Luciano Basso: Voci (1976)

 

Luciano Basso nasceu em Veneza. Aos dez anos aproximou-se do primeiro piano e aos quinze começou a estudar composição e contraponto no conservatório de sua cidade natal.
Nos anos que o separam da profissão atual – professor de piano –, Basso gravará pelo menos 8 LPs , dois álbuns antológicos e construirá palmares absolutamente invejáveis ​​como compositor, concertista e professor.

Pela sua biografia ficamos sabendo que ele foi o primeiro músico italiano a executar os " estudos de teclado " de Terry Riley , recebendo excelente feedback não só da crítica especializada, mas também do próprio Riley .
De 1992 a 2000 será responsável pelo catálogo de clássicos de Ariston e em 2004 ainda será resenhado e elogiado em guia de tema único da Billboard .
Segundo o próprio autor, trata-se de uma espécie de “ música de fronteira ” em que se encontram consonâncias, sentimentos e interpenetrações entre diferentes campos e experiências , a ponto de abraçar uma dialética musical muito multifacetada.
No entanto, apesar das intenções que podem parecer altissonantes, Basso não é de todo um músico " over the top " ou desatento à esfera pop , pelo contrário: já desde o seu primeiro trabalho em 1976 " Voci ", demonstrou que foi um compositor humano e sensível não só ao multifacetado panorama sócio-musical da época, mas também um refinado catalisador de pelo menos cinco anos de música popular e progressiva.

" Voci " é na verdade uma síntese muito comunicativa e moderna de música clássica, eletrônica, de vanguarda e progressiva , mas não pretende ser uma pesquisa filosófica e intelectual nos moldes de Pierrot Lunaire , Alfredo Tisocco ou Opus Avantra , mas tocada em bases mais discursivas. fundamentos do que traços evocam até mesmo Pink Floyd , Genesis of “ Selling England ” e Emerson Lake & Palmer . Tudo sem esquecer o jazz, o minimalismo e alguns aromas caros ao segundo período de Battiato . O álbum, apresentado como sexteto e produzido para a gravadora Ariston

consiste em cinco músicas das quais as três primeiras (“ Preludio ” + dois Promenades ”) ocupam o primeiro lado de um continuum digno das mais famosas bandas prog inglesas e as outras duas (“ Voci ” e “ Echo ”) nos apresentam o lado mais romântico do que o artista veneziano.

Para ser sincero, algumas soluções melódicas e harmônicas não eram exatamente as mais originais que poderiam existir no mundo do progressivo sinfônico. Na primeira parte da obra as referências ao Gênesis em " A batalha de Epping Forest " são muito claras e várias referências ao estilo de Emerson poderiam deixar um pouco contraditório (" Promenade 1 e 2 "), mas assim que o álbum é virado a personalidade A composição Bassode emerge em toda sua plenitude.

A faixa-título " Voci " é uma sucessão contínua de fascinantes microestruturas harmônicas cuja base clássica suporta toda uma série de digressões que ora são progressivas, ora clássicas, ora até rock . Certamente muitas passagens parecem tocar no antigo prog do Orme e não no do Floyd , mas tanto os arranjos quanto sua progressão dentro do álbum não deixam dúvidas sobre a consciência do intérprete, a tal ponto que os críticos definiram que " Voci " sempre foi seu trabalho mais espontâneo e inspirado . Certamente a anos-luz de distância do que era a música de movimento da época, a de Luciano Basso era, no entanto, uma síntese consciente dos impulsos que passavam pela Itália daquela época. Como prova disso, até o impiedoso crítico Enzo Gentile falou de uma “ brilhante fusão de origens certamente influenciadas pela infiltração da música vanguardista e contemporânea ”. Pessoalmente, julgaria esta obra como uma primeira obra brilhante que não perdeu nada de pelo menos um século de música, de Wagner à música cósmica , mas que ao mesmo tempo, precisamente por sua complexidade , não foi suficientemente incisiva no que diz respeito a um público que naquele momento clamava por inovações muito mais diretas e menos estruturadas. Digamos, portanto, uma joia escondida que você não pode perder mas que, no fim das contas, contou muito mais no currículo do autor do que na história do pop italiano .

Roberto Colombo: Sfogatevi bestie (1976)

 

Se é verdade que em 1976 “ tudo começou a ser o oposto de tudo ” e as contaminações estilísticas atingiram agora um ponto sem retorno rumo à globalização, então mesmo um disco como “ Sfogatevi bestie ” do tecladista milanês Roberto Colombo certamente teve seu sentido histórico, dada pelo menos a sua suavidade e versatilidade .

Na altura do lançamento do seu primeiro álbum, Colombo tinha 25 anos e já estava amplamente inserido no cenário musical tendo já colaborado em dois discos de Patti Pravo (“ Mai una donna ” e “ Incontro ”), tendo colaborado diversas vezes com Premiata Forneria Marconi e desempenhou importante papel como compositor-arranjador na gravadora Ultima Spiaggia de Ricky Gianco .

Apenas o suficiente, em suma, para reunir sete músicas de grande profundidade técnica e composicional e montar um line up de músicos capazes de abraçar todo o passado e futuro do jazz-prog italiano, incluindo o guitarrista Ricky Belloni , os bateristas Walter Calloni e Flaviano Cuffari. , o saxofonista Claudio Fasoli , os baixistas Paolo Donnarumma e Gigi Belloni , o vocalista Marco Ferradini e até o produtor musical Nanni Ricordi como cantor.
E se esta formação já pode parecer numerosa, no álbum seguinte teria se expandido ainda mais para demonstrar que desde a sua estreia musical Colombo tinha ideias claras sobre o conceito de “ música estendida ” que pretendia produzir. E de facto, ao ouvir, “ Sfogatevi Bestie ” devolve um compêndio de sensações tão vasto quanto extremamente moderno e requintado.

Certamente, como acontece frequentemente com obras de estreia, as influências externas (digamos um certo gosto vanguardista de origem “ nova-iorquina ”) e uma certa contracção criativa – ou “ timidez ”, se quiserem – tiveram um certo peso, mas em De qualquer forma, Colombo e seus associados demonstraram que não tinham nenhum medo reverencial em relação a um gênero que, parece, tinham em seu DNA e que eram, de qualquer forma, capazes de fazer malabarismos com fluência ilimitada. No

groove geral porém, destaca-se uma certa predisposição para o jazz-rock com pouco espaço para improvisações e sonoridades muito suaves a ponto de relembrar o rigor de certas obras instrumentais de Frank Zappa .
No entanto, há também muita inventividade mediterrânica na referência explícita a um determinado prog da nossa casa, especialmente naquela viva divisão métrica que era típica em particular da Premiata Forneria Marconi.
Também não faltam piscadelas à experimentação (“ Absurda ”), mesmo que seja mais sedutora e infinitamente menos provocativa do que o que Battiato ou o Dedalus propuseram nos anos passados.

Além disso, dentro de poucos meses o Progressista Italiano teria sido reabsorvido pelas novas modas ou parcialmente domesticado por cantores e compositores como Finardi , Gianco , Camerini ou Cattaneo (dos quais o próprio Colombo seria o arranjador) , então ( talvez ) também fosse legítimo para começar, propor uma versão menos politizada ou afastada de um ambiente que quase não existia mais.

Surgia assim a figura do “ produtor-sessionman ”, ou pelo menos um papel capaz de inverter as referências consolidadas durante pelo menos cinco anos de pop italiano , no sentido de que a responsabilidade criativa de um produto passaria de uma responsabilidade colectiva. nível de grupo para um mais gerencial em que o peso do gestor , do criador e do arranjador e em geral do marketing teria gerenciado e dirigido todo o processo produtivo. Isto naturalmente levou a uma despersonalização de muitas realidades progressistas que a partir daquele momento deixaram de existir. O facto de então, como disse Alberto Radius “ a reconversão / não me parece ser motivo / para confundir o escravo com o senhor ”, essa foi outra questão crucial que no entanto não foi facilmente resolvida, pelo contrário: segundo os desenvolvimentos subsequentes da história, podemos dizer que não foi de todo resolvido. Pelo menos em 76, porém, ainda havia uma forte consciência de termos lutado durante muito tempo e de ter que nos questionar continuamente para não sucumbirmos ao espectro premente da " música de série " a que até Colombo ele sucumbiu em poucos anos para se tornar um dos principais produtores de technopop da Itália .

Giulio Capiozzo (Area): “o motor da instabilidade”

 

Giulio foi e ainda é um dos meus bateristas italianos favoritos. .
Ele não era um cara “ legal por natureza ” como quase todos do Area , mas tinha dentro de si a força do rigor , profissionalismo , crença e auto-sacrifício para com seu instrumento que o tornava um só corpo com suas percussões . Os seus companheiros chamavam-no de “ o motor da instabilidade ” e quem o conheceu sabe bem porquê.

Ele nunca parou por um momento: sempre criou cenários rítmicos até mesmo em sua mente a tal ponto que durante uma viagem de carro, de trem ou simplesmente durante uma conversa, continuou a agitar para treinar, para estruturar novas dinâmicas , para inventar novas tensões isso daria à sua bateria um sabor único: “ é preciso manter sempre as juntas aquecidas ”, disse ele.

E não foram apenas sonhos ou visões que eletrizaram sua cabeça e mãos: foram sementes de projetos concretos que floresceriam em suas obras, nas de Área ou sabe-se lá com quem mais.
Na vida, disse-me ele, precisamos de “ estar presentes e conscientes ”, e “ pensar em tudo porque nada é fácil ” e cada uma destas crenças teve boas repercussões na realidade. E não só quando acompanhava outros artistas, mas sobretudo quando estava a solo.

Sim, porque aqueles seus momentos solo não foram apenas um show pessoal, mas verdadeiros diálogos : uma condensação de técnica, habilidade e consciência.
Preste atenção nisso.
Sozinho com sua bateria, Giulio pesou cada golpe. Ele energizava cada toque e nem se importava em limpar o nariz se achasse apropriado colorir uma pausa.

Ele quebrou métricas bizarras com rigor leninista , depois se acomodou nos decks, pensou, voltou ao jogo, ousou mesmo onde não estava perfeitamente consciente de fazê-lo, mas sua sensibilidade permitiu que ele se identificasse com cada ritmo se sua arte assim o exigisse. .
Ele conhecia os seus limites e se estes pareciam intransponíveis, eram para ele motivo de desafio, estudo e pesquisa.

Ele não teve problemas em se entregar até mesmo às tecnologias mais estranhas à sua natureza acústica.
Lembro-me de quando o conheci, séculos atrás, no “ Salone Internazionale della Musica ” em Milão, como promotor da bateria eletrônica Simmons . Foi aí que surgiu seu lado hooligan.
Quando os gestores estavam presentes, ele limitou-se a executar padrões de quatro quartos ao estilo dos anos 80 , sem qualquer ênfase, e depois, quando os chefes foram embora, retomou a discussão com o seu público.

“ Veja ”, ele disse, “ esta é uma bateria que é boa para certas coisas, mas se fizermos assim... ”
E nesse ponto ele gostou de atacar um rolo tão apertado que fez todo o lugar entrar em parafuso que enlouqueceu, uivando furiosamente. Os circuitos de alarme foram acionados e o Simmons não funcionou mais.
Giulio riu como um louco e disse: “ Ah! Não conte a ninguém ou eles vão me demitir ."

Como verdadeiro homem e músico, após a experiência com Area fundou a Area 2 e depois passou a colaborar com Kenny Clarke, Elvin Jones, Trilok Gurtu e até com um grupo de tambores de aço caribenho com o qual se lançou mais uma vez a novas imaginações.

Fiel à sua terra natal, Emilia-Romagna, voltou todos os anos para se apresentar até 23 de agosto de 2000, quando os deuses decidiram que havia chegado a hora de fazer as malas.
Adoecendo num bar de Cesenatico, Giulio viverá uma nova experiência , mas não podemos saber nada sobre ela.
Seus ensinamentos, sua extraordinária generosidade e sua habilidade permanecerão conosco.

Eu, como muitos que o conheceram, gosto de lembrá-lo assim: uma pessoa genuína e simples , mas que se tornou rigorosamente drástica quando teve que desafiar a vida ou os seus próprios limites.

E, novamente, um companheiro que, ao contrário de muitos outros, nunca traiu as suas próprias ideias e as dos outros.
Uma pessoa que um dia me disse: “ Sim, sei que o que vou fazer é difícil. Talvez impossível, mas definitivamente não é impraticável .”
“ Você entende John, temos que nos esforçar para mover as coisas , caso contrário elas permanecerão onde estão . Mas nesse ponto, que porra de significado a vida teria? ”

ROCK ART

 

Nº1 The Game — Queen, Setembro 20, 1980

 Producer: Queen/Mack

Track listing: Play the Game / Dragon Attack / Another One Bites the Dust / Need Your Loving Tonight / Crazy Little Thing Called Love / Rock It (Prime Jive) / Don’t Try Suicide / Sail Away Sweet Sister / Coming Soon / Save Me / Dragon Attack

20 de setembro de 1980
5 semanas

“Foi um período de grandes mudanças”, diz o baterista Roger Taylor sobre os meses de 1979 e 1980 que o Queen dedicou a trabalhar em The Game , seu oitavo álbum de estúdio e o primeiro a chegar ao topo da parada de álbuns americana.

Após se formar em 1971 na Inglaterra, a banda, liderada pelo vocalista extravagante Freddie Mercury, tornou-se conhecida por sua mistura de glam, hard rock melódico e harmonias vocais complexas. O primeiro single de sucesso do Queen foi "Killer Queen" do terceiro álbum da banda, Sheer Heart Attack de 1974 , mas seu sucesso comercial veio um ano depois com o apropriadamente intitulado A Night at the Opera e o top 10 single "Bohemian Rhapsody". Essa música, uma mini-ópera em si, se tornaria um sucesso novamente 17 anos depois, graças à sua inclusão na trilha sonora de Wayne's World .

Dois álbuns e alguns singles de sucesso seguiram A Night at the Opera , incluindo "We Are the Champions" do News of the World , que subiu para o número três. Mas em Jazz , de 1978 , o Queen estava desesperadamente procurando por algo novo. "Sentimos que Jazz não foi um dos nossos melhores momentos", admite Taylor. "Teve seus momentos, mas, no geral, foi bastante insatisfatório."

Para agitar as coisas, o grupo decidiu gravar no Musicland Studios em Munique, Alemanha, embora a banda tivesse seu próprio estúdio em Montreaux, Suíça. Eles também recrutaram a ajuda de um novo produtor, conhecido simplesmente como Mack. “Nós tínhamos explorado esse tipo de coisa de harmonia multicamadas e muito complexa, queríamos fazer algo despojado e básico, mas ainda assim bastante eclético”, diz Taylor.

A primeira faixa gravada para o álbum foi um número com sabor de rockabilly escrito por Mercury, "Crazy Little Thing Called Love". Como o guitarrista Brian May não estava presente na primeira sessão, Mercury, Taylor e o baixista John Deacon gravaram a faixa básica como um trio. "Freddie escreveu no banho", lembra Taylor. "Como éramos apenas nós três, ele disse: 'Eu vou tocar a guitarra base', eu joguei a bateria no canto e John tocou o baixo. Tínhamos essa faixa de apoio que soava e era ótima." Mais tarde, May faria overdub de alguns leads saborosos para a faixa, que foi lançada pela primeira vez como single no Reino Unido no final de 1979 e começou a receber airplay nas estações de rádio americanas. Em 23 de fevereiro de 1980, "Crazy Little Thing Called Love" foi para o número um nos Estados Unidos, enquanto o Queen ainda estava trabalhando em The Game . "Lá estávamos nós com um número um na América e nenhum álbum", lembra Taylor.

Algumas das outras faixas de The Game , incluindo “Another One Bites the Dust”, que também chegaria ao topo da Hot 100, e “Dragon Attack”, foram inspiradas pela vida noturna de Munique. “Nós nunca sequer consideramos fazer uma faixa de estilo dance antes”, diz Taylor. “Estar em um lugar diferente nos estimulou. Fomos muito influenciados pelo que estava acontecendo nos clubes. Muito disso foi assimilado e colocado no disco.”

OS CINCO PRINCIPAIS
Semana de 20 de setembro de 1980

1. The Game, Queen
2. Hold Out, Jackson Browne
3. Diana, Diana Ross
4. Emotional Rescue, The Rolling Stones
5. Panorama, The Cars