sexta-feira, 26 de julho de 2024

The Evpatoria Report "Golevka" (2005)

 


Os suíços, como sabemos pela história do progresso, têm uma visão bastante sofisticada das coisas. Circo , Ilha , Spaltklang ... Seja qual for o nome - uma personalidade brilhante. Em 2002, chegou um regimento de pessoas únicas. Um quinteto de Genebra chamado The Evpatoria Report provou que descobertas são possíveis mesmo em uma área tão despretensiosa da música moderna como o pós-rock. O principal é colocar os acentos corretamente. Claro que sem a componente rítmica não teria sido possível “disparar”. Mas aqui ela desempenha um papel coadjuvante. A equipe instrumental formada por dois guitarristas, um violinista, um tecladista, um baixista e um baterista teve que pensar muito para quebrar estereótipos. Porém, o resultado valeu o esforço.
Sem nos aprofundarmos na selva astronômica (para quem não sabe: Golevka é o nome dado a um asteroide descoberto em 1991), tentaremos identificar prioridades sólidas. Então: 1) atmosférico; 2) um fator escuro constantemente presente; 3) tendência à melancolia; 4) equilíbrio à beira da liquidez da câmara e som eletro energeticamente rico. Além do monumentalismo cronométrico (a peça mais curta do disco dura 8,5 minutos). O épico sombrio "Prognoz" dá o tom. No espaço cintilante dos teclados, surge um estrondo “magmático” do baixo, as tendências de distorção da guitarra gradualmente se expandem para um estado de fúria, e a carga principal é assumida pelo violino, abrindo cuidadosamente o espaço cintilante de luzes. O final da pista é moderno no bom sentido, sem vinhetas significativas: apenas a adrenalina necessária. A dolorosa beleza do afresco "Taijin Kyofusho" baseia-se no dualismo mutuamente exclusivo dos meios expressivos: por um lado, a harmonia melódica (graças ao quarteto de cordas especialmente convidado), por outro, a escala de ruído gerada pelos processadores e amplificadores. Uma espécie de psicodelia alternativa com bastante aspereza. A ação do épico de 14 minutos "Cosmic Call" se desenvolve de maneira majestosa e crimzóide. Aqui estão as profundezas místicas do lendário "Starless", e o desapego do briguento planetário Pink Floyd , e uma certa linha de trance, porém, sem um pingo de eletrônica. Se desejar, a tela “CCS Logbook” é fácil de navegar por um labirinto psicológico: o sofrimento silencioso de um adolescente notório se transforma em uma testosterona furiosa na saída; daí o heroísmo deliberado - uma tentativa de esconder a essência ainda tímida por trás do pathos externo. A insinuante viagem espacial "Seletor de região ideal" ocorre em sua maior parte de forma bastante inofensiva, apenas mais perto do meio o contorno da obra é atacado por uma chuva de meteoros. No entanto, a situação é resolvida de forma pacífica, até com calma. A obra final "Experimento Dipolo" demonstra a maturidade composicional das visões dos cinco. Tendo conectado grupos filarmônicos à trama ( Orquestra de Ribaupierre e Union Chorale de Vevey dirigida por Luke Bagdasaryan ), os rapazes vão construindo um quadro esteticamente holístico, repleto de detalhes coloridos e manobras sonoras bem elaboradas.
Resumindo: uma viagem interessante à sua maneira através de um universo hostil, um ponto de referência especulativo para conquistas subsequentes no campo do pós-rock progressivo. Eu aconselho você a participar.





Jean-Luc Ponty "Upon the Wings of Music" (1975)

 


Ele teve sorte com a hereditariedade. Os pais não são apenas músicos, mas também o pai é diretor de uma instituição de ensino especializada na cidade de Avranches. Assim, a questão de “quem ser” nem sequer surgiu para o jovem Jean-Luc Ponty (n. 1942). Aos cinco anos, sob orientação do pai e da mãe, começou a dominar o violino e o piano, e aos treze se formou na escola, praticando todos os dias durante seis horas seguidas. Não foi difícil se formar com sucesso no Conservatório de Paris (estudando em um programa acelerado, Ponti dominou o curso acadêmico em dois anos e meio). Em seguida foi o serviço obrigatório na orquestra. Parecia que o destino do artista filarmônico era uma conclusão precipitada. Mas o destino interveio: Jean-Luc ficou completamente viciado no jazz. Os virtuosos do swing do violino Stefan Grappelli e Staff Smith se tornaram seus heróis. E quem poderia saber de antemão que já em 1966, o jovem francês, na companhia dos seus ídolos, faria uma gravação ao concerto de “Violin Summit”, e pouco depois se tornaria famoso em todo o mundo como um dos revolucionários artistas de fusão...
Em meados da década de 1970, Ponti tinha uma experiência solo impressionante e colaborações icônicas. A colaboração com John McLaughlin como parte da próxima encarnação da Orquestra Mahavishnu abriu-lhe novas perspectivas estilísticas. E quando um contrato tentador com a gravadora Atlantic Records surgiu no horizonte, o experiente Jean-Luc já tinha um plano de ação claro para o futuro próximo. Em janeiro de 1975, o maestro voou para a Califórnia. Aqui, no estúdio Paramount de Los Angeles, cinco profissionais experientes o esperavam. Sem hesitar, a banda iniciou sessões que resultaram no excelente álbum "Upon the Wings of Music".
O disco é cativante desde os primeiros compassos. A composição do título é um exemplo da brilhante articulação de um modelo sincopado de funk rítmico com as partes motrizes do violino elétrico de Ponti (a chamada violactra). O oponente do mentor aqui é o tecladista Patrice Ruchen , que faz fronteira com os movimentos de bateria e baixo com padrões ornamentados. "Pergunta sem resposta" é algo tradicional em certo sentido. O líder utiliza a versão clássica do instrumento para realçar a orientação lírica do estudo, fortalecendo o núcleo jazz-rock com técnicas adquiridas na esfera sinfônica. E funciona perfeitamente. A viagem astral “Now I Know” é um exemplo bem sucedido de psicodelia cósmica em relação à faixa de fusão. Jean-Luc satura a estrutura da tela com o som espetacular de um sintetizador de cordas. As complexas progressões do mural "Polyfolk Dance" na verdade apontam o caminho para futuros dissidentes como KBB ou Fantasmagoria ; vôo encantador de pensamento e técnica de jogo impecável. Reverbs de violino enfatizam a essência futurista da ação funk "Waving Memories", enquanto as sequências da obra "Echoes of the Future" deixam o clima bastante em estado de transe. O inventivo ângulo polifônico de "Bowing-Bowing" demonstra os benefícios do cálculo sutil aliado a uma boa dose de inspiração. Bem, o “Fight for Life” final foi projetado para demonstrar todo o encanto do equilíbrio do jazz no contexto dos limites do rock estritamente regulamentados.
Resumindo: um panorama sonoro incrível, marcado pela imaginação, habilidade e talento. Eu sinceramente recomendo ouvir. 





Er. J. Orchestra "Gabrielius" (1998)

 


“...Ele mesmo parecia um pássaro sorridente, / quando dia após dia, ano após ano, grão por grão, / seixo por galho, por galho, ele montava seu templo, / um homem que não é deste mundo, como seu nome -Gabriélio.” A poesia em prosa do compositor Alexei Alexandrov é um tipo especial de introdução, iniciação ao mistério dos sons da formação ucraniana Er. J. Orquestra . Na verdade, o que é “Gabrielius”? O firmamento frio das lápides e estátuas de cemitério, os salpicos de aquarela do curto sol de outono, a carne bronzeada dos castanheiros caindo com as primeiras folhas e a luz mística da natureza antes do amanhecer nos arredores desertos da cidade. Mas isso é do ponto de vista lírico. Se você se afastar dos padrões musicais, corre o risco de ficar preso em um monte de definições. No entanto, você pode se ater ao termo lacônico “etnofusão”.
Er de estilo mundial . J. Orchestra não tem afiliação específica. E embora os topônimos contidos nos títulos individuais das peças nos forneçam um esboço situacional indireto, é ainda mais apropriado falar de algum tipo de corte transversal de fantasia. Ou seja, há um amplo espectro sonoro por onde passam os fios mais finos do jazz, do art rock, dos princípios estruturais universais da New Age e dos motivos folclóricos reduzidos a um denominador comum convencional. Os instrumentos elétricos não são muito apreciados pelos “membros da orquestra”. E isso fica evidente na composição: Alexey Alexandrov (flautas, piano, percussão), Victor Krisko (violino), Sergey Khmelev (vibrafone, marimba), Victor Melezhik (saxofones soprano e tenor), Dmitry Soloviev (saxofone alto), Vladimir Sorochenko (baixo), Andrey Chuguevets (guitarra, dombra, acordeão de botão), Alexander Beregovsky (vibrafone, gongos chineses, congos, bongôs, tambor de mão, flauta doce, bateria, percussão), Oleg Kobtsev (congos, bongôs, vocais, percussão) . Portanto, não se deve esperar que o conjunto seja progressivo na sua definição tradicional. No entanto, isso não nega a essência intrigante da cocriação.
Seis edições extensas - seis histórias vívidas. “Cerimônia do Chá Kiev - Paris”, por vontade do único autor Alexandrov, reúne os queridos “Eslavismos” com detalhes francófonos não menos coloridos (é incrivelmente interessante sentir, a partir do exemplo de um acordeão de botão e de um violino, como o caráter nacional da melodia muda no processo). A seção rítmica também não é supérflua, direcionando a narrativa tipo colagem em uma direção linear. O desenvolvimento sem pressa do tema principal do lançamento se deve a uma excursão filosófica pelos espinhosos caminhos do jazz e pelas exóticas etnodiagonais. A obra romantizada “Carta para Yana” evoca em alguns lugares o pensamento dos compatriotas falecidos da Orquestra Vermicelli , só que aqui as cores são dispostas de forma diferente. O afresco “Templo da Floresta de Bambu” é tecido a partir de intrincados microintervalos, mergulhando-nos na fabulosa flora da Ásia. "Chanson d'Automne" - reflexão intelectual à la française; uma fusão rica em detalhes com um centro ideológico errante. O panorama é coroado pelo magnífico cocktail subétnico “Syringa”, colorido pela animada chamada de todos os instrumentos.
Resumindo: uma estreia interessante e em muitos aspectos original de uma das bandas mais originais do campo da Europa de Leste. Eu recomendo.  






The Electric Flag - A Long Time Comin' (A Classic 1st Album US 1968)

 




O escritor Jeff Tamarkin diz que "o ex-guitarrista da Butterfield Band Mike Bloomfield, o baterista Buddy Miles e outros montaram esta banda de soul-rock em 1967. Esta estreia é uma prova de sua capacidade de pegar fogo e continuar queimando." 





O The Electric Flag se saiu tão bem — eles se apresentaram no Monterey International Pop Festival com o Blues Project, Paul Butterfield e Janis Joplin, e todos esses grupos tinham alguma conexão musical entre si além daquele festival crucial. 



A Long Time Comin' é a "nova alma" descrita apropriadamente o suficiente pela falecida crítica Lillian Roxon, e músicas como "She Should Have Just" e "Over-Lovin' You" pendem mais para o lado da alma do que para o pop com o qual tantos ouvintes de rádio estavam sintonizados naquela época. Nick Gravenites era purista demais para levar seu blues ao Top 40 da mesma forma que Felix Cavaliere nos deu "Groovin'", então a eventual substituta de Janis Joplin no Big Brother & the Holding Company, Gravenites e essa equipe despejam "Groovin' Is Easy" neste disco. 


É uma produção de classe, ideias intelectuais com muitas mudanças musicais, uma versão moderada do que a própria Joplin nos daria em I Got Dem Ole Kozmic Blues Again, Mama dois anos depois, com parte daquele álbum escrita pelo vocalista Gravenites.  Embora lançado depois do Blues Project de Al Kooper, A Long Time Comin' influenciou bandas que venderiam mais discos. No tradicional "Wine", é proclamado "você conhece Janis Joplin, ela vai te contar tudo sobre aquele vinho, baby". Por melhor que o álbum seja, o material é basicamente composto por Mike Bloomfield e Barry Goldberg, quando eles não estão fazendo covers de "Killing Floor" de Howlin' Wolf e adicionando noticiários falados à mistura.  Mais contribuições de Buddy Miles e Gravenites no departamento de composição seriam bem-vindas aqui. A versão estendida do CD tem quatro faixas adicionais, "Sunny" e "Mystery" de Bobby Hebb, ambas que aparecem no lançamento autointitulado Electric Flag que seguiu este LP, bem como outro material que aparece em Old Glory: The Best of Electric Flag, lançado em 2000.  "Sittin' in Circles" abre como "Riders on the Storm" do Doors, os teclados, bem como os efeitos sonoros, e um gancho de "hey little girl" que ressurgiria como o título de uma música de Nick Gravenites no disco de acompanhamento mencionado acima, onde Gravenites e Miles pegaram a folga da composição, Bloomfield tendo vagado para Super Session com Al Kooper do Blues Project. Coisas incríveis no geral, que poderiam eventualmente compreender um conjunto em caixa de blues rock experimental de meados ao final dos anos sessenta. Qualquer versão desta gravação, vinil original ou CD estendido, é divertida de ouvir e uma revelação. 

 Mike Bloomfield – lead guitar, vocals
 Buddy Miles – drums, vocals
 Barry Goldberg – keyboards
 Harvey Brooks – bass
 Nick Gravenites – vocals, guitar
 Herb Rich – organ, vocals, baritone saxophone, guitar
 Michael Fonfara – keyboards
 Marcus Doubleday – trumpet
 Peter Strazza – tenor saxophone
 Stemsy Hunter – alto saxophone

01. "Killing Floor" (Chester Burnett a.k.a. Howlin' Wolf) – 4:11
02. "Groovin' Is Easy" (Nick Gravenites) – 3:06
03. "Over-Lovin' You" (Mike Bloomfield, Barry Goldberg) – 2:12
04. "She Should Have Just" (Ron Polte) – 5:03
05. "Wine" (Traditional arr. Bloomfield) – 3:15
06. "Texas" (Bloomfield, Buddy Miles) – 4:49
07. "Sittin' in Circles" (Goldberg) – 3:54
08. "You Don't Realize" (Bloomfield) – 4:56
09. "Another Country" (Polte) – 8:47
10. "Easy Rider" (Bloomfield) – 0:53

Bonus Tracks:
11. "Sunny" (Bobby Hebb) – 4:02
12. "Mystery" (Miles) – 2:56
13. "Look into My Eyes" (Harvey Brooks, Miles) – 3:07
14. "Going Down Slow" (James Oden a.k.a. St. Louis Jimmy Oden) – 4:43





Mike Bloomfield - Live at Bill Graham's Filmore West (US 1969)

 




Quando Mike Bloomfield e Nick Gravenites foram gravados pela Columbia no Fillmore West no início de 1969, a maioria das faixas lançadas pela gravadora apareceu no Live at Bill Graham's Fillmore West 1969. No entanto, não pouco material adicional da mesma fonte apareceu em um lado do LP My Labors do Gravenites. Este conjunto não contém as gravações mais notáveis ​​de Bloomfield; não é a melhor banda com a qual ele tocou, nem é o melhor material com o qual ele teve que trabalhar. É mais apreciado como um dos vários lançamentos nos quais ouvir seu trabalho de guitarra de blues-rock confiável, embora não seja tão chamativo ou inventivo quanto suas melhores performances, os arranjos às vezes lembrando Electric Flag devido à presença de uma seção de metais. 




Nada menos que quatro vocalistas (Gravenites, Bloomfield, Bob Jones e Taj Mahal, que participam em "One More Mile to Go") foram apresentados no LP original Live at Bill Graham's Fillmore West 1969; esta versão expandida dá mais peso ao canto de Gravenites, já que ele assume a liderança em todas as quatro faixas adicionadas de My Labors. Como bônus final, o CD também inclui um cover cantado por Bloomfield de "Mary Ann" de Ray Charles de outro álbum ao vivo de Bloomfield da época (The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper), bem como notas históricas do encarte.

Michael Bloomfield foi um dos primeiros grandes guitarristas de blues brancos da América, ganhando sua reputação com a força de seu trabalho na Paul Butterfield Blues Band. Suas linhas solo expressivas e fluidas e sua técnica prodigiosa agraciaram muitos outros projetos — mais notavelmente as primeiras incursões elétricas de Bob Dylan — e ele também seguiu uma carreira solo, com resultados variáveis. Desconfortável com o tratamento reverente dado a um herói da guitarra, Bloomfield tendia a se afastar dos holofotes depois de passar apenas alguns anos nele; ele manteve uma carreira de menor visibilidade durante os anos 70 devido à sua aversão à fama e seus problemas de drogas cada vez piores, que custaram sua vida em 1981. Michael Bernard Bloomfield nasceu em 28 de julho de 1943, em uma família judia abastada no North Side de Chicago. Um solitário tímido e desajeitado quando criança, ele se interessou por música por meio das estações de rádio do sul que ele conseguia ouvir à noite, o que lhe dava uma fonte regular de rockabilly, R&B e blues. Ele recebeu sua primeira guitarra em seu bar mitzvah e ele e seus amigos começaram a sair escondidos para ouvir blues elétrico na fértil cena de clubes do South Side (com a ajuda das empregadas de suas famílias). O jovem Bloomfield às vezes subia no palco para tocar com os músicos e a novidade de tal espetáculo logo o tornou um proeminente frequentador da cena. 



Desanimados com o rumo que sua educação estava tomando, seus pais o enviaram para um internato particular na Costa Leste em 1958 e ele finalmente se formou em uma escola de Chicago para jovens problemáticos. Nessa época, ele havia abraçado a subcultura beatnik, frequentando pontos de encontro perto da Universidade de Chicago. Ele conseguiu um emprego como gerente de um clube folk e frequentemente contratava veteranos do blues acústico; nesse meio tempo, ele também tocava violão como músico de estúdio e na cena de clubes de Chicago com várias bandas diferentes. Highway 61 Revisited Em 1964, Bloomfield foi descoberto por meio de seu trabalho de estúdio pelo lendário John Hammond, que o contratou para a CBS; no entanto, várias gravações de 1964 não foram lançadas, pois a gravadora não tinha certeza de como comercializar um guitarrista de blues americano branco. No início de 1965, Bloomfield se juntou a vários associados na Paul Butterfield Blues Band, uma banda racialmente integrada com uma abordagem tempestuosa e com toque de rock do som do blues elétrico urbano de Chicago. A estreia autointitulada do grupo para Elektra, lançada mais tarde naquele ano, fez deles uma sensação na comunidade do blues e ajudou a introduzir o público branco a uma versão menos diluída do blues.  Individualmente, o trabalho de guitarra solo de Bloomfield foi aclamado como uma ponte perfeitamente lógica entre o blues de Chicago e o rock contemporâneo. Mais tarde, em 1965, Bloomfield foi recrutado para a nova banda de apoio eletrificada de Bob Dylan; ele foi uma presença proeminente no clássico inovador Highway 61 Revisited e também fez parte da performance plugged-in épica de Dylan no Newport Folk Festival de 1965. Nesse meio tempo, Bloomfield estava desenvolvendo um interesse pela música oriental, particularmente a forma raga indiana, e sua preocupação exerceu uma grande influência no próximo álbum de Butterfield, East-West de 1966. Impulsionado pelos solos estendidos de cair o queixo de Bloomfield em sua faixa-título instrumental, East-West fundiu blues, jazz, world music e rock psicodélico de uma forma sem precedentes. A banda Butterfield se tornou uma das atrações favoritas na cena musical emergente de São Francisco e, em 1967, Bloomfield deixou o grupo para se mudar permanentemente para lá e buscar novos projetos.






A Long Time Comin'Bloomfield rapidamente formou uma nova banda chamada Electric Flag com o antigo companheiro de Chicago Nick Gravenites nos vocais. O Electric Flag deveria desenvolver as inovações do East-West e, consequentemente, apresentava uma formação expandida completa com uma seção de metais, o que permitiu ao grupo adicionar soul music à sua longa lista de influências. O Electric Flag estreou no Monterey Pop Festival de 1967 e lançou um álbum de estreia adequado, A Long Time Comin', em 1968. Os críticos elogiaram o som distinto e intrigante do grupo, mas acharam o disco em si um tanto irregular.  Infelizmente, a banda já estava se desintegrando; rivalidades entre os membros e a gestão míope - sem mencionar o abuso de heroína - cobraram seu preço. O próprio Bloomfield deixou a banda que havia formado antes mesmo do álbum ser lançado. Em seguida, ele se juntou ao organista Al Kooper, com quem tocou na banda de Dylan, e gravou Super Session, um disco voltado para jams que destacou suas próprias habilidades de guitarra em uma metade e as de Stephen Stills na outra. Lançado em 1968, recebeu excelentes críticas e, além disso, tornou-se o álbum mais vendido da carreira de Bloomfield. O sucesso de Super Session levou a uma sequência, The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper, que foi gravado em três shows no Fillmore West em 1968 e lançado no ano seguinte; apresentou a estreia de Bloomfield como cantor em disco.



TriumvirateBloomfield, no entanto, estava cauteloso com seu sucesso comercial e estava ficando desencantado com a fama. Ele também estava cansado de fazer turnês e, após gravar o segundo álbum com Kooper, ele efetivamente se aposentou por um tempo, pelo menos de atividades de alto nível. Ele, no entanto, continuou a trabalhar como guitarrista de sessão e produtor, e também começou a escrever e tocar em trilhas sonoras de filmes (incluindo alguns filmes pornográficos dos Mitchell Brothers). Ele tocou localmente e ocasionalmente fez turnês com Bloomfield and Friends, que incluía Nick Gravenites e o ex-companheiro de Butterfield Mark Naftalin. Além disso, ele retornou ao estúdio em 1973 para uma sessão com John Hammond e o pianista de Nova Orleans Dr. John; o resultado, Triumvirate, foi lançado pela Columbia, mas não fez muito sucesso.  Nem a reunião de Bloomfield em 1974 com o Electric Flag e nem a KGB, um supergrupo de curta duração com Barry Goldberg, Rik Grech (Traffic) e Carmine Appice que gravou para a MCA em 1976. Durante o final dos anos 70, Bloomfield gravou para várias gravadoras menores (incluindo a Takoma), geralmente em ambientes predominantemente acústicos; pela revista Guitar Player, ele também lançou um álbum instrucional com uma vasta gama de estilos de guitarra de blues, intitulado If You Love These Blues, Play 'Em as You Please. Infelizmente, Bloomfield também foi atormentado pelo alcoolismo e pelo vício em heroína durante grande parte dos anos 70, o que o tornou uma presença não confiável em shows e lentamente lhe custou algumas de suas associações musicais de longa data (assim como seu casamento). Em 1980, ele aparentemente havia se recuperado o suficiente para fazer uma turnê pela Europa; em novembro daquele ano, ele também apareceu no palco em São Francisco com Bob Dylan para uma versão de "Like a Rolling Stone". No entanto, em 15 de fevereiro de 1981, Bloomfield foi encontrado morto em seu carro de overdose de drogas; ele tinha apenas 37 anos. 

01. It Takes Time  4:05
02. Oh Mama  3:23
03. Love Got Me  2:39
04. Blues On A Westside  15:35
05. One More Mile To Go  11:08
06. It‘s About Time  7:11
07. Carmelita Skiffle  5:18

Bonus:
08. If i Ever Get Lucky  14:04
09. Stronger Than Dirt (Instrumental) 06:19






The Everly Brothers - The Definitive (2002)

 



CD 1
 1. Bye Bye Love (2:24)
 2. I Wonder If I Care As Much (2:15)
 3. Wake Up Little Suzi (2:06)
 4. Maybe Tomorrow (2:10)
 5. All I Have To Do Is Dream (2:21)
 6. Claudette (2:13)
 7. Bird Dog (2:17)
 8. Devoted To You (2:25)
 9. Problems (1:58)
 10. Poor Jenny (2:18)
 11. Take A Message To Mary (2:28)
 12. ('til) I Kissed You (2:26)
 13. Let It Be Me (2:38)
 14. Since You Broke My Heart (1:57)
 15. Cathy's Clown (2:26)
 16. When Will I Be Loved (2:05)
 17. Love Hurts (2:23)
 18. Lucille (2:32)
 19. So Sad (To Watch Good Love Go Bad) (2:36)
 20. Like Strangers (2:04)
 21. Sleepless Nights (2:24)
 22. Walk Right Back (2:19)
 23. Ebony Eyes (3:07)
 24. Temptation (2:15)
 25. Muskrat (2:21)
 26. Don't Blame Me (2:24)

CD 2
 1. Crying In The Rain (2:01)
 2. How Can I Meet Her (1:51)
 3. No One Can Make My Sunshine Smile (2:07)
 4. (So It Was...So It Is) So It Always Will Be (1:55)
 5. It's Been Nice (Goodnight) (2:07)
 6. The Girl Sang The Blues (2:12)
 7. Love Her (2:20)
 8. The Ferris Wheel (2:19)
 9. Gone, Gone, Gone (2:05)
 10. That'll Be The Day (2:20)
 11. The Price Of Love (2:07)
 12. I'll Never Get Over You (2:09)
 13. Love Is Strange (2:53)
 14. It's All Over (2:19)
 15. Bowling Green (2:48)
 16. It's My Time (2:56)
 17. Empty Boxes (2:46)
 18. Lord Of The Manor (4:50)
 19. Milk Train (2:49)
 20. Yves (3:34)
 21. Stories We Could Tell (3:21)
 22. Green River (4:43)
 23. Lay It Down (3:17)
 24. On The Wings Of A Nightingale (2:35)


pass: polarbear





Little Feat - 1990-08-28 - Saratoga Performing Arts Center, Saratoa Springs

 



Little Feat
1990-08-28
Saratoga Performing Arts Center (SPAC)
Saratoga Springs
Ok, aqui está mais um show do Little Feat , com o guitarrista Paul Barrere . Este é da turnê de 1990, após o lançamento de Representing the Mambo (1990), que foi seu segundo álbum após a reforma e rejuvenescimento da banda em 1987. Ele apresentou um pouco mais de músicas jazzísticas, além dos rockers, blues e funk pelos quais são conhecidos, e foi outro ótimo álbum. Este é um ótimo show completo com músicas de toda a sua história e uma ótima gravação, mostrando a banda em toda a sua glória, e fortalece ainda mais a conclusão óbvia de que eles continuaram a ser uma ótima banda muito depois que Lowell George não estava mais por perto. Claro, Lowell fez falta, mas o núcleo da banda (Barrere, Payne, Gradney, Hayward e Clayton) era tão forte e talentoso, e Craig Fuller foi uma adição maravilhosa nos vocais. Se você foi alguém que desprezou a banda reformada devido à perda (e ausência) de George, você deve a si mesmo (e à banda) conferir alguns desses shows pós-George, pois eles continuaram ótimos por muitos anos.

Lista de faixas:
1. Hate To Lose Your Lovin'
2. That's Her She's Mine >
3. Fat Man In The Bathtub
4. Changin' Luck
5. Rocket In My Pocket
6. The Ingenue
7. Down On The Farm
8. A Apolitical Blues
9. Feelin's All Gone
10. All That You Dream
11. Forty-Four Blues >
12. Rock and Roll Doctor
13. Rad Gumbo
14. Oh Atlanta
15. Old Folks Boogie
16. Texas Twister
17. Let It Roll
Encore:
18. Willin'
19. Dixie Chicken >
20. Tripe Face Boogie

Paul Barrere - Guitarras solo e slide, vocais
Bill Payne - Teclados
Kenny Gradney - Baixo
Richie Hayward - Bateria
Sam Clayton - Percussão
Fred Tackett - Guitarra, bandolim, trompete, vocais
Craig Fuller - Vocais e ritmo Guitarra 





Destaque

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