The Astronauts - Competition Coupe (Rare Surf US 1964)

 

Para seu segundo long-player, os Astronauts ficaram nitidamente mais ambiciosos, e com bons resultados. O canto harmônico, embora não seja páreo para os Beach Boys ou Jan & Dean, está muito melhor desta vez, especialmente na faixa-título e "Our Car Club" (que são muito divertidas para começar). E sua execução também é mais ousada, com o resultado de que o segundo álbum do grupo ainda é uma boa audição cinco décadas depois. 

Assim como seu antecessor, este disco nunca é chato e nunca se acomoda. Para este álbum, eles contam com o ex-aluno de Duane Eddy, Steve Douglas, para muito do material, e quase tudo funciona, com apenas alguns momentos que são menos do que estimulantes — e uma composição de Roger Christian/Steve Douglas, "Chevy Scarfer", já era uma homenagem amorosamente nostálgica ao doo wop em 1964 que se mantém ainda melhor nessa veia no século XXI. A execução ainda é melhor do que o canto, mas tudo é incrivelmente valioso e profundamente evocativo de sua época.

The Astronauts foi uma banda americana de rock and roll, que teve um pequeno sucesso em 1963 com "Baja" e continuou bem-sucedida por vários anos, especialmente no Japão. Eles foram descritos como sendo, "junto com... (os) Trashmen, o principal grupo de surfe do Centro-Oeste dos anos 60". Durante a maior parte de sua carreira, os membros da banda foram Rich Fifield, Jon "Storm" Patterson, Bob Demmon, Dennis Lindsey e Jim Gallagher. The Astronauts se desenvolveu a partir de um grupo, The Stormtroopers, que foi originalmente formado na Boulder High School, Boulder, Colorado em 1956 por Jon "Storm" Patterson (vocal, guitarra), Robert Graham "Bob" Demmon (11 de fevereiro de 1939 - 18 de dezembro de 2010) (guitarra) e Brad Leach (bateria). Em 1961, eles se tornaram The Astronauts após adicionar Richard Otis "Rich" Fifield (vocal, guitarra) e Dick Sellars (guitarra), a mudança do nome da banda reconhecendo as conotações fascistas do nome anterior e para prestar homenagem ao herói local, o astronauta Scott Carpenter. Patterson mudou para o baixo, Leech foi substituído na bateria por Jim Gallagher, e logo depois Sellars saiu para se juntar à Marinha dos EUA, sendo substituído por Dennis Lindsey. 

Com uma formação de Demmon, Patterson, Fifield, Lindsey e Gallagher, a banda ganhou uma forte reputação local, excursionou até Chicago e Dallas, Texas, e lançou seu primeiro single, "Come Along Baby", em 1962, no pequeno selo Palladium. Eles assinaram com a RCA Records depois que um executivo da gravadora ficou impressionado com sua apresentação em uma boate local, a Tulagi. Seu primeiro single na RCA foi "Baja", um instrumental escrito por Lee Hazlewood originalmente para seu amigo, o guitarrista Al Casey. Lançada pelos The Astronauts no início de 1963, a faixa foi descrita como "um instrumental típico de surf com uma guitarra vibrante e com reverberação pesada e uma batida de bateria forte", e alcançou a posição # 94 na Billboard Hot 100 por apenas uma semana, o auge de sua carreira nas paradas dos EUA.  No entanto, eles lançaram uma sucessão de singles adicionais pela RCA, em uma tentativa da gravadora de emular o sucesso dos Beach Boys e outros grupos relacionados à surf music nas paradas da época. De acordo com o crítico Richie Unterberger, "o grupo brilhou mais intensamente em seus instrumentais, que usaram montes de reverb Fender e duas guitarras base; quando eles cantaram, os resultados foram muito menos bem-sucedidos." 

Japão Single 1964

Patterson e Fifield dividiram os vocais principais, e a banda gravou músicas de Roger Christian, Gary Usher, Dick Dale e Henry Mancini, entre outros. Fifield, o guitarrista principal, usou um Fender Jazzmaster nas gravações, com um protótipo inicial de unidade de reverb emprestado pessoalmente ao grupo por Leo Fender. A música de 1965 "Tomorrow's Gonna Be Another Day" foi regravada pelos Monkees em 1966. Além de uma sucessão de singles e EPs, a banda lançou quatro LPs ao longo de nove meses, começando em maio de 1963: Surfin' with The Astronauts – que alcançou a posição # 61 na parada de álbuns da Billboard 200 – Everything Is A-OK! (gravado ao vivo no Club Baja em Denver, Colorado), Competition Coupe e The Astronauts Orbit Campus (gravado ao vivo em Boulder). Eles apareceram várias vezes no programa de TV Hullabaloo e têm a distinção de aparecer em mais filmes de festas na praia do que qualquer outra banda de surf: Surf Party, Wild on the Beach, Wild Wild Winter e Out of Sight. 

Sobre a performance da banda em Surf Party, de 1964, o livro Pop Surf Culture afirma que "The Astronauts tocam um instrumental pesado e carregado de reverb chamado 'Firewater', e sua música tema 'Surf Party' é um dos melhores instrumentais de surf já gravados." (Veja Filmografia, abaixo) Em 1964, sua gravadora descobriu que eles tinham uma crescente base de fãs no Japão, onde venderam mais que The Beach Boys e fizeram turnês com The Ventures. Cinco álbuns e três singles chegaram ao top 10 lá, com "Movin'" - renomeado como "Over The Sun" - alcançando o número um no país. No total, eles gravaram nove álbuns. Gallagher e Lindsey foram convocados para o Vietnã antes do último álbum, Travelin' Men em 1967, e foram substituídos por Mark Bretz e Rod Jenkins, respectivamente. Demmon também saiu, sendo substituído por Robert Carl McLerran, antes de Fifield e Patterson finalmente decidirem encerrar o nome da banda após uma turnê pela Ásia em 1968.

01. Little Ford Ragtop  02:07
02. Competition Coupe  02:21
03. The Hearse  02:18
04. '55 Bird  01:52
05. Devil Driver's Theme  02:11
06. Happy Ho-Daddy  02:16
07. Our Car Club  02:25
08. Devil Driver  02:11
09. Chevy Scarfer  01:57
10. 4:56 Stingray  02:00
11. El Aguila (The Eagle)  02:00
12. 650 Scrambler  01:54

Pink Floyd - Live At The BBC 1974 (Bootleg)

 

Ao condensar as explorações sonoras de Meddle em músicas reais e adicionar uma produção exuberante e imaculada às suas seções instrumentais mais alucinantes, o Pink Floyd inadvertidamente projetou seu sucesso comercial com Dark Side of the Moon. A principal revelação de Dark Side of the Moon é o que um pouco de foco faz pela banda. Roger Waters escreveu uma série de músicas sobre detalhes mundanos e cotidianos que não são tão impressionantes por si só, mas quando recebem o pano de fundo sonoro das paisagens sonoras lentas e atmosféricas do Floyd e efeitos sonoros cuidadosamente colocados, elas alcançam uma ressonância emocional. 

Mas o que dá ao álbum o verdadeiro poder é a música sutilmente texturizada, que evolui do pesado e neo-psicodélico art rock para o jazz fusion e blues-rock antes de retornar à psicodelia. É denso com detalhes, mas com ritmo vagaroso, criando seu próprio mundo sombrio e assustador. O Pink Floyd pode ter álbuns melhores do que Dark Side of the Moon, mas nenhum outro disco os define tão bem quanto este. Algumas bandas se transformam em abreviações para um certo som ou estilo, e o Pink Floyd pertence a esse grupo de elite. O próprio nome conota algo específico: um som elástico, ecoante e alucinante que evoca os abismos do espaço. O Pink Floyd fundamentou esse som ilimitado com explorações exigentes de questões mundanas de ego, mente, memória e coração, abordando a loucura, a alienação, o narcisismo e a sociedade em seus álbuns conceituais dos anos 70. Desses álbuns conceituais, Dark Side of the Moon foi o que teve maior repercussão, conquistando novos públicos ano após ano, década após década, e sua longevidade faz sentido. 

Aquele álbum conceitual de 1973 destilou a psicodelia selvagem de seus primeiros anos — aquele breve e inebriante período em que eles eram liderados por Syd Barrett — em um épico lento, esculpido e widescreen, idealizado por Roger Waters, o baixista que foi o líder de fato da banda nos anos 70. Waters alimentou os anos dourados da banda, concebendo épicos como Wish You Were Here e The Wall, mas a banda sobreviveu à sua saída nos anos 80, com o guitarrista David Gilmour assumindo a liderança em A Momentary Lapse of Reason e The Division Bell.  Ao longo dos anos, o baterista Nick Mason e o tecladista Rick Wright apareceram em alguma capacidade, e a assinatura sonora da banda sempre foi evidente: um som amplo e expansivo que era instantaneamente reconhecível como deles, mas foi adotado por todos os tipos de bandas, de metaleiros adoradores de guitarra a duplas hippies e eletrônicas ambientais. Diferentemente de quase todos os seus pares, o Pink Floyd tocou para ambos os lados: eles estavam enraizados no blues, mas seu coração pertencia ao futuro, uma dicotomia que os tornou uma banda essencialmente moderna do século XX.

The Piper at the Gates of Dawn Essa influência do blues, rapidamente sublimada e apenas aparecendo no solo de guitarra ocasional de Gilmour, foi a base para o próprio nome da banda, já que o grupo decidiu unir os nomes de dois antigos bluesmen — Pink Anderson e Floyd Council — como um tributo à música americana que eles tanto amavam. Esses membros do início do Floyd — o guitarrista/vocalista Syd Barrett, o baixista Roger Waters, o tecladista Rick Wright e o baterista Nick Mason — eram todos estudantes de arquitetura na London Polytechnic, com exceção de Barrett, que era um estudante de arte e amigo de Waters desde a infância. Essa versão da banda começou a se apresentar regularmente em 1965, com Barrett se tornando o vocalista do grupo bem rápido.  Durante esse tempo, o grupo confiou em covers de blues e R&B, não muito diferente de muitos de seus colegas britânicos, mas eles acabaram estendendo o tempo de seus sets por meio de jams instrumentais estendidas, plantando as sementes do rock espacial que dariam frutos não muito depois. Durante 1966, os sets cada vez mais aventureiros do grupo se tornaram uma espécie de sensação no underground de Londres, levando a um contrato com a EMI no início de 1967. Seu primeiro single, "Arnold Layne", acompanhado de "Candy and a Currant Bun", apareceu em março de 1967, e foi banido de algumas estações de rádio devido às suas letras que distorciam o gênero, mas o single acabou no Reino Unido. 

O Top 20 e o segundo single do grupo, "See Emily Play" — um stomp ameaçador e cortante com uma influência profunda e duradoura — entraram no Top 10, abrindo caminho para o lançamento de The Piper at the Gates of Dawn. Em seu LP completo, o Pink Floyd se voltou para o experimental e avant-garde, particularmente nas vamps elásticas e amplamente instrumentais "Astronomy Domine" e "Interstellar Overdrive", resultando em um álbum que teve uma influência significativa não apenas em seu lançamento, mas muito além. Também foi um sucesso no Reino Unido, alcançando a sexta posição nas paradas britânicas. Esta foi uma corrida repentina para o estrelato e as complicações surgiram quase tão rapidamente. Pouco depois do lançamento de Piper, Barrett começou a mostrar sinais claros de doença mental, a ponto de frequentemente congelar no palco, sem tocar uma nota. Nesse ponto, David Gilmour — um amigo e associado da banda — foi trazido como segundo guitarrista, com a intenção de que ele reforçasse as performances ao vivo do grupo enquanto Barrett continuava a compor e gravar novo material. Isso logo provou ser uma situação impossível, e Barrett deixou o grupo, momento em que a gerência da banda também pulou do barco, deixando a banda sem nenhum tipo de líder.

A Saucerful of Secrets Após a saída de Barrett, os membros restantes do Pink Floyd desenvolveram uma identidade musical diferente, expansiva e assustadora, caracterizada pelas explorações espaciais e sombrias da banda e, eventualmente, pelas letras cortantes e sarcásticas de Waters. Essa transição levou algum tempo. Em 1968, eles lançaram A Saucerful of Secrets, que continha a composição final de Barrett para o grupo "Jugband Blues" e encontrou o grupo avançando, particularmente nas seções instrumentais.  A Saucerful of Secrets também viu o grupo começar uma longa e frutífera colaboração com a equipe de design de Storm Thorgerson, Hipgnosis; eles acabariam projetando muitas capas de álbuns icônicas para a banda, incluindo Dark Side of the Moon e Wish You Were Here. A Hipgnosis enfatizou a arte do álbum, e os álbuns são onde o Pink Floyd se concentrou a partir deste ponto em diante. Após a trilha sonora de More, o grupo mudou-se para o selo de rock progressivo Harvest da EMI e se tornou o artista principal da gravadora a partir do LP duplo Ummagumma de 1969. Dividido entre apresentações ao vivo e composições experimentais de cada membro, o disco acabou no Top 10 na Grã-Bretanha e plantou as sementes de um culto de seguidores nos Estados Unidos. Atom Heart MotherO próximo álbum do Pink Floyd, Atom Heart Mother, contou com extensas contribuições do compositor Ron Geesin e acabou como o primeiro álbum número um da banda no Reino Unido. A banda embarcou em uma extensa turnê de apoio ao álbum e, quando retornaram, mergulharam ainda mais na experimentação de estúdio, aprendendo os contornos do estúdio. Seu próximo álbum de estúdio, Meddle de 1971, deu frutos desse trabalho, assim como Obscured by Clouds de 1972, que foi efetivamente uma trilha sonora para o filme La Vallee de Barbet Schroeder. 

Todos os experimentos do início dos anos 70 foram consolidados em seu álbum Dark Side of the Moon de 1973, um álbum para o qual simplesmente não havia precedentes em seu catálogo. Aprofundando sua música enquanto aprimorava sua composição, Floyd criou um álbum complexo e luxuoso com espaço e profundidade infinitos. Parcialmente ajudado pelo single "Money", foi um sucesso imediato, alcançando o primeiro lugar nas paradas da Billboard dos EUA e chegando ao segundo lugar no Reino Unido, mas o que foi impressionante foi sua longevidade. Dark Side of the Moon encontrou espaço nas paradas da Billboard e então ficou lá, semana após semana, durante anos - um total de 741 semanas no total (quando finalmente saiu das paradas, a Billboard começou as paradas do catálogo, onde Dark Side também era uma presença constante). Dark Side of the Moon era um grampo nas rádios de rock clássico, mas também era um rito de passagem, um álbum passado para adolescentes quando eles estavam se voltando para a música séria, e foi um álbum que ficou com os ouvintes à medida que envelheciam. Animals Agora superstars consagrados, o Pink Floyd se aprofundou em Wish You Were Here, sua sequência de 1975 para Dark Side of the Moon, que funcionou como um tributo de um álbum a Syd Barrett. Comparado a Dark Side, Wish You Were Here não foi exatamente um sucesso de bilheteria, mas certamente foi um sucesso, estreando em primeiro lugar no Reino Unido e atingindo esse pico nos EUA também. 

O Floyd continuou a fazer turnês de forma constante, frequentemente trabalhando em novos materiais na estrada. Isso é particularmente verdadeiro para Animals, de 1977, que teve suas raízes em várias músicas tocadas durante a turnê de 1975. Durante a turnê Animals, Waters teve uma experiência difícil com uma multidão de Montreal, onde cuspiu em um provocador, e usou esse incidente como a gênese para a ópera rock de 1979, The Wall. Coproduzido por Bob Ezrin, The Wall pode ser o álbum mais ambicioso do Floyd, contando uma história semiautobiográfica sobre um astro do rock danificado, e é um dos discos de maior sucesso da banda, liderando as paradas ao longo dos anos 80 e se tornando uma música pop perene ao longo das linhas de Dark Side.  Parte de seu sucesso em 1980 foi devido a "Another Brick in the Wall, Pt. 2", onde um motivo instrumental do álbum recebeu uma batida disco e um toque antiautoritário, levando a um verdadeiro single de sucesso número um de uma banda. Certamente, o single teve mais a ver com o sucesso do álbum do que com a produção ao vivo do álbum, já que o Pink Floyd só fez um punhado de datas em grandes cidades. No entanto, esses shows, consistindo de uma parede sendo construída no palco durante o primeiro ato e a banda se apresentando atrás dela durante o segundo, eram lendários (Waters reviveria e atualizaria a produção anos depois com grande sucesso).

The Final CutO Pink Floyd tentou filmar The Wall para um documentário, mas a filmagem foi malfeita, então eles decidiram fazer um longa-metragem dirigido por Alan Parker e apresentando Boomtown Rat Bob Geldof no papel principal. The Wall chegou aos cinemas em 1982 e se tornou um grampo de filme de meia-noite. Um ano depois, The Final Cut — mais um trabalho autobiográfico de Waters, seu título uma crítica furtiva às suas batalhas com Parker no filme — chegou e não chegou nem perto de igualar o sucesso nas paradas de nenhum de seus antecessores. 
Nos bastidores, as coisas estavam tensas. Rick Wright foi demitido durante a produção de The Wall — ele foi contratado como músico contratado durante a gravação e turnê — e Waters se separou após o lançamento de The Final Cut, presumindo que era o fim da banda. Waters lançou seu primeiro álbum solo, The Pros and Cons of Hitchhiking — uma música que foi proposta ao Floyd em 1978, mas a banda escolheu The Wall — em 1984 e, pouco tempo depois, Gilmour e Mason indicaram que pretendiam continuar como Pink Floyd, então o baixista processou a dupla pelos direitos do nome Pink Floyd. 

Waters perdeu e o Pink Floyd lançou A Momentary Lapse of Reason em 1987, poucos meses depois de Waters lançar seu próprio Radio KAOS. O ressentimento era evidente — camisetas na turnê de Waters traziam a pergunta "Qual é o rosa?", uma letra antiga que agora tinha maior ressonância — mas o Pink Floyd saiu vitorioso, quando A Momentary Lapse of Reason se tornou um sucesso internacional, e junto com ele acumulou alguns singles de sucesso, incluindo "Learning to Fly", que foi apoiado pelo primeiro videoclipe da banda. Mais importante, a banda acumulou retornos significativos de bilheteria na turnê, tocando em estádios lotados ao redor do mundo. Esta turnê foi documentada no álbum ao vivo Delicate Sound of Thunder. Pulse O sucesso de A Momentary Lapse of Reason permitiu que o Pink Floyd ditasse sua própria agenda e eles levaram seu tempo para retornar com um novo álbum, eventualmente surgindo em 1994 com The Division Bell. Recebido por críticas mais calorosas do que seu antecessor, The Division Bell foi outro sucesso internacional, e a turnê que o acompanhou — que contou com uma apresentação da totalidade de The Dark Side of the Moon — foi um sucesso estrondoso. Como antes, a turnê foi documentada com um álbum ao vivo — este se chamava Pulse, embalado em uma arte atraente com uma luz LED pulsante — e teve um desempenho respeitável. Depois disso, o Pink Floyd entrou em aposentadoria efetiva. O grupo foi introduzido no Hall da Fama do Rock & Roll em 1996, enquanto Gilmour lançou alguns álbuns solo, incluindo o aclamado On an Island, mas a maioria de seus esforços foi dedicada a gerenciar seu catálogo. Há muito tempo uma banda amada de audiófilos, o grupo viu seu catálogo encaixotado e remasterizado várias vezes, incluindo mixagens 5.1 em SACD no início dos anos 2000.

À medida que o novo milênio avançava, uma détente surgiu entre os campos de Floyd e Waters, culminando em uma reunião inesperada da formação original de Waters, Gilmour, Mason e Wright no show beneficente Live 8 de 2005. A reunião foi um sucesso estrondoso, gerando rumores de um arranjo mais permanente, mas Gilmour recusou. Em vez disso, Waters intensificou sua turnê — ele tocou Dark Side na íntegra, depois voltou sua atenção para The Wall, fazendo turnê por anos.  Gilmour e Mason acabaram aparecendo em um show em Londres em 2011, sinalizando que não havia má vontade entre os membros. Barrett faleceu em 2006 de câncer e, em 2008, Wright também morreu da doença. Em 2011, o Pink Floyd lançou um ambicioso projeto de reedição chamado Why Pink Floyd…? liderado por reedições em box set com vários discos e raridades de Dark Side of the Moon, Wish You Were Here e The Wall; entre os exclusivos recém-lançados estava o mix original de Alan Parsons de Dark Side, faixas ao vivo fortemente pirateadas como "Raving and Drooling" e demos.  Três anos depois, em 2014, The Division Bell foi relançado para celebrar seu 20º aniversário, mas a maior novidade foi o anúncio de um novo álbum chamado The Endless River. Construído usando outtakes das sessões de gravação de The Division Bell de 1994, o álbum principalmente instrumental foi coproduzido por Gilmour, Phil Manzanera, Youth e Andy Jackson da Roxy Music, e contou com pesadas contribuições do falecido tecladista Rick Wright, junto com novos trabalhos de Gilmour e Mason. The Endless River foi lançado em novembro de 2014.
Pink Floyd - Live at BBC November 18 1974 (The Dark Side of The Moon Concert)

01. "Speak to Me" Mason Instrumental  02:33
02. "Breathe"  Waters, Gilmour, Wright Gilmour  03:01
03. "On the Run" Gilmour, Wateers   Instrumental  04:56
04. "Time" (containing "Breathe (Reprise)")  Mason, Waters, Wright, Gilmour Gilmour, Wright  06:30
05. "The Great Gig in the Sky"  Wright, Clare Torry[nb 11] Clare Torry  06:44
06. "Money"  Waters  Gilmour  07:58
07. "Us and Them"  Waters, Wright Gilmour, Wright  07:53
08. "Any Colour You Like"  Gilmour, Mason, Wright  Instrumental  03:42
09. "Brain Damage"  Waters Waters  03:42
10. "Eclipse"  Waters Waters  05:12
11. "Echoes"  23:29

Sweet - Strung Up (Live + Studio) Japan Edition 1975)

 

Strung Up é um álbum duplo ao vivo/compilação de 1975 do Sweet lançado pela RCA Records em 1975. O primeiro disco contém sete músicas gravadas ao vivo durante um show no Rainbow Theatre, Londres, em 21 de dezembro de 1973. O segundo contém dez seleções de suas músicas gravadas desde 1973, incluindo três músicas que não foram lançadas anteriormente em nenhum álbum, ("Burn On The Flame" e "Miss Demeanour"), mas apenas uma ("I Wanna Be Committed") é nova. O álbum também inclui uma mistura única de "Action" que chega a um fim abrupto e não inclui o eco final decadente das versões mais curtas do single e do álbum Give Us a Wink.

Strung Up não foi lançado originalmente nos Estados Unidos. No Japão, foi lançado pela Capitol Records sob o título Anthology. Na Itália, foi lançado como 2 álbuns separados - o conjunto de estúdio intitulado Strung Up (lançado em 1975) e o conjunto ao vivo intitulado Live In England (1976). No final de 1975, o Sweet não era mais o poder na terra do pop que eles pareciam ser. Fazia nove meses desde que eles se separaram dos compositores Nicky Chinn e Mike Chapman, com quem eles desfrutaram de um sucesso quase irrestrito - desde então, apenas "Fox on the Run" sugeriu que a própria destreza de composição do Sweet era vagamente capaz de competir com os mestres, e mais dois singles ("Action" e "The Lies in Your Eyes") surgiram como os piores esforços de desempenho da banda desde seus primeiros dias. Então, é hora de vasculhar o cofre e ver o que pode ser feito para salvar a situação. Chegou a hora de Strung Up, um álbum duplo composto por material ao vivo de três anos atrás, além de uma mistura de trabalhos de estúdio antigos e novos. 

As gravações de concertos são a revelação. Apesar de toda a sua reputação como meros fornecedores de tudo o que seus mestres de marionetes lhes ofereciam, o Sweet havia se desenvolvido em uma das bandas ao vivo mais emocionantes do circuito do Reino Unido em meados dos anos 70, tão sonoramente dinâmicas quanto visualmente atraentes. Não foi à toa que o show sexualmente carregado da banda foi banido de uma das principais redes de salões de baile do país; não foi à toa que Ritchie Blackmore se juntou a eles no palco na Califórnia uma noite. Não importa o quão longe sua coroa escorregasse em termos de paradas, em concerto o Sweet nunca o decepcionaria e, embora as fitas Strung Up datassem de 1973 e um show fenomenal no London Rainbow, elas não tinham datado nem um pouco.  Os cortes de estúdio são menos atraentes, concentrando-se principalmente nos lados B autocompostos que a banda insistiu por muito tempo, alguns singles recentes ("The Six Teens", "Fox on the Run" e "Action") e algumas músicas gravadas durante as sessões do último LP de estúdio da banda, Desolation Boulevard. Em termos modernos, é o tipo de compilação que formaria a base para um tremendo box set; na época, no entanto, falava mais da incerteza com que a gravadora da banda, se não os próprios membros da banda, viam o futuro. E, reveladoramente, afundou como uma pedra. 

Live album:
01. "Hellraiser" Nicky Chinn, Mike Chapman  03:51
02. "Burning"/"Someone Else Will"  05:41
03. "Rock 'n' Roll Disgrace"  04:08
04. "Need a Lot of Lovin'"  02:52
05. "Done Me Wrong Alright"  08:06
06. "You're Not Wrong for Lovin' Me"  03:10
07. "The Man with the Golden Arm" Elmer Bernstein, Sylvia Fine  07:50

Compilation album: 
08. "Action"  03:43 
09. "Fox on the Run"  03:22
10. "Set Me Free" Scott  03:56
11. "Miss Demeanour"  03:26
12. "Ballroom Blitz"  Chinn, Chapman  04:00
13. "Burn on the Flame"  03:34
14. "Solid Gold Brass"  05:27
15. "The Six Teens"  Chinn, Chapman  03:58
16. "I Wanna Be Committed"  Chinn, Chapman  04:01
17. "Blockbuster"  Chinn, Chapman  03:12

Bonus Track:
18. "A.C.D.C."

Guns 'N' Roses - (some songs from) Appetite For Democracy (US 2014)

 

A Chinese Democracy Tour foi uma turnê mundial da banda de hard rock Guns N' Roses para promover o álbum Chinese Democracy, há muito adiado. A turnê começou em 2001. Naquele ano, a banda tocou três datas nos EUA e uma no Brasil, enquanto sua turnê de 2002 incluiu datas na Ásia, América do Norte e algumas na Europa. A banda não fez turnê novamente até maio de 2006, quando fez turnê pela América do Norte novamente e fez uma grande turnê pela Europa. A turnê da banda continuou em 2007 com shows na Austrália, Nova Zelândia, Japão e México.

Seu primeiro show após o lançamento de Chinese Democracy em 2008 foi em Taiwan em 11 de dezembro de 2009. No mesmo mês, o grupo tocou na Coreia do Sul pela primeira vez, assim como duas datas no Japão. Desde 2010, a turnê continuou com shows na América do Norte, América do Sul/Central, Europa e Austrália. No final de 2010, toda a turnê atraiu um público total de cerca de 4.000.000 de pessoas. A turnê de dez anos chegou ao fim no último dia de 2011, com um show de Ano Novo em Las Vegas. Rumores começaram em fevereiro de que o Guns N' Roses se apresentaria na Espanha e na Itália em junho, e continuaram durante o ano com comentários de Irving Azoff sobre uma Summer Stadium Tour, mas nada aconteceu.

Em 10 de novembro de 2009, após especulações sobre shows no Japão, a banda anunciou em seu MySpace quatro datas na Ásia e treze no Canadá. Mais datas foram adicionadas posteriormente para a América do Sul e Europa. Em 15 de agosto de 2010, um aviso de cancelamento para os shows restantes da turnê foi postado no Twitter de Rose. A declaração seria posteriormente refutada no Twitter e Facebook oficiais do Guns N' Roses, com alegações de que os tweets estavam sendo investigados. Várias horas depois, a banda confirmou que a conta de Axl havia sido hackeada, e a banda de fato continuaria a turnê.

Após os eventos que ocorreram no Reading Festival, onde os organizadores desligaram o set porque passaram do horário de recolher, Axl Rose divulgou a seguinte mensagem por meio de sua conta no Twitter: “Nossos horários de início nos festivais de Reading e Leeds não tiveram nada a ver conosco, pois as bandas anteriores (que eram ótimas, por sinal) saíram do palco quando saíram e nós continuamos dentro do nosso período de transição contratado e documentado. Qualquer outra bobagem que alguém escolher escrever pareceria intencionalmente falsa.   Ter os fãs ou nosso show penalizados pela forma como o evento foi realizado ou simplesmente pelo fluxo natural dos eventos naquelas noites e por uma quantidade mínima de horas extras, juntamente com distorções e falsidades da mídia, do promotor e/ou organizadores do evento em relação aos eventos parece um pouco draconiano e mais do que injusto para os fãs. Uma pergunta simples: se você está ciente do nosso horário de transição, da duração média do nosso show e da natureza geral de como esses tipos de festivais são realizados, tudo isso não é nenhum grande segredo... por que nos contratar?

É simplesmente porque a escalação em nossas noites em ambos os festivais vendeu bem? Então é uma forma de ganhar dinheiro sem respeito pelos fãs ou pela banda e de alguma forma um inconveniente indesejado para as cidades e a polícia? Se não somos desejados e estamos sendo usados ​​apenas para encher os bolsos de outra pessoa ou para forragem fictícia de tabloides às custas dos fãs e de nós, estamos bem em ir para outro lugar. Deus nos livre de nos forçarmos a alguém. Não é esse tipo de festa.

Eu não organizei, organizei, autorizei, tive conhecimento ou mesmo fui consultado sobre nossa reserva para esses shows até depois do fato, nem escolhi trabalhar com ninguém que eu conheça além do nosso empresário que estava envolvido na organização dessas datas.  No entanto, parece que somos incrivelmente frequentemente obrigados legalmente a honrar tais arranjos, seja contra nossa vontade ou melhor julgamento. É simples e infelizmente como esse negócio geralmente funciona com o artista e, na minha opinião, parece ser legalmente apoiado para beneficiar empresários, agentes, promotores e vendedores de ingressos. Com a forma como os fãs e nós fomos tratados no passado, eu tinha o que sinto serem apreensões legítimas e agora comprovadamente justificadas. No entanto, demos 100% e de onde estávamos, parecia que tanto os fãs (que arrasaram!) quanto nosso acampamento estavam se divertindo e aproveitando ao máximo as coisas. Por que (e o que parece intencionalmente) arriscar que as coisas deem errado para todos? Na minha opinião, é aí que a verdadeira imprudência e negligência tanto dos fãs quanto de nós parecem estar. De qualquer forma...obrigado novamente a todos os fãs que fizeram nossas noites!! 

01. Chinese Democracy  03.34
02. Welcome To The Jungle  05.20
03. It's So Easy  03.15
04. Mr. Brownstone  04.32
05. Rocket Queen  07.14
06. Better   05.08
07. Motivation  03.15]
08. You Could Be Mine  06.45
09. Sweet Child O' Mine   05.38
10. Nightrain   05.40
11. Used To Love Her  03.08
12. Paradise City   07.47

Bobby Williams - Anybody Can be a Nobody (Soul US 1976)

 

 LP de soul/funk de 1976 com a incrível melodia crossover soul "You need love like I do". 

O clichê diz que a imitação é a forma mais sincera de bajulação, mas poucos reúnem a sinceridade de Bobby Williams -- um acólito de James Brown com um estilo e energia comparáveis ​​aos do próprio Poderoso Chefão, Williams transcende suas origens de falso funk com grooves que são inegavelmente genuínos. Seu segundo LP, Anybody Can Be a Nobody de 1976, vai além da coragem de baixo orçamento de seu primeiro Funky Superfly com um som que evoca as sensibilidades suaves e sedosas do funk de Miami. 

Williams é mais um cantor do que um gritador dessa vez, e enquanto alguns ouvintes podem sentir falta dos grooves gutbucket de seu disco anterior, a maturidade e sofisticação do disco são convincentes. Um dos clássicos do indie funk de todos os tempos dos anos 1970, o obscuro vocalista Bobby Williams deu trabalho para James Brown quando lançou "Funky Super Fly" em 1974. 

O estilo do álbum lembra James Brown no seu momento mais funk, mas com um som ainda mais corajoso, com uma seção de metais apertada e um pouco de funk pesado que realmente entra no ritmo e permanece lá.  Em seu segundo LP, "Anybody Can Be a Nobody" de 1976, Williams vai além do ritmo de "Funky Super Fly" para revelar um estilo mais sofisticado que evoca Curtis Mayfield misturado com os estilos suaves do funk de Miami para produzir um som mais maduro, mostrando que ele pode ser mais um cantor do que um gritador.  Cópias do LP original rendem muito dinheiro no mercado de colecionadores de groove raro e os fãs do álbum ficarão encantados em vê-lo fazer sua estreia há muito esperada no reino digital. Todas as seleções recentemente remasterizadas. 

01. Anybody Can Be A Nobody   05:00
02. You Need Love Like I Do  05:09
03. Portrait Of My Stepfather   04:40
04. These Arms Of Mine   04:00
05. Think I'd Better Rest   02:45
06. I Will Sing For You   04:15
07. Drop It On Me   03:32
08. Everybody Needs Love Sometime  05:09