CRONICA - TOMMY CONWELL AND THE YOUNG RUMBLERS | Rumble (1988)

 

Aqui está um representante do Rock Americano desconhecido da grande maioria das pessoas na Europa (e mesmo no seu país em menor grau) que faço questão particularmente de destacar. Este é Tommy CONWELL AND THE YOUNG RUMBLERS, da Filadélfia. Este grupo deu os primeiros passos de gravação em 1986 com o álbum Walkin' On The Water , lançado pelo selo independente Antenna Records.

Desde então, a situação se acalmou para Tommy Conwell e seus amigos, já que o Columbia acabou contratando este time da Filadélfia considerado promissor por muitos observadores. Sob a liderança do produtor Rick Chertoff (conhecido principalmente por ter co-produzido o primeiro álbum de Cyndi LAUPER,  She's So Unusual,  em 1983), Tommy Conwell e seus companheiros de viagem estão trabalhando em seu segundo álbum de estúdio. Este se chama  Rumble  e foi lançado em 1988. Para a ocasião, algumas faixas do primeiro álbum aparecem neste  Rumble .

Este segundo álbum de Tommy CONWELL AND THE YOUNG RUMBLERS é orientado para Blues-Rock/Heartland-Rock. E alguns títulos realmente se destacam. Começando com “I'm Not Your Man”: desta vez, Tommy Conwell e sua banda lançaram um enorme e poderoso hino de Blues-Rock. O caso começa com um solo e um riff de introdução tipicamente blues, seguido de exuberantes e delirantes passagens faladas que lançam este título em excelentes trilhos já que o conjunto é colorido, quente, reforçado por um piano discreto mas eficaz e acima de tudo com uma voz contagiante e unificadora. , refrão imparável e tudo isso por 4'16 de pura felicidade. Este título cativante ficou em 74º lugar na Billboard Hot 100 na época e se você me perguntar, ele teria merecido chegar ao Top 20. Não importa porque ainda alcançou o 1º lugar no ranking Mainstream Rock (isso é uma boa prova de que existe não estavam apenas os grupos Hard FM/AOR e Glam nos diversos rankings da época; ao contrário do que alguns burros poderiam afirmar). O mid-tempo “If We Never Meet Again”, abrangendo Blues-Rock melódico e Heartland-Rock, é outra explosão de sucesso graças às suas melodias de raiz encantadoras e refinadas, bem como ao seu refrão encantador e comovente e é montado na 48ª posição. lugar no Top 100 dos EUA, bem como no 9º lugar no ranking Mainstream Rock. Este título também poderia ter sido um sucesso maior.

Outras faixas deste álbum demonstram o potencial desta banda da Filadélfia. Há "Love's On Fire", uma composição cativante e viciante de Heartland-Rock com seu refrão para cantar a todo vapor no show enquanto deixa o mundo de joelhos, bem como suas texturas de guitarra que são um verdadeiro deleite. Há também a elétrica e rítmica "Half A Heart", também tingida de Heartland-Rock, na linha de Bruce SPRINGSTEEN, John MELLENCAMP, THE HOOTERS (aliás, um certo Eric Bazilian participou da escrita deste título) e acaba sendo cativante graças a um belo refrão, melodias bem elaboradas, ou mesmo "Gonna Breakdown", uma composição habilmente disfarçada de balada, sutilmente arranjada, imbuída de sensibilidade com um refrão que contém, refrões criteriosamente escolhidos e colocados, delicados melodias através de guitarras elétricas e acústicas em harmonia. Ocasionalmente, Tommy Conwell e seus amigos não hesitam em forçar um pouco mais o cogumelo, injetando energia extra apenas o suficiente e isso dá resultados saborosos, como evidenciado por "Workout", uma composição de Blues-Rock com toques divertidos de Boogie, cheio de vitalidade, de vitaminas que dão vontade de bater os pés, de inquietar-se, bem ajudado nas circunstâncias por um piano exuberante que suporta eficazmente as guitarras, bem como um baixo estrondoso; “Walkin' On The Water”, uma composição típica do Heartland-Rock com um ritmo sustentado que cheira às raízes e ao lado espontâneo do Rock Americano graças à voz rosnante de Tommy Conwell, e “Tell Me What You Want Me To Be”, um bloco de concreto Rock n' Roll cativante, com energia positiva, equipado com um solo de guitarra eficaz e projetado para ser um sucesso no palco. Alguns títulos a priori menos marcantes, mais propensos a serem rotulados como “ponto fraco do álbum” completam o quadro. “I Wanna Make You Happy” é um título de Heartland-Rock com conotações funky que está mais ou menos em sintonia com os tempos com seu groove correspondente, está na linhagem de Huey LEWIS & THE NEWS e o resultado é aceitável, nada mais . Quanto a “Everything They Say”, é uma composição entre Heartland-Rock e Pop-Rock também muito próxima de Huey Lewis que não é desagradável, mas também não é transcendente e se as melodias foram bem cuidadas, falta um certo brio, uma boa dose de entusiasmo para impulsionar tudo.

Rumble  é portanto um disco de sucesso, muito convincente, mas não perfeito de A a Z. Se a primeira metade do disco é imparável, devastadora, a segunda metade é simplesmente boa, um degrau abaixo da primeira. Dito isto, os riffs, harmonias e solos de guitarra são um deleite para os ouvidos e a Tommy Conwell não falta carisma. Apesar de suas qualidades,  Rumble  não foi melhor que o 103º lugar no Top US álbum (durante 28 semanas de presença) e é uma pena porque este disco teria merecido o mesmo sucesso comercial do primeiro álbum de Jeff HEALEY BAND, por exemplo. exemplo. Apesar disso, ainda tem boas chances de agradar quem gosta de John MELLENCAMP, Bruce SPRINGSTEEN, Tom PETTY, Huey LEWIS & THE NEWS, THE HOOTERS.

Tracklist:
1. I’m Not Your Man
2. Half A Heart
3. If We Never Meet Again
4. Love’s On Fire
5. Workout
6. I Wanna Make You Happy
7. Everything They Say Is True
8. Gonna Breakdown
9. Tell Me What You Want Me To Be
10. Walkin’ On The Water

Formação:
Tommy Conwell (vocal, guitarra)
Christopher Day (guitarra)
Paul Slivka (baixo)
Jim Hannum (bateria)
Rob Miller (teclados)

Rótulo : Colômbia

Produtor : Rick Chertoff

Baker Gurvitz Army - Memory Lane (featuring Drum Solo) - Live 1975

 

Baker Gurvitz Army - Memory Lane (featuring Drum Solo) - Live 1975

Bass – Paul Gurvitz

Drums – Ginger Baker

Guitar – Adrian Gurvitz

Keyboards – Peter Lemer

Lead Vocals – Mr. Snips

Vocals – Adrian Gurvitz, Ginger Baker, Paul Gurvitz

Crítica: “Mosaic” do Theocracy, seu power metal Prog retorna após 7 anos. (2023)

Já se passaram 7 anos desde que Theocracy lançou seu último álbum. Neste 2023, e no marco dos 20 anos da banda, lançam Mosaic junto com o selo Atomic Fire e chega com todo o power metal progressivo da banda para fazer acenar com a cabeça os fãs que comemoram este novo álbum.

A banda é formada pelo líder Matt Smith (vocal, teclado, guitarra, baixo), Jonathan Hinds (guitarra, segundo vocal e teclado), Jared Oldham (baixo, segundo vocal), Ernie Topran (bateria) e, a nova adição The banda, Taylor Washington (guitarra, segundo vocal) alcança uma coesão em que todos são aproveitados.

Dentro da discografia da banda podemos perceber como as influências do power metal e dos clássicos do prog estão muito presentes. Do lado power, Helloween, Iced Earth, Edguy são inspirações, enquanto Dream Theater, Simphony X, Kansas e Rush são resgatados para todo esse lado prog.

A seguir, vamos passar para a revisão da Teocracia feita pela Mosaic.

Flicker (3:59). O riff de guitarra começa rápido e poderoso, a voz de Matt Smith parte de um sussurro para agarrar a força necessária para demonstrar o poder que ele tem. A bateria de Topran a toda velocidade não para, enquanto a voz de Matt não para. Os questionamentos e análises de uma sociedade que não representa junto com a perda de valores é o que o Flicker nos fala. Uma excelente música para iniciar esse álbum e antecipar como será esse novo trabalho do Theocracy.

Anônimo (5:50). A afinação continua, desta vez com notas mais graves e um ritmo mais lento em comparação com o Flicker. Anonymous acerta em cheio na hora de nos dar uma música que harmonize todos os instrumentos de maneira uniforme, com momentos para cantar junto e também para trazer à tona aquela parte pesada.

Mosaico (5:25). Sons acústicos e uma bela voz soa. A guitarra elétrica galopante entra, enquanto Matt continua demonstrando seu talento com seus vocais. A vida é composta por diferentes peças que fazem parte de nossas experiências que compõem um panorama geral da vida. A música é divertida. Uma das melhores partes é o outro, onde o riff de guitarra muda de figura e dá lugar a um excelente solo e posteriormente a alguns versos com mais de uma voz, um som bastante épico.

Sinsidioso (Os Cães de Guerra) (6:46). Uma mistura de sons que é uma sólida parede de concreto de afinação pura e melodias harmoniosas que não cansam, uma das músicas com mais personalidade até agora.

Return To Dust (4:27) A ideia da morte pode ser algo que muitos acham difícil de aceitar, mas atinge a todos nós. Essa é a trama que Return To Dust desenrola. Um riff principal matador que rouba a atenção do ouvinte. A música tem passagens para acenar com força, bem como para levantar os braços e cantar junto com Matt Smith.

A Sexta Grande Extinção (5:27). A sexta música do álbum descreve como o mundo começa a se preparar para a extinção da vida humana... pelos humanos. Uma das músicas que mais brinca com o progressivo, com mudanças de tempo na bateria e nos riffs de guitarra. No entanto, não sinto que essa música ofereça algo substancialmente diferente das músicas anteriores.

Deificado (4:18). Voltamos ao poder de todo o poder que a Teocracia possui. Destaca a velocidade da bateria e a intensidade das guitarras. Mas aqui já existe um padrão com a música anterior. As linhas instrumentais, sons e voz passam a ser uma variedade do que foi apresentado nas músicas anteriores, tornando o repetitivo uma constante. No entanto, Deified não é chato. As três guitarras, a bateria e a voz melódica dão-lhe corpo e substância.

A Maior Esperança (3:15). A balada acústica começa a tocar. Descemos três, quatro mudanças para tocar uma faixa que emociona pela sensibilidade da voz de Matt Smith. Três minutos de paixão que, na última seção, acrescentam belos arranjos sinfônicos.

Mentiroso, tolo, ó Messias (7:37). Retomamos a intensidade com uma bateria monstruosa. São 7 minutos de velocidade e os refrãos são mantidos. Insisto que há muito que é retirado das músicas já apresentadas anteriormente, como as estruturas das guitarras, refrões e bateria -Embora deva dizer que gostei da melodia do refrão-

Mar Vermelho (19:08). A última música do álbum. São 19 minutos, o mais longo de todos. Aqui emerge muito da progressividade que a banda tem a mostrar, em longas passagens em velocidade média, com muitos solos, galopes e mudanças de andamento. Destacam-se bastante os sons e ritmos do Oriente Médio, que misturados ao metal dão uma passagem muito agradável. O trio de guitarras que com os solos e suas harmonias nos eleva ao clímax. É uma das músicas mais destacadas, que oferece grande qualidade técnica, ideias frescas e, nos seus 20 minutos, não aborrece. Se eu mencionei que as últimas três músicas tinham aqueles elementos que as tornavam um pouco repetitivas, isso não está aqui. É uma experiência que proporciona um ótimo encerramento ao álbum.

Mosaic é um álbum que oferece uma ótima qualidade de prog-power metal, seus riffs são pesados ​​e acompanhados pela voz melódica de Matt Smith. Em muitos momentos o álbum se torna muito agradável e em outros muito longo, como ocorre em The Sixth Great Extinction, Deified or Liar, Fool, or Messiah em que os sons/ritmos tornam-se variações do que foi apresentado na primeira parte. Não é ruim, mas para meus ouvidos é um pouco repetitivo. No entanto, isso não significa que você não possa se divertir. Por outro lado, o início e o fim são dois pontos fortes deste álbum. Eu gostei muito de Flicker e Red Sea se tornou uma das minhas músicas favoritas do álbum. É um álbum que para muitos ouvintes da banda é o retorno triunfante depois de sete anos e que mais de um vai gostar muito.

Crítica: “Disruption” de Gravity Fields: “Uma estreia instrumental eletrizante que dobra o gênero progressivo à sua vontade”

 

Gravity Fields é um novo projeto dos radicados em Barcelona Jordi Amela (teclados), Alex Ojea (bateria), Toni Munné (baixo) e Jordi Prats (guitarra) que adota uma estética cyberpunk, beirando o transhumanista, resultando em um álbum completo da organicidade humana, mas com uma carga imponente de eletrônica que assume formas imprevisíveis e eternas.

O álbum conta com a participação do saxofonista/flautista espanhol Pep Espasa, que exalta de forma magistral as nuances do jazz fusion presentes ao longo da obra. Apesar de se tratar de um projecto novo, estes músicos não são principiantes, pelo contrário, demonstram grande competência e um temperamento musical solene e inquebrantável que converge entre o paciente e o apaixonado, o humano e o artificial. Intransigente e disruptivo, mas mantendo sempre uma coerência acelerada.

Lista de músicas

1. Rage (5:28)
2. Mutants (4:35)
3. The Escape (4:38)
4. Coyote (6:15)
5. Saturno Park (5:11)
6. The Hard Core (4:44)
7. Gliders (5:34)
8. Detuned Love (4:03)
9. Ingravity (4:44)
10. Prime Time (4:26)
11. Transition (4:14)

Tempo total 53:55

Alguns chimbais abertos são responsáveis ​​por moldar um despertar de fúria, “Rage” é uma onda que sai da costa, cheia de moduladores, arpejadores, e sem ondas ; naturalismo digitalizado. Ritmos impermanentes e sincopados são responsáveis ​​por dar um toque fatalista à atmosfera desta faixa de abertura em constante mudança. Uma melodia suave em dó maior apresenta uma segunda secção majestosa que flui de forma inequívoca, dando destaque a este motivo que evoca um mundo em evolução, mas ameaçado por si mesmo.

“Mutants” abre novamente com um groove de bateria efervescente, movemos a cabeça diante de um teclado rítmico que revela as cores mais fusionadas deste álbum; sons analógicos que nos fazem pensar nas bandas de jazz japonesas dos anos oitenta; Vemos também a excentricidade e as pausas inesperadas, os acordes etéreos e os solos de teclado incandescentes. A bateria e o baixo atuam como um fio terra para leads mutantes que brilham intensamente, transcendendo galáxias vibrantes e distantes. O protagonista indiscutível desta grande música são os teclados que se adaptam perfeitamente a qualquer groove e qualquer riff de guitarra.

“The Escape” seduz o ouvinte com graves envolventes; Um som bem industrial rapidamente toma conta da música e nos leva pela mão por algumas passagens febris com guitarras oitavadas pintando melodias devastadoras. Durante os primeiros dois minutos os teclados ficam em falta, quando são apresentados o fazem com um riff eletrônico bastante agradável ao ouvido, mas não é tudo; porque em questão de segundos ele nos deixa em total expectativa ao nos presentear com um piano de cauda e depois um hammond, numa degustação cega de sons de sintetizador.

Inicialmente “Coyote” parece muito mais humano, rompendo com a vibe presente nas músicas anteriores. Baixo perfil, mas expressando muito virtuosismo; a base rítmica dando tudo em uma expressiva exibição jazzística, assim como a guitarra ilustre e bem limpa. Um extenso play-off de puro jazz-rock imerso em clareza e pureza é incorporado; traços do progressivo dos anos setenta naqueles   apaixonados licks de pseudo-blues . Ao fim de dois minutos, retoma-se uma intensidade espectacular, surge uma distorção, tingindo o panorama de vermelho e lembrando-nos que estamos perante um álbum de ruptura e originalidade sem paralelo. Paisagens sinistras e climas poderosos nestes seis minutos de maravilhas do jazz-rock com convergências do techno.

“Saturno Park” começa com uma nota que lembra profundamente o Rush até chegarem os sintetizadores, é claro, que são tremendamente característicos do som desta banda. Algo no toque evoca um sabor da cena de Canterbury. Embora os timbres presentes neste álbum sejam completamente diferentes daqueles criados por gênios como Hillage ou Sinclair, aí está o jugo de sua personalidade; na necessidade de usar o teclado como líder de vanguarda no som jazz-rock.

Extremo domínio da modulação e dinamismo; Depois dos solos e demonstrações de virtuosismo temos espaços de relaxamento, atóis profundos carregados por baixos e guitarras perfeitamente sincronizados. Múltiplas camadas de som tornam esta faixa densa e essencial para experimentar fones de ouvido, uma das mais notáveis ​​do álbum.

“The Hard Core” começa com um riff poderoso em Mi menor, entrando em interessantes jogos rítmicos com a bateria e plantando um tema principal estrondoso ao lado do baixo que será um guia claro para o que está por vir. O teclado adota modalidades bem mais obscuras, os sons são geralmente mais suaves, banhados em refrão e reverberação, proporcionando muito mais espaço para a interpretação do ouvinte e a acomodação de uma atmosfera emocional e pessoal. Ouvimos pela primeira vez um violão no álbum, sem dúvida um detalhe considerado que contribui para o excelente e brilhante solo de guitarra que o segue. 

Vamos para Dó Menor com “Gliders”, numa entrada nublada e quase estática de celestialidade instrumental; tambores cerimoniais, atávicos e tribais acompanhados por sons totalmente eletrônicos e assonantes. As almofadas emocionais traçam linhas suaves e melódicas que refletem os ecos da nossa humanidade; que explode com tudo na explosão analógica de um violão e uma seção doce e intimista de música inquantificável. 

Os pads voltam e com eles a eletrônica ganha destaque, gerando mais um fantasma auditivo que personifica a ruptura presente em todo o álbum; uma música com uma atmosfera completamente hipnótica e bem feita.

“Detuned Love” abre com um intrincado jogo harmônico de pianos, complementado por bateria digitalizada e uma guitarra de timbre inefável. O baixo é imprevisível e é a base harmônica onde se desenvolve toda a polpa da música; No entanto, as ideias musicais e os tons presentes na música são insignificantes em comparação com outros esforços da banda para gerar uma atmosfera jazz-rock aprimorada por sintetizadores e eletrônicos. O intervalo presente aos 3 minutos é bastante interessante e harmonicamente complexo; bem como o final em sucessivas abordagens mais rock e apaixonantes. Eu não me conecto de forma alguma com essa composição.

“Ingravity” representa uma atmosfera de perda; uma viagem digital através de um mundo binário pós-digitalizado, como a cinematografia de um filme surreal de ficção científica.

Alguns sintetizadores aparecem com um sentimento ironicamente pastoral e pintam, junto com o baixo, algumas belas melodias que fazem florescer um belo trecho musical. 

A bateria, sempre intrincada e original, demonstra veemência e paixão. A partir do meio da música ele ganha destaque e apresenta grooves variados e paralisantes, fazendo com que os demais instrumentos participem de sua dança. As melodias casuais exortadas pelo teclado são fortes o suficiente para prender o ouvinte e mantê-lo atento, mas ainda assim simples para não roubar os holofotes ou restringir outras seções da obra.

“Prime Time” é a colaboração com o excelente Pep Espasa, puro virtuosismo e um sax master acompanhando a digitalidade dos teclados. Talvez o que mais faltou no álbum tenha sido a presença de outras texturas, a orquestração analógica, os sopros, etc... Essa música compensa perfeitamente essa falta, já que as flautas aqui apresentadas fazem um ótimo jogo com o jazz-rock de os barceloneses, que apresentam floreios melódicos delicados e contrastantes. Como o sax que traz tanta rugosidade aos temas principais e que sabe aproveitar as suas janelas de destaque para proporcionar alma e potência pura.

Um belo arpejo com sonoridade pop é o responsável por iniciar “Transition”, última etapa de metamorfose imparável, que fecha este álbum complexo e cheio de informações. 

Grandes pitch-bends são responsáveis ​​por encher de emotividade o sintetizador, enquanto ele expande figuras melódicas sobre o arpejado, a bateria vertiginosa e imparável persegue o baixo que marca as semínimas. A transição chega; Numa pausa de moduladores uma guitarra pesada aparece posando um riff 5/4 de pura brutalidade junto com um solo quente. A seção se desenrola no caos junto com algumas palavras faladas sobre o futuro da raça humana e suas invenções artificiais, terminando com uma nota sombria e futurista. Transição, concluída .

Estes ambiciosos compositores demonstraram um domínio de calibre insuspeitado, conseguindo usar a digitalidade para amplificar o emocional; sem perder a naturalidade ou a essência, apenas para dar voz às urgências mais profundas do gênio criativo humano. O mérito é inquestionável e a incursão neste álbum é extremamente gratificante; uma estreia elétrica cheia de personalidade, um passo na direção certa e um potencial latente e totalmente explorável.

Resenha: “A Cell To Call Home” de Advent Horizon (2023)

 

Quase quase uma década chega a terceira produção dos caras do rock progressivo Advent Horizon que nos trazem aquela amostra de genialidade que conseguiram superar de longe, uma produção gravada e mixada inteiramente pela banda, o que os leva a nos mostrar passagens de que Eles conseguiram melhorar de várias maneiras em termos de composição de letras e músicas. A Cell To Call Home é um daqueles álbuns que atrai com prazer ouvintes que podem desfrutar de músicas sofisticadas com letras inspiradoras e atenciosas que atingirão pessoas em diversos aspectos que podem ser totalmente pessoais ou até mesmo de seus conhecidos mais próximos. 

Water entrega uma introdução que leva o ouvinte diretamente por um caminho atraente e dinâmico, é uma mixagem muito variada onde você encontrará melodias hipnotizantes, sintetizadores alinhados com melodias vocais de alto nível, solos de alta qualidade e guitarras aprimoradas com riffs muito poderosos, o piano em todos os momentos entregando acordes com muita suavidade que brilham dentro de toda essa mixagem audível, no final da música temos aquela entrega poderosa do Djent que embora não seja 100% baseado nesses ritmos ele sempre sabe como executá-los e entregá-los em os momentos perfeitos.

Um pouco delicado Snow Child é uma passagem de harmonias onde o teclado adquire aquela suavidade que proporciona calma dentro da tempestade em que o protagonista se encontra desde o início para nos levar a How Did It Get So Good?   Tem um piscar de olhos bem marcado e faz você lembrar nos primeiros 3 minutos o progressivo que estava sendo trabalhado nos anos 70, uma voz quente e arpejos de guitarra colocados de forma bastante sutil, após essa passagem ressoa imediatamente o progressivo mais atual, com guitarras embutidas em riffs que tocam de um lado para o outro quase como uma cobra ondulando pelo deserto, transformando-se em um rock agradavelmente poderoso, talvez a incorporação de Randy faça muito sentido para dar toda aquela energia com a qual ele sempre colabora. 

A segunda vez que prestei atenção neste tema acho que fez sentido para mim e a letra é muito profunda, continua a ecoar neste personagem que nos apresentam que constantemente se faz perguntas nas quais se consome devido a pelos problemas que lhe são apresentados em sua vida, Rain On Open Water se torna uma música bastante cativante e em certo ponto pode até ser encontrada no caminho de uma música completamente transportada para o lado pop/rock, é muito louvável quando as bandas conseguem transitar por passagens totalmente aleatórias, do meu ponto de vista é algo a sempre destacar.

De certa forma Your Flaws é uma mistura variada de Folk/Country/Rock, uma balada para os ouvidos que é acompanhada pelas vozes que dão harmonias ao longo da música em união com a banda extremamente focada e que claro está focada em entregar isso toque de paixão na interpretação das vozes, Truth toca da mesma forma com aquele duo vocal mas desta vez numa espécie de trance muito mais progressivo, o acompanhamento que a banda faz ao longo da música inclinando-se para riffs distorcidos de maior intensidade, solo interações e um interlúdio acústico no final que acompanha o teclado e os vocais que funcionam perfeitamente bem.

Calling It Off foca diretamente em ser a música mais progressiva do álbum, com uma temática na letra do protagonista totalmente rendido àquele desespero que passa por sua mente e o persegue desde o início do álbum. Para reforçar ainda mais a força que ela entrega em termos de composição, a participação de Jordan nos teclados gera aquela potência progressiva em cada nota que ele coloca, onde quer que você queira ouvir. A música é extremamente contundente em todos os aspectos musicais, mas na minha opinião é É extremamente importante prestar atenção nas letras, pois acredito que esse seja o ponto essencial para onde essa jornada se direciona. 

Dentro daquela harmonia de tranquilidade no início de Control , tem uma temática bem mais sombria, riffs longos e pesados ​​que dão essa ideologia do que está acontecendo naquela mente perturbada, o teclado no acompanhamento bem fundo na música faz um dueto perfeito com a guitarra, a posterior entrada da banda e a entrada do sax acho que realça perfeitamente aquela escuridão que eles nos apresentam. 

Talvez seja uma música clara de reflexão onde cada detalhe acústico está presente, é uma expressão de interpretação muito detalhada ao extremo de saber com tão poucos detalhes criar um ambiente acústico que denota beleza musical.

Sendo uma das músicas mais longas desta jornada, Cell To Call Home é a coleção de tudo o que a banda vem mostrando ao longo do álbum, uma composição rock que desvenda de forma bastante polida o cultivo de suas vozes, os arranjos instrumentais, as criações de virtuosismo, para se enquadrar perfeitamente nesta interpretação que, apesar de bastante longa, te prende constantemente.

Hold Me now para fechar este ciclo é sem dúvida uma demonstração perfeita de como dar um ponto final preciso dentro de toda essa facilidade de virtuosismo, pode até ser tomada como uma pequena balada progressiva mas sem dúvida tem muito mais detalhes que cada um dos podem se destacar, os solos de guitarra com o teclado real ao fundo são extremamente bonitos e o coral final com o arranjo acústico é um encerramento perfeito.

Podemos tirar tantas coisas deste novo lançamento do Advent que sempre resgataremos arranjos, solos, vocalizações e momentos intermináveis ​​que são constantemente demonstrados em cada uma de suas apresentações. Não há dúvida de que de 2011 até hoje tiveram um somatório de acontecimentos musicais que souberam aproveitar muito bem, transformando tudo isto num álbum de rock progressivo moderno que pode ser até cativante e se somarmos a tudo isso a narrativa contada Por causa dessa estranheza que atingiu muitos de uma forma ou de outra, esses temas complexos que as letras nos apresentam podem até te fazer perder no caminho dentro da trama, sinto que a história é uma tarefa a ser explorada em essa dinâmica que a banda nos apresenta. Um álbum que provavelmente vai bater forte em vários aspectos neste 2023, nunca é demais dar a oportunidade de ouvir aquela variedade que está presente no ar com bandas progressivas e A Cell To Call Home é uma delas que você pode aproveitar de toda forma.  

Classic Rock - Curiosidades (Em Outubro de 1963: Bob Dylan grava o álbum The Times They Are a-Changin '.

 

Em 31/10/1963: Bob Dylan grava o álbum

The Times They Are a-Changin '.

The Times They Are a-Changin ' é o terceiro álbum de estúdio do cantor e compositor americano Bob Dylan, foi lançado em 13 de janeiro de 1964 pela Columbia Records. Enquanto seus álbuns anteriores Bob Dylan e The Freewheelin 'Bob Dylan consistiam em material original entre canções cover, o terceiro álbum de Dylan foi o primeiro a apresentar apenas composições originais.

O álbum consiste principalmente de baladas austeras e escassamente arranjadas sobre questões como racismo, pobreza e mudança social. A faixa-títuloé um dos mais famosos de Dylan; muitos acham que ele captura o espírito de convulsão social e política que caracterizou a década de 1960. Alguns críticos e fãs não ficaram tão entusiasmados com o álbum como um todo, em relação ao seu trabalho anterior, por sua falta de humor ou diversidade musical. Ainda assim, The Times They Are a-Changin '

alcançou a posição 20 na parada dos EUA, eventualmente indo para o ouro, e tardiamente alcançando a 4ª posição no Reino Unido em 1965.

Lista de faixas :

Todas as faixas são escritas por Bob Dylan.

A melodia de " Restless Farewell " vem da tradicional canção irlandesa-escocesa " The Parting Glass ". A melodia de " With God on Our Side " lembra a tradicional canção folclórica irlandesa "The Merry Month of May".

Lado um :

1. "The Times They Are a-Changin'" : 3:15

2. "Ballad of Hollis Brown" : 5:06

3. "With God on Our Side" : 7:08

4. "One Too Many Mornings" : 2:41

5. "North Country Blues" : 4:35

Comprimento total : 22:45

Lado dois :

1. "Only a Pawn in Their Game" : 3:33

2. "Boots of Spanish Leather" : 4:40

3. "When the Ship Comes In" : 3:18

4. "The Lonesome Death of Hattie

Carroll" : 5:48

5. "Restless Farewell" : 5:32

Comprimento total : 22:51.

Pessoal :

Bob Dylan - voz , violão , gaita

Tom Wilson - produção.

Dwight Trible - Mothership 2019

Seja liderando seu próprio grupo ou cantando com o  Pharoah Sanders Quartet  ou atuando como diretor vocal da  Horace Tapscott Pan Afrikan Peoples Arkestra  ou colaborando com nomes como  Bobby Hutcherson ,  Kamasi Washington Jr. ,  Charles Lloyd ou  Oscar Brown Jr. .,  Dwight Trible  é um cantor de jazz que valoriza o senso de aventura, músicos e modernidade. Além de cantar com músicos de jazz experimental, cantou R&B contemporâneo com  LA Reid  e  Patrice Rushen  e aproveitou a oportunidade para gravar com outfits de música electrónica e hip-hop, como a sua colaboração de 2005 com  Carlos Nino , uma distinção que o distingue de muitos dos seus artistas. seus colegas de jazz.

Natural de Cincinnati, Trible mudou-se para Los Angeles em 1978 e rapidamente se tornou parte da cena jazzística. Ele chamou a atenção do pianista/líder de banda Horace Tapscott , que se tornou mentor do cantor. Trible se tornou diretor vocal do Horace Tapscott Pan Afrikan Peoples Arkestra , que continuou a liderar após a morte de Tapscott em 1999. Dois anos depois, Trible lançou um tributo a Tapscott chamado Horace na Elephant Records; foi seu primeiro álbum. Trible  foi apresentado em  Venus of Harlem , um álbum de 2008 do  Blue Brass de Paul Zauner , e ele voltou à gravação solo em 2011, lançando um par de álbuns chamados  Cosmic  and Duality, sendo este último um dueto com  John Beasley . O perfil de Trible aumentou consideravelmente quando ele cantou os vocais principais no  disco de 2015 de  Kamasai Washington , The Epic , o raro álbum de jazz que encontrou um público crossover. Na sua esteira,  a Gondwana Records  contratou o cantor. Seu primeiro álbum pela gravadora foi  Inspirations , um álbum colaborativo de 2017 com  Matthew Halsall . Trible  foi apresentado em  Venus of Harlem , um álbum de 2008 do  Blue Brass de Paul Zauner , e ele voltou à gravação solo em 2011, lançando um par de álbuns chamados  Cosmic  and Duality, sendo este último um dueto com  John Beasley . O perfil de Trible aumentou consideravelmente quando ele cantou os vocais principais no  disco de 2015 de  Kamasai Washington , The Epic , o raro álbum de jazz que encontrou um público crossover. Na sua esteira,  a Gondwana Records  contratou o cantor. Seu primeiro álbum pela gravadora foi  Inspirations , um álbum colaborativo de 2017 com  Matthew Halsall