domingo, 30 de junho de 2024

Titanic- Titanic (Rock, Noruega, 1970)



Este grupo foi formado em 1969 em Oslo, Noruega. Nesse momento, o grupo incluía o guitarrista Janne Løseth, o bajista Kenny Aas, o baterista John Lorck e o percussionista Kjell Asperud. Titanic decide então contratar o letrista e cantor britânico Roy Robinson para dar a conhecer internacionalmente.

Seu primeiro álbum, homônimo, foi lançado em 1970 e vendido pela Columbia Records


Deste disco são publicados em single os temas I See no reason, inspiração Procul Harum, e Searchin', som tipo The Spencer Davis Group. O disco que compõe é uma Edição do Selo Repertório, que inclui como faixa bônus os temas, "Half Breed" e "Santa Fé", publicados em single no ano seguinte


Depois publicamos vários singles, que buscam o mais excitante e lucrativo, e que eram com uma música algo mais "fácil". Estes foram, "Sultana", claramente inspirados na música do grupo Santana, Santa Fé. Na Espanha triunfaram com o tema chamado "Macumba".








Joni Mitchell - For The Roses (1972 CAN)



For The Roses é o quinto álbum de estúdio da cantora canadense Joni Mitchell. Foi lançado em novembro de 1972, entre seus dois álbuns com maior sucesso comercial e de crítica: Blue e Court And Spark. Em 2007, uma das 25 captações eleitas esse ano pela Biblioteca do Congresso para serem adicionadas ao Registro Nacional de Captações. For the Roses é questionado se ele é mais conhecido pelo excêntrico título "You Turn Me On, I'm a Radio", que Mitchell escreveu sarcasticamente a partir de um pedido de uma empresa discográfica de uma canção amigável para o rádio. O primeiro foi um sucesso, alcançando o 25º lugar na lista Billboard Hot 100, se tornando o primeiro sucesso entre os 40 primeiros de Mitchell (como compositora, vários outros artistas tinham sucesso com músicas que ela havia escrito). "Cold Blue Steel and Sweet Fire", um retrato amenazador e jazzístico da adicção à heroína de seu amante James Taylor, que também foi lançado como um verso, respaldado por "Blonde in the Bleachers" e "Judgement of the Moon and Stars" (A melodia de Ludwig) também foi popular. Algumas das canções se inspiraram no relacionamento prévio de Mitchell com James Taylor e, segundo ele, ele ficou arrasado quando o relacionamento em março de 71 rompeu. Em novembro desse ano, Taylor se uniu a Carly Simon, com quem se aconteceu um ano depois.


Em For the Roses, Joni Mitchell começou a explorar o jazz e outras influências sérias. Como esperaria um álbum de transição, explora-se muito terreno estilístico, incluindo seleções folk direto com guitarra ("For the Roses") e piano ("Banquet", "See You Sometime", "Lesson in Survival"), números abertos jazzísticos ("Barangrill", "Cold Blue Steel and Sweet Fire") e híbridos que cruzam os dois ("Let the Wind Carry Me", "Electricity", "Woman of Heart and Mind", "Judgment of the Moon and Stars" ). "Blonde in the Bleachers" injeta uma coda de banda de rock & roll em um corpo principal de cantor e compositor baseado no piano. O excêntrico verso "You Turn Me on I'm a Radio" é um ensaio inusitado no estilo pop country, com um solo de armônica no estilo Dylan interpretado por Graham Nash e coros exuberantes. Os arranjos aqui se baseiam totalmente na expansão da tentativa da música que se ouve pela primeira vez em Ladies Of The Canyon. "Julgamento da Lua e das Estrelas (Melodia de Ludwig)" e "Let the Wind Carry Me" apresentam longos interlúdios instrumentais. As letras aqui se encontram entre os melhores de Mitchell e continuam na linha de honestidade apaixonada e sincera exibida em Blue. Como sempre, há escolhas sobre problemas de casal, como "Lesson in Survival", "See You Sometime" e você pode conferir a melhor de todas as suas músicas deste gênero, "Woman of Heart and Mind". "Cold Blue Steel and Sweet Fire" apresenta uma áspera cena de sobrevivência no centro da cidade, enquanto "Barangrill" encerra as virtudes sem complicações de uma parada de caminhão na borda da estrada. Mais uma ponte entre grandes álbuns, este excelente disco é uma escuta de primeiro nível por direito próprio.


Cara 1
1. "Banquet"-3:01
2. "Cold Blue Steel and Sweet Fire"-4:17
3. "Barangrill"-2:52
4. "Lesson in Survival"-3:11
5. "Let the Wind Carry Me"-3:56
6. "For the Roses"-3:48

Cara 2
1. "See You Sometime"-2:56
2. "Electricity"-3:01
3. "You Turn Me On, I'm a Radio"-2:39
4. "Blonde in the Bleachers"-2:42
5. "Woman of Heart and Mind"-2:38
6. "Judgement of the Moon and Stars (Ludwig's Tune)"-5:19
(J. Mitchell)

Joni Mitchell - voz, guitarra, piano
Tom Scott - instrumentos de vento de madeira, cañas
Wilton Felder - baixo
Russ Kunkel - bateria
Bobbye Hall - percussão
Bobby Notkoff   - cordas
James Burton - guitarra elétrica em "Cold Blue Steel" e "Sweet Fire"
Graham Nash - armónica em "You Turn Me On I'm a Radio"
Stephen Stills - banda de rock and roll em "Blonde in the Bleachers"







Eagles - On The Border (1974 US)



 

Eu desesperadamente fiz um par de dias com a notícia do falecimento de Randy Meisner. Ele pensou neste disco como homenaje. On the Border é o terceiro álbum de estúdio da banda de rock estadounidense (The) Eagles, lançado em 1974. É o primeiro álbum dos Eagles apresentado pelo guitarrista Don Felder. On the Border alcançou o número 17 na lista de álbuns da Billboard e vendeu dois milhões de cópias. Foram lançados três títulos do álbum: "Already Gone (canção de Eagles)", "James Dean" e "Best of My Love", que alcançaram os números 32, 77 e 1 respectivamente, sendo este último sua primeira #1 em vendas. O álbum foi produzido inicialmente por Glyn Johns e gravado no Olympic Studios em Londres, mas durante a realização do álbum ocorreu um desastre entre Eagles e Johns. A banda tratou de inclinar-se para um som de rock mais duro e criou que Johns estava enfatizando demais o som de country/rock. Por sua parte, Johns criou que os Eagles não eram capazes de dar o que eles queriam e disseram à banda: "Não é uma banda de rock and roll: The Who é uma banda de rock and roll, e vocês não são isso". A banda, Glenn Frey em particular, também ficou descontente com a política sem drogas de Johns durante a captura e não se sentiu comodos agarrando em Londres. Ele estava preocupado com a falta de sucesso do álbum anterior, Desperado, e queria mais aportes no álbum, o que Johns não estava disputando para permitir. Passou seis semanas agarrando em Londres e tanto a banda quanto o produtor se frustraram com o outro, com discussões frequentes entre Johns e Frey. Então, a banda se tornou um descanso, decidiu procurar um novo produtor e descartou todas as gravações, exceto as faixas utilizáveis, "Best of My Love" e "You Never Cry Like a Lover". A banda retornou à Califórnia e contratou Bill Szymczyk, que produziu The Smoker You Drink, The Player You Get de Joe Walsh. A banda pegou o resto do álbum no Record Plant Studios em Los Angeles e gostou mais livremente com Szymczyk na criação do álbum. Szymczyk sugeriu que você fosse um guitarrista mais duro para adicionar um slide de guitarra à canção "Good Day in Hell". Bernie Leadon sugeriu ao seu velho amigo Don Felder, que era conhecido e tocado em algumas ocasiões. A banda que ficou tão impressionada que convidou Felder para se converter no quinto Eagle. A única outra pista deste álbum na qual apareceu foi "Already Gone" e foi creditada como uma legada tardia nas notas do álbum. Sobre a diferença de som entre as produções de Johns e Szymczyk, Henley disse: "Hay mucho menos eco con Bill, por um lado e uma presença mais crua e funky. Glyn tinha um selo em seus discos que é um eco profundo, realmente suave como um sorvete". Pensei que a produção das músicas de Johns era boa e necessária. Frey, sem embargo,disse que os discos de country/rock de Los Angeles eram "demasiados suaves e vidriosos", e eles queriam um "som mais forte". Seu amigo e colaborador, JD Souther, atribuiu a mudança de produtor ao "desejo dos Eagles de obter um som mais vivo e simples nos álbuns". Os primeiros dois segundos lançados estavam mais orientados para o rock; Frey mostrou reação ao lançar "Best of My Love", produzido por Johns, como de costume, e retraçou seu lançamento durante alguns meses. Quando finalmente se lançou, ele recortou a canção, sem o conhecimento da banda, para que fosse mais amigável com o rádio (de 4:34 a 3:25). "Best of My Love" se tornaria seu maior sucesso até o momento e seu primeiro #1 nas listas.


"Best of My Love" é uma música escrita por Don Henley, Glenn Frey e JD Souther. Em 2009, JD Souther disse sobre a composição de "Best of My Love": "Glenn encontrou a melodia; acreditou que a melodia vinha de um disco de Fred Neil. Estamos trabalhando neste álbum (On the Border) e chegamos a Londres. Os três estavam escrevendo e tínhamos um prazo limite para terminá-lo. Não era de onde sacávamos a inspiração". Glenn Frey registrou: "Estava tocando a guitarra acústica uma tarde em Laurel Canyon e tratando de decifrar uma afinação que Joni Mitchell me mostrou um par de dias antes. Perdi e terminei com a afinação da guitarra para que mais tarde viesse a ser " O Melhor do Meu Amor"". Segundo Henley, a maioria das letras foram escritas em uma cabana no restaurante de Dan Tana perto do Trobadour. O maître do restaurante, Guido, foi agradecido pelas notas do álbum. A letra foi inspirada em parte na ruptura de Henley com sua então namorada Suzannah Martin. "Best of My Love" foi gravado no Olympic Studios em Londres. Os Eagles começaram a trabalhar em On the Border com Glyn Johns, que produziu seu álbum de estreia (Eagles) e o seguinte (Desperado). Ao pesar do sucesso de seu álbum de estreia, os Eagles (Frey especificamente) estavam descontentes com a preferência de Johns pelo country/rock e suas aspirações pelo rock, e sua insatisfação com Johns foi reforçada pelo álbum Desperado, feito de forma semelhante e que foi um fracasso comparativo com o primeiro. Depois de seis semanas em Londres, produzindo "Best of My Love" e outra faixa utilizável, "You Never Cry Like a Lover", os Eagles deixaram de trabalhar com Johns, depois passaram oito semanas de turnê pela Europa e Estados Unidos e completaram a gravação de On the Border na Record Plant em sua cidade natal de Los Angeles com a produção de Bill Szymczyk. "Best of My Love" foi rememorado por Szymczyk. O tema teve uma repercussão radiofônica aceitável graças ao DJ Jim Higgs, da emissora WKMI-AM em Kalamazoo, Michigan, também diretor de programas e música da estação, favorecendo "Best of My Love" sobre os lançamentos oficiais de música " Já Foi" e "James Dean". Aconselhado por Higgs sobre a forte resposta positiva dos oyentes de WKMI a "Best of My Love", a Asylum Records deu à pista um lançamento limitado de 1000 cópias disponíveis apenas na área de Kalamazoo, e a reação a este lançamento de teste garantiu o lançamento completo de "Best of My Love" como secillo 5 de noviembre de 1974. Quando finalmente se lançou o sinal, a Asylum Records cortou a canção para que fosse mais radiofónica, mas fez sem o conhecimento ou a aprovação de a banda. Causou uma ira considerável na banda, e Henley exigiu que o cinto fosse retirado das lojas. No entanto,a canção se converteu no mais exitoso de seus versos lançados até o momento, dando à banda seu primeiro verso número 1. Quando se considerou que a canção havia vendido um milhão de cópias, o empresário dos Eagles, Irving Azoff, enviou-lhe Asylum Records é um disco de ouro com uma peça recortada, montado em uma placa com uma legenda que decía "El prêmio Golden Hacksaw".


"Already Gone", foi escrita por Robb Strandlund e Jack Tempchin. Nas notas de The Very Best Of, Glenn Frey disse que Tempchin enviou uma fita de música por e-mail. Tempchin já havia escrito um dos versos anteriores dos Eagles, "Peaceful Easy Feeling". "Already Gone" foi uma das primeiras músicas que os Eagles gravaram para o álbum depois de deixarem de gravar em Londres e gravarem no Los Angeles. Frey foi o vocalista principal. O novo guitarrista Don Felder tocou uma Les Paul Special e proporcionou o solo da canção. "James Dean" é uma canção escrita por Don Henley, Glenn Frey, Jackson Browne e JD Souther. A canção é sobre o ator americano James Dean (1931–1955), que estrelou filmes como Rebelde sem causa, Gigante e Al este del Edén. A letra, "demasiado rápido para viver, muito jovem para morrer" se refere à vida e morte repentina de Dean em um acidente automobilístico em 1955. Bernie Leadon tocou o solo de guitarra. "James Dean" foi escrito para um álbum planejado dedicado aos anti-heróis. Segundo Glenn Frey, ele, junto com Don Henley, Jackson Browne e JD Souther, estavam tocando juntos depois de assistir a um espetáculo de Tim Hardin no Troubadour em 1972, e se surgiu a ideia de fazer um álbum sobre anti-heróis. Aí surgiram as músicas "Doolin-Dalton" e "James Dean". No entanto, o álbum se tornou um álbum com temática da salvação ocidental, Desperado, que foi lançado em 1973, e "James Dean" foi arquivado. Quando a gravação de On the Border começou, a música foi imediatamente retirada da estante e concluída. A canção foi escrita principalmente por Jackson Browne, segundo Henley. O álbum também inclui "My Man", homenagem de Bernie Leadon ao seu falecido amigo Gram Parsons, que morreu por overdose em setembro de 1973. Leadon e Parsons tocaram juntos no Flying Burrito Brothers, antes de Leadon se unir aos Eagles . Leadon fez referência à canção de Parsons "Hickory Wind" ("como uma flor, floresceu até que o velho vento de nogal americano o chamou para casa") que apareceu no inovador álbum de country/rock dos Byrds, Sweetheart of the Rodeo, de 1968, álbum único de Byrds no qual Parsons apareceu. "On The Border" é uma canção de rock pesado, inspirada no escândalo de Watergate, manifestando os temores de que o governo se extravasa e infringe a privacidade das pessoas. Apenas audível no final da canção, se pode ouvir Glenn Frey sussurrando "Say Goodnight, Dick", uma frase que Dan Rowan (do dúo humorístico Rowan and Martin) fez famosa se arrependendo da renúncia de Richard Nixon, que fez cinco meses após o lançamento do álbum. Henley, coautor do tema, considerou que a canção que escrevia era uma "intenção torpe e incoerente",já que ainda estava aprendendo a escrever. Segundo Henley, supunha-se que a canção era "uma canção do tipo R&B, mas não eu no branco". Nas notas do álbum, Tnts foi acreditado pelo "coach". Se referir a Tanqueray 'n' tônica, a bebida preferida de Szymczyk, que segundo Henley, "ajudou" na sobreposição de aplausos e nas vozes de fundo semelhantes a Temptations ao adicionar um elemento de espontaneidade à canção. As palmas no tema são acreditadas por The Clappettes... eles também. David Geffen empurra Glenn Frey para uma demo de três músicas de Tom Waits. Frey cantou "Ol' '55" e levou Henley sugerindo que dividissem as vozes da canção. Frey disse: "É como um carro. Seu primeiro carro é como sua primeira casa. Tinha uma casa móvel! "Ol' '55" era tanto do sul da Califórnia e, no entanto, também tinha algo de Detroit... como um carro, e eu adorava a ideia de levar para casa o amanhecer, pensando no que tinha passado a noite anterior". "Good Day In Hell" foi escrita por Frey em homenagem a Danny Whitten e Gram Parsons. Também descrevi a canção como outra de suas "contínuas observações sobre os perigos do negócio da música e o estilo de vida que ela me contou sobre acompanhá-lo". Randy Meisner compôs "Is It True?" e é a voz solista neste tema e em "Midnight Flyer".


1. "Already Gone" (J. Tempchin, R. Strandlund)-4:15
2. "You Never Cry Like a Lover" (D. Henley, J.D. Souther)-4:00
3. "Midnight Flyer" (P. Craft)-3:55
4. "My Man" (B. Leadon)-3:29
5. "On the Border" (D. Henley, B. Leadon, G. Frey)-4:23
6. "James Dean" (D. Henley, G. Frey, J.D. Souther, J. Browne)-3:38
7. "Ol' '55" (T. Waits)-4:21
8. "Is It True?" (R. Meisner)-3:14
9. "Good Day in Hell" (D. Henley, G. Frey)-4:25
10. "Best of My Love" (D. Henley, G. Frey, J.D. Souther)-4:34

Glenn Frey: voz, guitarra rítmica acústica, guitarra rítmica elétrica, guitarra solista, piano, guitarra slide (3,8)
Don Henley: voz, bateria
Bernie Leadon: voz, guitarra principal e rítmica elétrica e acústica, banjo, pedal steel
Randy Meisner: voz, baixo
Don Felder: guitarra principal (1) e guitarra slide (9) (acreditado como "chegada tardia")








Robbie Robertson - Sinematic (2019 CAN)



 


Você pode ter outra grande perda. Robbie Robertson, que nos deixou no passado dia 9 de agosto de 2023, sempre foi uma das minhas debilidades. Tanto é assim que nas Galletas estava toda sua discografia (realmente, faltava a Banda Sonora de Carny, de 1980, em que Robertson interpretava a primeira cara do disco)... até que este bom álbum apareceu. Sinematic é o sexto e último lançamento em solitário do cantor e músico canadense Robbie Robertson. Foi lançado em 20 de setembro de 2019 e é seu último álbum de estúdio. Apresenta Van Morrison e Robertson como sicários em dueto na canção "I Hear You Paint Houses", assim como outras alusões ao mundo dos filmes de Scorsese. Citizen Cope, Derek Trucks e Frédéric Yonnet fizeram aparições especiais no álbum. A portada é assim como todas as imagens do livro são obra de Robertson. Os temas "I Hear You Paint Houses" e "Remembrance" aparecem nos créditos do filme The Irishman. Sinemo é um vocabulário obsoleto, é o nome dado pelos botânicos a uma parte do ginásio da maioria das plantas correspondentes taxonomicamente à família das orquidáceas e à ordem das aspargos que representam o filamento das hastes. Não se sabe se Robbie se referia a isso ou é um jogo de palavras com cinema.

Da revista The Rodeo (https://therodeomag.com/2019/09/24/robbie-robertson-sinematic/)

Os “grandes” dados de longa data são recorrentes na superprodução como uma forma de salvar, até onde eu sei, da falta de confiança em seu antigo talento. Encontrei um nicho, seu rincón e ele se quedan ali. Agora bem, isso geralmente resulta em um registro além de outras tonterias. Porque não ultrapassa os limites, não se atrapalhe de nenhuma maneira ou crie um efeito duradouro. Mas isso me surpreendeu. Não me interprete mal, há momentos neste que são tão clássicos que não só se me dobram os dedos das tortas, mas também as rodillas. Mas há alguns ritmos realmente bons. Robbie Robertson interpreta um personagem (sempre o ha hecho), mas não é o homem da cocaína dos anos setenta, nem sua estrela de rock da sesenta, nem sua marca de chico cool dos ochenta. Aceito a vergüenza, mas realmente lo logra... a maior parte do tempo. As canções tratam do amor, dos heróis e dos vilões, dos chefes criminosos de Xangai e da paz. Estão bem juntos, não muito produzidos, mas suenan um pouco como uma mistura de Chris Isaak. Se notar que é Bob-desde-el-sótano na guitarra, mas é um esforço de toda a banda. Em um mundo posterior aos acontecimentos e muito irônico, Robertson aparece como uma figura altamente conceitualizada, consciente de sua própria pretensão. A pergunta é que dudo mucho que o mar com toda honestidade. Sim, esse é o problema com todo o disco: você pode derivar para áreas que são muito vergonzosas para serem suportadas. A maioria, se não todos, os olhos que se inclinam provavelmente experimentarão uma segurança de corpo inteiro quando cantam algumas de suas linhas. É um equilíbrio cuidadoso entre atuar como "legal" e ser irônicamente legal no processo, e atuar como legal e parecer um imbécil. Alex Turner e Alex Cameron são os dois exemplos que você sugere antes de tentar ouvi-lo. Claro, se você entrar nisso sem ressentimento, é divertido e estilizado, sexy e maravilhoso. Se você puder apoiá-lo durante os 58 minutos completos, você será recompensado.


1. "I Hear You Paint Houses" (feat. Van Morrison)-5:03
2. "Once Were Brothers"-4:24
3. "Dead End Kid"-3:58
4. "Hardwired"- 3:58
5. "Walk in Beauty Way"-5:37
6. "Let Love Reign"-5:11
7. "Shanghai Blues"-3:51
8. "Wandering Souls"-2:33
9. "Street Serenade"-5:06
10. "The Shadow"-4:26
11. "Beautiful Madness"-4:30
12. "Praying for Rain"-4:11
13. "Remembrance"-5:28
(R. Robertson)

Robbie Robertson - voz (exceto 8,13), teclados (1,2,6,7,12,13), guitarra (exceto 2)
Jim Keltner - bateria (2,13)
Chris Dave - bateria (resto)
Reggie Hamilton - baixo (2,13)
Pino Palladino – baixo (resto)
Frédéric Yonnet – armónica (1,2,13)
Afie Jurvanen – guitarra (9,12), coros (1,4,9,12)
Jim Wilson - teclados e programação (5)
Derek Trucks - guitarra slide (13)
Terry And The Octo Pirates - guitarra e órgão Hammond & Wurlitzer (9)
Howie B. – teclados e programação (3,4,10,11)
Joe Hirst - teclados e programação (4)
Randy Kerber – teclados (13), órgano Hammond (1,2)
George Doering - guitarra (2,13)
Doyle Bramhall II - guitarra (13)
Martin Pradler – teclados (1,3,7,11,12), percussão (12), programação de corda (13)
JS Ondara – coros (2,11)
Felicity Williams - coros (1,4,6,7,9,12)
Cidadão Cope - coros (2)
Van Morrison - voz (1)
Laura Satterfield - voz (5)
Glen Hansard - voz (3,6)







Rich DelGrosso - Get Your Nose Out of My Bizness! (2005 US)




Nascido em Detroit em junho de 1949, Rich DelGrosso é um cantante e compositor de blues, que se destaca como intérprete da bandolina, embora também toca a concertina, o dobro, a guitarra, a armônica... Como o principal bandolinista de blues de Na cena atual, Rich DelGrosso atua em clubes e festivais de todo o mundo. Suas capturas valeram cinco indicações para os prêmios Blues Music Award. O historiador do blues Mark Hoffman chama "o melhor mandoman de blues vivo". Os vários talleres de mandolina de DelGrosso foram válidos pelo prêmio Keeping the Blues Alive da Memphis Blues Foundation. Rich cobre todos os aspectos do blues, desde tocar slides até adaptar trapos de guitarra para mandolina. O blues é um sentimento; quizás por isso as improvisações de blues de Rich no Simposio foram tão populares em todos os anos. É um tesouro escondido da tradição do blues. Você pode ouvir sua voz ronca em vários clássicos e originais do blues (e alguns temas próprios) combinados com seu típico aullido de mandolina. Rich toca uma velha Gibson ovalada e uma National Resophonic mais nova.

01 - Get Your Nose Outta My Bizness!
02 - Big Fat Mama Jam
03 - Can't Be Satisfied (M. Waters)
04 - Can't Save A Dollar (J. Turmes)
05 - Divin' Duck Blues (J. Estes)
06 - I Smell Trouble (D. Robey)
07 - Early In The Morning (L. Hickman, L. Jordan, D. Bartley)
08 - Lucy Mae Blues (F.L. Sims)
09 - Smokin' And Jokin' With Pinetop
10 - Outskirts Of Town (W. Weldon, R. Jordan)
11 - Walkin' Blues (R. Johnson)
12 - Too Many Dirty Dishes (J. Newton)
13 - That's Alright (J.A. Lane)
14 - When Things Go Wrong (H. Whittaker)
15 - You Done Told Everybody (M.F. McDowell)
16 - How Long Blues (L. Carr)
(R. DelGrosso, excepto indicadas)

Rich DelGrosso: bandolim, bandolim resso-fônico, guitarra, chimbau, voz
Jeff Turmes: baixo (1,2,5,6,9,12,14)
Ernie Scarbrough: baixo (3,4,7,8,10,13,15)
David Kida: bateria (exceto 8,11,16), percussão (15)
Pinetop Perkins: piano (2,6,9,14,16)
James Harman: harmônica (2,3,5,6,10,13), saxofone barítono e tenor (7)
Gary Allegretto: harmônica (9,12)
Doug McLeod: guitarra (11)






Noëtra "Neuf Songes" (1979-1981)

 


O final dos anos setenta foi uma época conturbada para os intelectuais. Mas na França, ao que parece, eles não pensavam assim. Sob os velhos telhados aquecidos pelo sol havia espaço suficiente para todos - tanto cantores pop quanto sábios notáveis ​​como Jean Lapouge (n. 1953). Este original preferiu viver a vida à sua maneira, sem pedir emprestado, clonar ou espionar os outros. Aos 13 anos, ele dominou o violão de forma independente. Depois há um ponto comum à maioria dos intérpretes: grupos amadores, concertos underground, planos estratégicos para o futuro... Lapouge profissionalizou-se em 1972. Passeios com grupos de dança, sessões ativas e, pelo caminho, primeiras experiências como compositor. Dividido entre o formato rock e o formato de câmara, Jean não desistiu da ideia de derivar a média aritmética das duas direções. O resultado se transformou em um projeto único Noëtra .
Dos onze integrantes da formação, dois utilizavam instrumentos elétricos: o líder e baixista Denis Lefran . Os demais são o baterista Daniel Renaud , o violinista Pierre Aubert , o violoncelista Denis Vollet + seis sopros (incluindo o irmão do instigador do evento, o trombonista Claude Lapouge ). Durante um período de existência relativamente curto (menos de cinco anos), a equipe fez diversas gravações em estúdio. Porém, começaram a ser publicados apenas na década de noventa (graças aos entusiastas do selo Musea). Talvez para melhor. Porque na esteira da popularidade emergente do rock progressivo, o estranho nome Noëtra acabou sendo muito útil para os amantes da música sedentos pelo inusitado.
Raros críticos atribuem a compilação cronológica "Neuf Songes" de forma quase idêntica: lembram Stravinsky e Debussy e fazem analogias com o trabalho de Julverne , Terpandre e parcialmente da Orquestra Mahavishnu . Você já sente a validade de tais julgamentos ao ouvir a faixa-título. Na verdade, é difícil resistir a comparações com representantes da escola belga (riqueza de textura do timbre, flutuações semânticas de ritmo - do delicado ao excitado, técnicas de vanguarda em uníssono) e ecos do legado do brilhante Igor Fedorovich Stravinsky (característico, com intensificação/decadência, diálogo reflexivo cintilante da flauta e do clarinete). É verdade que então as intersecções estilísticas se confundem, o estilo do autor de Lapouge vem à tona, onde as passagens racionais do violão se opõem às explosões emocionais do dueto de cordas (“Le Voyageur Égaré se Noie Incognito”), um alegre ornamento de metal é mistura-se com o enigmático rock (“Soir et Basalte”), e uma filosofia pós-apocalíptica sombria é combinada com entonação lírica (“Errance”). O campo ideológico da faixa "Résurgence D'Errance" baseia-se na interpenetração lógica de elementos clássicos e jazzísticos; a duologia "Agréments Parfaitement Bleus" demonstra que há um progressivo de câmara na compreensão do maestro Jean, enquanto o estudo "A Prétendre S'en Détacher" está mais próximo em qualidade da qualidade de câmara sem nuvens do mesmo Julverne . O afresco "Noëtra" dissolve de maneira interessante tendências puramente acadêmicas em um substrato ctônico escuro à la King Crimson , após o que se transforma em uma história de fusão tranquila, mas intrigante ("Sens De L'Après Midi"). Entre outras coisas, Lapouge e companhia coroam a estética filarmónica com o cosmismo eléctrico (“Galopera”), fazem uma incursão de sabotagem no território do jazz-rock metálico (“Printemps Noir”) e presenteiam-nos com um ciclo harmonioso de acústica lacónica e expressiva. esboços (“Períodos – I-II -III-IV-V-VI”).
Resumindo: uma excelente excursão ao mundo de uma das mais interessantes formações artísticas europeias. Eu recomendo.





Instant Flight "Around the Gates of Morning" (2014)

 


Enquanto os lacónicos conceptualistas progressistas estão empenhados na ressuscitação do espírito dos anos setenta, os aventureiros individuais não hesitam em lançar uma máquina do tempo a distâncias mais longas. Vejamos, por exemplo, o conjunto britânico Instant Flight . Este belo projeto foi formado no início do século dois mil. Superado o período condicional de cinco anos, os rapazes presentearam o público com uma magnífica estreia, “Colors & Lights” (2004). Pop psicodélico impecável, remendado de acordo com as receitas dos ídolos da “Swinging London”, cativado por sua cor recriada com precisão e alcance emocional em mosaico. O lançamento aproximou jovens promissores do lendário rock fanático Arthur Brown . O ponto culminante de sua colaboração foi o DVD "Arthur Brown Live at the London Astoria", que conta com Instant Flight como banda de apoio. O próximo álbum de estúdio, "Endless Journey" (2008), deveria logicamente fortalecer a posição do quarteto na cena não comercial europeia. Mas algo estava perturbado no organismo artístico até então unido. O baixista John O'Sullivan renunciou . A então organista Lucy Reichrtova fugiu para sua terra natal, a República Tcheca . O colaborador do evento, o vocalista/guitarrista Marco Magnani , não se desesperou. Junto com seu fiel amigo, o baterista James Owens , ele encontrou um substituto para seus ex-colegas. Assim, o Instant Flight retomou suas atividades de concertos. E embora o maestro Magnani tenha composto músicas incansavelmente, muitas delas foram acrescentadas ao tesouro de um recurso nostálgico chamado Mark & ​​​​The Clouds (o último hobby do ítalo-inglês). Porém, após o término do prazo, o compositor cheio de energia ainda ousou ressuscitar sua ideia principal. E ele fez a coisa certa.
O programa "Around the Gates of Morning" é densamente povoado pelos fantasmas de uma era aparentemente irrevogável. Essencialmente, Marco colocou todos os ovos na mesma cesta. Junto com material absolutamente inédito, foi incluído aqui material retrospectivo do período do EP "She Shines" (2001). Mas isso não prejudicou em nada o resultado. As 17 faixas do disco são uma bagagem muito sólida, com a qual não é uma pena sair em público (felizmente, a equipe agora tem rostos exóticos - o baixista/vocalista Tommy Kanai , a baterista Ai Niikura ; e Miss Reichrtova dignou-se a re -junte-se ao conglomerado). Não é apropriado revisá-los individualmente. Vou tentar passar brevemente por cima.
Começando com uma faixa-título ganha-ganha inspirada nos Beatles , a ação se concentra em vários aspectos da vida: aqui há drama (“She Shines”), harmonia de balada com voz doce (“From the Ocean”, “Lost in the Sun ”), e reserva de folclore decente (“Rainbow man”, “Tears We Didn’t Dry”, “Will You Think of Me?”) e adrenalina tipicamente masculina (“Rock'n'Roll of Conclusão”, “Dazzled Eyes"), e viagens pseudo-alucinógenas de LSD estilisticamente reconhecíveis de vários graus de intensidade (“Drifting into Wonderland”, “Hate”). Às vezes, uma onda de 'psicobilly' sombrio toma conta de Marco, e então nosso herói imita um indivíduo de gênero diferente (exemplos notáveis ​​são “Slow Stroll”, “Corrupted City”). Caso contrário, a montanha oferece um surf de primeira classe (“Go Ahead & Don’t Look Back”), ou um chique “pesado” com um toque oriental (“Top of the Mountain”). Mas isso raramente acontece.
Resumindo: uma excursão abrangente ao centro da década de 1960 a partir de restauradores de som únicos. Eu não recomendo ignorá-lo.





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