A.B. Skhy - A.B. Skhy (1st Album US 1969)

 

O grupo, com uma história triste, fundado em Milwaukee, Wisconsin, expoentes pouco conhecidos do gênero psicodélico-blues do final dos anos 1960. Originalmente conhecido como The New Blues, o baterista Terry Andersen, o guitarrista Dennis Geyer, o baixista Jim Marcotte e o tecladista Howard Wales tiveram o bom senso de se mudar para São Francisco.  Trabalhando em uma veia psicodélica-blues, o quarteto encontrou um público pronto e trabalho constante no circuito de clubes da cidade. Gravou dois álbuns, o primeiro foi chamado de 'AB Skhy' e saiu no mesmo ano de 1969, e o segundo 'Rumblin On' nasceu em 1970, após o qual o grupo se desfez. Contratado pela MGM, a estreia autointitulada do quarteto em 1969 os uniu ao produtor Richard Delvy. Diferentemente da maioria de seus irmãos de São Francisco, "AB Skhy" encontrou a banda focada em uma mistura de rock de metais no estilo Blood, Sweat and Tears. 

Ambos os álbuns foram escritos no estilo blues-rock com grande influência do jazz, o que se reflete na construção das faixas e do som - uma grande parte da faixa é tocar uma seção de metais. Os metais deste álbum foram arranjados por Dave Roberts, e é evidente que ele sabe o que está fazendo.  Da primeira explosão até a última nota, eles te atingem e te seguram. O baixo ambulante de Jim Marcotte subjaz alguns riffs de metais que vão te deixar de queixo caído. A guitarra de Dennis Geyer faz você querer levantar e dançar. O trabalho de bateria de Terry Anderson é sólido e estabelece uma ótima base para o resto da banda. Howard Wales faz o Hammond cantar e se combina com o resto do grupo para fazer você desejar que cada música fosse mais longa, e pertence à coleção de todos os fãs de bom jazz, blues ou rock. 

O melhor do lote foi o bluesy "Understand" e o pseudo-jazzy "Of All Sad Words". Nada mal tocou um cover BB KING'a, sons completamente jazzísticos que abrem o álbum, 'You Upset Me Baby'. No meio de um poderoso som grande jazz-rock instrumental "Camel Back", na faixa até compareceu Dave Roberts com seus tubos de cobre, bem como a bela balada "Of All Sad Words" com uma flauta.  No passado, quando eu era muito mais jovem, eu tinha preconceito contra instrumentos de sopro, acreditava que quanto mais "chifres" - pior. Agora, eu percebo que, eram os instrumentos de sopro mais fortes, que tocavam o coração de cada homem.  AB Skhy (originalmente New Blues) foi uma banda americana de blues elétrico de Milwaukee formada em 1968. Eles gravaram dois álbuns antes de se separarem no início dos anos 1970. Formada em Milwaukee no final dos anos 1960 como New Blues, a banda era composta por Dennis Geyer (guitarra, vocal), Jim Marcotte (baixo), Terry Anderson (bateria) e Howard Wales (teclado). Wales já havia tocado com artistas como James Brown e Freddie King. Eles se mudaram para São Francisco e mudaram o nome da banda para AB Skhy, construindo uma sequência com apresentações ao vivo. Eles foram contratados pela MGM Records e trabalharam com o produtor Richard Delvy em seu álbum de estreia autointitulado, lançado em 1969. [1] O álbum contou com contribuições do guitarrista Russell DaShiell, do tocador de gaita Jim Liban e do flautista Otis Hale e gerou o single "Camel Back", que alcançou a posição 100 na Billboard Hot 100. O grupo então se separou, com Andersen e Wales saindo, este último tocando com Harvey Mandel, Jerry Garcia e The Grateful Dead. Geyer e Marcotte recrutaram o baterista Rick Jaeger e o guitarrista James "Curley" Cooke (anteriormente do The Versitones e The Steve Miller Band), e a nova formação gravou um segundo álbum, Ramblin' On, em março de 1970 com Kim Fowley e Michael Lloyd produzindo. O álbum incluía uma mistura de covers e músicas originais de Cooke.

Um terceiro álbum foi iniciado, mas a banda se separou antes de ser concluído. Cooke tocou no Cat and the Fiddle e com Boz Scaggs e Ben Sidran (que tocou cravo no Ramblin' On), e lançou o álbum solo Gingerman em 1980. Jaeger se juntou a DaShiell no Crowfoot e gravou com vários artistas como músico de estúdio. AB Skhy era um quarteto de blues-rock de São Francisco, composto pelo guitarrista Dennis Geyer, o tecladista Howard Wales, o baixista Jim Marcotte e o baterista Terry Andersen. Essa formação fez o álbum de estreia do grupo, AB Skhy, em 1969, com uma seção de metais de sete peças.  O álbum não conseguiu entrar nas paradas, mas o instrumental "Camel Back" atingiu a posição 100 na Hot 100 por uma semana em dezembro. Andersen e Wales então saíram e foram substituídos pelo guitarrista James "Curley" Cooke e pelo baterista Rick Jaeger para o segundo álbum do grupo, Ramblin' On (1970), que foi produzido por Kim Fowley. Eles se separaram durante a gravação de seu terceiro álbum.

* Dennis Geyer - Guitar, Vocals
* Jim Marcotte - Bass
* Terry Anderson - Drums, Vocals
* Howard Wales - Keyboards

01. You Upset Me Baby - 7:10
02. Just What I Need - 3:30 
03. It's Love Baby, 24 Hours A Day - 2:31
04. Camel Back - 5:05
05. Understand - 5:37 
06. Love Isn't - 4:10 
07. Of All Sad Words - 3:10
08. Love May Cure That - 5:10

Tom Baker and the Snakes - Lookout Tower (Power Rock/Punk US 2017)

 

De Massachusetts, um ataque de rock n roll com guitarra de três pontas  Se você gosta de rock & roll se preocupando menos com subgêneros e mais em chegar apenas nas coisas boas, Tom Baker é o seu cara. 

Poxa, a Link: Rum Bar Records já serviu rock esse mês! Você pode precisar investir em alto-falantes mais altos! Logo após o incrível novo álbum do Bullet Proof Lovers, o Malibu Lou lança o aguardado novo LP do Tom Baker and the Snakes. O cantor/guitarrista Baker (Nana, the Dirty Truckers) é um ícone da cena garage/rock n' roll de Boston.   

Ele é apoiado por uma unidade formidável de músicos veteranos, incluindo John Brookhouse (Worshipper, The Dirty Truckers) na guitarra solo, Charles Hansen (Rock Bottom) na guitarra, John Sheeran (Spitzz, Township) no baixo e Johnny Blout (Watts) na bateria. Faça as contas e você perceberá que são três guitarras nesta banda. E nenhuma delas é desperdiçada! Lookout Tower é o novo álbum, e ele oferece 11 doses de rock n' roll inspirado em Stones/Faces com uma sensação palpável do coração da América. 

O álbum imbui o rock de arena dos anos 70 com o espírito desleixado de bandas como The Replacements. Essa adoração a Westerberg/Stinson realmente transparece em músicas de assinatura como a joia pop áspera "Doll Eyes" e o sucesso de bar de mergulho noturno "High n' Tight". Ambas foram faixas de destaque no EP 4 Stars da banda, somente digital, do ano passado, e teria sido criminoso mantê-las fora do álbum.  Mas há muito mais para gostar aqui, do rock de carne e batatas "Gotta Find Her" ao jangle de rádio universitário dos anos 90 de "Needle in the Red" à balada rootsy "Say Goodbye" (que soa como algo que o Soul Asylum poderia ter feito em seu auge). "Bad Change" paira na intersecção do grande gancho power pop e rock n' roll alcoólico - um ponto especialmente doce para esta banda. E "Satisfied Fool" me leva direto de volta ao final dos anos 80 da minha juventude, quando eu aparentemente ouvia rádios de rock voltadas para álbuns 24 horas por dia, 7 dias por semana. 

Tom Baker and the Snakes é um ajuste perfeito na lista do Rum Bar - preenchendo o espaço entre o trovão FM dos anos 70 de Watts e o rock n' roll sério de colarinho azul de Nato Coles. Se você gosta de muita guitarra no seu rock n' roll (e realmente, quem não gosta?!), Lookout Tower o levará ao paraíso do rock. Além disso, a qualidade e a profundidade das composições de Baker não devem ser esquecidas. Chegando no início da primavera, Lookout Tower é com certeza um álbum que você vai querer ouvir alto enquanto relaxa na varanda e desfruta de uma bebida gelada direto da lata. Isso, meus amigos, é o verdadeiro rock n' roll de Boston!   Houve uma tarde em que você estava deitado na cama olhando para os pôsteres de estrelas do rock Creem e Hit Parader na sua parede. Você estava ouvindo seu novo disco favorito; aquele que você pegou no Crazy Eddie e então correu para casa para tocar no velho toca-discos do seu pai que você pegou para si. Talvez seja sábado e você esteja saindo com amigos em uma hora ou mais. 

Você não consegue colocar a banda nessa memória, mas havia elementos dos Stones ali; ecos de Tom Petty and the Heartbreakers. Tinha o rosnado e o slide dos Replacements; mas, por outro lado, levantou uma cerveja para Steve Marriott. Isso te lembrou da faculdade -- você já estava na faculdade? 

♦ Tom Baker - vox, guitars 
♦ John Brookhouse - guitars, vox 
♦ Charles Hansen - guitars 
♦ John Sheeran - bass 
♦ John Blout - drums, percussion 

01. Gotta Find Her 02:21
02. Run It Out 03:31
03. Make It Hurt 03:29
04. Doll Eyes 02:42
05. High n' Tight 03:50
06. Waitin for Nothing 02:09
07. Bad Change 03:03
08. Needle in the Red 02:39
09. Satisfied Fool 03:43
10. Maybe Come Back to Me 02:47
11. Say Goodbye 03:11

James Harman LIVE Peer Festival 1991

 

 LIVE  

Peer Festival  Belgium

1991

Tracks

01 Tell Me Baby.mp3

02 It Is, Yes.mp3

03 Swamp Night.mp3

04 Extra Napkins.mp3

05 Stranger Blues.mp3

06 Talk.mp3

07 It's All Right Now.mp3

08 Phonebill Blues.mp3

MUSICA&SOM

Gary Moore - Balingen, Germany 1995

 

Track List:

01 Walking By Myself

02 Long Grey Mare

03 Oh Pretty Woman

04 I Loved Another Woman

05 Merry Go Round

06 The Stumble

07 Need Your Love So Bad

08 You Don't Love Me

09 Key To Love

10 All Your Love

11 Still Got The Blues

12 Since I Met You Baby

13 The Sky Is Crying

14 Too Tired

15 The Blues Is All Right

16 Stop Messin' Around

17 Jumpin' At Shadows

sto é de uma cópia de um lançamento liberado chamado Last Blues For Greeny, menos quatro faixas de preenchimento de outros shows que foram lançados nesse meio tempo.

Este é o falecido e grande Gary Moore no Festival SWF3 em Balingen, Alemanha, em 1995.

No mesmo ano, Gary lançou um álbum com músicas escritas por Peter Green, seu guitarrista favorito e inspirador.

RARIDADES

The Chesterfield Kings - Night of the Living Eyes (1979-1983)

don't hang around, enjoy good music!

Level 42 - On The Level

Motivados por interesses comerciais, ou seja, sua gravadora, em meados dos anos 80, a Level 42 tomou a decisão consciente de mudar para um estilo de música pop-soul mais acessível, com King fornecendo vocais em quase todas as faixas, colocando-os em liga com nomes como Deacon Blue, China Crisis, Hipsway, Style Council e Swing Out Sister (veja postagens anteriores). O movimento se tornou uma presença dominante nas paradas britânicas em meados e no final dos anos 80. No entanto, a Level 42 manteve a dimensão adicional de funk de fusão suave e jazz-rock à mistura, dando a eles uma profundidade estilística que os críticos (e fãs) aprovaram.

No final de 85, a Level 42 lançou seu quinto álbum de estúdio, 'World Machine', no mundo. O single principal foi o amigável ao rádio, 'Something About You' (UK#6/US#7), que finalmente quebrou a Level 42 de uma forma importante nos Estados Unidos. A faixa foi indicativa do estilo e do som em todas as nove faixas do álbum. Mark King estava em ótima forma vocal, enquanto Mike Lindup vem mais à tona com suas harmonias vocais em falsete. O single seguinte, o ritmo lento e comovente 'Leaving Me Now' (UK#15/OZ#98), aumentou ainda mais o apelo de 'World Machine', levando-a para o 3º lugar na Grã-Bretanha (US#18), onde permaneceu por 72 semanas, eventualmente alcançando o status de dupla platina. E não foi apenas o público que caiu de cabeça no novo modelo estiloso Level 42. Mark Sinker escreveu na NME em novembro de 85 - O som do Level 42 é como uma "banda Brit-trot-punk com brilho de pantera brilhante, movimento psicodélico de golpe de martelo ondulante e sotaque de cera colorida translúcido". Eu não poderia ter dito melhor, na verdade, eu não disse nada.

No início de 86, o Level 42 lançou o novo single, 'Lessons In Love' (UK#3/ US#12/ OZ#65), quase um ano antes do álbum de origem - meu palpite é que eles estavam tentando manter o ímpeto estabelecido por 'World Machine'. Coescrito por King, Badarou e Phil Gould, 'Lessons In Love' foi uma peça de soul-pop imaculadamente polida, com artesanato instrumental requintado e harmonias vocais suaves. Eventualmente, o álbum de origem chegou no início de 87, na forma de 'Running In The Family' (UK#2/ US#23/ OZ#35), outro disco de platina dupla para adicionar ao seu antecessor. A faixa-título, 'Running In The Family' (UK#6/ OZ#43/ US#83), consolidou a posição do Level 42 nas posições mais altas das paradas. Foi o primeiro single do Level 42 que comprei em vinil 45. A comovente "To Be With You Again" (UK#10) foi lançada no meio do ano, assim como uma participação como banda de abertura na turnê de verão de Madonna, antes da banda estrear em sua própria turnê em arenas, confirmando sua chegada como um grande artista pop-rock.

A balada de ritmo lento 'It's Over' (UK#10) deu ao Level 42 seu quarto single consecutivo no Top 10 do Reino Unido. A soul 'Children Say' (UK#22) foi a quinta e última das nove faixas do álbum 'Running In The Family'. Foi um período próspero para o Level 42, com o grupo sendo eleito o melhor grupo britânico por três anos consecutivos pela revista Blues & Soul. Mark King também estava em alta demanda durante esse período, trabalhando em estúdio com nomes como Nik Kershaw, Midge Ure (veja posts anteriores) e Robert Palmer (veja post futuro). Mas a banda recebeu um golpe duplo no final de 1987, quando os dois irmãos Gould fizeram um 'running in the family' e deixaram a banda. Isso perturbou o equilíbrio da banda e, com o tempo, provaria a ruína da fórmula comercial mágica que eles haviam alcançado durante a fase 'World Music'/'Running In The Family' de sua carreira. O guitarrista Alan Murphy e o baterista Gary Husband foram recrutados para preencher as vagas.

O Gould-less Level 42 ressurgiu em setembro de 88 com o álbum 'Staring At The Sun' (UK#2/ OZ#86/US#128), complementado pelo single principal 'Heaven In My Hands' (UK#12). A alma infundida de rock da faixa abriu os procedimentos do álbum, mas foi um destaque entre poucas das dez faixas em oferta. O single seguinte, 'Take A Look' (UK#32) foi singularmente pouco inspirador, embora o funk 'Tracie' (UK#25) tenha animado os procedimentos muito bem. Comprei 'Heaven In My Hands' e 'Tracie' em vinil 45 (o último com fotografia de Linda McCartney na arte da capa). No geral, 'Staring At The Sun' tinha alguns pontos cegos a mais para ser considerado na mesma liga que seus predecessores.

A banda sofreu um novo revés em 1989 com a morte do guitarrista Alan Murphy, e não lançou nenhum material novo, exceto um álbum de grandes sucessos 'Level Best' (UK#5), que continha uma nova faixa na forma de 'Take Care Of Yourself' (UK#39). O melhor do pacote foi o último da Polydor antes que a gravadora retirasse o Level 42 de sua lista de músicos. O

Level 42 tirou um tempo de folga em 1990 e em 91, antes de recrutar o novo guitarrista Alan Holdsworth, um renomado guitarrista de fusão, para o grupo. O novo quarteto assinou com a RCA e se comprometeu a gravar um novo álbum no verão de 91, para não ser confundido com o verão de 69, que é uma música de Bryan Adams e pertence a um posto totalmente diferente. 'Guaranteed' (UK#3) manteve a sequência da banda de álbuns no top 5 do Reino Unido (agora em 5), mas a melhor estatística relacionada a single que conseguiu foi com a faixa-título (UK#17). Flashes da verve e vibração de esforços anteriores surgiram em patches ao longo do álbum, incluindo o single animado 'Overtime' (UK#62), e a funkificação movida por metais de 'Her Big Day'. O terceiro single, 'My Father's Shoes' (UK#55), não tinha tanta alma quanto outras faixas, até mesmo se aventurando em uma sensação country. Embora o álbum tenha recapturado fragmentos de soulfulness, foi uma oferta inconsistente no geral.

Uma espera de três anos se passou antes do lançamento do álbum de 1994 do Level 42, 'Forever Now' (UK#8). O álbum marcou o retorno do baterista Phil Gould ao grupo e também marcou um ressurgimento na forma criativa da banda. O single principal foi a faixa-título, 'Forever Now' (UK#19), evocando nomes como Kool & the Gang e Earth, Wind & Fire com seu som ousado e metálico. Mais duas das quinze faixas do álbum encontraram uma recepção dentro do top 40 do Reino Unido - 'All Over You' (UK#26) e a elegante 'Love In A Peaceful World' (UK#31).

Apesar do retorno à forma criativa em 'Forever Now', o Level 42 praticamente desapareceu de vista nos dez anos seguintes, exceto por algumas datas ocasionais de turnê, das quais Mark King era o único membro constante. Em 2006, a banda ressurgiu, com Mark King, Mike Lindup, com contribuições dos irmãos Gould no álbum 'Retroglide'. Houve um ou dois destaques que remontam aos dias de glória da banda, mas no geral faltou a ponta funk do som original da banda, e ofereceu mais momentos esquecíveis do que memoráveis.

Em 2010, o Level 42 comemorou seu 30º aniversário com uma turnê, e um box set de quatro discos intitulado 'Living It Up', que apresentou um disco de versões acústicas recém-gravadas de sucessos do Level 42, por King e Lindup.

J. Geils Band - The Long Haul To The Top

Quando a J. Geils Band disparou para o topo das paradas mundiais no início de 82, muitos teriam pensado (como eu pensei na época) que eles eram um artista relativamente novo que de repente quebrou a fórmula para o sucesso nas paradas. Mas além do centro de seu sucesso, havia uma estrada pavimentada com os fluxos e refluxos de uma ascensão de quinze anos até o topo. O que se segue é um olhar mais atento sobre essa jornada.

Em 1967, o guitarrista de Boston Jerome 'J' Geils começou um trio de blues acústico chamado, imaginativamente o suficiente, J. Geils Blues Band. Ao lado de J, estavam o baixista Danny Klein e o harpista que veio para a gaita e o saxofonista 'Magic Dick' Salwitz. Poucos meses depois do empreendimento, eles recrutaram o vocalista Peter 'Wolf' Blankfield e o baterista Stephen Jo Bladd, e logo depois o quinteto se conectou e se tornou elétrico. Wolf e Bladd já haviam tocado juntos anteriormente na banda revivalista de doo-wop e rock, The Hallucinations. Sua adição à J. Geils Blues Band adicionou a dimensão extra do ambiente doo-wop e rock & roll aos procedimentos. Wolf em particular tinha uma personalidade maior que a vida, uma espécie de frontman hipercinético à maneira de Jagger e Iggy Pop. Em um ano, eles abandonaram o "Blues" de seu apelido e adicionaram o tecladista e compositor Seth Justman à empresa.

A J. Geils Band tocou incansavelmente em Boston e na Costa Leste e construiu uma forte base de seguidores e reputação por ser um ato dinâmico ao vivo, uma banda de bar que se tornou grande (e má), produzindo uma fusão prática de blues, rock, R&B e soul. A banda se posicionou como "greasers" da Costa Leste, a antítese do movimento psicodélico-rock predominante da época. Tal era sua reputação na região que eles foram convidados para tocar em Woodstock em 1969, um convite que eles recusaram (por integridade ou estupidez? - quem sabe). Eles estavam abrindo para o Dr. John em 1969, quando foram descobertos por um caça-talentos da Atlantic Records, e assinaram um contrato de gravação logo depois.

A Atlantic lançou o set de estreia homônimo da J. Geils Band em fevereiro de 71. Embora nenhum álbum ou singles associados, "Homework" e "Wait", tenham chegado às paradas, os críticos ficaram impressionados com as tomadas de alta energia da banda em números clássicos de blues por nomes como Otis Rush e John Lee Hooker, junto com várias composições de Peter Wolf e Seth Justman. Foi um aperitivo escasso para o que seria servido nos anos seguintes.

O que se seguiu na noite anterior, chegou "The Morning After" (US#64) na forma do segundo álbum da J. Geils Band. O álbum, lançado no final de 71, ofereceu a mesma mistura de números de blues e soul com infusão de rock, com mais uma vez uma mistura de covers e músicas originais em oferta. A faixa que chamou a atenção da banda de rock para um público mais mainstream foi o cover top 40 de "Looking For Love" de Bobby Womacks (US#39). A original de Justman/Wolf, 'I Don't Need You No More', abre o álbum de forma dinâmica, e para provar que a banda tinha um equipamento além do overdrive, a balada rock 'Cry One More Time' está em destaque.

Como a J. Geils Band havia construído uma sequência tão fenomenal como um ato ao vivo, era lógico que o grupo se aventurasse no território do álbum ao vivo, que é exatamente o que eles fizeram em outubro de 72. 'Live - Full House' (US#54) foi gravado no Cinderella Ballroom de Detroit, e a banda produz músicas de seus dois primeiros álbuns. A J. Geils Band estava entre um dos atos de turnê mais populares nos EUA durante essa era. Seus shows eram construídos em torno de alta energia, sem frescuras, R&B com infusão de rock. Peter Wolf tinha a persona perfeita no palco, fundindo vocais escaldantes com brincadeiras de DJ (ele já havia sido DJ na estação de rádio WBCN-FM de Boston, onde era conhecido como Woofuh Goofuh), com uma atitude grosseira que lembra Iggy Pop. Este álbum captura toda a energia do rock vigoroso que a J. Geils Band tinha a oferecer - e isso era bastante.

A banda então retornou ao estúdio no início de 73 para gravar seu terceiro álbum de estúdio. 'Bloodshot' foi lançado em abril de 73, e ostentava nove faixas de alta energia no total, com todas, exceto duas composições originais de Justman e Wolf. O reggae inflectido 'Give It To Me' fechou o álbum, mas abriu os lançamentos de singles com um esforço #30. A banda tocou a música no programa de TV dos EUA 'In Concert', onde os censores removeram a frase 'get it up' da letra (ainda era os anos 70, afinal). O doo-wop-ish 'Make Up Your Mind' roçou a superfície do US Hot 100 (#98), mas o álbum deu à J. Geils Band seu primeiro esforço top dez (#10) e primeiro álbum de ouro.

O álbum seguinte, 'Ladies Invited' (US#51), foi o primeiro álbum da J. Geils Band a ostentar todas as composições de Justman/Wolf entre as capas. O álbum foi, em termos relativos a 'Bloodshot', uma decepção comercial, mas não faltou nada da verve e dinamismo de lançamentos anteriores. O grupo também estava recebendo alguma atenção nas páginas de fofocas por meio do namoro de Peter Wolf e do casamento em 1974 com a atriz Faye Dunaway (os dois se divorciariam em 1979).

No final de 74, a banda ofereceu outro álbum com o peculiarmente intitulado 'Nightmare…And Other Tales From The Vinyl Jungle' (US#26). O single principal foi 'Must Of Go Lost' (US#12/OZ#72), uma faixa honky-tonky-ish que deu à J. Geils Band seu maior sucesso sob o guarda-chuva do Atlântico. Os singles seguintes, 'Gettin Out' e 'Givin It All Up' não chegaram às paradas, mas se encaixam confortavelmente no ritmo do álbum, que oferece ingredientes do funk, blues sério e instrumentação concisa, porém expansiva.

O álbum de 1975 'Hotline' (US#36) não atingiu os números corretos para o sucesso nas paradas, mas ofereceu outra mistura satisfatória de originais e covers, tudo com a entrega de alta energia da J. Geils Band. O lançamento do single, 'Love-Itis' foi um cover de uma obscura canção soul de Harvey Scales & the Seven Sounds, e abre os procedimentos que abrangem tudo, desde soul baseado em funk até baladas de rock clássico.

Com álbuns duplos ao vivo na moda em meados dos anos 70, era compreensível que um artista tão poderoso como a J. Geils Band entrasse em ação, e foi o que fizeram com 'Live - Blow Your Face Out' (US#40) de 1976. O(s) álbum(s) mais uma vez capturou(aram) a furiosa energia cinética da banda, gravada em dois shows no final de 75 - Boston Garden e Cobo Hall, Detroit. A faixa ao vivo 'Where Did Our Love Go' (US#68) foi lançada como single, enquanto outros destaques incluíram o épico de nove minutos 'Chimes'. Produzido por Bill Szymczyk, o conjunto de discos duplos não decepciona.

Quando a J. Geils Band chegou ao estúdio de gravação em 1977, eles estavam em uma espécie de encruzilhada na carreira. Eles tinham desfrutado de uma popularidade passageira no mainstream e eram uma atração ao vivo tão grande quanto sempre foram, mas suas últimas apresentações pareciam errar o alvo, em termos de número de público. Eles optaram por lançar seu próximo álbum, 'Monkey Island' (US#51/OZ#97), sob o nome Geils, possivelmente em um esforço para se renomear. A banda produziu o álbum por conta própria, e todas as nove faixas, exceto duas, eram composições originais de Justman/Wolf. O single lançado foi uma oferta de rock suave e suave na forma de 'You're The Only One' (US#83). Para mostrar sua gama de estilo de tocar, uma música tão discreta foi equilibrada pelo funk de alta energia de 'Surrender'. Foi um álbum de muitos modos, confuso em alguns níveis, mas paradoxalmente coeso em sua diversidade.

A J. Geils Band trocou de gravadora da Atlantic para a EMI America no final de 78. Quando o trabalho começou em seu próximo álbum, o produtor da Earth, Wind & Fire, Joe Wissert, foi designado para a tarefa de reter a energia da banda, enquanto a mesclava levemente para aprimorar algumas das arestas do curso, introduzindo um som mais elegante e polido aos procedimentos. A colaboração resultante foi 'Sanctuary' do final de 78 (US#49/OZ#82), o primeiro disco credenciado em ouro da banda desde 'Bloodshot'. Todas as nove faixas foram escritas por Justman e Wolf, incluindo o single amigável ao rádio 'One Last Kiss' (US#35/UK#74). Outros destaques incluíram o rock escaldante de 'Sanctuary', a vibrante 'Just Can't Stop Me' e o segundo single 'Take It Back' (US#67), um corte brilhante de pop-soul.

Tendo percorrido tanto terreno durante os anos 70, quando os anos 80 começaram, surgiu a questão de qual direção a J. Geils Band tomaria em seguida. Uma forte pista sobre essa direção foi oferecida no álbum do início de 1980, 'Love Stinks' (US#18/OZ#43), uma espécie de prelúdio que serviu para ampliar o apelo mainstream da banda em preparação para a onda de popularidade que viria a seguir. O tecladista e co-escritor Seth Justman assumiu funções de produtor em tempo integral, e 8 das 9 faixas oferecidas foram escritas com Peter Wolf. O sintetizador penetrou na mistura instrumental mais do que antes, em sintonia com o crescente movimento new wave da época. O single de abertura, 'Come Back' (US#32/OZ#31), foi uma tarifa elegante e com toque de funk no seu melhor. A faixa-título e single, 'Love Stinks' (US#38) estaria confortavelmente em casa no cancioneiro dos Cars. A faixa de abertura do álbum e terceiro single, "Just Can't Wait" (US#78), captura perfeitamente a síntese de sintetizador/guitarra tão predominante no início dos anos 80 e foi indicativa da evolução da J. Geils Band nos últimos anos - uma evolução que precisava dar apenas mais um passo antes que o resultado fosse alcançado.