Adriana Partimpim é o sexto álbum de estúdio e o primeiro infantil da cantora e compositora Adriana Calcanhotto como Adriana Partimpim. O álbum recebeu um disco de ouro (o que significa que vendeu mais de 100 mil cópias no país). Foi idealizado para as crianças, no qual Adriana Calcanhotto usa o heterônimo de Adriana Partimpim, alcunha que tinha na infância, dada pelo pai.
Faixas do álbum:
01. Lição De Baião
02. Oito Anos
03. Lig-Lig-Lig-Lé
04. Fico Assim Sem Você
05. Canção Da Falsa Tartaruga = The Mock Turtle's Story (com Cid Campos)
Quinto álbum de estúdio de Adriana Calcanhotto, lançado em 2002, Cantada jamais rendeu um hit massivo para essa fina estilista pós-tropicalista gaúcha que emergira na cidade do Rio de Janeiro (RJ) no alvorecer da década de 1990, vinda de Porto Alegre (RS).
Escolhida como single promocional do álbum editado pela gravadora BMG, a canção Pelos ares, de autoria de Calcanhotto com o parceiro poeta Antonio Cicero, chegou a tocar nas rádios sem derrubar casas e playlists da época com os contornos de tango insinuado em breve passagem do arranjo.
Outras canções autorais, como Justo agora e Sobre a tarde, tampouco grudaram na memória popular com a força de sucessos anteriores da cantora e compositora como Mentiras (1992), Esquadros (1992), Metade (1994) e Vambora (1998). Canções como Eu espero confirmaram a impressão de que a compositora já apresentara safras autorais mais inspiradas em discos anteriores.
Faixas do álbum:
01. Programa
02. Justo Agora
03. Pelos Ares
04. Eu Espero
05. Noite
06. Calor
07. Sobre A Tarde
08. Cantada (Depois De Ter Voce)
09. A Mulher Barbada
10. Sou Sua
11. Intimidade (Sou Seu)
12. Music/Impressive Instant
13. Se Tudo Pode Acontecer
14. Jornal De Servico (Leitura Em Diagonal Das Paginas Amarelas)
Lançado há cinquenta anos, em dezembro de 1974, nos formatos de LP e fita cassete, o disco intitulado apenas Maysa ganhou em meio século uma única reedição em CD, nos anos 1990. Pouco comentado, é lembrado mais por ser o último trabalho em disco de Maysa, do que propriamente pelo seu conteúdo, uma grande injustiça. O álbum marcava o reencontro de Maysa com o veterano produtor Aloysio de Oliveira, com quem já havia realizado dez anos antes o seu primeiro e melhor disco ao vivo, lançado pelo selo independente de Aloysio que marcou época no período da bossa nova: a Elenco.
Gravado num raro período de calmaria na carreira de Maysa, o álbum, que do início ao fim levou um ano para ser lançado, comunicava o seu estado de isolamento, tanto na indústria musical quanto no pleno pessoal.
O repertório do disco seguia os moldes do seu antecessor, o célebre Ando Só Numa Multidão de Amores (1970) – mais músicas antigas com roupagem nova e poucas contemporâneas. A diferença principal de um trabalho para o outro é a escolha aparentemente inusitada de clássicos carnavalescos como “Agora é Cinza” e “Rasguei a Minha Fantasia” que ganharam novo sentido na interpretação de Maysa. Um movimento semelhante ao que Elis Regina fizera em seu álbum de 1973, quando gravou “É com esse que eu vou”. Sentido novo também ganhou a sua versão da música que abre o disco, “Bloco da Solidão”, da dupla Jair Amorim e Evaldo Gouveia, que Maysa gravou com um surdo num dos melhores arranjos que o maestro Gaya fez para o álbum. Incluída no LP de Jair Rodrigues Festa Para um Rei Negro (1971), Maysa transformou “Bloco da Solidão” de um hino festivo para uma pungente declaração de mágoa que não se deixa abater por nada. Entre as poucas músicas “atuais” do disco, ela garimpou verdadeiras pérolas.
“ Invasori ” do quinteto lombardo Pangea é outro daqueles discos que fazem mais parte do mito do que da história, pois nunca foi publicado e distribuído, exceto em formato promocional.
Redescoberto e reimpresso apenas dez anos depois pela BTF de Matthias Scheller , foi publicado originalmente pela Philips (catálogo nº 5001 501 – Edições Babajaga) que distribuiu apenas cem exemplares gratuitos embrulhados em capa branca. Aliás, o álbum incluía 10 músicas no total, seis das quais preencheram o primeiro lado por um total de cerca de 25 minutos e as quatro restantes o segundo.
Além da habitual gestão discográfica, do álbum só ficou claro que todas as peças foram escritas por um tal Mauro Paoluzzi e só graças a pesquisas posteriores é que aprendemos algo mais também porque o compositor era tudo menos um desconhecido. Na verdade,
Paoluzzi não só foi produtor de Madrugada , baterista dos Four Kents, Ragazzi dai Capelli Verdi e Nuovi Angeli (grupo no qual tocaria até 1978) , mas logo se tornaria colaborador de figuras importantes, incluindo Gianna Nannini com quem escreveu o esplêndido “ América ”, Pino Mango, Bruno Lauzi, Faust'O, Loredana Bertè e Roberto Vecchioni .
Em 1976, paralelamente aos seus últimos compromissos com o Nuovi Angeli , Paoluzzi também decidiu iniciar um por conta própria. Convocou os dois ex- madrugadosGianfranco Pinto e Billy Zanelli , a vocalista - e esposa - Loredana Paoluzzi e o popular tocador de sopros de Trieste Claudio Pascoli , futuro PFM e ex-colaborador de Bruno Lauzi , Ivano Fossati e sobretudo Lucio Battisti na Anima Latina .
As gravações de Pangea aparentemente ocorreram ao mesmo tempo que outros dois álbuns editados mais ou menos pela mesma equipa, nomeadamente “ Stasera Clowns ” de Enrico Nascimbeni e o segundo trabalho de Madrugada “ Incastro ”.
Só que, justamente durante as sessões dessas obras, assumiu a gestão da Phonogram Italiao ex-diretor artístico da Ricordi Federico Monti Arduini,de 35 anos (também conhecido como “ Il Guardiano del Faro ”, então recém-saído do sucesso retumbante de seu “ Amore grande amore libero ”), que estabeleceu uma espécie de contra-revolução musical ao bloquear todos os três projetos em andamento, exceto o de Madrugada , que, no entanto, foi mal distribuído. Os esforços de Nascimbeni e especialmente os da Pangea, infelizmente permaneceram em fase promocional. Pouco tempo depois, o contrato da Pangea terminou e o grupo se desfez. Uma pena porque afinal, apesar de não ser uma obra-prima de originalidade, “ Invasores ” teria pelo menos merecido o julgamento do mercado.
Em essência, teria sido uma espécie de álbum conceitual de 10 movimentos sobre o tema viagens e, como tal, incluía muitas cores interessantes.
Havia o space rock da faixa título (que na verdade soava como uma música de Jean Michel Jarre ) , as sugestões étnicas de “ Corallo ” e “ Arcipelago ”, as digressões acústico-cósmicas de “ Naufragio ”, as atmosferas líquidas de “ Al Bazar ” que trouxe à mente o melhor do Pink Floyd e até uma mini-suíte de 10 minutos , “ Xanadu ”.
Evidentemente, porém, a mixagem perfeita, a grande variedade de sons, o grande cuidado na escolha dos vários timbres e (nem é preciso dizer, dado o notável calibre dos músicos) uma execução impecável , não foram suficientes para derreter o coração de o Faroleiro , que tinha muitas outras coisas em mente: por exemplo, aqueles dois monstros de airplay que eram Samaracanda de Vecchioni e, acima de tudo, " Sob o signo do peixe " de Venditti .
Neste ponto, muitos observadores poderiam se sentir culpados. diga isso afinal, a Pangea não era propriamente original, talvez um pouco descontínua , talvez não totalmente parecida com o novo mercado jovem , talvez um pouco fora do tempo , mas não ter sequer lhe dado uma oportunidade foi na minha opinião uma escolha questionável.
Talvez, se o quinteto de Paoluzzi tivesse se libertado da poderosa multinacional holandesa em favor de alguma gravadora menor, digamos, a Ultima Spiaggia , as coisas teriam sido diferentes. Paciência. Além disso, também aqui começava a era dos “grandes diretores artísticos ”
Em 1974, ano em que finalizou o seu primeiro LP, Roberto Cacciapaglia tinha apenas 21 anos mas pelo seu currículo fica claro que a sua vida foi e será totalmente dedicada à música, à experimentação e à investigação.
Formou -se em composição no Conservatório "Giuseppe Verdi" de Milão , estudou regência orquestral e música eletrônica , trabalhou por algum tempo no Instituto Rai de Fonologia , estudou aplicações computacionais na área musical no Centro Nacional de Pesquisa de Pisa e como se isso não bastasse, ele colaborou como protagonista nos dois primeiros álbuns de Battiato , Fetus e Pollution .
Mas não acabou: durante a concepção de " Sonanze " interessou-se pela música cósmica alemã , conquistando o respeito de alguns dos seus maiores expoentes (Florian Fricke, Tangerine Dream, Dieter Darks, Wallenstein) e obtendo, no final de 1974, a publicação de seu projeto por Rolf Ulrich Kaiser , editor da gravadora alemã Ohr , distribuído na Itália pela PDU .
Nem é preciso dizer que com tal histórico e dado o tempo de gestação de quase dois anos, só se poderia esperar um álbum ambicioso e vanguardista e que chegou a se tornar uma das obras italianas mais significativas do gênero. . E embora os críticos mais descuidados o tenham imediatamente relegado à " periferia" dos mensageiros cósmicos e não à força motriz de Battiato , na realidade, Cacciapaglia conseguiu montar um álbum extraordinariamente italiano e pessoal e, se quisermos, mais comparável a uma obra de música clássica contemporânea do que pop .
Para entendê-lo não é preciso diploma e mesmo que seja verdade que o “ segundo movimento ” lembra muito o contemporâneo “ Phaedra ”, desde os primeiros minutos do álbum após uma introdução concreta, surgem imediatamente referências pós-românticas. isso quase faz pensar em Holst, em Varese ou Schoenberg .
O "terceiro movimento " , em vez disso, exala classicismoque no entanto é constantemente contaminado por uma filigrana moderna de sintetizadores evocativos e estridentes , que incluirá também elementos estilísticos operísticos no “ quarto ”.
Os elementos barrocos subsequentes (sempre dosados com grande classe) acrescentam mais um elemento à complexidade da obra. Seguirão-se faixas mínimas, novamente momentos cósmicos e no oitavo movimento , as percussões começam a dar à obra aquela modernidade surpreendente que acompanhará o ouvinte no final do álbum entre lirismo e sugestões altamente eficazes. Considere que no final da última parte alguém até viu uma referência aos Beatles .
O que surpreende nesta joia musical, porém, não é apenas o extraordinário desvendar de estilos, citações e técnicas , mas sobretudo o admirável gosto artístico com que são organizados.
O resultado é um trabalho fresco, novo, indígena, sincero e nada derivado, apesar das inúmeras referências. Certamente não é Progressivo , mas não há dúvidas sobre isso. Porém, não é nem Kraut como alguns gostariam e está até longe dos primeiros experimentos de Battiato . Comparado ao clima alemão, de fato, faltaria um pouco mais de magniloquência, de severidade, daquele rigor que Fricke também empregou para escrever " Pharaos ", enquanto em comparação com as primeiras loucuras de Battiato não há sentido de provocação, de dadaísmo político , de desestruturação. Tudo aqui é lindamente orgânico .
“ Sonanze ” é o percurso solipsista de um músico que pretende “ fazer a ponte entre a procura insensata da atonalidade típica daquele período e a emotividade excessiva que conduz ao banal ”.
Cacciapaglia quer sentir-se livre no seu processo criativo para além da estética , da técnica e de todas aquelas superestruturas que limitam o fluxo entre ouvinte e músico, permitindo-se assim misturar o sagrado e o profano, o dito e o não dito, o sintetizador e o marranzano . Ele consegue um sucesso admirável e como no caso de “ Crac ” da Area , lança um álbum gratuito, alegre e abrangente.
Depois os tempos mudariam e chegaria também para ele o momento da introspecção, mas mesmo neste caso Cacciapaglia demonstrará grande consciência artística.
Living Life nasceu em Torino pelo baterista de jazz Roberto Betti que, após deixar o Circus 2000 em 1972, tocou jazz na Europa e no Afeganistão por alguns anos . Ao retornar à Itália, fundou o grupo Living Life e uma gravadora, Shirak , com sede na Via Mercanti em Torino, inaugurada em 1975 por sua nova banda. O álbum é intitulado “ Let: from experience to experience ” e será relançado vinte anos depois pela Mellow Records .
Sobre o Shirak , lembra Maurizio Bertan i de “ Lionetta ”: “ Johnny era assim: uma força desencadeada da natureza; ele era um baterista muito bom. Decidiu então se colocar no mercado, ou melhor, sair do mercado onde vendia roupas íntimas, para a gravadora e abrir uma gravadora “
Além de Betti , o sexteto conta ainda com o guitarrista Marcello Quartarone (outro ex-integrante) . membro do Circus 2000 ) , o sopro Walter Negri , o percussionista Sandro Gianotti , e o fiel Piercarlo Bettini nos teclados (vindo do famoso grupo beat “ I Ragazzi del sole ”) e Roberto Savarro no baixo. Esses dois últimos músicos também farão parte do grupo em sua reencarnação de 1981. O álbum, apresentado em capa laminada que evoca o caos urbano em frente à porta de entrada de uma cidade, é composto por seis canções instrumentais compostas pelo próprio Betti sob o pseudônimo de Nijo. Tibete , do qual apenas " Let" tem uma parte cantada em inglês. A matriz da obra é predominantemente jazz-fusion e pelo título fica claro que seu desenvolvimento gostaria de abraçar todas as experiências vividas pelo baterista a partir de seu divórcio do Circus 2000 .
Tecnicamente o funcionamento é impecável e a qualidade sonora é certamente uma das melhores que já foi apreciada no início de uma gravadora independente. Quanto à organicidade, porém, o álbum apresenta muito mais do que um motivo de debate, falhando efetivamente em homogeneizar todos os cenários que são apresentados. Por exemplo, se a primeira peça “ Estúdio em lá menor
”, cheio de referências underground sofisticadas , parece um cruzamento cativante entre certas intuições do Delirium com os traços estilísticos modernos da fusão , o subsequente “ Let ” parece misturar algumas coisas do Perigeo com um contexto psicodélico ultrapassado , negando imediatamente a continuidade com o peça anterior. Uma fragmentação que, claro, poderia ser considerada o ponto forte do álbum , mas que, na minha opinião, necessita de ouvidos muito receptivos para ser introjetada.
Abrindo ainda mais o caminho estão “ Time ” (um longo solo de bateria e percussão com longos ecos de trompa na mais estridente tradição Davisiana de “ Bitches Brew ”) e a excelente “ From Marocco ” em que o grupo explode em uma orquestra completa e rodopiante que dissipa qualquer dúvida - se é que alguma vez houve - sobre a sua excelente preparação musical. Sempre visando uma alternância de timbres, surge a suave “ Ciopi ciopi ” e a final “ Straight down ” que, bem vistas as coisas, dispensam maliciosamente o ouvinte com uma fusão muito mais sedutora .
“ Cultivado ”, “ refinado ”, “ envolvente ”, dirão os admiradores, “ pedante ” , “ inconclusivo ” e “ enjoativo ”. Como sempre, os gostos são uma questão subjetiva , mas certamente, independentemente da excelente qualidade da execução , é difícil não notar neste álbum uma falta de homogeneidade tão generalizada que deixa pelo menos surpreso.
Provavelmente foi precisamente esse swing perceptivo e, presumimos, a distribuição certamente não massiva do Panarecord que gerou o desinteresse com que o álbum foi recebido. Olhando retrospectivamente , supomos também que a divulgação midiática da época não estava exatamente à altura do valor do álbum, tanto que a única informação sobre suas resenhas vem da Wikipedia e, como pode ser visto, certamente não é muito exaustivo: “ Let foi resenhado na revista Musica Jazz, janeiro de 1979, p. 35, de Gian Carlo Roncaglia, que naquela ocasião forneceu a seguinte informação: “De Viver a Vida nasceram então – que eu saiba – Camarillo Brillo (…)
".
Melhor escolha com uma citação de Progarchives : " Living Life escolheu equilibrar o álbum entre formas livres de improvisação e composições bem arranjadas, sempre cheias de flautas, percussões e saxofones massivos.[...]. Uma combinação de Kraan, Weather Report, Return to forever com algumas músicas mais suaves de Area seria uma boa descrição. Geralmente recomendado, mas não deve ser perdido por fãs de rock progressivo, que querem doses pesadas de jazz em sua música."
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