NEW TROLLS - Atomic Sistem

 

Álbum bastante bom do RPI, apresentando a complexidade esperada do gênero, tendências clássicas e sentimento romântico. Compará-lo com os trabalhos anteriores também melhora as coisas - Vittorio De Scalzi sempre me pareceu o membro mais fraco da dupla criativa dos Novos Trolls, e eu não esperava gostar tanto deste. No entanto, isso ainda é claramente de segunda categoria. E terminar com a língua inglesa "Butterfly" não ajuda. As letras em italiano são igualmente idiotas?

Não há melhor maneira de entrar completamente em "ISTO" do que com uma obra italiana, e o fato é que sua "ARTE" tem bastante charme, mesmo suas pequenas obras são grandes experiências sonoras que deixam a gente em êxtase com tanta parafernália orquestral e sentimentalismo, NT Atomic Sistem é um exemplo claro do acima, pois apresenta uma performance INCRÍVEL, a banda consegue capturar aqui uma opulência bárbara: "Elegância envolta em uma partitura sonora que nos seduz em torrentes".

Uma música de altura, sofisticação e delicadeza é o que pude sentir neste álbum, seu conceito tem uma forma definida e aqui o "título" de SYMPHONIC ROCK está bem definido, portanto sinto que esta peça carrega muito dessa vaidade, os italianos souberam transitar muito bem por aqueles rios progressivos esvoaçantes e isso, meus amigos, pode ser sentido muito bem, embora eu deva confessar que não é uma obra tipicamente italiana, sua execução bebe muito da influência britânica (Yes, King Crimson, Jethro Tull), e esse detalhe para o meu gosto consegue tirar um pouco do peso do álbum, mas CUIDADO isso não significa que a percepção da obra mude porque no final sua natureza permanece intacta, a única coisa que varia aqui é que o "sabor" às vezes se dilui dentro da execução removendo aquele traço de identidade nacional, álbuns como Alpha Taurus ou o homônimo Banco Del Mutuo Soccorso são claramente obras MAIS PURAS nessas questões de execução, mas bem, minhas opiniões que não devem importar muito quando se trata de experimente esta JOIA.

Voltando ao assunto em questão, devo dizer que ouvir esse álbum novamente foi uma experiência muito agradável. Não tenho lembranças muito vivas dele, mas agora que retornei ao antigo equipamento e sentei para ouvi-lo com todo o tempo do mundo, parece-me um álbum muito bem "construído", cheio de mudanças de andamento, arranjos agudos, passagens orquestrais, sintetizadores, grandiloquência e explosões efusivas dessa vaidade progressiva. Como já mencionei, ele tem uma performance incrível e aqui o “título” de ROCK SINFÔNICO fica bem definido. Foi certamente uma jornada muito agradável, embora às vezes um pouco agitada. Devo admitir que houve algumas músicas que foram difíceis para mim (especialmente a faixa Butterfly ), mas no final das contas é um álbum que cumpre seu objetivo. Com isso quero dizer que é fácil de ouvir, não sobrecarrega e consegue ser "divertido". E embora muitos considerem esta obra superestimada, para mim ela é merecida, de PESO, talvez não tão completa ou tão conhecida como Ys, Io Sono Nato Libero e/ou Per Un Amico. De minha parte, não o vejo como superestimado, mas sim exagerado ou sobrecarregado com parafernália progressiva, o que não é ruim, mas às vezes tanta "brincadeira" fica pesada, e o produto parece muito "artificial". Na minha opinião, menos desperdício progressivo teria sido mais adequado. Mas repito: "foi uma experiência muito agradável".

NT Atomic System é um álbum bastante tradicional dentro das linhas progressivas, e um trabalho ambicioso sob qualquer ponto de vista, talvez seja menos reconhecido que o lendário Concerto Grosso Per I ou o “Heavy” UT, MAS no final das contas é outra dessas joias progressivas que sobreviveram ao tempo e se tornaram CULT e é por isso que eu queria reivindicá-lo, pois merecia um lugar especial neste blog. E agora posso finalmente dizer: MISSÃO CUMPRIDA, CAMARADA. Até mais.

Minidados:
*No final de 1972, após a saída da UT, os New Trolls se separaram, o motivo sendo "o próximo passo da banda". Vittorio De Scalzi queria ir para o progressivo italiano tradicional, enquanto Nico de Palo queria que a banda se tornasse mais pesada e assumisse uma postura mais Hard Rock. Esse choque de visões resultou na separação dos New Trolls. De um lado estava o NT Atomic System, a banda de Vittorio de Scalzi que foi para o progressivo clássico, e do outro estava o Ibis, a banda de Nico de Palo, que se inclinava para um som mais pesado.

*O álbum nasceu em uma época de mudanças, após a chegada de um novo projeto no qual o eco do The New Trolls ainda podia ser sentido, este trabalho nasceu sob a sombra do que era THE MYTHICAL BAND, Vittorio De Scalzi nunca teve a intenção de chamar a banda de NT Atomic System, sempre considerou um erro chamá-la assim, mas devido a questões de gravadora e direitos autorais, foi lançado com esse nome, algo semelhante aconteceu com o primeiro lançamento do Ibis, que saiu com o nome dos 4 membros e como cover uma grande incógnita, em 1974 o Ibis assumiu o nome, e em 1975 o New Trolls surgiu novamente, a banda seria composta por: Vittorio de SCALZI (guitarra, vocal), Nico di PALO (guitarra, vocal), Ricky BELLONI (guitarra, vocal), Frank LAUGELLI (baixo) e Gianni BELLENO (bateria, vocal).

*O New Troll foi escolhido como banda de abertura dos Rolling Stones nas datas da turnê deles na Itália. Pouco depois, eles lançariam seu single de estreia, "Sensazioni" (1967).

01. La Nuova Predica Di Padre O'Brien
02. Ho Visto Poi
03. Tornare A Credere
04. Ibernazione
05. Quando L'Erba Vestiva La Terra
06. Butterfly

The Flock - Dinosaur Swamps

 

Talvez ainda melhor do que sua estreia, este apresenta um som do tipo semi-fusão com violino elétrico e alguns instrumentos de sopro, além de incorporar leves influências de soul também.

A Columbia Records incluiu a faixa Big Bird em um de seus discos de amostra; jogada inteligente, ainda me interessa até hoje e adoro a arte da capa

 Um álbum muito bom e uma banda muito boa, daqui veio o brilhante violinista Jerry Goodman para tocar com John McLaughlin e sua Mahavishnu Orchestra. De Goodman, recomendo o álbum que ele gravou com Jan Hammer (outro ex-Mahavishnu) intitulado "Like Children" de 1974.

Saudações Baldo!

Sérgio

Bom Sergio, Like Children é um trabalho péssimo, como recomendação procure por "Seventh Day of Creation", do Hammer, que diz no envelope: "Este álbum não tem guitarras elétricas", um pequeno chute para McLaughlin. This Dinosaur é um ótimo álbum. Comprei a capa quando tinha 10 anos em uma feira de usados ​​no final dos anos 70. Obviamente foi por causa da capa. Ouvi-a vinte mil vezes num velho toca-discos mono. É uma daquelas coisas que tocam profundamente, pelo menos é a lembrança que tenho dela quando criança. Eu o perdi quando me mudei há mil anos. Ouvirei com ouvidos adultos e deixarei um comentário atualizado. Vamos ver o que acontece com a peneira do tempo...

Um álbum muito peculiar e fascinante que tem tantos detratores quanto apoiadores. Os críticos descrevem este álbum como um trabalho irregular, que perde muito do foco do primeiro álbum e que de certa forma não convence muito devido ao caráter experimental de sua performance, enquanto os defensores descrevem este trabalho como maduro, complexo e o ponto alto do desenvolvimento da banda, levando Dinosaur Swamps à estratosfera, pois o consideram uma interessante manifestação do ecletismo progressivo devido à sua mistura de estilos divergentes e sua postura experimental. De minha parte, estou com os apoiadores porque vejo esse trabalho como uma reinvenção da banda para alcançar um novo conceito e uma proposta fresca dentro de tudo o que se manifestava naquela época . Talvez um pouco da performance original tenha se perdido e aqueles sons antigos e poderosos tenham se diluído, mas o álbum ganhou muito em termos de estrutura. Portanto, é uma obra a ser considerada se você quiser mergulhar nessas águas turbulentas, mas CUIDADO: o álbum pode surpreender, pois também pode lhe dar uma impressão mais simples do que você esperaria encontrar, isso vai depender do seu gosto e inclinação para o ecletismo.

Dinosaur Swamps foi uma odisseia para mim. Desde o começo, a atmosfera te envolve e te imerge em uma boa vibe, a performance consegue estar em um bom nível e a execução instrumental é excelente, especialmente com o violino de Jerry Goodman e os metais avassaladores, que dão um toque mais elegante e poderoso ao som do The Flock. Para esta ocasião a banda se projeta em um tom mais camaleônico e mais próximo do terreno do rock progressivo eclético, embora eu deva dizer que é um álbum estranho, pois sendo este de cunho eclético e progressivo, em sua performance não demonstra muito dessa postura, por minha parte pude apreciar neste álbum algo mais atrelado ao "Crossover Prog" mas bem isso já é meu estilo, voltando às impressões do caso, devo dizer que uma das coisas que mais me chamou a atenção neste álbum foi sua marcante combinação de estilos. Aqui encontraremos, por exemplo: Psicodelia, Jazz, Funk, Blues&Rock, Country Rock, Brass Rock e Progressivo. Tudo isso está muito comprometido com uma variedade de fusões que atinge um certo fascínio quando se começa a ouvir com toda a atenção do mundo. A influência progressiva é perceptível, as explosões de tempo e os arranjos um tanto complexos fazem parte daquele momento, portanto como eu disse a banda reinventa seu som, e se afasta de sua postura Jazz Rock/Fusion, é por isso que os mais puristas veem esse trabalho como uma grande decepção porque as fusões, mixagens e experimentações vêm à tona enquanto a postura natural do Jazz Rock se desvia para uma tangente e passa para outro plano. Na minha opinião , um álbum corajoso que nos dá uma nova abordagem, um som mais atraente e uma performance mais original. Com seus prós e contras, o álbum nos deixa satisfeitos. Talvez alguns vejam isso como uma obra CULT, outros talvez como uma obra que trai seus princípios ao pular na onda do momento.  Seja o que for, é um álbum com 8 bolas. Até mais. 

 Curiosidades:
* O violinista Jerry Goodman mais tarde se juntou à Orquestra Mahavishnu.
 
*O álbum foi lançado no México ao mesmo tempo que nos EUA…
 
*A Columbia Records incluiu a música Big Bird como um hit promocional que foi bem recebido, foi uma boa estratégia, já que o single virou um EP que hoje é considerado uma dessas raridades muito procuradas pelos colecionadores.

01. Green Slice
02. Big Bird
03. Hornschmeyer's Island
04. Lighthouse
05. Crabfoot
06. Mermaid
07. Uranian Sircus

Aretha Franklin – I Never Loved A Man The Way I Love You (1967)

“I never loved a man the way I love you” é o primeiro de seus álbuns lançados pelo selo Atlantic, e pode-se dizer que é sua obra suprema. É um conjunto de grandes canções que entraram para a história como verdadeiros clássicos, encabeçadas pela indestrutível “Respect”.

Quando Aretha deixou a Columbia para assinar com a Atlantic, o produtor Jerry Wexler decidiu trazer à tona toda a alma que havia nela. O primeiro single que gravaram para a Atlantic foi “I never loved a man the way I love you” , para o qual tiveram o acompanhamento de The Muscle Shoals, no Alabama, embora a sessão de gravação da música tenha sido adiada. fim em Nova Iorque. Esta música foi endossada por muitos críticos como uma das grandes canções de soul. O single fez sucesso nas rádios, mas mais ainda foi “Respect” — cover de um single que Otis Redding havia gravado em 1965 — com o qual Aretha se consolidou definitivamente. A música foi gravada no Atlantic Studios, em Nova York, em 14 de fevereiro de 1967. A versão original de Redding foi complementada por uma ponte e um solo de saxofone de King Curtis .

Em 10 de março de 1967, o álbum foi lançado, contendo os dois singles anteriores, além de músicas como a versão da canção de Ray Charles “Drown in my own tears” . Mas Aretha também contribuiu para este álbum como compositora, com as músicas “Don't Let Me Lose This Dream”, “Baby, Baby, Baby, Save Me” e “Dr. “Feelgood (O amor é um negócio sério)” .

É produzido por Jerry Wexler , frequentador assíduo de Aretha e responsável por seu som anterior na gravadora Columbia. Não contém nenhuma colaboração vocal, exceto os backing vocals das irmãs Franklin (Carolyn e Erma).

Aretha Franklin – The Gospel Soul Of Aretha Franklin (1957)

Aretha Franklin é uma das gigantes da soul music em particular e da música do século XX em geral. Nascido em 25 de março de 1942 em Memphis. Ela ganhou 19 prêmios Grammy, incluindo o “Legend Award” em 1991. Em 1987, ela foi a primeira mulher a ser introduzida no Hall da Fama do Rock and Roll , e em 2005 a revista Rolling Stone a classificou em 9º lugar entre os “100 Maiores Artistas de Todos os Tempos”. “Tempo” melhores artistas de todos os tempos” ; sendo a primeira mulher da lista.
O estado de Michigan (EUA) declarou sua voz um “tesouro natural” e ela foi a primeira mulher negra a aparecer na capa da revista Time.

Suas raízes no evangelho são profundas. Com suas irmãs Carolyn e Erma, ela cantou na igreja de seu pai, o reverendo C.L. Franklin, em Detroit. De fato, sua primeira gravação (que apresentamos aqui) foi feita aos 14 anos de idade. Em 1960, ela viajou para Nova York para fazer aulas de técnica vocal e dança. Durante esse tempo, ele começou a gravar demos para enviar às gravadoras.

Este álbum foi gravado originalmente em 1956 e lançado um ano depois. Apresenta belas canções do gênero cantadas (acompanhando-se ao piano) pela criança prodígio que mais tarde se tornaria uma das melhores cantoras de todos os tempos.

Lista de faixas:

01. There Is A Fountain Filled With Blood
02. Precious Lord (Part 1)
03. Precious Lord (Part 2)
04. You Grow Closer
05. Never Grow Old
06. The Day Is Past And Gone
07. He Will Wash You
08. White As Snow
09. While The Blood Runs Warm
10. Yield Not To Temptation

Aretha Franklin – The Great American Songbook (2011)

Aretha Franklin é – nem preciso dizer – uma das gigantes da soul music e compartilhamos alguns de seus trabalhos  . Mas ele também se aventurou em outros gêneros ao longo de sua carreira. Com este álbum, no qual ela aborda clássicos da música americana, Aretha demonstra mais uma vez por que ela é uma das maiores cantoras de todos os tempos. De padrões de jazz a clássicos do bebop e gospel, sua voz nos transporta a um nível de simples prazer. Não só pelas melodias, mas pela forma como elas são transformadas pela voz de Aretha . Estão presentes Billy Strayhorn, Cole Porter, Irving Berlin, os irmãos Gershwin, Oscar Hammerstein, Johnny Mercer, Jerome Kern e Hank Williams . Mas acima de tudo, está Aretha Franklin , mais uma vez…

Arcade Fire – Funeral (2004)

“Arcade Fire” é uma banda canadense composta pelo cantor, guitarrista, baixista e pianista Win Butler, um americano do Texas, sua esposa, a multi-instrumentista e cantora Régine Chassagne (bateria, xilofone, piano, sintetizadores) o guitarrista Richard Parry, o baixista Tim Kingsbury e o multi-instrumentista Will Butler, irmão de Win. Eles são acompanhados por outros músicos especializados em instrumentos de corda.
O grupo, influenciado por David Bowie, Talking Heads, Roxy Music e Flaming Lips, foi formado em Montreal em 2003, depois que Régine e Win se conheceram um ano antes em uma exposição de arte, quando Régine era estudante na Universidade Concordia.

Eles assinaram com a gravadora Merge Records e gravaram um EP autoproduzido e autointitulado, “Arcade Fire” (2003), que reuniu suas propostas experimentais de indie rock.

Em setembro do ano seguinte lançariam seu primeiro LP, “Funeral” (2004), álbum apresentado com o single “Neighborhood #1 (Tunnels)” que se tornou uma das revelações do ano.

“Funeral” é considerado por David Bowie, uma das principais referências sonoras do álbum, o melhor álbum de 2004. Pode não ser. Talvez sim. O certo é que este é um primeiro álbum fenomenal, altamente recomendado, envolto em tons frios e invernais, com grande riqueza instrumental e notável intensidade emocional na exposição de relações interpessoais e reflexões sobre a vida e a morte.

“Neighborhood#1 (Tunnels)” se desenrola com um conceito artístico, um tom épico e afetado com boas imagens e ímpeto sensorial, uma história de amor entre dois vizinhos que se comunicam através de um túnel para consumar seu relacionamento.
Apresenta uma alta densidade de texturas com um piano proeminente e um ritmo moderno em crescendo em seu andamento, com o uso de sintetizadores etéreos e cantos quase operísticos.

“Neighborhood (Laika)” foca em problemas familiares, apresentando um irmão mais velho muito problemático. Uma mistura energética de acordeão que lembra atmosferas francesas, acordes de guitarra e cordas cortantes, a peça, muito parecida com Talking Heads, é liderada por uma percussão tribal predominante. Os vocais são executados nos versos com harmonias estridentes.

“An Anne Without Light” parece usar a metáfora da escuridão e das sombras para abordar a cegueira de um pai que prefere não descobrir sobre o relacionamento emocional de sua filha. É um mid-tempo lindo, com uma atmosfera bem conseguida, com guitarras e vozes calmas e uma parte final de maior intensidade rock.
Apoio harmônico de Régine para um Butler semelhante a David Byrne, cantando partes dos versos interpretadas em francês.

Em “Neighborhood (Power Out)” há um contraste com o tema e a música. A letra parece reclamar de insensibilidade, frieza e conforto urbano, enquanto o ritmo instrumental é tudo menos frio.
O ritmo é muito energético, lembrando o New Order, e uma parede sonora construída com guitarras agitadas, uma bateria suave e um xilofone proeminente e cativante.

“Neighborhood (7 Kettles)” é uma gradação desiludida sobre o tempo e a escassa invariabilidade da vida. É uma balada melódica, uma canção folclórica orquestral com percussão estrondosa, que pode lembrar “Hunky Dory” de Bowie ou as peças acústicas do “Álbum Branco” dos Beatles.
Tem até um ar oriental com uma iteração sonora quase mantra.

“Crown of Love” é uma canção sobre um pedido de amor diante da indiferença e da falta de especificidade em seu objetivo sentimental. Esta é outra balada com arranjos de cordas, mais melodramática, que tanto parece uma valsa quanto lembra uma balada do final dos anos 50.
A canção culmina, numa mudança abrupta e surpreendente de registo, com uma coda animada que poderia ser assinada por O próprio ABBA.

“Wake up”, uma música de andamento médio com um riff de hard rock, acompanhamento orquestral e coros épicos, parece focar na perda da inocência infantil e na acomodação vital com um destino inevitável: a morte. Também muito ao estilo David Bowie.

Em “Haiti”, a voz principal é de Régine de Chassagne. É um corte com ares quentes do Caribe, até mesmo folk-pop à la Simon & Garfunkel, com um aspecto autobiográfico sobre a estadia da família do cantor no Haiti.

“Rebellion (Lies)” acelera o ritmo com uma magnífica e penetrante peça de art-rock centrada no sono (morte?) como uma fuga. O baixo forte marca o ritmo antes da entrada de um piano insistente e da voz de Butler com um progresso rítmico fenomenal, muito propício para dançar, com guitarras, pianos, bateria, sintetizadores e legados de Bowie, T. Rex ou Roxy Music.

O álbum fecha com “In the backseat”, canção cantada novamente por Régine (com estilo e voz muito próximos de Bjork) exibindo uma metáfora sobre o abandono de responsabilidades e riscos (morte de novo?) e permanência em segundo plano com viagens pacificamente no banco de trás de um carro enquanto outro dirige.
Uma balada vaporosa e sutil, com um tom melancólico, com um lindo violino de Sarah Newfield e a inclusão ocasional de algumas guitarras apaixonadas. Um tema que se torna mais pronunciado em todos os seus aspectos à medida que os segundos passam até atingir um clímax intenso.
Uma grande estreia.

***

Lista de faixas:

01. Neighborhood #1 (Tunnels)
02. Neighborhood #2 (Laïka)
03. Une Année Sans Lumiere
04. Neighborhood #3 (Power Out)
05. Neighborhood #4 (7 Kettles)
06. Crown Of Love
07. Wake Up
08. Haiti
09. Rebellion (Lies)
10. In The Back Seat

Antony And The Johnsons – Singles-B side and Duets (2008)

Um álbum que você não pode perder!

Não sei se você conhece Antony & The Johnsons. Fiz essa coletânea porque admiro muito essa cantora. Descobri isso há cerca de um ano e meio e fiquei fascinado. De 2000 até hoje, Antony gravou apenas dois álbuns e alguns singles. O primeiro álbum, “Antony & The Johnsons”, é praticamente perfeito, mas sua obra-prima absoluta é “I Am a Bird Now”, que para mim é o álbum mais lindo que ouvi nos últimos 10 anos. No começo eu não prestava muita atenção na música deles... digamos que eu gostava, mas ainda não tinha entendido o significado profundo de suas atmosferas mágicas. Esta coletânea contém quase todos os seus dois primeiros álbuns, além de alguns singles e duetos com Bjork, Marc Almond e Lou Reed, resultando em um projeto muito peculiar com Hercules & Love Affair, no qual ela até se aventura em peças de dança. Como faixa bônus, incluí (esperando não parecer presunçoso) um remix que fiz ano passado.
Espero que gostem.

(Texto em italiano nos “Comentários”)

Antony and the Johnsons é um grupo musical de Nova York liderado pelo cantor e pianista Antony Hegarty, que também é o compositor de todas as suas músicas. Mais do que um grupo no sentido clássico, o The Johnsons pode ser considerado a banda de apoio de Antony, que dá toda a personalidade ao projeto. O grupo era composto por Julia Kent (violoncelo), Todd Cohen (bateria), Jeff Langston (baixo), Joan Wasser (violino, voz e percussão), Maxim Moston (violino) e Rob Moose (guitarra e violino).
A personalidade do grupo está indiscutivelmente ligada à de Antony, cuja voz incomum o liga a artistas como Nina Simone e Aaron Neville, dos Neville Brothers. Sua música, que conta com acompanhamento de piano além da voz, o aproxima de gêneros como o jazz e o soul mais intimista. Suas letras também se caracterizam por abordar diversos aspectos da vida transexual, já que Antony se considera como tal. Algumas de suas músicas com esse tema são My Lady Story ou For Today I'm a Boy, nas quais um menino sonha em crescer e se tornar uma mulher.
O primeiro trabalho da banda, que leva o mesmo nome, foi lançado em 1998, depois que David Tibet, membro do Current 93, ouviu a demo e decidiu contratá-los para sua gravadora Durtro. Em 2001, eles gravaram um EP intitulado I Fell in Love with a Dead Boy, que chegou aos ouvidos de Lou Reed, que imediatamente recrutou Antony para colaborar em seu álbum de 2003, The Raven. O próximo EP do grupo, intitulado The Lake, seria seu primeiro lançamento pelo selo Secretly Canadian, e nele Reed mais uma vez colaborou com Antony em uma das músicas.
Seu segundo álbum, lançado em 2005 e intitulado I Am a Bird Now, se tornou um grande sucesso de crítica e abriu as portas para um público maior, alcançando a quinta posição nas paradas do Reino Unido. O álbum, além de uma nova colaboração com Lou Reed, também conta com a colaboração de colegas de mesma geração, como Rufus Wainwright e Devendra Banhart, e de seu ídolo adolescente Boy George, com quem ela faz um dueto na música You Are My Sister. Por este álbum, eles foram premiados com o Mercury Music Prize naquele mesmo ano, criando uma polêmica quando os Kaiser Chiefs, seus rivais pelo prêmio, declararam que Antony não deveria ser considerado um artista britânico, já que ele passou a maior parte de sua vida nos Estados Unidos. . . Além deste prêmio, ele também foi indicado ao prêmio de Melhor Cantor Masculino no Brit Awards e seu álbum apareceu em todas as listas de melhores álbuns de revistas de música, incluindo a publicação britânica Mojo, que o escolheu como álbum do ano.
Suas canções lhe renderam a admiração de muitas pessoas famosas, incluindo, além dos inúmeros artistas com quem colaborou, Dennis Hopper, Kate Bush e Laurie Anderson, que disse dele que todas as emoções do planeta estão em sua voz incrível.

***

Lista de faixas:

1. Hope there’s someone (single 2005)
2. My lady story (2005)
3. Men is the baby (2005)
4. Cripple And The Starfish (single 2000)
5. You are my Sister (with Boy George) (single 2005)
6. Bird Guhl (2005)
7. Deeper than love (2000)
8 I Fell in Love With a Dead Boy (single 2001)
9. Twilight (2000)
10. Fistfull of love (with Lou Reed) (2004)
11. The Lake (first version 2002)(ep Live at St Olaves Church London)
12. Rapture (2000)
13. The Dule of Desire (with Bjork) (2007)
14. Time Will (Hercules & Love Affair) (2008)
15. The ballad of the sad young men (with Marc Almond)(2007)
16. I wanna Know (with Lou Reed) (2003)
17. Atrocities (2000)
18. The Horror has Gone (b side The lake) 2004