Autechre - Tri repetae (1995)

Tri repetae (1995)

Autechre

Uma das primeiras coisas que você pode notar ao ouvir o álbum Tri Repetae de Autechre de 1995 é o quão inacessível ele parece. Em muitas das músicas, bipes e guinchos ásperos cortam a paleta sonora diversa, fazendo você questionar se os sons são parte da música ou se eles realmente sinalizam seu detector de fumaça ou mesmo o alarme do carro disparando ao fundo. É um caso frequentemente barulhento, sempre caótico. Um ditado por sons de estática de TV e guinchos agudos de mosquitos. Eu sei que muitas pessoas gostam de rotular Tri Repetae como frio, deprimente e calculado, mas aos meus olhos é exatamente o oposto. Claro que soa robótico e claustrofóbico, mas também há uma vibração inegável que emana do disco. Pense em "incompleto sem ruído de superfície", como indicado pelas capas das edições físicas. Não é uma revelação superficial, no entanto, em vez disso, conforme as músicas lentamente descascam suas muitas camadas, encontro uma sensação de calor e emoção dentro delas.

À primeira vista, o disco parece semelhante ao que pessoas ligeiramente perturbadas, que realmente não se depararam com nenhuma música popular de dança, podem esperar que o gênero soe. E sim, o que o álbum realmente exige do ouvinte, para começar a entender seu conteúdo, é uma sensação de distanciamento do mundo exterior, uma fuga para pensamentos pessoais e confusos. Não precisa ser no dia seguinte ou mesmo no mesmo mês, mas uma exploração subsequente das músicas estranhamente atraentes em Tri Repetae é uma necessidade absoluta. Porque depois de um tempo, isso começa a se aproximar de você. Os sons que você inicialmente descartou como abrasivos, desconexos e completamente estranhos começam a desenvolver uma qualidade emocional. Os sons das máquinas começam a soar humanos.

Ao ouvir o disco na íntegra, você verá 10 estados de espírito e ambientes únicos, cada um ligado a uma música específica, moldados por estruturas de forma livre que entram em colapso e se reconstroem com a ondulação da maré. Os ritmos de padrões de bateria pouco ortodoxos são perfurados com precisão, procedendo a sangrar sob a pele para desligar o sistema nervoso central. Dance se quiser, ou fique parado com os olhos vazios. De qualquer forma, não importa, os robôs farão de você um deles eventualmente. É fácil ficar hipnotizado pelos tambores fortes do Clipper e flashes de interferência estática, que são tão cheios de vida, frustrando a atmosfera agourenta criada pelo acompanhamento de sintetizadores complexos que percorrem toda a mixagem. As progressões instáveis ​​no destaque Leterel fornecem o modelo perfeito para uma dança excêntrica e escalonada, e conforme a música muda para um conjunto de passos eternamente caindo em direção ao seu fim, há uma catarse evidente a ser descoberta. Stud e Eutow depois fornecem emoções e excitação por meio de seus respingos reverberantes que são então engolidos inteiramente pela estranha serenidade que é transmitida por Gnit e Overand. Realmente há muito o que amar e mergulhar nas músicas, nunca sendo vítima das armadilhas da estagnação e familiaridade.

Tri Repetae apresenta um futuro que ainda não experimentamos. Um definido pelas noções de ordem, perfeição e processos sistemáticos. O que Autechre propõe é a antítese disso, demonstrando uma rebelião sutil que revela um mundo que não é necessariamente desprovido de humanidade. Conforme você se assimila à multidão de peças móveis, se tornar outra engrenagem na máquina pode ser tão significativo quanto a livre expressão no comprimento de onda certo. Os sons das máquinas não apenas começam a soar humanos, você começa a encontrar aqui uma companhia que pessoas reais nunca poderiam rivalizar. Se isso é um pensamento assustador ou não, é algo que você tem que decidir por si mesmo.

Tyler, the Creator - Chromakopia (2024)

Chromakopia (2024)

Tyler, the Creator

Tyler, the Creator pretende que Chromakopia torne o mundano poético. Mas e aqueles que ficam em casa e trabalham? Para aqueles que não saem de casa a menos que seja para estocar ingredientes para wrap de frango ou para entediar o pouco tempo livre que têm com o Call of Duty que induz à raiva. Essa não é a maneira de ouvir esta última peça do chefe dinâmico e cromado. Sente-se no espaço vago do seu escritório em casa e deixe os medos e maravilhas risíveis de Tyler, the Creator tomarem conta de você. Aventurar-se ao ar livre com este álbum, contemplar todo o seu excesso no carro ou quando estiver refletindo sobre experiências cotidianas, é a chave. Para combiná-lo com suas tarefas do dia a dia. Esta é a intenção e parte do brilhantismo encontrado em Chromakopia. Respeito pelo ouvinte acionado corretamente. 

Não precisamos reduzir nosso sono com uma espera à meia-noite. Em vez disso, torne o horário das nove às cinco palatável. Chromakopia pede honestidade. Tempo. Chromakopia não é apenas sobre reposicionar como consumimos música ou arte, mas abalar as fundações. Por que um lançamento de sexta-feira? Qual o propósito de lançar uma pilha do tamanho de um aterro sanitário em um dia? Podemos escolher, mas o resto estará podre quando chegarmos lá, os restos de discurso para aqueles que se importam completamente insalváveis. Escolha dois ou três dos seus lançamentos mais interessantes e siga em frente. Mais artistas estão querendo desafiar isso. Precisamos que eles tenham sucesso. Um lançamento de segunda-feira de um dos maiores artistas do mundo é um movimento tão ousado quanto a música encontrada em Chromakopia. A abertura St. Chroma não perde tempo nenhum nesta fascinante construção de mundo. Vocais sussurrados com a marcha militarista percorrem um longo caminho na extensa construção de mundo aqui. Essas pisadas nunca diminuem. Nem a luz e a esperança são ouvidas nesta abertura.  

Ele sangra bem nas tensões e turbulências de Rah Tah Tah, uma avaliação confiante de quem é Tyler, o Criador, a persona pública e a pessoa por trás de Chromakopia sangrando uma na outra. Chromakopia brinca com a importância da imagem, do que significa estar escondido atrás da máscara e das camadas que um artista pode oferecer aos seus fãs. Seu verdadeiro eu está nas letras e em sua atitude, mas não em exibição. Essas sutilezas são um reflexo e defesa para Tyler, o Criador - o ofegar e a marcha que ressaltam os gostos de Noid parecem lampejos de uma vida antes da fama. No entanto, em todos esses terrores, nos momentos em que Tyler, o Criador olha por cima do ombro para ter certeza de que as sombras de seu passado não estão seguindo, vêm momentos calorosos como Darling, I. No renascimento artístico, vem uma retirada do que havia deixado gostos de Call Me if You Get Lost e Igor tão confusos. Recursos de escolha, instrumentais exuberantes e vocais de apoio em camadas fazem toda a diferença. 

Aqueles tons melosos e quase quentes, como pop, de Darling, I, são bem mantidos juntos e fornecem o lastro necessário para peças de autodúvida como Hey Jane. Este é o momento definidor de Chromakopia. Meteórico em seu desafio e desejo de ter sucesso e lutar contra o fracasso. Você é seu pior inimigo e o choque de autoestima em I Killed You, essas dúvidas crescendo de partes inesperadas de nossas vidas, são o que devemos matar. Como fornecemos um antídoto para esses medos? Este arranhão e lamento contra nós mesmos. Judge Judy chega lá. Nunca se esqueça de suas raízes. Podemos nos virar e seguir em frente para pastos mais verdes, mas onde começamos é o que nos forma. Sticky destaca isso - a descrença de onde viemos e onde terminamos é uma obra maravilhosa, cheia de bebês chorando, backing vocals e o leve ruído de helicópteros à distância. Tudo isso se junta como os sons do passado, sobre os quais Tyler, the Creator é claro. Isso não nos define. Como reagimos é o que forma o futuro. 

Chromakopia sugere um mundo que criamos. O indivíduo vive em sua própria experiência, e tudo o que podemos fazer é olhar para aqueles que achamos que somos melhores do que ter sucesso. E, no entanto, é aqui que podemos fazer as pazes. Take Your Mask Off nos implora para revelar o que desejamos, tudo com o pano de fundo de uma batida de sintetizador retrô. O que queremos nunca é sem pecado e a sexualização aberta encontrada nas letras de Tyler, the Creator consegue andar na ponta dos pés em torno dos gemidos usuais do gênero e em um choque terno. Os problemas pós-parto e as duras realidades, o lado mais sombrio do mundo do qual nos protegemos com esses personagens e máscaras, tudo faz parte da construção do mundo de Chromakopia. Não importa como você faça isso, Tyler, the Creator implora que você encontre seu verdadeiro eu. Descompacte as camadas de ironia e medo que você construiu ao longo das décadas e descubra o que o faz funcionar.  

Momentos delicados são o momento decisivo para Chromakopia. Suas melhores partes não estão nas arestas ou nas alegrias brutais de um homem espiralando em um mundo de sua própria criação, mas nas músicas onde ele ressurge no mundo real. Podemos mergulhar fundo em nossa psique, mas Tyler, o Criador nos convoca a sermos obstinados. Não caia nos tropos usuais da vida. O estabelecimento ouvido em Tomorrow é apenas um dos muitos exemplos dessas pressões que empurram Tyler, o Criador e, por extensão, aqueles que se encontram nesta música, mais para dentro de seus mundos. Há conforto ali e desconforto de uma experiência honesta e muitas vezes terna, ocasionalmente acústica, em Chromakopia. É sua oferta de álbum mais completa e sincera porque depende de experiências e medos pessoais - todos mapeados com tanta fluidez lírica e emocional que cada música é um deleite, mesmo com o ponto áspero se projetando. Vá para a guerra consigo mesmo e veja quem sai vitorioso. Chromakopia é um hino tremendo para a reinvenção pessoal e uma oferta sincera de Tyler, o Criador. 

Haley Heynderickx - Seed of a Seed (2024)

Seed of a Seed (2024)

Haley Heynderickx

um álbum que parece uma memória essencial presa em uma bola de cristal; como uma lembrança de Natal que foi mantida em um sótão e abandonada por anos e anos, e recuperada como uma cápsula do tempo de filosofias mortas e melodias encantadoras que foram compostas para serem esquecidas, mas elas permanecem na mente e retornam à existência, poderosas como um fogo que simplesmente não pode ser apagado. parece um dia descalço no campo, como uma chuva que acalma o calor escaldante, e tudo isso é apenas o poder da energia do álbum, sem nem mencionar as belas letras que heynderickx traz à vida absoluta da maneira mais natural possível.

o álbum realmente não percorre territórios desconhecidos para o artista; Ela tem uma fórmula que funciona e honra sua marca com uma música mais pastoral, bucólica, rural e, no geral, hipnotizante, tão poderosa quanto frágil e íntima - às vezes, parece uma trilha sonora secreta de ontem , e às vezes parece os pensamentos e crenças mais sombrios de alguém, e você tem certeza de que alguns deles nunca deveriam ver a luz do dia, mas graças a Deus que viram; porque Haley Heynderickx não é mais uma maravilha de um álbum só. Citando Sharon Van Etten; "As pessoas dizem que sou uma maravilha de um sucesso só, mas o que acontece quando tenho dois ?"

Fievel Is Glauque - Rong Weicknes (2024)

Rong Weicknes (2024)

Fievel Is Glauque

Às vezes, tenho um gosto musical tão estranho. É quase como o equivalente musical do discurso da Barbie de America Ferrera sobre ser mulher: "Quebre o molde com suas progressões de acordes, mas não fique muito dissonante. Não se concentre nas letras, mas se as letras forem terríveis ou cafonas, estou fora. Expresse-se, mas não muito, há uma linha entre música e teatro musical. O jazz é maravilhoso, mas vá com calma nos instrumentos de sopro de vez em quando. A fusão do jazz é maravilhosa, mas não fique muito grandiosa para suas próprias habilidades. Mantenha a simplicidade, mas mantenha a estética da complexidade: não me entedie."

Flaming Swords me impressionou, mas não atingiu o ponto certo. Para mim, havia um pouco de jazz demais e não havia escrita e instrumentação direta e simples o suficiente para o que eu estava procurando. Um pouco vocal-jazz demais para a instrumentação, ou era um pouco simples demais para o jazz vocal? Cara, às vezes sou um chato. Saí disso com mais problemas com meus ouvidos do que com Flaming Swords em si; sou muito difícil de agradar hoje em dia? Sou muito "já ouvi isso antes" velho para curtir um grupo fazendo boa música?

Rong Weicknes responde a essa pergunta enfaticamente: não, é possível fazer algo tão bom nessa estranha veia de jazz fusion/composição popular que eu fico chocado e sem palavras enquanto ouço, sorrindo e compartilhando músicas no Discord, reclamando sobre como há muitos álbuns bons este ano e como este eclipsa vários lançamentos de primeira linha em 2024 e, ah, aqueles outros álbuns ruins, eles também precisam de amor! Fievel e Glauque criam essas melodias maravilhosamente harmonizadas, mexem com acordes interessantes para a esquerda e para a direita e então deixam o espaço entre elas ser preenchido com uma execução virtuosa de... tipo, todo mundo . Ninguém fica no frio para não se exibir , todo o grupo recebe o que merece. É uma fórmula que se espalha por todo o álbum e é algo que eu realmente não ouvi de nenhum grupo como este no passado. Há um equilíbrio tão bom entre o rápido e o calmo, o estranho e o terreno aqui, misturado em um acorde jazz-pop de perfumista mestre "todo mundo poderia fazer isso, mas ninguém faz elegantemente o suficiente para funcionar". E

sim, funciona aqui; quase bem demais! Exclusivamente assim! É como se eles tivessem enfiado quinze agulhas e cruzado minhas próprias linhas pessoais em minha experiência musical com um tipo de graça e confiança que você não esperaria de uma música tão introspectiva. Como se Frank Zappa relaxasse na biblioteca por um tempo e tocasse seus esquetes mais suaves depois. Se Esperanza Spalding tirasse férias de quatro semanas em Bora Bora.Se o Stereolab corresse 100 metros rasos. Se o Thundercatpassou por fissão binária, produziu uma banda de oito integrantes e fixou residência em Copenhague. Isso me faz pensar no que teria acontecido se eu tivesse continuado na música. "Eu teria feito isso", digo a mim mesmo, refletindo sobre o futuro do som organizado e meu lugar hipotético nele. Não, eu não faria. Vamos lá. Mas está aqui para mim e meus fones de ouvido. É o suficiente, eu acho.

Rage Against the Machine - The Battle of Los Angeles (1999)

The Battle of Los Angeles (1999)

Rage Against the Machine

The Battle of Los Angeles foi minha introdução ao Rage Against The Machine quando eu era jovem o suficiente para não entender toda a premissa por trás da música que eles faziam. Mas isso não me impediu de apreciá-lo, pois eu ouvia "Guerrilla Radio", "Born of a Broken Man", "Testify" e, às vezes, o álbum inteiro no meu iPod em viagens de ônibus ou carro. O trabalho de guitarra instável característico de Tom Morello, mais a entrega vocal agressiva de Zack de la Rocha, juntamente com composições redundantes, mas eficazes, foi algo emocionante para mim mais jovem e não mudou muito ao longo dos anos, com The Battle of Los Angeles atingindo tão forte quanto eu me lembrava. Datar intencionalmente as avaliações normalmente é uma tática desaprovada, pois o escritor normalmente quer que seja atemporal, mas acho que todos podem concordar que o Rage Against The Machine merece algum tratamento especial, já que é quase impossível discutir com precisão a banda sem oferecer algum tipo de contexto sobre como é o clima político e social do mundo. Se você der uma olhada na data em que esta análise foi escrita... que hora para voltar a um álbum do Rage Against The Machine , hein? Como diabos este álbum tem 20 anos e cada uma dessas faixas ainda soa mais verdadeira do que nunca?

Depois de voltar e ouvir corretamente o álbum de estreia do Rage , isso me deu muito mais perspectiva sobre este álbum que eu gostei tanto anos atrás, a ponto de começar a usar adjetivos que nunca pensei que usaria para descrever o Rage Against The Machine . The Battle of Los Angeles é muito mais refinado e maduro do que sua estreia, ao mesmo tempo em que mantém muito do poder bruto que eles tinham em 1992. Eles também são muito mais diplomáticos e profundos nas letras que de la Rocha escolhe usar, com referências e declarações óbvias sendo substituídas por linhas mais poéticas e interpretativas. Sua postura ainda é óbvia, não me entenda mal, mas muito poucas músicas são tão diretas quanto algo como "Killing In The Name" de seu álbum de estreia. Refinado, maduro, diplomático e até mesmo contido em alguns casos são palavras que nunca pensei que usaria para descrever o Rage , mas funciona maravilhosamente para criar uma experiência poderosa, mas distinta, que se expande e vai além do que a banda é conhecida. Eles abordam uma infinidade de tópicos diferentes, desde escravidão, pobreza, crimes de guerra e corrupção geral, que fornece um retrato arrepiante de todas as injustiças e crenças tóxicas que ainda são galopantes hoje. Embora sua estreia tenha sido mais um chamado à ação contra práticas injustas nos Estados Unidos, The Battle of Los Angelesparece focar em conscientizar que certas injustiças ainda estão ocorrendo, mesmo que pessoas no poder tentem o seu melhor para nos convencer de que não estão. O que ainda é verdade.

Mesmo que o Rage seja um pouco mais contido neste álbum, isso não os impede de tocar alguns dos melhores riffs da história da banda, desde o riff principal de "Guerrilla Radio", o poderoso riff de baixo de "Calm Like a Bomb" e meu riff favorito de "Born of a Broken Man". Embora a bateria não seja tão forte e o baixo seja empurrado um pouco mais para trás na mixagem, a maneira como toda a produção se reúne ainda atinge incrivelmente forte e é o som mais equilibrado que seu som já teve. Também tem a maior variedade que a banda já teve, o que é uma grande vantagem, pois a estrutura das músicas do Rage permaneceu praticamente a mesma durante toda a carreira. Os sons loucos de guitarra de Morello são utilizados mais do que nunca, com sons incrivelmente únicos sendo usados ​​em "Mic Check", "Maria" e "Ashes in the Fall" para dar a cada um sua própria identidade distinta. A entrega de De la Rocha também ficou mais consistente e tem mais emoção e dinâmica, o que faz com que seus refrões repetitivos tenham mais impacto, especialmente em faixas como "Voice of the Voiceless" e "Born as Ghosts".

Embora o Rage tenha dominado melhor sua arte em The Battle of Los Angeles , acho que eles perderam um pouco da vantagem que realmente os fez se destacar originalmente. Embora faixas como "Mic Check" e "War Within a Breath" tenham mais camadas de composição, há algo a ser dito sobre uma abordagem agressivamente direta. Embora os grandes momentos como o final de "Ashes in the Fall" e "Testify" sejam incrivelmente difíceis, não posso deixar de querer algo ainda mais impactante do que o que eles deram. The Battle of Los Angeles mostra que o Rage ainda tinha uma tonelada de ideias de como aumentar sua fórmula vencedora sem se afastar muito como fizeram em Evil Empire , mas é tão focado que se esgota em audições repetidas ou mesmo na segunda metade do álbum. Embora ainda haja uma tonelada de emoção crua e paixão sobre sua causa aqui, há uma qualidade desequilibrada que sinto que está faltando em certas seções, como suas linhas de baixo e bateria. Há muito neste disco que ofusca sua estreia, mas os pequenos elementos que estão faltando ou um pouco fracos o impedem de ser seu lançamento primordial.

No entanto, não pode ser subestimado o quanto essa banda foi capaz de dizer sobre o estado do mundo e as lutas de tantos em doze faixas curtas. Rage Against the Machine obviamente tinha muito a dizer,e eles dizem isso da maneira mais poética que puderam aqui em A Batalha de Los Angeles. É incrivelmente fácil ter um tom chorão e juvenil ao tentar proclamar esses tópicos em um gênero como o Alternative/Rap Metal, então estou feliz que o mundo tenha uma banda como o Rage para mostrar a todos como se faz. Infelizmente, sempre haverá problemas como os que eles descrevem neste álbum e uma das únicas esperanças que posso ter é que uma música como essa possa aumentar a conscientização e criar mais empatia no mundo. Talvez um dia novos ouvintes possam vir e avaliar este álbum no futuro e não tenham que datar suas avaliações para afirmar que o mundo ainda é um lugar terrível para aqueles que são injustamente considerados menos dignos por aqueles no poder. Infelizmente, hoje não é o dia em que posso olhar pela janela e dizer que o mundo mudou ou mudou um pouco.

Love - Forever Changes (1967)

Forever Changes (1967)

Love

Forever Changes é um daqueles álbuns que acaba nas listas de inúmeros críticos, mas de alguma forma manteve um perfil mainstream muito mais baixo em comparação com seus "clássicos" contemporâneos. Você nunca ouve nenhuma música de Love no rádio ou em filmes etc., e você terá sorte se ouvir alguém falando sobre elas fora de músicos e críticos. E ainda assim, pegue Forever Changes e dê a ele tempo para fazer sua mágica e você provavelmente entenderá por que ele persiste silenciosamente como um marco no folk-rock psicodélico e como um dos melhores álbuns dos anos 1960.

Como muitos grandes álbuns, Forever Changes é tão bom porque geralmente é uma combinação bizarra de elementos não quantificáveis. Há o fato de que é um caso muito mais suave do que os dois álbuns anteriores de Love - o som elétrico mais parecido com garagem de Love e o estilo vocal agressivo de Arthur Lee em Da Capo substituído principalmente por violão e texturas orquestrais - e ainda assim é insidiosamente nervoso. Há o toque único do álbum na psicodelia, que frequentemente assume a forma de faixas instrumentais com panning pesado (o acústico de cordas de náilon está tão à direita que quase desapareceu!) e breves adições de reverberação, bem como escolhas de arranjos, como ter os cantores de fundo dizendo uma palavra diferente ao mesmo tempo. Há o magnetismo óbvio de Arthur Lee como vocalista, que torce o papel de uma espécie de vidente atormentado com uma fragilidade sombria, capacidades poéticas surpreendentes, uma habilidade de destilar as inúmeras emoções conflitantes dos anos 60 em canções que são simultaneamente emocionalmente envolventes e, em última análise, etéreas, bem como sendo uma lenda histórica maior que a vida, de alguma forma mais do que cumprindo o potencial frustrado de Da Capo aqui, mas rapidamente se desfazendo em instabilidade mental e artística (ele teria certeza de que sua morte era iminente durante a criação deste álbum) nos anos seguintes - ainda capaz de criar boa música, mas nunca chegando perto de atingir o mesmo nível de percepção (especialmente liricamente) repetidamente em exibição aqui. E, finalmente, apesar da personalidade dominante de Lee, há o fato de que a banda era inegavelmente uma colaboração, que as contribuições de Bryan MacLean na composição e na guitarra clássica são tão importantes para o sucesso do álbum quanto qualquer outro elemento, e que a decisão de Lee de separar a formação do Forever Changes logo após o lançamento do álbum foi um erro terrível.

A característica distintiva que a maioria das pessoas nota em Forever Changes é a inclusão de arranjos orquestrais, especialmente predominantes nos números de MacLean — o equilíbrio é doce e delicado em "Alone Again Or", "Andmoreagain" e "Old Man", músicas cujo otimismo contrabalança parte da visão de mundo desesperada de Lee com desvios para a euforia romântica. Em outros lugares, porém, as cordas e os instrumentos de sopro fornecem, com a mesma habilidade, um toque assustador e inquietante, como na paranoica "The Red Telephone" e no roboticamente final "The Good Humor Man He Sees Everything Like This" (tenho que amar aqueles títulos de faixas Dylanescos dos anos 60), bem como brilhantemente catártico, como na com toques latinos "Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale" (que ostenta alguns dos conceitos líricos mais astutos do álbum, com rimas esperadas interrompidas por instrumentos de sopro staccato apenas para parecerem começar a próxima linha... até que o instrumental pare, claro) e na transcendente "You Set the Scene" que encerra o álbum. A parte mais inteligente dos arranjos delicados é o quão bem os momentos de rock se destacam - "A House is Not a Motel" soa como o rock mais pesado que você já ouviu, apesar do fato de que pelo menos metade da música nem tem guitarra elétrica, e o solo em "Live and Let Live" é insanamente escaldante porque não há nada "difícil" para competir com ele. Ouvindo novamente, estou realmente surpreso com o quão simples os arranjos realmente são em comparação com a complexidade das músicas, geralmente consistindo apenas de uma banda de rock padrão de duas guitarras com talvez um pouco de piano e as cordas mencionadas acima - a capacidade da banda de tornar cada parte indispensável é uma prova da habilidade e do cuidado em exibição.

Liricamente, o álbum literalmente nunca desiste. Embora seja frequentemente difícil discernir sobre o que exatamente Lee está cantando em cada música, os momentos impressionistas pintam um quadro coletivamente inspirador de busca urgente, desilusão resultante, angústia, cinismo e, finalmente, a compreensão de um tipo fugaz de algo brilhante que faz tudo valer a pena... algo que pode ser apenas a ausência de alternativas. Lee consegue lançar frases curtas e penetrantes bem ao lado de pinturas de cenas surreais com a força espontânea de um homem possuído por algo maior do que sua própria decisão consciente de criar, e de alguma forma consegue fazer isso sem escorregar completamente para a incoerência. Apesar do fato de o álbum ser tão anos 1960, sua luta e observações sobre as contradições do mundo não podem deixar de soar verdadeiras.

Talvez este seja o único álbum verdadeiramente ótimo que Arthur Lee tinha nele, mas sua qualidade parece justificar sua singularidade. Embora provavelmente sempre permanecerá elogiado, mas obscuro,Forever Changes continua a me humilhar toda vez que o revisito - álbuns como este são algo mais do que apenas velhos amigos, reconfortantes e divertidos, mas sempre capazes de nos ensinar algo novo.

CRONICA - FANNY | Rock And Roll Survivor (1974)

 

A publicação em 1973 de Mother's Pride não foi unânime dentro de Fanny, um combo 100% feminino de Los Angeles. A guitarrista June Millington está insatisfeita com a produção de Todd Rundgren, tendo mudado a música de Fanny de hard rock para soft rock com melodias tentadoras. Na verdade, as tensões estão aumentando entre os músicos, especialmente entre o guitarrista de origem filipina e o tecladista/vocalista Nickey Barclay. June Millington, que iniciou o grupo, bate a porta. Não julgando a sequência sem ela, a baterista Alice de Buhr segue o mesmo caminho.

Junto com o baixista Jean Millington (irmã de June), Nickey Barclay convidou uma certa Brie Howard para tocar bateria. Esta última foi membro do Fanny em seus primeiros dias, antes da primeira obra ser impressa em 1970. Ela deixou o grupo para criar a filha. Para o violão, oferecemos os serviços de Patti Quatro, irmã de Suzi Quatro. Ela era membro (com sua irmã) do Pleasure Seekers, também 100% feminino e que tinha alguns singles em seu currículo.

Não acreditando nessa nova cara de Fanny, a Reprise não renovou o contrato o que obrigou os músicos a assinarem com a Casablanca onde lançaram o Lp Rock And Roll Survivor em 1974 . Um título que reflete o estado de espírito de um grupo em agonia. Além dessas saídas infelizes e dessa mudança de casa, não é fácil ser uma banda de rock só de mulheres.

Com a ajuda do sintetizador e clavinete James Newton Howard, além de alguns metais e percussão (não creditados), Fanny oferece um disco composto por 10 músicas para um LP de soft rock. Com toques pop muito agradáveis, encontramos aromas de country, blues e soul que caracterizam o estilo de Fanny. No entanto, Patti Quatro acrescentará seus dois centavos.

Atmosfera tropical, começamos com o título homônimo onde os teclados proporcionam uma decoração orquestrada. Exotismo encontrado em “Sally Go 'Round the Roses” dos Jaynetts, “I've Had It” e “Let's Spend the Night Together” dos Rolling Stones. Jazzy, vem “Butter Boy” com seus efeitos doo wop e sax eufórico. Concluindo deparamo-nos com o simpático e agradável “From Where I Stand” onde cheira a amplos espaços atravessados ​​por momentos celestiais.

Tudo isso poderia carecer de escuridão e momentos fortes se não fossem as composições de Patti Quatro com glam trips. Smashing, simples e eficaz, “Rockin' (All Nite Long)” bate às portas do hard rock com estes riffs afiados, estes solos incisivos, este gibão rítmico cheio de querosene, este órgão groovy, vocais nervosos e estes coros avassaladores. Boogie, “Get Out of the Jungle” está no mesmo registro, o mesmo vale para a funky e rastejante “Beggar Man”. Já “Long Distance Lover” é pesado, carregado de emoção e ingenuidade.

Este quinto esforço será o canto do cisne para Fanny. Mais uma vez, o sucesso financeiro não existirá. O que estará faltando neste quarteto americano? Um título icônico como “Born to Be Wild”, “Break On Through (To the Other Side)”, “Whole Lotta Love”, “Smoke on the Water”? O problema está em outro lugar. 100% feminina, esta combinação nunca foi levada a sério num universo implacável onde as mulheres não têm voz, um mundo de homens onde as meninas não têm lugar exceto nos cantores ou como groupies.

Nickey Barclay tentará carreira solo. Brie Howard oferecerá seus serviços a vários artistas (Carole King, Ringo Starr, ELO, Temptations, etc.). Haverá oportunidades para reuniões.

Fanny, o primeiro grupo 100% feminino a assinar com uma grande major, abrirá caminho para Runnaway, Girlschool, Bangles, Vixen, L7, Last Dinner Party…

No final dos anos sessenta, início dos anos setenta, o rock feminino não era uma utopia. Pena que esquecemos tudo isso. 

Títulos:
Rock And Roll Survivors
Butter Boy
Long Distance Lover
Let’s Spend The Night Together
Rockin (All Nite Long)
Get Out Of The Jungle
Begger Man
Sally Go ‘Round The Roses
I’ve Had It
From Where I Stand

Músicos:
Jean Millington: baixo, voz
Nickey Barclay: teclado, voz
Patti Quatro: guitarra, voz
Brie Howard: bateria
+
James Newton Howard: teclado

Produzido por: Mark Hammerman