar nos arranjos, mas o trabalho do portenho demorou para agradar o soulman - chegando a ocasionar o momento mais tenso do processo.
Nas gravações das cordas de "Pais e filhos", capitaneadas por Cidras, Tim surtou com o que estava ouvindo e chamou Guti para conversar. O arranjo do argentino era muito semelhante à melodia da voz do cantor, deixando alguns momentos bastante confusos - não dava para diferenciar se era Tim cantando ou os instrumentos ressoando. Segundo o biógrafo Nelson Motta, o soulman falou exatamente: "Pô, Guti, já te falei pra não chamar esse cara, mermão. Ele faz esses arranjos quatro-quatro-meia e assim não dá pra cantar.” O grande problema é que o produtor havia esquecido o microfone do estúdio aberto, e Cidras e a orquestra inteira ouviram a reação do cantor.
No linguajar de Tim, "quatro-quatro-meia" significava algo "menor que cinco", pior que mais ou menos/medíocre - e todos sabiam o que o cara queria dizer. Depois das frases, a reação de Miguel Cidras foi imediata: ele saiu de dentro do estúdio gritando com Tim e o derrubou, começando uma confusão generalizada. Os ânimos demoraram a se acalmar, com os dois se debatendo no chão e xingando um ao outro. Quando enfim pararam, toda a equipe foi para uma salinha separada e passou por uma verdadeira DR, de onde saíram conclusões essenciais para a finalização do álbum.
O cantor resolveu chamar o lendário maestro brasileiro Lincoln Olivetti para o restante das faixas, e os arranjos novos realmente se mostraram melhores - mais sofisticados, mas sem deixar de grudar na cabeça. No fim das contas, metade do disco ficou com o trabalho de Cidras e a outra com o de Olivetti - e uma verdadeira obra-prima nasceu.
Tim Maia era assim: do meio da confusão e de mil polêmicas, emergia a genialidade!
A1 - A Fim De Voltar (Hyldon, Tim Maia) A2 - Acenda O Farol (Tim Maia) A3 - Sossego (Tim Maia) A4 - Vitória Régia Estou Contigo E Não Abro (Tim Maia) A5 - All I Want (Tim Maia) B1 - Murmúrio (Cassiano) B2 - Pais E Filhos (Arnaud Rodrigues, Piau) B3 - Se Me Lembro Faz Doer (Tim Maia) B4 - Juras (Tim Maia) B5 - Jhony (Tim Maia)
Uma banda que pode ser considerada tanto japonesa quanto britânica. Não deve ser confundido com o ex-The Web. Estou mais inclinado para o Japão. Considerando que seu líder, Mickey Curtis, de pais ingleses, nasceu em Tóquio. E essa metade do grupo é oriental.
Curtis começou como cantor de rock'n'roll japonês, na década de 60. Depois formou o The Samurais, no mesmo estilo. Para evoluir em direção ao heavy psych & prog, com o tempo. A estreia autointitulada, (também conhecida como "Green Tea"), foi formada pelo próprio Miki Curtis (vocal, flauta), Tetsu Yamauchi (baixista, mais tarde em Free) e Yuji Harada (bateria). Estes do lado japonês. A banda britânica era formada por Joe Dunner (guitarra, koto) e John Redfern (órgão). O produtor Mike Walker ajudou com os controles (do Tangerine Studio de Londres), voz e piano. Sendo convidado para tocar harpa de boca (gaita), outro velho conhecido, Graham Smith (String Driven Thing, VDGG).
O álbum era duplo, mais uma peça bacana desse Samurai que desafiava a todos com sua vasta gama de discos. Músicas longas e sinuosas cheias de passagens psicodélicas e cavernas progressivas. Não muito longe do que cozinhavam nos quartéis de Brain ou Ohr.
Assim, "Four Seasons" (9'46) prende você desde o primeiro segundo, com um hard prog à la Warm Dust com Hammond determinado e corrosão elétrica krautie. Ainda é percebido com mais força pelo tom “chapado” do cantor solo. As improvisações no meio da música se transformam em percussão inteligente e escuridão do teclado. Até que se resolvem em algo com um fluxo semelhante ao Beggar's Opera ou Julian's Treatment, explodindo em um primeiro Uriah Heep. Um cartão de visita excepcional.
"18th Century" (0'57) é um delicado devaneio barroco com flauta, glockenspiel e acústica.
Eles retornam à Terra com "Eagle's Eye" (5'47), que poderia estar em "Shades of" do Deep Purple ou em um álbum do Warhorse. Com excelente guitarra wah wah e equilíbrio matemático entre hard, psych e prog. Instrumentalmente exuberante.
Segundo lado com "Intermediate Stages" (7'35) numa vibe psicoccult não muito longe de Black Widow ou mesmo Iron Butterfly. As mudanças acontecem sem descanso. Eles se transformam em vários estados de humor de fascinante bipolaridade. Na linha de Arthur Brown em Kingdom Come. A tensão teatral (e sexual) totalmente resolvida com um final esquizofrênico, esperado, por outro lado. E o Tetsu se divertindo muito nas quatro cordas. Avant-kraut na terra de ninguém. O koto nos lembra de suas origens, e "Boy with a Gun" (5'25) é como encenar o Kabuki Theatre em termos de dark folk britânico. A mistura resulta, beirando os momentos “In the Court”. Magia e mística tangíveis.
"Daffy Drake" fecha (2'37) entre The Nice e Mothers of Invention... Bobagem de taverna que produz uma ressaca só de ouvir.
Mudança de álbum e para o lado C temos apenas "Five Tone Blues" (14'56). Uma brutalidade psicológica pesada comparável a Out of Focus, McChurch Soundroom, Necronomicon, Kin Ping Meh ou Niagara. Parece alemão, livre, anarco e sem limites. Como qualquer grande disco de kraut que se preze.
Lado D final com "Green Tea" (5'31) e "Mandalay" (6'28). O primeiro evocando alguns psicotrópicos Atomic Rooster/Nektar/Battered Ornaments. O segundo como um enxerto estúpido de Agitation Free, Herbie Mann, Master of Deceit e Ultimate Spinach. O resultado global é, para 1970, um trabalho imenso.
Isso cresceu ainda mais com o próximo passo em 1971, "Kappa" (já gravado no Japão). Outro monstro que não deveria ser despertado sem estar preparado.
Samurai tem o problema do deslocamento. Não aparece nas listas dos melhores japoneses, nem nas dos britânicos. Mas, para ser justo, deveria estar em ambos. Como eu disse, muita genialidade na terra de ninguém.
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