… apresentando uma nova mistura do álbum completo, demos e gravações ao vivo da era 'Cosmos'! Cosmos como nome e tema para o álbum de estreia do Zombi é apropriado, dado o quão livremente endividada a dupla é em relação ao estilo inspirado nos anos 70 denominado space rock. Tudo o que é preciso é a abertura de "Orion", com teclados no estilo Jean-Michel Jarre arqueando com a melodia principal; seria mais surpreendente se tudo de repente se transformasse em um pop twee suavemente arrulhado. O baixo/bateria retumbante que se segue ancora tudo ainda mais em estilos mais sombrios, igualmente prog e metal, e a partir daí, o álbum busca revisitar essa mistura de impulsos e, sem dúvida, refiná-la. Ainda é muito o trabalho de uma banda jovem canalizando impulsos importantes em vez de colocar totalmente sua própria marca em…
…um som– se uma música como “Serpens” está claramente querendo ser algo que é parte Blade Runner -era Vangelis e parte Bernard Szajner no começo de sua carreira antes de ir completamente épico, para o desconhecido imponente na segunda metade; também há pouca dúvida de que é exatamente isso que eles querem que seja. Mas a bateria ao vivo é frequentemente a chave para onde as coisas vão a seguir para o grupo, tornando sua eventual assinatura (e relançamento deste álbum em) Relapse algo bastante compreensível.
Às vezes, é uma questão de um elemento se destacar mais — o loop inicial do teclado que ancora "Cetus" é tão imediatamente e agradavelmente maldoso e sinistro, que quase define o resto da música — mas em outros pontos, todas as partes se encaixam perfeitamente, talvez mais claramente nos dois números mais longos, "Gemini" e "Taurus", ambos de início lento, profundos zoners do além, com a primeira música quebrando em uma jam propulsora que é tanto uma fusão profunda quanto qualquer outra coisa, e a última se tornando ainda mais assustadora. Ambas as músicas mostram que Zombi possui um estilo que ele pode desenvolver.
Zappa se referiu à sua produção como um grande projeto, sendo mantido unido por uma continuidade conceitual. Este lema era mais uma atitude em relação à música do que algo que você poderia chamar de desenvolvimento de um estilo Zappa: tudo era permitido. Outro slogan que ele gostava de usar era "AAAFRNA": qualquer coisa, a qualquer hora, em qualquer lugar, sem motivo algum. Este estudo contém mais de 400 exemplos de notas, mostrando uma enorme variedade em todos os aspectos: metros, ritmos, estilos, instrumentação. Quase tudo está surgindo de uma maneira tão criativa que muitos consideram Zappa um gênio.
Esta revisão a seguir tem olhado para o componente musical da produção de Zappa por meio de exemplos de notas, tentando descobrir quais são algumas de suas características. Exemplos neste estudo ao longo da carreira de Zappa lidaram com os seguintes tópicos
ESCALAS
- Zappa usa todos os tipos de escalas. Ele aplica as escalas maiores e menores normais, bem como suas variantes modais e, ocasionalmente, a escala pentatônica ou uma criada por ele mesmo. Ele permite todos os tipos de passagens cromáticas. A seção Burnt weeny sandwich dá uma visão geral.
- Em várias composições as escalas mudam rapidamente ("Sleep dirt", "Punky's whips").
- A estrutura tonal varia entre progressões fáceis e repetidas continuamente ("Cheap thrills") e música completamente atonal ("Mo 'n Herbs vacation").
ACORDES
- Para suas melodias, ele usa os acordes regulares de 5ª e 7ª, bem como acordes maiores e incomuns, como acordes de 11ª. A seção Zoot allures dá uma breve visão geral. Alguns exemplos de progressões de acordes convencionais são "You're probably wondering why I'm here", "Cheap thrills" e "Doreen". Progressões por meio de acordes maiores são, por exemplo, "It must be a camel", "Duck duck goose" e "Five-five-FIVE".
- O mesmo se aplica a acordes formados por linhas melódicas. "Put a motor in yourself" é um exemplo de uma peça em que sequências de notas formam acordes ampliados. A abertura de "Why Johnny can't read" representa um acorde de 13ª na forma de um arpejo.
- Alguns exemplos de campos harmônicos são dados, onde Zappa está misturando tão bem quanto todas as notas de uma escala ("9/8 Objects", "The mammy nuns", primeiro compasso de "Uncle Meat"). Tais exemplos resumem a atitude de Zappa em relação à harmonia: Eu posso fazer o que eu quiser sem nenhuma restrição.
- Exemplos de acordes atonais podem ser encontrados, por exemplo, nos exemplos "Mo 'n Herbs vacation", "The perfect stranger" e "Sinister footwear I".
METROS
- Além do medidor padrão 3/4 e 4/4, Zappa usa uma grande variedade de medidores ímpares. Eles variam entre 7/8 em "The legend of the golden arches" e outros bem incomuns como 33/32 em "Punky's whips". A seção Roxy dá uma visão geral.
- Seu uso de métricas pode ser estável ao longo da música, mudando de vez em quando, ou mudando frequentemente.
- O estudo Ludwig, capítulo 4.1, dá alguns exemplos de como Zappa usa metros como um elemento para dar estrutura a uma música (não incluído neste estudo).
- A seção Roxy lista alguns exemplos de uso simultâneo de dois medidores.
RITMO
- Um desejo por variação rítmica é muito persistente em sua música. A seção Roxy dá alguns contornos gerais.
- Parte de sua música segue padrões rítmicos normais. Outra parte demonstra figuras sincópicas complicadas dentro de um compasso ("Another whole melodic section", "Down in the dew").
- Algumas de suas composições são cheias de agrupamentos irregulares. "The black page" se tornou seu esforço mais conhecido nessa área.
- O próprio Zappa descreveu seus ritmos como influenciados pela fala. "The ugliest part of your body" (compassos 13-16) e "Wild love" são dois exemplos neste estudo.
ESTRUTURAS
- Parte de sua produção contém a estrutura temática padrão da música pop na forma de uma alternância de dois ou três tempos com um solo no meio.
- Há exemplos de músicas que têm um toque de classicismo (veja a seção de favoritos orquestrais).
- Algumas de suas músicas contêm uma infinidade de temas ("Sapatos marrons não dão certo", "Pênis preto").
- Parte de sua produção é composta.
- A variedade de estruturas pode ser demonstrada por meio da lista no final da seção Tamanho único.
SOLOS DE GUITARRA
- Os solos de guitarra constituem um corpo de trabalho por si só. Além de suas composições escritas, os solos formam mais uma unidade estilística.
- Em alguns casos, Zappa usou um solo transcrito como base para uma composição ("While you were art II", "Sinister footwear III").
- Para seus solos de guitarra, ao contrário de suas outras composições, ele gosta de continuar usando as notas de uma escala, cuja nota-chave é dada pelo acompanhamento. Seus solos são principalmente em dórico, lídio e mixolídio.
- Ele gosta de tocar sobre dois acordes alternados, notas de pedal e vamps. Solos sobre progressões de acordes são menos frequentes.
- Seu compasso preferido para solos é 4/4, embora também ocorram alternâncias incomuns, como a de 9/8 e 12/8 em "Trance-fusion".
ESTILO E SOM
- A variedade de estilos e sons na música de Zappa é espantosa. Ele escreveu para grupos de rock e jazz menores e maiores, orquestras de câmara e orquestras maiores. A mesma composição poderia ser arranjada para qualquer uma dessas categorias.
- Os estilos de Zappa abrangem tão bem quanto todos os estilos regulares do século XX, variando entre jazz, pop mainstream e rock não convencional, bem como entre música de câmara tonal e atonal e obras orquestrais. Alguns estilos são usados com frequência, outros apenas tocados, como tangos, disco e rap.
ALGUMAS TENDÊNCIAS
Algumas preferências em sua música foram comentadas:
- Muitas de suas músicas são baseadas na linha melódica única. Em peças como "Uncle Meat", "King Kong" e "The Black Page", a melodia principal é escrita em detalhes. Os acordes a serem usados são indicados por seus símbolos e o baixo é indicado por meio de notas de pedal. Essas harmonias e baixo podem ser preenchidos de uma maneira diferente para cada turnê.
- Ele não aplica muito contraponto.
- Ele gosta de mudanças repentinas.
- Ele prefere música em um nível emocionalmente abstrato, ou seja, não menos emocional que outros tipos, mas difícil de traduzir em palavras.
- A instrumentação é funcional para tocar as notas da música.
- Zappa usa diferentes combinações de instrumentos amplificados e acústicos.
Quase nenhuma regra se aplica à sua música e as preferências mencionadas têm suas exceções:
- Há seções com um papel explícito para progressões de acordes. Elas podem usar acordes regulares, bem como ignorar a harmonia tradicional.
- Vários exemplos foram dados de diferentes tipos de contraponto.
- Algumas de suas músicas podem ser claramente identificadas emocionalmente.
CONTINUIDADE CONCEITUAL - AAAFNRAA
Então a imagem que temos é muito rica, tornando impossível dizer o que é tipicamente Zappa. É verdade que melodias que são rítmica e harmonicamente irregulares têm o efeito de soar Zappa-esque, mas na música de Zappa isso pode ir em todas as direções sem perder a coerência e não se aplica a toda a sua música. Ele se recusou a deixar quaisquer limites estilísticos ou técnicos desempenharem um papel em sua música, reunindo assim as diferentes direções que a música tem tomado nas últimas décadas. Aparentemente, esse foi um processo natural para ele (o próprio Zappa falou sobre uma "continuidade conceitual"). O tema inicial de "Run home, slow" de 1963, por exemplo, já mostra a combinação de harmonia moderna com um ritmo de estilo jazz. Não quer dizer que ele tenha feito tudo: ele, por exemplo, nunca aplicou a forma de sonata clássica com vários movimentos. Sua continuidade conceitual não é um estilo musical, mas uma atitude como outra expressão famosa dele: qualquer coisa, a qualquer hora, em qualquer lugar, sem razão alguma (AAAFNRAA).
Este estudo não leva a grandes conclusões ou grandes teses que posicionem a obra de Zappa na história da música. Alguém pode ver isso como superficial ou uma falta de percepção, mas esse é realmente o resultado que continua voltando, quer eu tenha transcrito 30 ou 300 exemplos. Se eu fosse postular uma tese, seria: qualquer tese sobre a música de Zappa em geral está fadada ao fracasso.
Outra afirmação seria que Zappa pertence aos grandes caras da história da música, caso contrário eu não estaria gastando tanto tempo nisso. A análise musical em última instância, no entanto, não pode servir como prova da qualidade da música. Ela só pode comentar sobre as capacidades técnicas de alguém e, a partir deste estudo, pode-se concluir que as habilidades técnicas de Zappa são altas. A qualidade também compreende a criatividade e a singularidade pelas quais alguém está aplicando seus componentes técnicos. Isso é mais uma questão de opinião comum entre os amantes da música, que leva algum tempo para se cristalizar. Tenho a impressão de que Zappa está indo bem neste processo.
COMPARAÇÕES E INFLUÊNCIAS
Em estudos musicológicos recentes e estudos acadêmicos em geral, espera-se que surjam teses e teorias. Apenas investigar e descrever, como Ludwig fez, não parece mais ser o suficiente. Combinado com a obrigação de pesquisadores que trabalham em universidades de publicar material, pode-se perguntar se as coisas não foram levadas longe demais. O que parecia ser uma boa ideia no início, essa pressão também levou a teorias fracas, apresentações tendenciosas de fatos e até mesmo fraudes.
Este estudo é do tipo descritivo à moda antiga, parecendo pouco acadêmico por sua falta de associações com outros compositores, teorias, movimentos etc. A razão para isso não é que isso não pudesse ser feito, mas porque o resultado deste estudo é que Zappa não pertencia a uma escola, nem desenvolveu um estilo particular. Sua música é eclética por suas influências e imprevisível no que diz respeito à adição de novos ingredientes. O tamanho deste estudo, sendo 1.000 páginas, poderia facilmente ser expandido para 10.000 páginas adicionando comparações. Apenas para sugerir uma série de conexões:
- Bach: variações contínuas de motivos (como Bach, prelúdios 1 e 2 do cravo bem temperado, livro I, e Zappa, o frango de Marque-Son).
- Mozart, Beethoven: classicismo (construções semelhantes a sonatas, variações de temas).
- Wagner: mudanças através de escalas e passagens cromáticas, bem como através de música composta.
- Debussy: amor por acordes não tradicionais dentro de um ambiente diatônico e meios não convencionais de estruturar composições.
- Stravinsky: amor por métricas variáveis e métricas ímpares.
- Varèse: atonalidade livre e instrumentação, em particular a importância das seções de percussão.
- Duke Ellington e muitos outros: arranjando músicas para conjuntos de jazz.
- George Russell e seu conceito cromático lídio: veja o menu à esquerda deste estudo, este já foi elaborado.
- Johnny Guitar Watson e muitos artistas dos anos cinquenta: interesse em blues e doo-wop.
- The Beatles, Abba, Fleetwood Mac e muitos outros: interesse pela música pop mainstream.
- Jimi Hendrix: solos sobre vampiros, como Hendrix fez em Band of Gypsies.
- The Rolling Stones e muitos outros: interesse em rock e riffs.
Eu me abstive amplamente de fazer isso. É ilimitado. Qualquer um pode decidir por si mesmo se tais comparações são esclarecedoras. Se Zappa pertencesse a escolas e quando ele participasse de movimentos, posicioná-lo em um contexto musicológico-histórico por meio de comparações faria sentido. Se não, então, sem educação, também poderia ser chamado de material de preenchimento quase intelectual. Além disso, não é decisivo. O ponto principal é que os compositores não são famosos por suas influências, é baseado nos méritos da música em si.
Crush All Boxes era o nome de um álbum que Zappa planejava lançar no final de 1980, mas Zappa decidiu não lançá-lo depois que ele o tocou no rádio e ele foi pirateado. As músicas foram lançadas mais tarde, em Frank Zappa - Tinsel Town Rebellion e Frank Zappa - You Are What You Is, mas em mixagens diferentes. A capa foi usada para Tinsel-Town Rebellion; o título antigo ainda é vagamente visível.
* Músicos de Santa Monica 1981: Frank Zappa, Ray White, Steve Vai, Tommy Mars, Bobby Martin, Ed Mann, Scott Thunes, Chad Wackerman, Lisa Popeil e Nicholas Slonimsky
* Músicos de Munique 1979: Frank Zappa, Denny Walley, Ike Willis, Tommy Mars, Peter Wolf, Vinnie Colaiuta, Ed Mann, Arthur Barrow e Warren Cuccurullo
BLACK STONE CHERRY ''KENTUCKY'' APRIL 1 2016 60:26 ********** 01 - The Way Of The Future 03:53 02 - In Our Dreams 03:49 03 - Shakin' My Cage 04:10 04 - Soul Machine 04:01 05 - Long Ride 04:03 06 - War 04:07 07 - Hangman 03:57 08 - Cheaper To Drink Alone 03:51 09 - Rescue Me 03:46 10 - Feelin' Fuzzy 03:15 11 - Darkest Secret 04:01 12 - Born To Die 04:33 13 - The Rambler 05:09 14 - I Am The Lion (Bonus Track) 03:35 15 - Evil (Bonus Track) 04:11 ********** Chris Robertson - vocals, guitar Ben Wells - guitar, vocals Jon Lawhon - bass, vocals John Fred Young - drums
Às vezes, você precisa olhar para trás para seguir em frente. Enquanto o Black Stone Cherry tem tido sucesso crescente nas paradas — Magic Mountain de 2014 chegou ao número cinco nas paradas do Reino Unido e número 22 nos EUA — a banda sentiu falta de controle criativo sobre suas gravações. Para isso, eles deixaram a Roadrunner Records e assinaram com a Mascot, administrada por Ron Burman (o homem que os contratou para a Roadrunner em primeiro lugar). Os primeiros álbuns do Black Stone Cherry sempre foram desequilibrados: a composição às vezes era sacrificada em uma tentativa de replicar o som ao vivo da banda; em outras vezes, era o inverso. Kentucky é um caso autoproduzido, de volta às raízes (com a participação de uma série de músicos e cantores locais). A faixa de abertura "The Way of the Future" caminha na linha entre o hard rock e o heavy metal. O discurso do vocalista/guitarrista Chris Robertson contra políticos gananciosos é alimentado pelo ataque de guitarra dupla dele e de Ben Wells, tom-tom grooving, preenchimentos de bumbo de John Fred Young e uma linha de baixo distorcida, estilo Geezer Butler, de Jon Lawhon. As duas faixas seguintes, "In Our Dreams" e "Shakin' My Cage", são igualmente de quebrar ossos. As engrenagens mudam em "Soul Machine". Ela mistura funk frito sulista gorduroso e blues-rock cheio de adrenalina, com Robertson apoiado pelas vocalistas estilo Stax Sandra e Tonya Dye. Black Stone Cherry ainda consegue escrever ganchos matadores também: "Long Ride" é uma balada poderosa no estilo rock clássico dos anos 70, completa com um refrão de hino empolgante e preenchimentos de guitarra melódicos de Wells. A banda atualiza o clássico psicodélico do soul de Edwin Starr, "War", com saxofone barítono gordo, metais, guitarras distorcidas sujas e vermelhas e um grande coro de apoio. O vocal de Robertson está cheio de indignação justa enquanto a banda se aproxima de uma erupção vulcânica. A vibração vintage do Southern rock em "Cheaper to Drink Alone" é um clássico BSC, mas está impregnada de uma melodia tão cativante que provavelmente será coberta por artistas country contemporâneos mais pesados e ousados. O break de guitarra de Wells é um dos mais substanciosos de sua história. "Hangman" está impregnado de blues estridente e riffs pesados com um refrão viciante, enquanto "Rescue Me", apesar de sua breve introdução gospelizada, é a coisa mais malvada e enxuta do set. A introdução centrada no groove de "Feelin' Fuzzy" dá lugar a uma batida funky com guitarras em stun. Closer "Darkest Secret" fecha o círculo do álbum com hard rock metálico fora dos trilhos (completo com um breakdown no estilo Black Sabbath), embora o refrão esteja encharcado de groove sulista. Kentucky marca a primeira vez que o BSC equilibra todos os seus pontos fortes de composição com sua presença em shows. O álbum é um sucesso. Depois de uma ou duas audições, a abordagem de volta ao berço do Black Stone Cherry prova que, faixa por faixa, Kentucky não é apenas mais consistente, mas mais satisfatório do que álbuns anteriores
JANE LEE HOOKER ''NO B!'' 2016 51:41 ********** 01 - Wade In The Water 04:30 02 - Mean Town Blues 05:06 03 - I Believe To My Soul 05:18 04 - Bumble Bee 04:56 05 - In The Valley 03:27 06 - Free Me 03:41 07 - The Hunter 03:35 08 - Champagne And Reefer 04:07 09 - Didn't It Rain 06:16 10 - Mannish Boy 05:01 11 - Shake For Me 05:38 ********** Dana “Danger” Athens: Vocals Tracy Hightop: Guitar Tina “T-Bone” Gorin: Guitar Hail Mary Z: Bass Melissa “Cool Whip” Houston: Drums
Jane Lee Hooker é uma banda de cinco mulheres da cidade de Nova York que infundem a coragem e a atitude de sua cidade natal no blues. Com guitarras solo duplas, uma seção rítmica forte e vocais que vasculham a alma, JLH homenageia nomes como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Johnny Winter, Big Mama Thornton e outros grandes nomes do blues. Poucas bandas hoje entregam os produtos com tanta alma crua quanto JLH.
Desde a formação em 2013, JLH agraciou muitos palcos notáveis, incluindo o BB King Blues Club de Nova York, Irving Plaza e Highline Ballroom, El Cid (LA), Pappy & Harriet's (Pioneertown, CA), Continental Club (Houston) e Antone's Record Shop (Austin). Elas dividiram as contas com Southside Johnny & the Asbury Jukes, Bernard Fowler (Rolling Stones), Wailers, Davey Knowles e Death Valley Girls, entre outros.
Essas mulheres não são de forma alguma novas no jogo. Entre elas, elas têm décadas de experiência no estúdio e na estrada. Individualmente, as integrantes do JLH tocaram para milhares de fãs enquanto dividiam o palco com bandas como Motörhead, MC5, Lynyrd Skynyrd, Aerosmith e Deep Purple.
Então, como essa gangue de profissionais se encontrou? As guitarristas Hightop e T-Bone aprimoraram seu amor por solos duplos brilhantes no Helldorado nos anos 90. De lá, Hightop se juntou ao Nashville Pussy, T-Bone se juntou ao Bad Wizard, e ambas as mulheres fizeram turnês pelo mundo. Mas quando seu tempo com essas bandas acabou, elas perceberam que realmente sentiam falta da adrenalina de trocar solos de guitarra umas com as outras, deixando o público uivando de alegria.
Mas primeiro elas precisavam de uma banda. Elas rapidamente recrutaram Hail Mary, que tocava baixo com Hightop na banda punk The Wives. Cool Whip sentou-se atrás da bateria e recebeu o aceno antes mesmo de terminar de tocar a primeira música de sua audição. E nenhuma cantora consegue fazer uma multidão se ajoelhar mais forte ou mais rápido do que Dana "Danger" Athens.
JLH assinou com a renomada gravadora de blues Ruf Records em 2015, e lançará seu álbum de estreia, No B!, nesta primavera.
Indicado para a enquete The Deli's Best of 2014 para artistas emergentes de Nova York, JLH é um monstro do blues alucinante capaz de sussurrar em seu ouvido antes de pisar em seu coração.
Enquanto Bruce Hornsby estava terminando seu relacionamento musical com The Range, ele estava começando um com Bela Fleck. Fleck tocou banjo em 2 músicas - Barren Ground e Fire On The Cross - do álbum de Hornsy de 1990, Night On The Town, seu terceiro e último com The Range. Fleck estava de volta para o álbum de Hornsby de 1995, Hot House, tocando a melodia White Wheeled Limosine. Os dois também tocaram ao vivo juntos em várias ocasiões, como o show de 24 de abril de 1996 postado aqui . Esta gravação de mesa de som de TV captura outra apresentação de Hornsby/Fleck, com Vince Gill também, de Nashville em 5 de janeiro de 1998
Um Geordie é uma pessoa da região de Tyneside, no nordeste da Inglaterra, mais conhecida por suas minas de carvão e pelo distinto sotaque inglês antigo de seus habitantes. Esses Geordies devem ter muito orgulho de sua origem, pois não só tiraram seu nome dela, mas um deles também posa na capa do álbum vestindo uma camisa do Newcastle Utd e segurando uma cerveja Newcastle Brown Ale na mão ( Newcastle-Upon-Tyne sendo, claro, a principal cidade de Tyneside). Acho que é o futuro vocalista do AC/DC, Brian Johnson, mas é impossível ter certeza porque ele não usa seu chapéu de sempre. Agora que percebi, nunca o vi sem seu famoso boné. Hoje em dia, ele provavelmente só o tira no chuveiro ou algo assim. Agora, Geordie poderia ser chamado de uma banda de hard rock, mesmo que apenas no sentido amplo. Há guitarras e os vocais gritados de Johnson têm apenas uma pitada de metal neste ponto, mas a música é bem básica de boogie rock'n'roll. Na verdade, seria mais preciso descrevê-los como glam rockers de colarinho azul à la Slade ou Sweet do que uma banda de metal. As duas primeiras músicas deste CD, "Can You Do It" e "All Because Of You" de sua estreia em 1973, foram ambas hits Top-20. A primeira é um pouco próxima do AC/DC, enquanto a última é mais material teenybopper. "Black Cat Woman" equilibra hard rock e paródia. "House Of The Rising Sun" de seu segundo esforço está entre as melhores versões que ouvi dessa música frequentemente regravada, "Electric Lady" e "Natural Born Looser" são um par de heavy rockers e "Geordie Stomp" glam boogie estúpido, mas divertido. "I Cried Today" é uma tentativa lamentável de reggae, enquanto "We're All Right Now" e "Francis Was A Rocker" parecem querer combinar T-Rex e Status Quo. "Going to the City", "Rock 'n' Roll Fever" e "You Do This to Me" são puro rock'n'roll ao estilo de Chuck Berry e o set fecha com o hard rock "Ten Feet Tall", um gostinho do futuro, quando Brian Johnson se juntaria ao AC/DC como substituto de Bon Scott.
Cidadão Kane, minha bunda! Blade Runner é o melhor filme já produzido na história do meio! Ele renovou o filme noir e a ficção científica e se destaca como um marco insuperável em ambos os gêneros. E sua influência se estende além do cinema para outras artes visuais, design, publicidade e literatura: o movimento Cyberpunk foi a reação da FC à mistura sem precedentes de alta tecnologia e vida desprezível , a realidade gêmea das torres brilhantes da Tyrell Corporation e dos guetos em ruínas de Los Angeles. E embora não tenha ficado muito próximo da história original de Philip K. Dick , sua versão do futuro compartilhava o pessimismo do escritor: Nada de vida tranquila graças às máquinas, pelo menos não para todos : enquanto os ricos aproveitam os frutos do trabalho escravo andróide, a maior parte da humanidade sobrevive sob o domínio de grandes corporações e opressão policial. Por mais assassinas que sejam essas réplicas , você não pode deixar de simpatizar com elas em sua busca por... significado? liberdade? vingança? Suponho que sejam coisas diferentes para cada uma. A música do filme não foi menos revolucionária em sua mistura de jazz noir, música eletrônica e sinfônica. O compositor Vangelis Papathanasiou (conhecido fora de sua Grécia natal apenas pelo primeiro nome) era um veterano da cena pop grega, começando com sua invenção da popular dança yanka no início dos anos 60. Ele alcançou fama internacional após sua colaboração com Demis Roussos no prog-pop Aphrodite's Child e desde então se tornou um pioneiro da música protoeletrônica. Sua música para o filme "Carruagens de Fogo" já lhe rendeu um Oscar e ele merecia outro por "Blade Runner", mas foi vítima do desprezo da Academia pela Ficção Científica. Parece improvável que um filme icônico como Blade Runner ganhasse 0 ( zero) Oscars, mas aí está. Apesar do apelo óbvio da música do filme, não houve lançamento oficial de trilha sonora até 1994 - que é como este álbum entra em cena. Intitulado "Blade Runner - Adaptação Orquestral de Música Composta para Trilha Sonora de Filme", é uma recriação de algumas das músicas originais de Vangelis do filme. Por muitos anos, serviu como trilha sonora para nós, fãs, e devo admitir que, embora eu tenha ouvido claramente que não era exatamente a mesma coisa do filme, não percebi que era uma gravação completamente diferente até muito recentemente (isto é, até que a retirei para uma análise). O que nãotorná-lo inútil. Ele ainda exibe aquela mistura revolucionária de jazz e música eletrônica e ainda evoca cenas do filme - o que é uma função secundária, mas importante, das trilhas sonoras de filmes. A abertura "Love Theme" é uma peça orquestral com sax de fim de noite, romântica, mas felizmente não tão cafona quanto seria de se esperar pelo título. "Main Title" é outra melodia suave com uma orquestra, sintetizadores e elementos acústicos sutis como pequenos sinos. A próxima música intitulada "One More Kiss, Dear" é a única faixa vocal do álbum e soa como uma música de jazz dos anos 30, só que não é original. Foi composta por Vangelis para o filme, mas você não conseguiria dizer a diferença apenas ouvindo. "Memories Of Green" é uma peça mais antiga de Vangelis incluída em seu álbum "See You Later", uma delicada melodia de piano com um pano de fundo orquestral. "End Title" e "End Title (Reprise)" são grandes músicas de sintetizador eletrônico. Praticamente de sua época , mas clássicas do mesmo jeito. "Blade Runner Blues" é uma peça de jazz melancólica com um sax solitário tocando sobre sintetizadores atmosféricos e "Farewell" é outra mistura orquestral/eletrônica suave, com um leve sabor oriental. Pode não ser a melhor faixa do álbum, mas sempre me emociona porque no filme acompanha o inesquecível discurso de despedida do androide Roy Batty: "Todos esses momentos serão perdidos no tempo, como lágrimas na chuva. Hora de morrer"
… apresentando uma nova mistura do álbum completo, demos e gravações ao vivo da era 'Cosmos'!
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