quinta-feira, 16 de janeiro de 2025

AS CANTORAS ESPANHOLAS MAIS RARAS : TERESA MARÍA



María Teresa Heras Garuz nasceu em um dos bairros da periferia de Saragoça, especificamente em Garrapinillos. As suas habilidades de canto não passaram despercebidas a ninguém e logo a encontramos estudando no conservatório de Saragoça. Em 1956 ganhou uma bolsa do Conselho Provincial e em janeiro de 1958 deu um recital no Círculo Mercantil de Zaragoza. Mudou-se para Madrid para estudar no Conservatório Superior de Canto com a grande soprano Pilar Lorengar e estreou-se no Teatro de la Zarzuela com um papel na zarzuela “Doña Francisquita” (Amadeo Vives, 1923) com ninguém menos que Alfredo Kraus. para atuar posteriormente em diversas funções no Liceo de Barcelona. Tudo parece indicar que os passos de María Teresa estão direcionados para o bel canto.

Mas várias pessoas o aconselharam a ficar longe da música clássica por razões econômicas e tentar a sorte em canções leves. Tinha bastante voz, afinação e conhecimento musical e logo apareceu seu primeiro EP: “El Anillito / Que Cielo / Carta de Amor / Bambina, Bambina” (SAEF, 1962) . Material proveniente principalmente de versões em espanhol de músicas participantes do Festival de San Remo. O tema principal do álbum, cheio de inocência e ritmo pop com traços da década anterior, viu inúmeras versões no nosso país: Miguel Ríos , Los Brujos , Hermanas Serrano , etc. A versão de Teresa María, que decidiu modificar a ordem dos seus nomes, passou despercebida.

A gravadora SAEF passou a fazer parte da gravadora Belter e a nova marca decidiu manter o contrato da cantora, que em breve veria o lançamento de seu segundo EP. “Amor, Mon Amour, Meu Amor” (Belter, 1963) ; ou seja, uma nova leva de canções italianas bem interpretadas por Teresa María, que nesta altura já se tinha estabelecido em Barcelona. Este álbum também não teve grande impacto. A sua carreira, como a de quase todos os seus contemporâneos, passou inevitavelmente pela presença em festivais. A sua voz bem educada e o seu conhecimento musical tornaram-na ideal para estes eventos e nesse mesmo ano estreou-se no Festival da Canção do Mediterrâneo, chegando à final com “En Roma”, uma canção maçante composta por Fina de Calderón. Precisamente esta canção fez parte do seu próximo álbum com o qual Teresa María alçaria voo e alcançaria uma certa popularidade. “As meninas são assim / Ele é tudo para mim / A aula acabou / Em Roma” (Belter, 1963) teve alguma notoriedade. Nesta ocasião, canções de origem francesa como “L'école est fini” ou “Les filles c'est comme ça” popularizadas no país francês por Sheila e Theo Sharapo respectivamente foram mais ouvidas nas rádios do que os álbuns anteriores. Aliás, esse Theo Sharapo era o jovem segundo marido da madura Edith Piaf.

O quarto álbum deles foi na verdade o primeiro que podemos considerar verdadeiramente moderno. A gravadora decidiu transformá-la em uma cantora de ye yé e a contratou para gravar uma série de músicas de origem anglo-saxônica: “You Will Be My Baby / What Am I Going to Do Without You / I Just Want to Be With You”. / Mucho Más” (Belter, 1964) . Músicas originais de The Ronettes e Dusty Springfield, entre outros. Um álbum muito bom que deve ter brigado nas paradas emergentes e nas prateleiras das lojas com essas mesmas músicas regravadas por Karina , Los Pekes , Francisco Heredero e toda a equipe ye yé do momento. No geral, vendeu razoavelmente bem e acabou sendo o álbum mais conhecido do artista.

Fina de Calderón, uma das compositoras mais influentes daqueles anos, gostou muito da voz de Teresa María, já que ela também veio do mundo da música clássica. Como Fina apresentou uma música para a pré-seleção da Eurovisão, escolheu Teresa María e o cantor Michel na segunda versão para defendê-la. Nessa seleção televisiva foram apresentados os solistas mais poderosos do momento, com Tito Mora , Luis Gardey , Gelu e Lita Torelló no comando. A música se chamava “Caracola” e venceu. Na edição 4 da revista Fonorama, de fevereiro de 1964, foi anunciado que Teresa María seria a representante espanhola na Eurovisão 64. Dias depois, a TVE decidiu por conta própria que aquela música seria cantada pelo trio uruguaio Los TNT que se apresentava naquele ano. A raiva de Teresa María foi enorme e ela foi vacinada contra as festas. Por fim, o tema em questão ficou em último lugar em Copenhaga com zero votos. Um grande sucesso!

No entanto, Teresa María já era uma cantora conhecida e continuou a aparecer regularmente em programas de televisão. No ano seguinte publicará três álbuns em pouco tempo. A primeira delas foi "As You Are / How I Miss You, My Love / Tell Me the Truth, My World" (Belter, 1965) . Um álbum de baladas e swing que continuou a consolidar seu papel como uma garota melódica ye yé com uma excelente voz.

Mas as gravadoras impuseram a seu capricho as músicas que cada um deveria gravar e 1965 foi sobretudo o ano da iene, então aqui temos Teresa María lançando um álbum mixado dedicado a esse ritmo em que vieram as duas músicas do lado A cantada por ela e pelos do lado B por Dubé e seu Conjunto. Na contracapa detalhada com desenhos, os passos que os dançarinos deveriam dar para serem considerados bons yenkistas.

Perto do final do ano será lançado um novo EP desta cantora com “How Will You Be?” / Cedo / Uma Marionete / Ele (Belter, 1965) . Este álbum marcaria o fim da carreira de Teresa María ou talvez o seu início.

Desde o final de 1964, María Teresa era amiga do filho dos proprietários de alguns estúdios de dublagem e começou a dublar filmes esporadicamente. Logo foi necessário um cantor para dublar Audrey Hepburn em espanhol em “My Fair Lady” (George Cuckor, 1964). Teresa María cantou no filme mais popular do ano e seu nome não apareceu nos créditos. Em meados do ano seguinte, “Mary Poppins” (Robert Stevenson, 1965) chega à Espanha. A protagonista Julie Christie exige escolher a voz que irá dublá-la. É feito um casting e Teresa María é escolhida. Sua voz não aparece nos créditos e em um álbum editado pela Hispavox, que vende muito, aparece a voz da cantora que a dublou para a América do Sul. Todo mundo volta a ouvir Teresa María e ninguém fica sabendo. Mais tarde ela seria a voz de Julie Andrews falando e cantando em “The Sound of Music” (Robert Wise, 1965). Naturalmente, seu nome não aparece nos créditos, embora desta vez apareça na contracapa do álbum.

Ele continuará a cantar para nós na tela grande em vários dos filmes de maior bilheteria da história: “Golfus of Rome” (Richard Lester, 1966), “The Extravagant Dr. Doolittle” (Richard Fleischer, 1967), “Chitty Chitty Bang Bang” (Ken Hughes, 1969) e muitos outros. Ela lembra que era um trabalho bem remunerado, mas seu nome sempre permaneceu anônimo. Por isso, quando algum destes filmes for exibido na televisão, lembre-se de Teresa María, aquela cantora lírica de Saragoça, reciclada em ye yé e na voz espanhola de quase todos os sucessos musicais de Hollywood dos anos 60 e 70.

Teríamos que esperar até 2012 na sua terra natal, Saragoça, e 2014 em Valladolid para que o seu trabalho fosse reconhecido e homenageado. Lá, uma idosa acompanhada pela Orquestra Sinfônica Juvenil de Valladolid mais uma vez surpreendeu todos os presentes ao cantar as canções de Mary Poppins e The Sound of Music com uma excelente voz. Quem compareceu a essas duas homenagens foi Daniel Carbonell Heras, mais conhecido como Macaco, filho de Teresa María.

Numa entrevista concedida em sua cidade natal ao El Heraldo de Aragón (El Heraldo de Aragón sob o título geral de “60 de Zaragoza”, Matías Uribe, 2016), Teresa María ficou feliz pelo reconhecimento tardio de seu trabalho, mas sua veia inteligente veio saiu e concluiu dizendo: “ Até a velhice, varíola”. Mas já sabemos que em Espanha as coisas foram e continuam a ser assim





Super sessão: "Música de Free Creek"

 


As jam session em que participavam músicos conhecidos eram chamadas de “Super Sessions”, o que indica o grau de adoração que os fãs e a imprensa musical sentiam por este tipo de ídolos terrenos. Era uma prática frequente nas décadas de 60/70, embora o resultado destas colaborações nem sempre fosse divulgado: geralmente por razões contratuais, já que as editoras obrigavam os seus números a manter a exclusividade. Como consequência, muitas destas gravações só apareceram anos mais tarde, quando os contratos expiraram, ou algum tipo de acordo foi alcançado... ou apareceram sob uma bandeira pirata. Isso explica por que obras tão suculentas como as fitas de Free Creek, que temos aqui hoje e que não viram a luz do dia até 1973, não foram publicadas na época em selos “neutros” como Buddah nos Estados Unidos e Charisma em a Ilha: seus artistas e seus catálogos não interferiram nos músicos envolvidos nessas gravações. 

Free Creek é o nome sob o qual se esconde um grupo de músicos que pertencem a diferentes bandas, estilos ou gravadoras, mas que decidem se reunir apenas para curtir e deixar um registro desse encontro; Aí eu digo, se tal registro será publicado ou não é outra questão. Neste caso, a lista é impressionante e vai de guitarristas “divinos” como Eric Clapton ou Jeff Beck a corredores de longa distância incombustíveis como Dr. John ou Todd Rundgren, além de personagens inesperados como a pizpireta Linda Ronstadt ou a elegante tecladista sinfônica de. daquela vez, Sr. Keith Emerson. Eles se conheceram nos estúdios Record Plant em Nova York em datas individuais que variaram de junho a agosto de 1969, e deixaram música suficiente para este LP duplo que sob o título "Music from Free Creek" só chegou às lojas quase quatro anos depois. tarde. 

O material é composto em sua maioria por peças que já eram clássicas naquela época. Existem standards como “Cissy strut” ou “Working in a coalmine” juntamente com outros mais recentes como “Hey Jude” ou Sympathy for the devil”, e alguns originais escritos pelos participantes para a ocasião. Por fim, lembramos que nem todos os músicos aparecem na lista com seus nomes verdadeiros devido aos felizes direitos das gravadoras, cuja estranha forma de ver o negócio os leva a situações tão ridículas como esta: Clapton ou Beck estão lá, mas não seus nomes. Logicamente, as revistas de música não tiveram tempo de esclarecer que Clapton era “King Cool”, e Beck aparece como “AN Other”. De qualquer forma, não sei o que suas gravadoras ganham com esse tipo de estupidez, que se repetiu em algumas outras ocasiões notáveis. 

Mas está tudo bem quando acaba bem; e esta história, embora um pouco tardia, terminou bem. E agora, tantos anos depois, tenho certeza que quem não conhece esse álbum vai gostar de ter tantos gênios juntos. Ah, e feliz verão.



AS CANTORAS ESPANHOLAS MAIS RARAS : RACHEL

 





María del Carmen González Artime, asturiana de Gijón; Ela foi uma cantora que desenvolveu sua carreira em duas etapas. Nasceu em 1949, ainda adolescente era uma menina ye yé para se reciclar na década seguinte como uma voz melódica com um certo toque folk, mantendo sempre o nome de guerra de Rachel.

Estudou no Colégio Santo Ángel de sua cidade natal onde logo se interessou por música e dança. Aos dezoito anos viajou pela primeira vez a Madrid integrando um coro e grupo de dança da Secção Feminina e nunca mais regressou às Astúrias. Começa a passear pelas academias de dança de Madrid e impressiona não pela dança, mas pela voz. Alguns anos depois radicou-se na capital, cantou em rádios e teve aulas com o Maestro Gordillo. Participa no programa de rádio “Cabalgata Fin de Semana” do apresentador de moda José Luis Pecker, e num programa da TVE intitulado “Ronda de España”. A partir daí saltou para o cinema, participando de um filme intitulado “O Vendedor de Ilusões” (José María Zabalza, 1967), onde cantou uma canção. Estreou-se numa gravadora madrilena com o nome de Rachel Rey com o single: "Un Hombre y Una Mujer / Eva" (Tempo, 1966)

Em 1967, o cantor mexicano Enrique Guzmán estrelou o filme “Sor Ye Yé” (Ramón Fernández, 1967) em que sua parceira foi Hilda Aguirre no papel da freira cantora. Mas a voz que soava no filme não era a de Hilda, mas sim a de Estela Nuñez, que nem apareceu nos créditos. Na hora de editar o álbum correspondente, organiza-se uma grande confusão de demandas entre um e outro. Na Espanha, onde o filme triunfava entre os espectadores mais inocentes, pelo aspecto jurídico da questão, uma cantora chamada Rachel (já privada do Rei com quem iniciou sua carreira) foi contratada para gravar músicas do filme. Assim nasceu: “Sor Ye Yé / Andando de tu Mano / Ya me voy / Guess a guess” (Columbia, 1967) , que será um pequeno sucesso para a jovem cantora. Anteriormente, Rachel havia lançado um single que passou completamente despercebido e que incluía a música com a qual ela compareceu ao Festival de Mallorca e que a levou a assinar com o selo Columbia.

Aproveitando o sucesso de "Sor Ye Yé" , começaram imediatamente a filmar um novo EP: "Sinto muito / No Vale la Pena / La Campana / Canción del Ave María" (Columbia, 1967) que venderia muito pouco e teria significa o fim do curto contrato do cantor com a Columbia.

Tudo parecia indicar que Rachel seria apenas mais um efêmero ye yé entre muitos que existiram em seu tempo. Porém, Rachel cantou muito bem e não estava disposta a desistir. Os últimos anos da década foram uma verdadeira viagem pelo deserto musical. Lá ela seria ouvida pelo então todo-poderoso Waldo de los Ríos, que, impressionado com sua voz, a levou ao Hispavox. María Ostiz triunfava cantando uma canção popular galega e Andrés do Barro triunfava com as suas próprias canções nessa língua. Rachel adere a esse galicianismo desenfreado e regressa ao álbum com “En Vigo me Enamoré / Como Pasa el Tiempo” (Hispavox, 1970) que terá uma recepção aceitável.

O próprio Waldo de los Ríos fez os arranjos para seu próximo single: "Falsedad/La Primera Rosa" (Hispavox, 1971) . E acerta o alvo. Rachel faz seu álbum mais conhecido e retorna às paradas de vendas quatro anos depois. Nesse mesmo ano, uma marca obscura aproveitou o relançamento de Rachel para lançar um álbum com músicas infames gravadas anos atrás e que nunca haviam sido lançadas. “Longe da minha Madrid / Amor Ye Yé / Come / Karina” (BCD 1971) será o mais difundido dessa monstruosidade oportunista.

Precisamente fazendo a divulgação radiofónica dos seus discos na Rádio Madrid numa revista dirigida por Miguel de los Santos, coincide com o jogador de futebol Ángel Lanchas, natural de Toledo que passou por todas as categorias menores do Real Madrid. Eles se apaixonaram e se casaram em 1973. Mas Rachel continuará fazendo discos e Lanchas jogará pelo Salamanca, do Español, e será internacional pelo time vermelho em duas ocasiões.

Continuará sua carreira com canções e imagens sertanejas em “Vuelvo a mi Pueblo / Un Amor” (Hispavox, 1972) . Este terceiro single da Hispavox não terá mais o impacto dos dois anteriores e mais uma vez a cantora cai no esquecimento.

Porém, ela voltaria anos depois, já mãe pela primeira vez, para gravar dois singles. Outro com tema galego: “Airiños, Aires” (Hispavox, 1975)  e o último da sua carreira com o qual obteve um reconhecimento fugaz: “Soñando mi Despertar / Vuelva esa Sonrisa” (Hispavox, 1975) .

Rachel era uma cantora talentosa que lutou contra o indizível e soube superar duas vezes as adversidades da gravação. Hoje ela é pouco lembrada como a voz de “ Sor Ye Yé ” e como a mulher forte que cantou “Falsedad”. Sua voz está entre as melhores de alguns anos de grandes cantoras, apesar de não ter conseguido dar o salto para o estrelato. Hoje reside numa localidade perto de Madrid





V.A. ¡¡Viva El Rollo!! 1975 (Disco Histórico)

 





Pois bem, hoje vamos começar com uma série que, sem o menor rubor, atrevo-me a descrever como “histórica”, pois é isso que esta coleção “Viva El Rollo!!”, e que acredito marca um antes e um ponto de viragem mais tarde no futuro da música espanhola.
No início dos anos setenta, e após o fim da era yeyé, surgiram em Espanha muitos grupos que queriam soar bem, vamos lá, como os guiris, e nasceu a tão aclamada música progressiva, com muitos músicos virtuosos e alguns muito álbuns bem elaborados, mas tinham um grande defeito: esqueceram completamente qual era o espírito do rock and roll.
Mas já em meados da década já se vislumbra uma mudança, sendo obrigatório rever uma personagem fundamental que é Mariscal Romero, um autêntico divulgador da nova música que se fez depois de 1975. Não creio que seja necessário faça uma resenha sobre esse personagem que todos vocês conhecem muito bem por sua participação na imprensa musical, programas de rádio e seu envolvimento na indústria fonográfica, principalmente com a criação do lendário selo "Chapa", onde se reuniam as melhores bandas. hard rock e o incipiente heavy metal.
O seu grito de guerra foi "Viva el Rollo" O "rollo", expressão que todos conhecemos e que poucos de nós conseguimos definir com clareza, embora mais ou menos tenha sido uma nova revolução em todas as artes, especialmente na música, sem esquecer a literatura ou banda desenhada, e um modo de vida, mais ou menos underground.
Assim, neste álbum já podemos ver grupos como "Burning" na sua faceta de rock and roll primitivo, juntamente com novos grupos que se queriam distanciar do rótulo progressivo como "Volumen", "Indiana" ou "The Moon", grupos que permaneceram como grupos de culto da música espanhola.
Temos ainda duas músicas de “Mariscal”, duas versões de “Rollings”, feitas com o espírito de aquecer o ambiente, e como culminação e afastando-nos um pouco da linha geral, temos “Tilburi” com “La Cochambre” , dedicado ao festival "Burgos" de 1975, o nosso pequeno "Woodstock", ao qual tive a honra e a sorte de assistir, e assim orgulhosamente formei na legião de "La Cochambre", conforme define o jornal de Burgos às crianças que assistiram a este festival.


E para terminar, e repetindo, um álbum histórico para entender a música espanhola, os tempos estavam mudando na Espanha, e eles prometiam anos realmente emocionantes como no final foram.
Uma pequena informação:
V.A. ¡¡Viva El Rollo!!
Movieplay S-21.696, Serie Gong (1975)

A1  Mariscal Romero - Jumping Jack Flash
A2 Burning - Like A Shot
A3 Volumen - Born To Be Wild
A4 Indiana - An Old Fashioned Way
A5 The Moon - What A Child!
B1 Burning - Rock 'N' Roll
B2 The Moon - Paperback Writter
B3 Indiana - All I Need Is Your Rock
B4 Volumen - I Don't Want You Honk
B5 Mariscal Romero - Honky Tonk Women
B6 Tilburi - La Cochambre



The Moon - What A Child!
Burning - Rock 'N' Roll





V.A. Viva el Rollo. Vol II - Rock Del Manzanares (Disco Histórico) 1978

 





Pois bem, vamos ao segundo volume desta série histórica de “Viva El Rollo”, para muitos de nós uma autêntica viagem musical pelo nosso passado, e este é mais um destes álbuns essenciais para compreender a música do nosso país.
Seu volume anterior apareceu na Movieplay, empresa que não tinha muito interesse por rock, então Mariscal Romero tentou criar uma empresa independente, e foi assim que surgiu a "Chapa Discos", como sub-selo de "Zafiro", e na época da publicação deste álbum, já lançavam álbuns de gente como "Leño", "Asfalto", "Smash", "Cucharada", "Bloque", "Topo", "Ñu", "Moris" ou "Kaká De Luxe" Para citar alguns, que elenco!

Assim, nesta parte aparecem, entre outros, dois hinos da nossa música, como "Social Peligrosidad" e "Este Madrid" de "Cucharada e "Leño" respectivamente, e partilham o álbum, além de "Mariscal, "Unión Pacific ", "Asfalto" e "Araxes II", cada um com sua visão particular da música da época, desde o incipiente hard rock até os sons mais progressivos já em claro declínio.
O selo "Chapa" aos poucos foi se deslocando para os sons mais pesados, e logo já contava em seu catálogo com os grandes pioneiros da música pesada hispânica, como "Barón Rojo", "Obús", "Santa" ou "Panzer".
E é que por puro acaso, “el rolo” e “la movida” coincidiram quase no tempo, duas tribos que não acabaram se agradando, a primeira, mas pela música e seus cantos de liberdade e as outras pela. diversão pura e simples sem o menor compromisso. 
Algo curioso aconteceu comigo com este, pois queria publicar a capa dupla inteira e como não tem qualidade mínima na internet, tirei da prateleira para tirar uma foto com meu celular, e uma espécie de a emoção tomou conta de mim quando tive em mãos uma obra que marcou a história musical do nosso país.
Não vou mais me envolver, ainda restam mais alguns volumes.
Deixo-vos a lista de músicas.

Viva el Rollo Vol.
Discos de Placa – HS-35004 (8 de maio de 1978)


A1 Mariscal Romero - No Nos Dan Satisfacción
A2 Leño - Este Madrid
A3 Cucharada - Social Peligrosidad
A4 Unión Pacific - Escapada
A5 Araxes II - El Rastro
B1 Asfalto - Ya Está Bien
B2 Unión Pacific - A Tu Marcha
B3 Leño - A Escuchar
B4 Cucharada - Libertad Para Mirar Escaparates
B5 Araxes II - Sí (La Historia Se Oscurece Día A Día)

Y para las canciones de los reproductores, la cosa estaba mas que clara, pues en vez de poner un par de canciones, esta vez están los dos himnos, que todos, absolutamente todos conocemos, pero que siempre es un placer volver a escuchar:

Leño - Este Madrid
Cucharada - Social Peligrosidad





AS CANTORAS ESPANHOLAS MAIS RARAS : ENCARNITA ORTIZ



Temos muito poucas informações sobre esta fabulosa garota catalã ye yé que nos deixou um breve mas muito interessante legado de gravação, composto por dois Eps e um single para o selo Emi Regal, todos datados de 1965.
Encarnata estava intimamente ligada ao prolífico compositor barcelonês Jordi Domingo Mombiela (1928-1991), que desenvolveu intensa atividade musical ao longo de sua vida, compondo inúmeros sucessos de canções leves sob o nome de Jorge Domingo na década de 60, com quem competia em concursos musicais, realizados por diversos artistas. Focando apenas no período que costumamos trabalhar neste blog, entre 1964 e 1967, suas criações foram registradas por cantores e grupos tão notáveis ​​como Alicia Granados, Gelu, Luisita Tenor, Jorge Teijón, Hermanas Ros, Licia, Los Cheyenes, Ana & The Modern Four, Marta Seyes, Mayte Blanco, Franciska, Santy ou Madalena Iglesias, entre outros.
É óbvio que Jordi manteve uma relação especial com Encarnata, que não tem paralelo em outros artistas. Não só é autor de todas as (dez) canções que a cantora catalã gravou, como também foi arranjador e músico acompanhante na gravação dos seus discos. O primeiro da série é um EP emocionante, atribuível ao universo Nova Cançó, com 4 canções em catalão que Encarnata canta acompanhada ao piano por Jordi, com acréscimos de arranjos sinfónicos que dão um tom mais poético e nostálgico a todo o disco. .
Para o EP seguinte, Encarnata e Jordi mudaram de registro, gravando canções modernizadas da copla espanhola, que podem ser ligadas à moda flamenca ye-yé então em pleno andamento. Um álbum que expressa uma autêntica devoção às tradições e clichês da cultura andaluza, na qual os seus autores provam ter mergulhado (até às sobrancelhas), para devolvê-la brilhante e renovada. Porque Encarna é imensa cantando Morena de verde luna, música que Rudy Ventura já havia gravado no início dos anos 60 com seu grupo, Los 4 Barmans, Los 2 Españoles e Luisa Linares y los Galindos, que aqui se atualiza e eleva a uma potência lírica que pode trazer lágrimas aos mais pintados. Tema que apareceu na capa como a peça estrela do EP, embora as outras músicas que contém estejam no mesmo nível: Válgame la Macarena, igualmente chocante e luminosa, com um tratamento muito diferente daquele descoberto nas versões que fizeram esse tema alguns grupos no mesmo 1965: Los Ebora, no estilo beat flamenco, e Los Cheyenes, no estilo garage-rock-aflamencao. Reticências, um cruzamento impossível mas absolutamente alegre entre a copla e a batida, que pode nos fazer cair exaustos, prostrados diante da grandeza desta cantora, que se revela como Encarnata ou Encarnação divina quando empreende os melismas característicos com que são usadas as tonadilleras para se exibir. E a quarta música, curiosamente chamada Inspiration (algo que o álbum tem de sobra), a menos andaluza das quatro, o que mostra a influência da música italiana.
A cereja do bolo de toda essa overdose de bom gosto foi o single El primer piropo / Vorágine, que trazia no lado B uma versão em espanhol de Vertigen, música de seu EP cantada em catalão, e no lado A uma das maiores obras de todos os espanhóis ye-yé. O primeiro elogio (na opinião de Vicente Fabuel uma canção maravilhosa) com letra descritiva das emoções que uma adolescente sente ao acordar para a puberdade, foi uma canção concorrente do VII Festival da Canção Mediterrânica, realizado em Barcelona em 1965, onde foi defendida por Encarnata Ortiz e pela aragonesa ye-yé Licia, embora no total tenham sido gravadas três versões diferentes desta canção, pela citada. Encarnata, Licia e também por uma ye-yé madrilena chamada Mayte Blanco. Se as versões de Mayte e Licia estavam sobrecarregadas de ye-yés corais, preenchendo qualquer espaço livre deixado pelo texto numa espécie de horror sonoro vacui, o que deixava claro a que estilo pertencia essa música, a versão de Encarnata nos parece talvez a mais sutil e elegante, generoso em detalhes miniaturistas como o gritinho incluído após os primeiros acordes, prova do amor e carinho com que esta gravação foi feita.
É isso que acontece com as gravações de Encarnata Ortiz lançadas em vinil. Sabemos que há mais em algum arquivo, especificamente sobre sua atuação como cantor de copla, como demonstra outra música de Jorge Domingo, com letra de Ricardo Tejada, também gravada em 1965: Cuna de califas (música para Córdoba) que se encontra no YouTube, extraído de uma fita, com qualidade de som regular. Embora este não soe como você.
Aí está, pudeste constatar, um caso inusitado, sobretudo para estes tempos: dois artistas catalães, humildemente prostrados perante a grandeza da cultura andaluza, que também souberam reinterpretar com enorme elegância. Gostaríamos que exemplos como este se espalhassem. A mistura é a própria vida.






quarta-feira, 15 de janeiro de 2025

Cream - Swedish Radio Sessions (1967)




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Cream " O nome arrogante do grupo formado por Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker em julho de 1966 não era sem alguma justificativa. O guitarrista Eric Clapton, de 21 anos, já havia sido apelidado de "Deus" por um profeta em um muro do norte de Londres por tocar com os Bluesbreakers de John Mayall. Ele havia demonstrado seus princípios puristas um ano antes, abandonando os "mais blueswailins" Yardbirds quando eles ousaram ir para o pop com seu single "For Your Love". E ele também tocou em sessões com bluesman de primeira geração como Sonny Boy Willamson e Champion Jack Dupree.

O baterista Ginger Baker, de 26 anos, veio de uma formação em jazz tradicional com Acker Bilk e Terry Lightfoot antes de se mudar para a cena R&B emergente no início dos anos 60 com a Blues Incorporated de Alexis Korner e a Graham Bond Organisation, cujo R&B com toques de jazz lhes rendeu uma forte reputação nos círculos musicais e no circuito de clubes.

O baixista Jack Bruce, de 23 anos, estudou na Royal Scottish Academy of Music e já tocou com Baker no Blues Incorporated de Alexis Korner e na Graham Bond Organisation. Ele também coincidiu brevemente com Clapton no Bluesbreakers de John Mayall e como parte de uma banda de sessão de estrelas que também contou com Steve Winwood e Paul Jones antes de um curto período no centro das atenções do pop com Manfred Mann.

A formação do Cream enviou um arrepio de antecipação por um mundo musical para quem o conceito de "supergrupo" - sem mencionar as conotações cínicas - ainda estava a alguns anos de distância. Seu primeiro show em 31 de julho no Windsor Jazz & Blues Festival (o precursor do Reading Festival) atendeu a todas as expectativas, enquanto a banda se deleitava com as possibilidades de fundir os estilos musicais favoritos do festival com suas próprias habilidades muito alardeadas. Então, o pop comparativamente discreto e discreto de seu primeiro single. "Wrapping Paper", em outubro, veio como uma surpresa, apesar das intenções comerciais previamente declaradas pela banda.

Seu álbum de estreia, Fresh Cream, lançado pela Reaction Records de Robert Stigwood em dezembro de 1966, foi uma afirmação do manifesto original da banda. Os números escritos pelo grupo, apresentavam riffs de heavy metal rock nascente em faixas como "NSU" e "Sweet Wine", fornecendo uma base para algumas explosões sonoras curtas e afiadas que utilizavam o baixo de contraponto feroz de Jack Bruce, os ritmos estrondosos de Ginger Baker em seu elaborado kit de bumbo duplo e os solos escaldantes e o feedback feroz de Eric Clapton. Eles também deram uma demonstração vívida de quão longe você pode levar números de blues como "Spoonful" de Howling Wolf, "Four Until Late" de Robert Johnson e "I'm So Glad" de Skip James, mantendo-se fiel ao espírito dos originais.

Eles até encontraram uma fórmula comercial viável para seu segundo single, "I Feel Free" (com letras fornecidas pelo poeta underground Pete Brown), comprimindo seus talentos em um redemoinho de três minutos de ritmos, harmonias vocais e guitarra de feedback controlada. Isso os levou ao número 11 nas paradas e ao Top Of The Pops da BBC Television, onde se encontraram no mesmo programa que Jimi Hendrix, que estava cantando "Hey Joe". Suas carreiras seguiriam em paralelo, mas enquanto a extravagância de Hendrix lhe dava vantagem em termos de exposição na mídia, particularmente na Grã-Bretanha, foi o Cream que faria o primeiro sucesso na América.


Tendo se consolidado como um grupo com shows pela Grã-Bretanha e Europa durante a primeira parte de 1967, o Cream voltou suas atenções para a América. Suas tentativas iniciais foram um tanto equivocadas - um intervalo de 15 minutos de uma semana, seis vezes por dia, na frente de adolescentes gritando no show "Music In The Fifth Dimension" do DJ Murray The K no RKO Theatre em Nova York com Hermans' Hermits, The Loving Spoonful e The Who foi notavelmente malsucedido. Mas uma vez que eles foram colocados na frente de públicos que queriam ouvir em vez de gritar, eles tiveram a garantia de uma resposta arrebatadora.

Foto publicitária de creme para Polydor
Eles também tiveram a oportunidade de gravar seu segundo álbum no Atlantic Studios de Nova York em maio de 1967 - com o produtor Felix Pappalardi e o engenheiro Tom Dowd. As sessões podem ter sido apressadas - três dias e meio no total, de acordo com Dowd, encerradas quando um motorista chegou para levá-los ao Aeroporto JFK - mas Disraeli Gears fluiu com uma confiança suprema e focada que cresceu a partir da qualidade do material que a banda havia preparado. A faixa de abertura, "Strange Brew", um sublime blues influenciado por BB King, foi o terceiro single da banda no Reino Unido, alcançando o número 17 em julho. O lado B, "Tales Of Brave Ulysses", foi o primeiro floreio extravagante de Clapton usando o pedal wah-wah recém-introduzido (foi coincidência que a primeira onda de wah-wah de Hendrix em "Burning Of The Midnight Lamp" saiu ao mesmo tempo?). Foi a épica "Sunshine Of Your Love" que se tornaria o hino do Cream - um riff de cravação de estacas e um refrão climático que instintivamente extraiu os melhores recursos do trio. As outras faixas variaram entre o etéreo, estilo Byrds, "Dance The Night Away", o staccato de ataque de "SWLABR" (que significa "She Walks Like a Bearded Rainbow"*) e o crescendo constante de 'We're Going Wrong".

Disraeli Gears foi lançado em novembro de 67, no final de um ano extraordinário de álbuns marcantes que incluíam "Sgt. Pepper" dos Beatles, "Pet Sounds" dos Beach Boys, "Surrealistic Pillow" do Jefferson Airplane, "Oa Capo" do Love, "The Doors" do The Doors, "The Velvet Underground & Nico" do The Velvet Underground e "Piper At The Gates Of Dawn" do Pink Floyd.

Como eles, Disraeli Gears captura perfeitamente o espírito do momento que foi exemplificado pela arte de capa britânica por excelência de Martin Sharp. O Cream passou grande parte do verão de 67 fazendo shows pela Grã-Bretanha, incluindo outra aparição - desta vez no topo da lista - no Windsor Jazz & Blues Festival, mas os últimos quatro meses do ano foram gastos principalmente na América, em turnê para crescente aclamação da crítica e do público, já que Disraeli Gears chegou ao Top 5 dos EUA, vendendo um milhão de cópias e alimentando a ascensão da banda ao estrelato. O toque dourado para seu status crescente foi fornecido por São Francisco, que acolheu fervorosamente a banda ao lado de seus inúmeros heróis locais liderados por The Grateful Dead e Jefferson Airplane.


As sessões para o terceiro álbum do Cream, Wheels Of Fire, foram espalhadas ao longo de um ano, de meados de 67 a meados de 68, com algumas faixas básicas sendo definidas no IBC Studios de Londres antes que a maior parte do trabalho fosse concluída de volta no Atlantic Studios de Nova York, novamente com Felix Pappalardi e Tom Dowd. O tempo relativamente longo que o grupo pôde passar no estúdio permitiu que soassem mais confortáveis, o que por sua vez foi refletido pela produção mais sofisticada. Além disso, a dinâmica musical interna do grupo estava mudando. A parceria Jack Bruce/Pete Brown forneceu quatro das nove faixas do álbum, incluindo a monumental "White Room", outro grande hino do Cream com seus acordes descendentes portentosos e guitarra wah-wah impulsionadora, o funk cortante e rígido de "Politician" e o escapismo florido de "Deserted Cities Of The Heart".

Jack Bruce
Ginger Baker se uniu ao músico de jazz de vanguarda Mike Taylor para três faixas, incluindo a balbuciante, mas melódica, "Those Were The Days" e "Pressed Rat And Warthog", que é tão espaçada quanto parece. Clapton, que teve quatro créditos de coautoria no álbum anterior, preferiu fazer um cover do blues desgastante de Howlin' Wolf, "Sittin On Top Of The World", e "Born Under A Bad Sign", de Albert King (escrita pela equipe de soul da Stax, Booker T Jones e William Bell). No entanto, ele escreveu uma canção encantadora com Martin Sharp chamada "/Anyone For Tennis", que foi gravada para a trilha sonora do filme Savage Seven e lançada como single em maio de 68.

A este álbum de estúdio, Cream adicionou um segundo álbum de faixas ao vivo gravadas em São Francisco em março de 1968, chamado "Live At The Fillmore" (embora três das quatro faixas tenham sido gravadas no Winterland). Ele incluía uma versão monstruosa de 17 minutos de "Spoonful" que definiu o termo "rock jam", "Toad", um solo de bateria de 16 minutos e um encapsulamento primoroso de 4 minutos e 14 segundos do poder e da destreza musical que era o Cream no seu melhor - "Crossroads". A obra-prima austera e assustadora de Robert Johnson recebeu uma intensidade diferente, mas igualmente envolvente.

Eric Clapton
Mas mesmo quando "Sunshine Of Your Love" estava dando ao Cream seu primeiro single no Top 40 americano em fevereiro de 1968 (chegaria ao número 5 no verão), rumores de que a banda estava planejando se separar eram abundantes. As faíscas que deram ao Cream sua qualidade mercurial e inspiração agora estavam destruindo o grupo, enquanto suas personalidades cada vez mais fraturadas se chocavam sob as condições sufocantes de turnês sem fim.

Quando Wheels Of Fire foi lançado em agosto de 1968, resplandecente em outro magnífico design de Martin Sharp, o Cream efetivamente deixou de existir como um grupo, exceto quando estavam no palco juntos. Isso não impediu que o álbum fosse um sucesso instantâneo, no entanto. Ele liderou as paradas de álbuns nos EUA por quatro semanas. No Reino Unido, Wheels Of Fire foi lançado como um álbum duplo e como um único álbum "de estúdio" e ambas as versões chegaram ao Top 10 - no número 3 e número 7, respectivamente.

Clapton, Bruce e Baker estavam fartos um do outro, no entanto. O Cream estava pronto. Eles concordaram em fazer uma turnê de despedida, que começou na América em outubro e terminou em grande estilo no Royal Albert Hall de Londres em 26 de novembro.
Pouco antes de sua última turnê, o Cream gravou três faixas no IBC Studios de Londres, incluindo "Badge", que contou com George Harrison (creditado como "L'Angela Mysterioso" por razões contratuais) na guitarra base e Clapton no riff de ponte característico (ou "badge", como ele interpretou errado na folha de letras de Harrison). Essas faixas, junto com mais três faixas ao vivo, compuseram o álbum Goodbye lançado em março de 69, liderando as paradas do Reino Unido e alcançando o número 2 nos EUA.

Naquela época, os três membros do Cream haviam seguido em frente - Clapton e Baker para o Blind Faith e Bruce para sua carreira solo.

Este post é uma performance de transmissão de rádio gravada no "Concert Hall" em Estocolmo na curta turnê escandinava do Cream em 7 de março de 1967. Ela os estabeleceu na Escandinávia.
As 5 músicas foram posteriormente transmitidas no "Konsert Med Cream" da Sveriges Radio

. Este bootleg foi promovido como uma gravação de "excelente" qualidade. Embora seja bom, tem alguns problemas. Das três versões de "excelente" qualidade que ouvi, todas são aceleradas. A pior varia de 7 a 15% acima da velocidade.
A apresentação inclui as cinco músicas que se tornariam os elementos finais de seus extensos sets improvisados ​​mais tarde no ano.
É interessante notar que o nome de Ginger Baker é anunciado como "Peter Baker" neste cartaz de outdoor sueco, e seu apelido provavelmente era desconhecido em países europeus naquela época.

Este post consiste em FLACs extraídos de um CD Koine (obtido há algum tempo no ciberespaço) e inclui arte limitada. Também escolhi incluir arte de alguns lançamentos alternativos que também incluem faixas ao vivo de outros shows durante sua turnê de 1967, e estão prontamente disponíveis na internet se você pesquisar no Google.
Críticas de faixas abaixo por Graeme Pattingale

Crítica do concerto
Lista de faixas
01 - NSU (Bruce) 4.06
Começa com Baker parecendo estar lento, mas na verdade ele está marcando passo enquanto Jack resolve um problema de hardware. EC entra para preencher o tempo e então Jack entra. Não é uma variação significativa nas versões 'Klooks' ou 'Fresh Cream', exceto que é mais difícil e o solo começa a adotar os elementos de jamming de três vias.
02 - Stepping Out (Bracken) 4.09
Uma breve apresentação, mas mostra o crescimento contínuo de Eric e a interação crescente entre todos os três.
03 - Traintime (Bruce) 5.55
A peça da Graham Bond Organisation revivida em uma apresentação razoavelmente estendida. Jack e Ginger fazem isso há anos e é realmente uma peça de bravura para ambos.
04 - Toad (Baker) 6.52
Curta e próxima da gravação de 'Fresh Cream'. As versões estendidas posteriores foram criticadas como excessivas, mas esta não tem a emoção do desenvolvimento musical dessas versões. Baker não era um contador de histórias curtas.
05 - I'm So Glad (James) 4.58
Esta música geralmente era o encerramento frenético de seus sets no final do ano. Esta é uma proto-versão terminando com a guitarra dando retorno enquanto Eric o deixa encostado na pilha.

Cream eram:
Eric Clapton - Guitarra / Vocal 
Jack Bruce - Baixo / Vocal 
Ginger Baker - Bateria

MUSICA&SOM


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