Mitch Ryder: “The Roof Is On Fire” (2024) CD Review

 

Mitch Ryder continua a fazer rock bem aos setenta anos. Ele diz que quando se trata de música, a idade é irrelevante, e ele prova isso em cada apresentação. Eu o vi se apresentar em 2017, e ele foi fantástico. Lembro-me daquele dia em que ele fez uma versão legal e blues de "Many Rivers To Cross" que me surpreendeu. Bem, no início deste ano ele lançou um álbum ao vivo de dois discos intitulado The Roof Is On Fire , e inclui essa música, bem como alguns outros covers excelentes e músicas originais. Este lançamento contém apresentações do início de 2019 e início de 2020 na Alemanha. A banda que o apoia inclui Gisbert "Pitti" Piatkowski na guitarra e backing vocals, Heiner Witte na guitarra e backing vocals, Manne Pokrandt no baixo e backing vocals, Tobias Ridder na bateria e backing vocals, Wolfram "Boddi" Bodag nas teclas e backing vocals, e Rene Decker nas teclas e saxofone e backing vocals. Tanto Bodag quanto Decker também tocam gaita.

Disco 1

O primeiro disco é rotulado como "Tuff" na caixa do CD e abre com "Betty's Too Tight", uma música de rock original seriamente divertida e energética que Mitch Ryder incluiu em seu LP Got Change For A Million?, lançado em 1981. Esta gravação é de 2020 e contém um excelente trabalho tanto na guitarra quanto no teclado. E Mitch Ryder está no topo das coisas. Basta ouvir enquanto ele entrega versos como " No sofá, perdi a coragem/Ela me deu tudo que mereço/Por favor, me alivie ". A banda mantém a energia alta com "Tough Kid", outra música original, esta incluída no álbum de 1978 How I Spent My Vacation . Imediatamente há algumas coisas ótimas na guitarra e, em seguida, nas teclas antes de Mitch entrar nos vocais. E quando ele entra, um pouco mais de um minuto depois, a banda parece assumir mais poder. Em parte, é aquela coisa maravilhosa na gaita, aquele instrumento começa a uivar quando ele entra. E também é a atitude em sua entrega. “ A casa é um lixo, seus vizinhos odeiam você .” E de alguma forma esta parece crescer em poder conforme avança. Esta faixa é um destaque. Vem de um show que ele fez em 2019.

O primeiro cover do disco é "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan, e esta versão tem um groove forte, a banda arrasando na música e tocando entre os versos. Mitch Ryder então retorna ao material original com "Bang Bang", que foi incluído em Got Change For A Million? e apresenta um trabalho delicioso na bateria. " Aqui vêm os soldados com armas de guerra/Arrastando a bandeira para empatar o placar/Por todo o planeta esses homenzinhos matam ." E ouça a paixão em sua voz enquanto ele canta, " Bang bang, alguém, alguém que eu amo está morto/Deus chute suas bundas bem, mande todos para a cama ." Ele segue com "Ain't Nobody White", uma música original de seu álbum de 1980 Naked But Not Dead , e outra faixa para apresentar um bom trabalho na guitarra. " Algumas pessoas têm, algumas não têm/Não há um conjunto fixo de regras/Na pressa, não pise em nenhum tolo ." Esta faixa também apresenta uma linha de baixo muito boa.

As últimas três faixas do primeiro disco são covers, começando com "Tuff Enuff", uma música que foi um sucesso para o The Fabulous Thunderbirds em 1986. Mitch Ryder faz uma ótima interpretação. Esta faixa apresenta algumas coisas divertidas na gaita, e há uma seção legal onde a gaita e a guitarra fazem um pequeno vai e vem. Isso é seguido pela segunda música de Bob Dylan do disco, "From A Buick 6", que começa com algumas coisas legais nas teclas, e logo se torna uma interpretação groovy e bluesy. Eu amo a abordagem de Mitch Ryder para esta música, e a maneira como ele enfatiza certos versos, como " If I go down dying, she bound to put a blanket on my bed, on my bed, on my bed ". E há mais coisas boas na gaita. A música final do primeiro disco é um cover maravilhoso de "Heart Of Stone" dos Rolling Stones. Ele deixa o público ouvir a linha do título da música pela primeira vez. Há uma seção instrumental bacana no meio, com gaita, que leva o público a se juntar a ele em uma parte vocal.

Disco 2

O segundo disco é rotulado como "Soft" na caixa do CD e abre com "Freezin' In Hell", uma música de How I Spent My Vacation . A banda entra com calma, desenvolvendo um bom groove e vibração de blues. O trabalho de guitarra naquela seção de abertura tem uma sensação atemporal. Quando Mitch Ryder entra, seus vocais têm um som mais íntimo e suave. " I want to love you like I said I could/I'm just not ready to fall ." Esta é uma faixa muito legal e é outra das minhas favoritas. É seguida por "All The Fools It Sees", uma música de seu álbum de 2008 You Deserve My Art . Esta tem uma vibração bastante bonita quando começa. E ouvimos a dor em sua voz enquanto ele canta o primeiro verso, " I cried last night over you ." E sua performance só se torna mais comovente a partir daí. Esta faixa também apresenta um excelente trabalho na guitarra, particularmente durante a seção instrumental na segunda metade. Mitch Ryder segue com “If You Need The Pain”, a faixa principal de seu lançamento de 2006, The Acquitted Idiot (um título de álbum que eu adoro), e outra que é comovente.   “ Você sabe que vai te matar seguir esse caminho/Você confia na palavra amor e então você fica .”

Mitch Ryder faz uma interpretação muito boa de “Many Rivers To Cross”, que é muito mais blues do que a gravação original de Jimmy Cliff. Ele incluiu isso em um álbum de 2019, The Blind Squirrel Finds A Nut , que de alguma forma eu perdi quando foi lançado. No mesmo ano, ele lançou outro álbum, Detroit Breakdown , que eu consegui. De qualquer forma, ele parece completamente conectado emocionalmente a essa música nesta interpretação, que é de um show que ele fez em 2019. Isso é seguido por outra música de The Acquitted Idiot , “Star Nomore”. “ Eu quero ir para casa/Não estou indo muito bem aqui sozinho/A estrada tem sido tão difícil, tanto tempo ”, ele canta no início deste número original. E ouvimos o cansaço, a dor em sua voz. A música é constante, como se trabalhasse para ajudá-lo a continuar. Esta faixa apresenta um bom trabalho no saxofone antes do final, uma companhia para ele na estrada.

“Red Scar Eyes” é a última música original do álbum. Ela vem de Got Change For A Million? e começa com uma boa seção instrumental definindo o clima. E é uma ótima escolha para seguir “Star Nomore”, pois na música anterior ele canta, “ I swear I know for sure/Can't be a star anymore ,” e nesta ele canta, “ I'm a star, I'm a star ,” com uma entrega interessante, essa linha vindo como vem logo depois desta linha: “ Going to rip his head off, keep it in a jar .” E temos uma noção duvidosa do que significa ser uma estrela. A guitarra então fala por ele. “ I wast born happy, never could stand in the sun/I broken my woman, it's the worst thing I've ever done .” O álbum então chega ao fim com um cover de “Soul Kitchen” do The Doors (como o próprio The Doors fechou seu álbum Absolutely Live! ). Aqui a banda se estica, relaxando na música, que apresenta um maravilhoso vai e vem na guitarra e no saxofone antes mesmo de Mitch entrar. E Mitch entrega uma performance forte e cheia de nuances. A banda improvisa nessa música (a faixa tem dezesseis minutos de duração), e há uma excelente liderança no saxofone na metade. Mitch Ryder apresenta a banda na segunda metade.

Lista de faixas do CD

Disc 1

1. Betty’s Too Tight
2. Tough Kid
3. Subterranean Homesick Blues
4. Bang Bang
5. Ain’t Nobody White
6. Tuff Enuff
7. From A Buick 6
8. Heart Of Stone

Disc 2

1. Freezin’ In Hell
2. All The Fools It Sees
3. If You Need The Pain
4. Many Rivers To Cross
5. Star Nomore
6. Red Scar Eyes
7. Soul Kitchen

The Roof Is On Fire foi lançado em 26 de janeiro de 2024 pela Ruf Records.

Iñaki Basabe - A mis Amigos que sois Todos (1989)

 

Segundo álbum do cantor basco Iñaki Basabe, desta vez em espanhol.

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Manuel Freire - Dedicatória (1972)

 

Primeiro álbum do cantor português Manuel Freire, ao lado de Fernando Alvim e Pedro Caldeira Cabral.

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Annie Nobel - Annie Nobel (1973)

Primeiro disco da cantante francesa Annie Nobel. Publicado polo selo francés Moshé-Naim

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Arc Angels - "Arc Angels"(1992)

"Bendigam o Senhor,

 vocês, seus anjos poderosos,

que obedecem à sua palavra."

Bíblia Sagrada,

Salmos 103:20

Houve então que, em 1990, um Deus do blues embarca para o céu. Stevie Ray Vaughan abandona a Terra, mas deixa seus anjos da guarda: os ex-companheiros da banda Double Trouble (Tommy Shannon, no baixo, e Chris Layton, na bateria). Estes ficam para perpetuar o som do blues-rock. Mas, não suficientemente fortes, chamaram os guitarristas e vocalistas Doyle Braham II e Charlie Sexton. Eis que surge o Arc Angels.

Os demônios, que sempre flertam com o blues, atingiram Doyle, envolvendo-o à tentação das drogas. Esta heresia, entre outros problemas, encurtaram a vida dos Angels, em 1993.  Mesmo assim, os anjos foram lançados à terra e à história da música. O legado é apenas um álbum, que se eternizou. Para não perder a fé dos fãs, a banda realiza, desde 2009, alguns shows esporádicos, mas sem a presença de Shannon no palco. Nas turnês, Mark Newmark é o enviado para o contrabaixo. Estas aparições renderam um CD/DVD intitulado “Living in a Dream”.

A título de curiosidade, Doyle contribuiu (e muito) para outro Deus: Eric Clapton. Tanto em apresentações em shows ao vivo, como atuando em vários discos. Desde “Riding with the King”, de 2000, - que tem a parceria de outro ser superior, o mítico B.B. King - são oito discos que contam com a sua presença. Ainda tendo a honra de ter registradas duas covers de suas músicas: “Marry You” e “I Wanna Be”, esta última composta em conjunto com Charlie Sexton.

Regressando ao álbum homônimo, este oferece uma interessante sincronia da bateria com o baixo. Uma base importante para as duas guitarras solarem independentes, no entanto completando as “frases” de uma com a outra. Doyle apresenta sonoridade mais “suja”, abusando de distorções, bem ao estilo rock and roll. Já Sexton fica com a “limpa”, bem tradicional do blues. Outra marca da banda é a troca de vocais na maioria das músicas, cantadas quase meio a meio. Ou seja, repartindo o pão.

Eis alguns destaques dos doze versículos que compõem esta obra. Um sonho é o tema de “Living In A Dream”, que mostra a presença já referida da divisão de vocais. De forma “rasgada” vem Sexton, de maneira “anasalada” responde Doyle. Uma canção que lembra a guitarra de Stevie Ray. Outra canção que teria a benção de Vaugahn é “Paradise Café”, que apresenta o ritmo do blues texano - uma levada mais visceral, com bom peso nas guitarras.

Com uma percussão inicial, são evocados os anjos e assim começa “Sent By Angels”. Doyle monopoliza o vocal nessa música. Para deixar a base da canção mais “iluminada” foram utilizados um violão e um órgão de igreja.

As santas também tem vez no álbum. São duas baladas românticas interessantes, que canonizam duas mulheres. Ao som mais comercial, mas não menos celestial, vem “Sweet Nadine”. Nesta, Sexton canta sobre uma garota inesquecível, mas que não sabe o seu verdadeiro nome. Diferentemente da outra, em “The Famous Jane”, ele conhece bem a sua alcunha, além de recordar até da sua graça e pureza.

A influência do funk americano se apresenta por duas vezes no disco. Em “Good Time”, Doyle canta grave e insere um wah-wah na guitarra; fora o baixo de Shannon ser bem pulsante. Elementos que evocam os espíritos da black music. Na mesma batida do groove tem “Carry Me On”, mas com ritmo mais lento, flertando com o rhythm blues.

Ao som melancólico e com uma letra cheia de lamentações, a “See What Tomorrow Brings” tem o solo de guitarra “chorado” de Doyle, bem ao estilo de Clapton. Além disso, os riffs iniciais da música lembram “Sun King”, dos Beatles.

A redenção pode ser conferida em duas músicas. A “Shape I'm In” é bem ao compasso dos rocks dos anos 1950. Já “Always Believed In You” possui a cadência mais contemporânea da época.

A composição das duas guitarras é o destaque de “Spanish Moon”. Doyle e Sexton dão um show à parte. Tanto nos riffs como nos solos. Um abre a brecha para o outro solar.

Apesar do paraíso e anjos referidos, a queda também faz parte desse universo. Em “Too Many Ways To Fall” são males da vida que contextualizam a música, tendo um quê de levada musical dos Rolling Stones.

Após divagar sobre este álbum, segue uma passagem da Bíblia, em Salmos 103:20, que refere: “Bendigam o Senhor, vocês, seus anjos poderosos, que obedecem à sua palavra.” O livro sagrado sugere aos anjos corresponderem à Deus, no entanto os mesmos podem ter o dom de emanar um som divino, como foi o caso deste disco.

Glória ao Stevie Ray. Ao Arc Angels. Ao blues-rock. Amém.

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FAIXAS:

1. "Living In A Dream" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton) – 4:54
2. "Paradise Cafe" (Charlie Sexton, Tonio K) - 5:14
3. "Sent By Angels" (Doyle Bramhall II) – 5:44
4. "Sweet Nadine" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:31
5. "Good Time" (Doyle Bramhall II, S. Piazza) – 4:47
6. "See What Tomorrow Brings" (Doyle Bramhall II) – 6:27
7. "Always Believed In You" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:55
8. "The Famous Jane" (Charlie Sexton, Tonio K) – 4:31
9. "Spanish Moon" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton, Chris Layton) – 5:48
10. "Carry Me On" (Doyle Bramhall II) – 4:09
11. "Shape I'm In" (Doyle Bramhall II, Charlie Sexton, Marc Benno) – 4:07
12. "Too Many Ways To Fall" (Chris Layton, Tommy Shannon, Charlie Sexton, Tonio K) – 5:52

 

Antonio Vivaldi - "As Quatro Estações" (1725)

 

"É um velho que tem prodigiosa fúria de composição.
Eu o ouvi gabar-se de compor um concerto
com todas as suas partes,
 mais rapidamente que um copista poderia copiá-lo.
Para grande surpresa minha, vi que ele não é tão estimado
como merece neste lugar onde tudo é moda,
onde há muito tempo suas obras são ouvidas
e onde a música do ano anterior não serve mais como receita."

Charles de Brosses,
escritor francês do séc. XVIII
sobre Antonio Vivaldi

Poucas obras produzidas pelo homem conseguiram traduzir tão bem elementos da natureza como “As Quatro Estações”, concerto para violino, composto pelo italiano Antonio Vivaldi, em 1723. A casa Fallingwater de Frank Lloyd Wright, com sua ambição de ser pedra, as obras de Krajkberg e sua imitação orgânica, a aleatoriedade de John Cage, alguma outra que me escapa agora, talvez se aproximem dessa condição de proximidade com o natural, mas por certo nenhuma delas o conseguiu com tamanha beleza e poesia quanto este concerto barroco. Em quatro movimentos que pretendem simbolizar cada uma das estações do ano, Vivaldi, consegue transmitir de maneira mágica as sensações características de cada uma delas.

Encarte da coleção

"Mestres da Música"

da editora Abril, de 1982.

Sua “Primavera”, é colorida, gostosa, cheia de vida e de alegria; o “Verão” não é menos alegre, contudo, é, de certa forma, sufocante, com passagens mais inquietantes e nervosas dos violinos da orquestra; o “Outono” de Vivaldi, muito parecido na forma e na estrutura com a “Primavera”, parecem querer reforçar o regozijo das meias-estações onde o clima é ameno e fresco; e o “Inverno”, na leitura musical deste italiano, com seus violinos soando rascantes, ásperos, tensos em certos momentos, admite que a estação pode ser cruel, sim, forte, sacrificante muitas vezes, mas não deixa de dotar o concerto de beleza e graça, como que nos lembrando que mesmo a mais fria das estações pode ser bela como uma paisagem de serra, aconchegante como uma lareira, gostoso como um chocolate quente e divertido quanto um boneco de neve.

Uma das mais belas e celebradas obras da história da música, “As Quatro Estações”, é também uma das sinfonias mais populares e mais executadas pelo mundo afora, o que faz com que, embora não tenha sido concebida para ser álbum, logicamente, até pela época em que foi composta, venha sendo infinitamente executada por orquestras do mundo inteiro e reproduzida ao longo dos anos nos mais diversos formatos de mídia, o que lhe garante um lugar garantido nos nossos ÁLBUNS FUNDAMENTAIS.

Particularmente tenho duas execuções da obra: uma em CD da Orquestra Nacional da França, regida por Lorin Maazel, e outra em LP, numa belíssima edição da Abril Cultural do início dos anos 80, executada pela Orquestra de Câmara de Salzburgo, que é a que ilustra esta postagem.

Deus pode ter criado o sol, a chuva, os ventos, a neve, mas Vivaldi explicou todos eles em música. Se você não soubesse como são, nunca tivesse visto as folhas caírem, nunca tivesse sentido um calor implacável, um vento cortante, o cheiro das flores, bastaria fechar os olhos, mergulhar na música e ouvir as sensações.

Antonio Carlos Jobim - "Wave" (1967)

Acima, a capa original
seguida da capa da reedição.

“O essencial é invisível aos olhos

 e só pode ser percebido

com o coração.”

Antoine de Saint-Exupéry

O ano de 1967 carrega uma aura mítica para a música moderna, pois marcou incisivamente a vida e a obra de artistas importantes e, consequentemente, da música em geral. Na Inglaterra, os Beatles mandam às favas o Iê-Iê-Iê e ousam dar um passo adiante com o lançamento de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", mudando para sempre a rota da música pop. Com semelhante peso, mas nos Estados Unidos, o The Velvet Underground, sob a batuta de Andy Warhol, surpreenderia o mundo com um LP de estreia onde casam rock, poesia, psicodelia, contracultura e vanguarda. Aqui no Brasil, também ventos de revolução: Gilberto Gil, Caetano Veloso, Mutantes e cia. lançam “Tropicália”, disco-manifesto do movimento tropicalista, que influenciaria todas as gerações seguintes de “emepebistas” e roqueiros brazucas e estrangeiros. Isso para ficar em apenas três exemplos.

Porém, 1967 também selaria a carreira de outro artista, experiente e já consolidado desde os anos 50: o maestro e compositor Antonio Carlos Jobim. Depois da exitosa estreia solo no mercado fonográfico norte-americano quatro anos antes, Tom havia antes disso ajudado a difundir para o mundo a já consagrada bossa nova. Para completar, ainda realiza, no início daquele mesmo ano, um feito jamais alcançado por um músico latino até então: gravar com o maior cantor popular de todos os tempos, Frank Sinatra. O disco “Francis Albert Sinatra and Antonio Carlos Jobim”, um sucesso de vendas, é tão definitivo que decreta, aliado ao desencanto de uma Rio de Janeiro que passou de paradisíaca a ditatorial com o Golpe de 64, além da força dos festivais, popularescos demais para a sofisticação da bossa nova, o fim da chamada primeira fase deste estilo. Então, para que caminho ir agora? Render-se ao poderio yankee e seguir produzindo uma música “made in USA” ou voltar para um Brasil linha-dura e atrasado tecnicamente simplesmente para não fugir às raízes?

O que para alguém menos preparado seria uma encruzilhada, para o “maestro soberano” foi resolvido de forma leve como uma onda que quebra mansa na praia. Ao invés de criar um paradoxo, Tom criou “Wave”, álbum gravado em apenas três dias do mês de julho daquele fatídico 1967 no célebre estúdio Rudy Van Gelder, em Nova York (uma antiga igreja adaptada cuja elogiada acústica presenciou sessões memoráveis do jazz, como "Night Dreamer"  de Wayne Shorter  e “Maiden Voyage”, de Herbie Hancock). Nele, se vê um artista inteiro e num momento de alta criatividade. Valendo-se de toda a técnica disponível somente naquele país até então, além de contar participações mais do que especiais – como a do mestre Ron Carter deixando sua assinatura faixa por faixa com seu baixo acústico, ou da fineza do spalla da Orquestra Filarmômica de Nova York, Bernard Eichen –, Tom apura ainda mais a sofisticação harmônica e melódica da bossa nova, seja nas composições inéditas ou nos novos arranjos para as antigas.

A começar pela faixa-título, que já nasce clássica. “Wave”, uma das mais conhecidas e celebradas canções brasileiras, abre o disco em seu primeiro e primoroso registro, dois anos antes de receber do próprio Tom a linda letra que a identificaria – e a qual, mesmo ouvindo somente os sons, é impossível não cantarolar ao escutá-la: “Vou te contar/ Os olhos já não podem ver/ Coisas que só o coração pode entender/ Fundamental é mesmo o amor/ É impossível ser feliz sozinho...”. Instrumental como praticamente todo o disco, mostra a beleza e o refinamento da orquestração do maestro alemão Claus Ogerman (que assina os arranjos), em sua terceira parceria com o colega brasileiro.

 Elegante, o disco resgata o legado da bossa nova, porém, sempre lhe trazendo algo a mais. Em “The Red Blouse” e “Mojave” (minha preferida), principalmente, nota-se a força da influência do primordial violão sincopado e dissonante de João Gilberto, tocado pelo próprio Tom – que ainda opera piano e cravo no disco. Vinicius, o outro protagonista da bossa nova, também se faz presente indiretamente na letra da única cantada do álbum: “Lamento”. Nova versão para “Lamento no Morro”, interpretada por Roberto Paiva na trilha da peça “Orfeu da Conceição”, que Tom compusera com Vinícius em 1956 –, é mais uma vez resultado do avanço proposto por Tom. Mesmo meses depois de gravar com a maior referência em voz da época, ele não se intimidou e pôs-se a fazer algo que não lhe era tão comum até então: cantar. Insatisfeito com sua primeira experiência vocal, no LP anterior, “The Wonderful World of Antonio Carlos Jobim” (1965), o maestro, ora veja!, voltou a estudar canto e respiração. O empenho resultou numa peça majestosa, que virou um marco da segunda fase da bossa nova. O lindo solo de trompete é um exemplo disso, uma vez que, pincelando-a com uma elegância toda jazzística, renova uma canção arranjada, em virtude do tema da peça original, como um samba de morro.

Há ainda “Dialogo”, um belo samba-canção em que o trompete e a trompa dizem notas sofridas um para o outro; “Look at the Sly” (regravação para “Olhe o Céu”), de perfeita harmonização entre orquestra e instrumentos solo; “Triste”, que, assim como a faixa-título, estreia aqui e viraria um clássico posteriormente – ainda mais na gravação de Elis Regina com o próprio compositor, sete anos depois; e “Batidinha”, um samba com os ares da Copacabana dos anos 50 fortes o suficiente para soprarem e serem sentidos na cosmopolita Big Apple. O disco termina alegre com a colorida “Captain Bacardi”, onde Tom aproxima Brasil, Cuba e Estados Unidos com leveza e sabedoria.

“Wave” é, por várias razões, um trabalho de homenagem à bossa nova mas, acima de tudo, um passo adiante na trajetória de seu autor e da música brasileira. Um disco que soube manter nova a bossa. Se Tom Jobim ainda sofria com a crítica dos detratores por fazer um samba sem personalidade e para estrangeiro ver, “Wave” se impõe com seu altíssimo refinamento e apuro, forjando uma obra tão homogênea que é impossível classifica-lo só como bossa nova, samba, jazz ou (termo que seria inventado tempo depois) world music. É, simplesmente, música, música sem fronteiras, daquelas que não perdem a validade e que poderia, se Tom estivesse vivo, ter sido gravada ontem sem se sentir a diferença de épocas. Ao mesmo tempo universal e fincada em suas raízes. Algo que só mesmo quem carrega “brasileiro” no nome poderia realizar, fosse no Brasil ou em qualquer parte do mundo.
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Os versos iniciais de “Wave”, contou Tom Jobim certa vez, surgiram de duas fontes: a primeira frase é de autoria de ninguém menos que Chico Buarque, a quem Tom entregara a música para que o amigo inventasse a letra. Porém, bloqueado, Chico não consegui passar do verso: “Vou te contar”. Cansado de esperar pelo parceiro, sobrou, então, o restante ao próprio Tom escrever, o qual se inspirou num texto do escritor infanto-juvenil francês Antoine de Saint-Exupéry extraído do clássico “O Pequeno Príncipe”, obra a qual Tom havia musicado em 1957 para a interpretação do ator e diretor teatral Paulo Autran.
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FAIXAS:
1. "Wave" - 2:51
2. "The Red Blouse" - 5:03
3. "Look To The Sky" - 2:17
4. "Batidinha" - 3:13
5. "Triste" - 2:04
6. "Mojave" - 2:21
7. "Diálogo" - 2:50
8. "Lamento" (Vinicius de Moraes/Tom Jobim) - 2:42
9. "Antígua" - 3:07
10. "Captain Bacardi" - 4:29