Aretha Franklin - 30 Greatest Hits

Aretha Franklin - 30 Greatest Hits.

Esta excelente compilação reúne alguns dos maiores sucessos da "Rainha da Soul Music", Aretha Franklin.

Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de Março de 1942) é uma cantora norte-americana de gospel, R/B e soul que se tornou num ícone da música negra. É considerada a maior cantora de todos os tempos pela revista Rolling Stone e pela mesma, foi eleita a nona maior artista da música de sempre.

Nascida em Memphis, criada em Detroit, Michigan, Aretha tornou-se a primeira mulher a fazer parte do Rock and Roll Hall of Fame em 3 de janeiro de 1987. Muitos chamam Aretha de "Rainha do Soul" ou "Dama do Soul". Ela é reconhecida pelas suas habilidades na música soul e R/B, mas também é uma adepta de jazz, rock, blues, pop e até mesmo de ópera. Ela é geralmente reconhecida como uma das melhores vocalistas da história da música, por publicações importantes como a revista Rolling Stone ou o canal de televisão VH1. É a segunda cantora a possuir mais prémios Grammy na história, ficando atrás apenas de Alison Krauss. Aretha possui dezoito prémios competitivos e três honorários. O estado de Michigan declarou a voz de Franklin como sendo uma maravilha natural.

Apesar de todo o sucesso, Franklin possui apenas dois singles que atingiram o primeiro lugar na lista dos mais vendidos dos Estados Unidos segundo a Revista Billboard: "Respect" nos anos 1960 (a sua canção mais conhecida) e "I Knew You Were Waiting (For Me)", um dueto com George Michael. No entanto, vários singles dela já apareceram entre os 20 mais vendidos na lista daquela publicação, como "Think", "I Say a Little Prayer", "Until You Come Back to Me", "Chain of Fools", "Ain't No Way", "Freeway of Love", "Call Me", entre outros.

Fonte: Wikipedia.

Faixas / Track List:

CD1:

MUSICA&SOM

01. I Never Loved A Man (The Way I Love You) (2:43)

02. Respect (2:28)

03. Do Right Woman, Do Right Man (3:17)

04. Dr. Feelgood (3:22)

05. Save Me (2:22)

06. Baby I Love You (2:42)

07. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman (2:45)

08. Chain Of Fools (2:48)

09. Since You’ve Been Gone (2:25)

10. Ain’t No Way (4:14)

11. Think (2:20)

12. I Say A Little Prayer (3:36)

13. The House That Jack Built (2:21)

14. See Saw (2:46)

15. The Weight (2:59)

16. Share Your Love With Me (3:21)

17. Eleanor Rigby (2:36)

CD 2:

MUSICA&SOM

01. Call Me (3:57)

02. Spirit In The Dark (4:02)

03. Don’t Play That Song (3:00)

04. You’re All I Need To Get By (3:36)

05. Bridge Over Troubled Water (5:33)

06. Spanish Harlem (3:33)

07. Rock Steady (3:14)

08. Oh Me Oh My (I’m A Fool For You Baby) (3:42)

09. Day Dreaming (4:00)

10. Wholy Holy (2:52)

11. Angel (3:36)

12. Until You Come Back To Me (That’s What I’m Gonna Do) (3:28)

13. I’m In Love (2:50)

Aretha Franklin ‎– Aretha Now (LP 1968)

MUSICA&SOM

Aretha Franklin ‎– Aretha Now (LP Atlantic ‎– SD 8186, 14 Jun 1968).

Produção de Jerry Wexler.

“Aretha Now” é o décimo quinto álbum de estúdio da cantora americana Aretha Franklin, lançado em 14 de junho de 1968 pela Atlantic Records. O álbum foi disco de ouro e chegou à posição 5 na parada de álbuns da Billboard. 

Naquele ano, nos vários tops americanos, o LP chegou à posição nº 3 na categoria de álbuns Pop, nº 1 em álbuns R’n’B e nº 9, em álbuns Jazz.

Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de março de 1942), mais conhecida apenas por Aretha Franklin, é uma cantora norte-americana de gospel, r’n’b e soul que se tornou um ícone da música negra. É considerada a maior cantora de sempre pela revista Rolling Stone e pela mesma, foi eleita a 9ª maior artista da música de todos os tempos.

Aretha fez parte do Rock and Roll Hall of Fame a partir de 3 de janeiro de 1987. Muitos apelidam-na de Aretha "Rainha do Soul" ou "Dama do Soul". O estado de Michigan declarou a voz de Franklin como sendo uma maravilha natural. Aretha Franklin lançou 42 álbuns e ganhou 22 prémios Grammys.

A biografia desta excelente cantora já se encontra inserida neste blogue.

Faixas/Tracklist:

A1 Think (Aretha Franklin, Ted White) 2:15

A2 I Say A Little Prayer (Burt Bacharach e Hal David) 3:30

A3 See Saw (Don Covay, Steve Cropper) 2:42

A4 Night Time Is The Right Time (Lew Herman) 4:44

A5 You Send Me (Sam Cooke) 2:25

B1 You're A Sweet Sweet Man (Ronnie Shannon) 2:14

B2 I Take What I Want (David Porter, Isaac Hayes, Mabon Hodges) 2:30

B3 Hello Sunshine (King Curtis, Ron Miller) 3:00

B4 A Change (Clyde Otis, Dorian Burton) 2:23

B5 I Can't See Myself Leaving You (Ronnie Shannon) 3:00

Álbum gravado nos Atlantic Studios

Músicos Intervenientes:

Arranjos por Arif Mardin, Tom Dowd

Saxofone baritone - Floyd Newman, Willie Bridges

Baixo – Jerry Jammot

Bateria – Roger Hawkins

Piano electric e órgão – Spooner Oldham

Guitarra – Jimmy Johnson, Tommy Cogbill

Piano e voz – Aretha Franklin

Saxofone tenor - Andrew Love, Charles Chalmers

Trompete – Wayne Jackson

Automat: Automat (1978)

 

Até a segunda metade dos anos 70, a ideia de produzir apenas um disco italiano de música eletrônica não tinha muitos adeptos.

É verdade que na era progressiva artistas como Battiato , Hunka Munka , Roberto Cacciapaglia , Gianni Leone e Giuseppe Banfi fizeram uso extensivo de sintetizadores, mas é igualmente verdade que até dezembro de 1977 faltavam registros apenas para sons sintéticos e certamente havia mais de uma razão para tal timidez.

Supomos que um primeiro limite era o econômico , dado que o custo dos aparelhos em circulação na época (a linha ARP , o VCS3 e principalmente o Moog ) , inicialmente era bastante elevada e apenas alguns músicos conseguiam arcar com as despesas.
Não secundariamente, o papel do sintetizador durante o épico progressivo quase nunca foi como protagonista absoluto , mas como coadjuvante em conjuntos maiores ou para caracterizar certas passagens onde os instrumentos convencionais não conseguiam alcançar (por exemplo, a música " Impressioni di September ") .

Além disso, deixando de lado por um momento as limitações técnicas das ferramentas e tecnologias de gravação multipista , a razão mais plausível para este uso “ funcional ” do sintetizador também foi substancialmente atribuível à falta de receptividade
do mercado. Certamente nos anos anteriores a 77 a " Kosmische musik " também fez incursões em nós através da distribuição do PDU , um grupo como o Kraftwerk conquistou o nosso público local primeiro com Autobahn (1974) e depois com Radioactivity (1975), porém até não mais do que um estímulo concreto vindo do exterior que poderia ter liberado o som sintético para o airplay também na Itália , nenhum produtor jamais teria pensado em investir um centavo nisso.

Em 1976, porém, algo mudou quando o álbum de um francês de 28 anos chamado Jean Michel Jarre atingiu as bilheterias do planeta, dando início, segundo o " The Telegraph ", à revolução dos sintetizadores dos anos 70 .

O álbum se chamava " Oxigene " e consistia em seis músicas executadas inteiramente por um único intérprete e instrumentos elétricos : ARP 2600, EMS Synthi AKS, VCS 3, RMI, Farfisa, Eminent, Mellotron e um Korg Minipops-7 .

As partes nº 6 e especialmente a nº 4 foram sucessos mundiais e certamente seu impacto gigantesco contribuiu para dissolver quaisquer reservas até mesmo entre as gravadoras italianas. Incluamos também a resposta triunfante de Trans Europe Express (1977) do Kraftwerk e se quisermos também de " Spiral " de Vangelise nosso mercado também estava pronto para algo indígena.

Para falar a verdade, como sempre a Itália não se jogou imediatamente na briga, mas pelo menos em 1978
nosso Emi italiano finalmente teve a coragem de publicar um álbum totalmente eletrônico e acima de tudo tecnicamente confiável , visto que seus protagonistas eram um designer de sintetizadores , tecladista já conhecido do público e músico erudito .

O álbum em questão se chama “ Automat ” e nasceu graças à pesquisa do engenheiro. Mario Maggi que em 1977 criou o MCS 70 : o primeiro sintetizador monofônico totalmente programável da história.
Equipado com um teclado de 4 oitavas com filtro duplo , três osciladores e dois envelopes, o MCS 70 foi capaz de sintetizar não apenas senoides , mas formas de onda particularmente complexas . em última análise, gerando sons tão originais que despertariam até a inveja do próprio Tom Oberheim .

Para demonstrar suas possibilidades, Maggi chamou ao seu lado os tecladistas Romano Musumarra ( Bottega dell'Arte) e Claudio Gizzi , a quem confiou a tarefa de orquestrar alguns de seus padrões , produzindo assim um master completo que a EMI publicou graças ao impulso de o mesmo Musumarra, já empregado da mesma gravadora. O primeiro lado do álbum foi orquestrado por Gizzi e o segundo por Musumarra cujo " Droid " obteve algum sucesso até no Brasil . Acredito que não seja oportuno nos dedicarmos agora ao exame musical da obra que era essencialmente uma demo do MCS 70 e cujo som lembrava muito o de Jarre . O certo é que tendo em conta a época, os seus sons eram verdadeiramente extraordinários , especialmente no baixo que nunca antes tinha alcançado um corpo tão cheio e definido . Infelizmente, o boom do Oxigène ofuscou o trabalho do “ Automat ” e, além disso, o advento do novo sintetizador “ Prophet 5 ” pôs fim ao projeto MCS-70 , do qual no final foi produzido apenas um exemplar que seria então adquirido pela Patrizio Fariselli da Area (você pode ouvir no álbum “ Tic & Tac ” de 1980 ). Porém, entre os especialistas, o projeto “ Automat ” não passou despercebido, incentivando todo um exército de programadores a elevar as tecnologias musicais ao ponto que alcançaram hoje. Ao ouvi-lo, você naturalmente precisa se lembrar dos primórdios da automação no campo musical, mas o esforço certamente vale a pena.

Anonima Sound Ltd: Red tape machine (1972)

 

Pouco representativo da cena prog , " Anonima Sound Ltd. " é mais lembrado como um trio beat no qual o falecido Ivan Graziani fez sua estreia como guitarrista . Nascida em Urbino em 1964 pelo

próprio Graziani , Velio Gualazzi (pai do hoje popular Raphael ) e Walter Monacchi, a banda reformou-se pelo menos duas vezes antes de estrear no Long Play , não deixando entretanto de atingir pelo menos um grande sucesso. em 45 rpm: " Fuori raine/Parla tu " (com Graziani na guitarra e voz) que vendeu 175 mil cópias apesar de ter ficado em último lugar no palco Teramo do Cantagiro 1968.
O single de 45 rpm do ano seguinte também foi bem "Josephine", que também contou com a colaboração do tecladista Roberto Carlotto , entretanto trabalhava em seu álbum solo sob o pseudônimo de Hunka Munka .

Em 1970 o grupo mudou-se para Numero Uno de Lucio Battisti e lançou o single 45 rpm " Ombre vive " e depois se desfez após a saída de Graziani para o serviço militar, abandonando também a nova gravadora na qual apenas Graziani permaneceria ativo mais tarde .
Retornado do serviço militar um ano depois, o violonista de Teramo, porém, não se juntaria mais aos antigos companheiros de viagem, deixando claro que queria seguir um caminho bem diferente do que passar a vida nos salões de dança da Úmbria. .
Nem um pouco desanimado, Velio Gualazzi , único sobrevivente do grupo, chama ao seu lado o novo guitarrista Massimo Meloni , o baixista Piero Cecchini e a banda e continua a atividade com um novo single " Io prendo amore/Cerchi " para o pequeno Arcobaleno. rótulo .
Depois veio o ponto de viragem radical em 1972.

Provavelmente cansada da monotonia da batida , a banda alargou o seu line-up para sete elementos e virou-se decididamente para uma música mais complexa e internacional. Aliás, acrescentamos: Richard Ingersoll vocal e flauta (e também autor do cover) , Lamberto Clementi guitarra, Peter Dobson guitarra, Claudine Reiner vocal.

Infelizmente, porém, a escolha acaba por ser inovadora muito mais para a imagem do grupo do que para o mercado que mal recebe o seu primeiro álbum " Red tape machine ", constituído essencialmente por uma sequência de oito canções dignas cantadas em inglês supervisionadas por Velio Gualazzi editadas do engenheiro de som A.Trevisani e com o apoio externo de Ivan Graziani que dá uma mão aos ex-companheiros de viagem intervindo em duas músicas como contrabaixista.

A música é " deja vu " e as canções contêm um pouco de tudo: faixas de Crosby Stills Nash & Young ("Window On The City"), Jefferson Airplane ("Freedom"), James Taylor ("The last deboutante") e , se quisermos, também de Ike & Tina Turner na final "The Roofer".
Um disco portanto pouco inovador, que nada acrescenta ao que já havia sido proposto no exterior três anos antes pela geração Woodstock e já considerado obsoleto até na Itália de 1972 que, entre outras coisas, tinha no mercado obras de muito maior profundidade.

É claro que é necessário considerar que em 1972 nem todos podiam aceder confortavelmente ao mercado inglês e que, portanto, muitos grupos podiam " blefar " impunemente, fingindo ser americanos ou britânicos, mas é igualmente verdade que a nova consciência crítica dos jovens as pessoas tinham meios suficientes para reconhecer tais adulterações e mantê-las amplamente afastadas.

Porém, entre as melhores coisas do álbum estão a faixa-título “ Red Tape machine ” com agradáveis ​​intervenções de flauta e a mais complexa “ Metro ”.
O trabalho de guitarra em " Triangle " também é apreciável, porém é obscurecido pela semelhança melódica com o Battisti ana " Penseri e Parole " e pela questionável pronúncia inglesa, para dizer o mínimo.

" Red Tape Machine " não vendeu quase nada, jogando o grupo de volta ao anonimato e forçando-os a se separar em pouco menos de seis meses.
Em resumo: um álbum de bom nível técnico, mas de acabamento composicional bastante modesto, cuja memória é transmitida à posteridade apenas pelo seu discreto valor colecionável e por ter hospedado um dos maiores violonistas italianos.
Como mencionamos antes, hoje em 2012, Velio Gualazzi continua no mercado auxiliando seu filho Raphael , que ganha cada vez mais reconhecimento na Itália e no exterior.

ROCK ART

 

People

 

Nat Ural e Arte I. Oficial

Quanto mais velho fico, mais me preocupo com a raça humana. Nós deveríamos ser uma espécie racional, mas ouço pessoas fazendo afirmações absurdas e alegando que são verdades inegáveis ​​o tempo todo hoje em dia.

Só duas coisas são infinitas, o universo e a estupidez humana. E não tenho certeza sobre a primeira.

Albert Einstein

Em uma ponta da escala, um mal-entendido inconsequente transforma amigos firmes em inimigos amargos; na outra ponta, o povo nomeia líderes beligerantes para governar suas nações, levando a guerras e sofrimento incalculável. E, ao mesmo tempo, continuamos a atiçar as chamas da mudança climática e da destruição ambiental. Se é assim que nossa espécie é, nossa única esperança é que uma Inteligência Artificial superior venha nos ensinar como viver juntos em paz e harmonia.

Então pensei em fazer uma playlist de músicas sobre 'pessoas'. Candidatos elegíveis podem ilustrar as falhas profundas que a evolução incutiu em nossa natureza humana, oferecer um pouco de esperança e conforto, ou apenas nos fazer pensar sobre o que significa ser humano.

Aqui, então, está uma playlist de dez partes de faixas com "pessoas" no título. Individualmente, elas acrescentarão muito pouco à sua compreensão do que nos torna humanos. E, mesmo coletivamente, duvido que você encontre quaisquer revelações significativas sobre o que nos faz funcionar. Mas, elas podem lhe trazer algum prazer enquanto você contempla o futuro incerto da humanidade.

People Tracks (década de 1960 – 2020, em ordem cronológica)

The Rising Sun

 

Desta vez, para minha Faixa da Semana, farei algo um pouco diferente. Em vez de focar em uma gravação específica, explorarei cerca de uma dúzia de versões diferentes da mesma música: The House of the Rising Sun. 

The Rising Sun tem um significado especial para mim. Foi a primeira coisa que tocamos quando nossa banda sem nome montou nosso equipamento pela primeira vez no salão do clube juvenil local no outono de 1970. Naquele primeiro ensaio, toquei meu órgão eletrônico e conseguimos recriar o som do The Animals muito bem. Como eu estava adivinhando os acordes e era a única coisa que eu conseguia tocar no órgão, foi bem incrível. Nossa apresentação naquele dia me convenceu de que tocar em uma banda amadora realmente seria divertido e foi, realmente foi.

 

Woody Guthrie

As origens de The House of the Rising Sun são obscuras. Pode ter sido uma canção folclórica inglesa escrita no século XVIII e levada para a América por imigrantes das Ilhas Britânicas. A gravação mais antiga conhecida é dos Apalaches e data de 1934. A primeira versão disponível no Spotify é a gravação de 1941 de Woody Guthrie  que dá início à minha playlist Rising Sun. Esta é uma canção folk/blues comum em um tempo 4/4 com pouca melodia. Nela, a cantora avisa outras garotas para não se deixarem levar, como ela foi, por bêbados e jogadores. Embora as palavras não digam isso, a maioria das interpretações assume que a mulher é uma prostituta e a House of the Rising sun é o bordel em que ela trabalha.

Lead Belly gravou Rising Sun  em 1944. Sua versão também é em compasso 4/4 e ainda não tem muita melodia. Desta vez, porém, é cantada do ponto de vista de um homem que quer salvar sua irmã mais nova de uma vida de miséria na House of the Rising Sun. E tem uma sensação country rock, bem diferente da versão folk mainstream de Woody Guthrie.

Então, em 1947, um cantor e guitarrista de country-blues negro americano chamado Josh White escreveu uma nova música para The Rising Sun e mudou um pouco as palavras. A maioria das apresentações subsequentes da música são baseadas na versão de Josh White, incluindo o arranjo de banjo de 1958 por Pete Seeger. Agora a música está em um tempo 6/8 e ouvimos a melodia cadenciada familiar aos ouvintes modernos pela primeira vez.

Joan Baez gravou uma versão particularmente cativante de Rising Sun em 1960. Com apenas um violão e sua voz clara e suave, ela torce o coração do ouvinte com a história de uma mulher cuja vida foi cheia de tristeza e miséria. Música folk no seu melhor.

No ano seguinte, o cantor folk Dave Van Ronk ensinou The Rising Sun a Bob Dylan e tanto Van Ronk quanto Dylan a gravaram. A versão de Van Ronk não tem uma assinatura de tempo óbvia; os acordes mudam no tempo com o canto comovente, que vagueia no estilo folk tradicional de dedo no ouvido. (É música, Jim, mas não como as paradas pop a conheceriam.) A versão de Dylan é uma interpretação direta da música, mas inconfundivelmente Bob Dylan, o cantor folk, como ele era em 1961.

The Animals

A versão mais famosa de Rising Sun  (pelo menos no Reino Unido) é a do The Animals , gravada em 1964. Eric Burdon disse que a banda aprendeu a música com um cantor folk da Nortúmbria, Johnny Handle, não com a faixa de Bob Dylan, como muitas vezes foi sugerido. Ela foi descrita como "o primeiro hit folk-rock", o que resume perfeitamente a mistura de folk, rock e pop que a tornou tão bem-sucedida.  Rising Sun do The Animals foi um single número um no Reino Unido e nos EUA e ganhou o Grammy Hall of Fame Award em 1999. Também deixou uma marca indelével em Crotchety Man.

Houve vários outros covers de Rising Sun. A playlist do Spotify inclui versões de outros seis artistas: Marianne Faithfull fez uma versão folk/pop/clássica lenta que lembrava canções folclóricas francesas; Tim Hardin ofereceu uma versão folk/blues muito boa e apaixonada; houve uma versão de rock psicodélico de Frijid Pink que teve um sucesso considerável nas paradas da Europa; houve duas entradas nas paradas de música country, incluindo uma versão country/pop acelerada de Dolly Parton; George Melly deu a ela o tratamento de jazz legal; e Jimmy Nail a cantou como uma balada tradicional.

Então parece que The House of the Rising Sun é uma música folk/blues/country/pop/rock que também recebeu tratamentos perfeitamente aceitáveis ​​de jazz e baladas old-school. É a faixa definitiva de quebra de gênero. Dê uma ouvida. Você não vai gostar de todas as versões, mas será bom para sua educação, eu prometo. E eu nem mencionei o arranjo de heavy metal de 2013 do Five Finger Death Punch...