O uso de músicas de rock e pop de época como trilhas sonoras de filmes é uma ferramenta poderosa que os diretores de cinema utilizam para criar uma forte noção de tempo e lugar, conectando-se com uma referência cultural amplamente reconhecida. Filmes dos anos 60 ou próximos a eles, como Easy Rider, Apocalypse Now e Platoon, incluíam músicas de época tão bem que cenas deles são
Quando o filme foi lançado em 1991, era um road movie futurista tendo como pano de fundo um desastre nuclear iminente no final do milênio. É um filme feito de duas metades, a primeira um frenético tour de force pelo mundo, onde os personagens principais saltam facilmente entre Veneza, Paris, Lisboa, Berlim, vários locais dos EUA e Japão. Não vou abordar o enredo aqui porque muita coisa acontece em um ritmo muito rápido, mas os visuais são impressionantes e a forma como combinam com a música é insuperável. A segunda parte do filme se passa no interior australiano, onde o ritmo relaxa e a trama muda para o efeito de assistir os sonhos no médium dos personagens principais. Ao assistir ao filme, você tem a sensação de que este foi um empreendimento muito maior em termos de produção do que qualquer um dos filmes anteriores do diretor. Wenders disse em entrevista em 2011: “Até o Fim do Mundo foi o filme mais ambicioso que já fiz e o mais caro. Tivemos que lançar o filme em versão 'Reader's Digest'. Isso foi péssimo. A versão original do filme durou duas horas e meia, quase metade da intenção de Wenders de apaziguar os distribuidores de filmes. Dois anos após o lançamento original do filme em 1992, Wenders criou uma versão do filme feita pelo diretor, com duração de quase cinco horas. Foi distribuído na Europa e teve que esperar mais vinte anos para ser lançado mundialmente, perdendo seu sabor futurista devido ao comportamento social disfuncional dos dias atuais, impulsionado pela tecnologia. Wenders diz: “O filme traz uma visão estranha do futuro. Se você olhar para as pessoas correndo por aí olhando para seus pequenos monitores à sua frente o tempo todo, é isso que você vê hoje nas ruas em todos os lugares – esse tipo de vício pela imagem do computador. Você encontrará isso em muitos jovens hoje. É uma doença real.”
A bela atuação é interpretada por todos, incluindo a estrela Solveig Dommartin, que também interpretou o trapezista em Wings of Desire (que inventou esse título bobo em inglês para Der Himmel über Berlin, ou The Heavens Over Berlin?) e infelizmente faleceu em aos 45 anos. Ela está perseguindo Trevor, transformado em Sam e interpretado por William Hurt, e sendo perseguida pelo narrador Eugene (Sam Neill). O elenco também inclui Rüdiger Vogler no papel de detetive particular tocador de gaita e Chick Ortega no engraçado papel de ladrão/baterista. Confuso? Assista ao filme, vale a pena.
Wenders é um aficionado por música que gosta de incorporar música em seus filmes tanto quanto de seu papel de diretor. Em uma entrevista à revista Spin em julho de 1992, ele disse: “Eu seria estúpido se deixasse alguém assumir a única parte que ainda é realmente divertida. Encontrar a música ou montá-la ou trabalhar com os músicos – essa é quase a parte mais gratificante de todo o trabalho. Eu realmente não deixaria ninguém interferir nessa parte.” Ouvinte dedicado e seguidor de blues e rock, Wenders seleciona meticulosamente as músicas de que gosta para seus filmes. Seu site inclui o seguinte parágrafo revelador: “Você tem essa sensação desde seus primeiros trabalhos, onde Wim Wenders frequentemente coloca todas as suas músicas favoritas em seus filmes, fazendo-nos ouvir ‘sua’ música enquanto vemos com ‘seus’ olhos.” A música instrumental também é muito poderosa em seus filmes e sempre adiciona uma dimensão vital às cenas principais, como Paris, Texas com o icônico slide guitar de Ry Cooder e Wings Of Desire com uma ótima trilha sonora de Jürgen Knieper . Until The End Of The World também apresenta passagens instrumentais maravilhosas com músicas escritas por Graeme Revell e interpretadas pelo violoncelista David Darling, que lançou uma série de ótimos discos pelo selo alemão ECM.
Mas é no uso de músicas em seus filmes que Wenders realmente se destaca, uma tendência que começou com seus primeiros road movies. Alice in the Cities de 1974 incluiu imagens ao vivo de Chuck Berry, uma trilha sonora da banda alemã de rock experimental Can, e uma cena principal com On The Road Again de Canned Heat . Paris, Texas, apresentou o grande ator Harry Dean Stanton cantando uma versão comovente da tradicional canção folclórica mexicana Canción Mixteca . Em entrevista para o The Music Show com Andrew Ford em 2003, Wenders falou sobre um novo rumo que começou a tomar antes das filmagens de Until The End Of The World: "Comecei a usar cada vez mais músicas feitas para o filme por todos os tipos de artistas, para ajudar a contar a história, e acho que a música e o rock 'n' roll são tantas artes de nossas vidas contemporâneas que é quase impensável para mim não deixar a música se tornar parte do tema do filme.
Poucos filmes usam músicas escritas e adaptadas para cenas específicas tão bem quanto Until The End Of The World, e Wenders demorou para fazer isso: “O mais divertido é escolher e conversar com músicos e descobrir com quem você quer trabalhar em um filme. cena específica. E principalmente eu uso músicas que ainda não existem, e muitas vezes, quero dizer, eu ouço música o tempo todo e também quando estou filmando e quando vou para casa e quando dirijo meu carro de volta do set, e quando Sento-me em casa e trabalho no dia seguinte, ouço muita música e, principalmente, a música que ouço enquanto faço o filme torna-se a principal escolha para os músicos que abordo.” Na verdade, as músicas descrevem cenas específicas ou estão relacionadas a elas de alguma forma. Dado que o enredo do filme se passa na virada do século, cerca de uma década antes da filmagem real das cenas, Wenders pediu aos músicos que imaginassem como elas soariam em 1999. Não posso dizer que os resultados pareçam futuristas, mas em alguns casos as músicas escritas para o álbum soam diferentes do restante da produção de seus respectivos artistas. A primeira metade do filme é um road movie no melhor sentido da palavra e onde a maioria das músicas são tocadas, geralmente durante cenas de viagem. Isto é consistente com a visão do diretor sobre o uso da música no cinema: “Uma das descobertas dos road movies não foi apenas que era possível viajar, trabalhar e fazer um filme ao mesmo tempo, e improvisá-lo, mas que o rock e roll também poderia ser, no verdadeiro sentido, uma força motriz.” Em nenhum filme de Wenders esse conceito é melhor utilizado do que em Até o Fim do Mundo.
Quinze músicas estão presentes no CD da trilha sonora de Until The End Of The World, e algumas outras músicas são usadas no filme, mas foram incluídas no CD. Cada um é tocado por uma banda ou artista diferente. Este foi de longe o projeto de trilha sonora mais ambicioso do diretor: “É muito complicado já montar um filme a partir de cinco, seis, sete fontes diferentes. São necessários exércitos de advogados para fazer um filme como este. Mas montar uma trilha sonora como essa foi ainda mais complicado. Fazer um filme é fácil comparado a montar uma trilha sonora dessa ordem.” O que é ainda mais extraordinário é o nível de esforço que os músicos colocaram nas canções que escreveram para o filme, uma prova do seu respeito pelo realizador. Um bom número dessas músicas representa, na minha opinião, destaques da carreira desses artistas, e é nessas que vou me concentrar.
A trilha sonora de Until The End Of The World não é muito conhecida, devido à falta de grandes sucessos. Embora alguns dos artistas que contribuíram com as músicas fossem nomes bastante importantes na época, as músicas que escreveram para o filme não eram o material que estava no topo das paradas. Com uma exceção – a música-título escrita pelo U2. Em 1990, Wenders dirigiu o videoclipe da versão da banda do padrão Night and Day de Cole Porter e um ano depois, perto do final das sessões de gravação da banda para Achtung Baby, ele abordou a banda para uma música. Bono tinha um riff de guitarra que não chegou a lugar nenhum no início das sessões de gravação do álbum. The Edge deu outra chance e teve uma das melhores performances de guitarra em uma carreira que não tem falta de licks de guitarra memoráveis. A letra da música nada tem a ver com o filme, uma narrativa que descreve uma conversa entre Jesus Cristo e Judas Iscariotes. A banda deu à música o nome do título do filme e deu a Wenders uma versão de estúdio inicial, mas pediu para incluí-la também em seu álbum. O filme foi lançado na Europa um mês antes do lançamento de Achtung Baby e teve um desempenho muito pior do que o sucesso mundial do U2. Gosto mais da versão da trilha sonora do que daquela que apareceu mais tarde em Achtung Baby. É uma das melhores músicas da banda, incluindo não apenas ótimas partes de guitarra, mas um ritmo hipnótico, cortesia de Adam Clayton no baixo e Larry Mullen Jr na bateria. Aqui está a versão da trilha sonora definida para várias cenas do filme:
A música se tornou um dos pilares das grandiosas apresentações ao vivo do U2, começando com a turnê Zoo TV que se seguiu ao lançamento de Achtung Baby, onde no final da música eles seguiram para o dia de Ano Novo com uma mudança dramática de luzes de escuro para claro. Um bom bloco de música de dez minutos no meu livro. Durante a apresentação ao vivo o videoclipe que Wenders dirigiu para a música foi projetado nos telões, apresentando as sequências de sonho gravadas do filme. A colaboração entre Wim Wenders e o U2 continuou ao longo da década de 1990, com o U2 contribuindo com músicas para Faraway So Close em 1993 (a sequência de Wings of Desire), Beyond the Clouds em 1995 (co-dirigido com Michelangelo Antonioni), End of the Violence in 1997 e Million Dollar Hotel em 2000, baseado em história de Bono. Wenders também dirigiu o videoclipe de Stay (Faraway So Close) de Zooropa. Os círculos se fecham, e vinte anos depois do lançamento do U2, Until The End Of The World, ele foi lindamente regravado por outra artista que contribuiu com uma música para o filme, Patti Smith .
No início de 1991, o Depeche Mode estava descansando da turnê World Violation, sua maior turnê até o momento, que levou a banda ao redor do mundo durante a maior parte de 1990, divulgando Violator, o álbum que produziu sucessos como Personal Jesus e o maravilhoso Enjoy The. Silêncio . O plano era descansar por um ano antes de retomar as atividades de seu próximo álbum, mas um telefonema de Wim Wenders pedindo um filme musical fez com que metade da banda voltasse ao estúdio por alguns dias. A música que eles terminaram é uma das minhas favoritas em seu catálogo, e uma balada gospel/cabaré diferente de tudo que eles criaram antes, Death's Door:
A música foi escrita por Martin Gore, que também oferece um ótimo vocal, mas a maior parte do arranjo brilhante por trás dela foi feita por Alan Wilder, que reuniu faixas não utilizadas das sessões de gravação do Violator. As partes da guitarra foram tiradas das faixas de Gore para Blue Dress, e a guitarra pedal steel foram retiradas das partes tocadas por Nils Tuxen na música Clean. Wilder criou uma mistura obra-prima de samples de pads de sintetizador, linhas de baixo e bateria que cria o clima certo para o filme. A música foi tocada ao vivo na próxima turnê da banda em apoio ao álbum Songs of Faith and Devotion, com acompanhamento mínimo de piano e destacando o lado gospel da música com dois backing vocals.
Julee Cruise era uma cantora desconhecida em meados da década de 1980, quando interpretou Janis Joplin em uma produção teatral nova-iorquina de Beehive, uma revista de cantoras dos anos 60. Sua ascensão à fama começou quando Angelo Badalamenti, colaborador musical de David Lynch, a recomendou para cantar The Mysteries of Love , música da cena final de Blue Velvet. Esta foi a primeira de muitas colaborações entre o compositor e o diretor, e eles se apaixonaram pela voz angelical de Cruise. Tanto que a apresentaram em diversas músicas do próximo projeto juntos, a série de TV Twin Peaks. A produção da trilha sonora de Twin Peaks coincidiu com o álbum de estreia de Cruise, Floating into the Night, para o qual David Lynch escreveu a letra e Badalamenti escreveu a música. Várias músicas do álbum foram apresentadas em Twin Peaks, incluindo a música tema Falling , que se tornou um grande sucesso para Cruise, e a obra-prima do pop dos sonhos The Nightingale . Wenders encontrou algo naquela combinação sonhadora e vencedora da voz de Cruise e da exuberante orquestração de Badalamenti e pediu uma música. Eles encontraram o candidato perfeito em uma canção improvável de 1960 de Elvis Presley chamada Summer Kisses Winter Tears, que foi apresentada em seu filme de faroeste Flaming Star. Badalamenti fez sua mágica novamente, desta vez recrutando o talento do guitarrista lap steel Greg Leisz, cujo nome se tornou quase sinônimo do instrumento. Seus créditos incluem mais de 500 participações especiais em discos de artistas como Jackson Browne, Bill Frisell, Holly Cole, KD Lang, Joni Mitchell e muitos outros. O resultado foi o pop mais sonhador possível, uma ótima interpretação de uma música esquecida.
T-Bone Burnett tem uma lista impressionante de créditos quando se trata de produção de músicas para filmes. Talvez sua maior conquista seja sua colaboração com os irmãos Coen, que ele conheceu depois de assistir seus primeiros filmes, Blood Simple e Raising Arizona. Sua primeira colaboração foi no filme cult The Big Lebowski, onde Burnett é creditado como Arquivista Musical. O filme inclui cenas inesquecíveis com músicas como a sequência de sonho com Kenny Rogers e Just Dropped In (to See What Condition My Condition Was in) da primeira edição e o cover de Hotel California dos Gipsy Kings apresentando Jesus ao grandalhão e seus amigos em uma pista de boliche. Sobre essa capa, Burnett conta a engraçada história de sua tentativa de adquirir os direitos de apresentar o cover de Dead Flowers, dos Rolling Stones, de Townes Van Zandt, nos créditos finais. O notório empresário Allen Klein, que detinha os direitos da música, queria uma boa quantia. Burnett pediu a Klein para ver o filme e eles chegaram à cena em que o Cara diz “Eu odeio a porra dos Eagles, cara!” Klein se levantou e disse “É isso, você pode ficar com a música!”. Impagável. Ainda mais impressionante foi o trabalho de Burnett em O Brother, Where Art Thou? em 2000, onde trabalhou com a dupla enquanto o roteiro ainda estava em desenvolvimento, e a trilha sonora foi gravada antes do início das filmagens. A trilha sonora é outra coleção impressionante de canções que lembram o período da década de 1930. Uma das grandes cenas musicais do filme é The Soggy Bottom Boys cantando I Am A Man Of Constant Sorrow . Para Until The End Of The World, Burnett contribuiu com uma música que também apresentou em uma versão diferente em seu álbum de 1992, The Criminal Under My Own Hat. Eu prefiro a versão da trilha sonora da música Humans From Earth
e a ótima guitarra de Dean Parks, outro músico com uma lista de créditos de um quilômetro e meio, incluindo a abertura de Hearts and Bones, de Paul Simon . Humans From Earth remonta à década de 1960, quando Burnett fundou a Agência Imobiliária Interplanetária para vender terrenos baldios (o que mais?) Em corpos planetários. As letras agora fazem sentido, ou não?
Viemos de um planeta azul a anos-luz de distância
Onde tudo se multiplica a um ritmo incrível
Estamos aqui no universo comprando imóveis
Espero que não tenhamos chegado tarde demais
Não posso estender este post a todas as músicas do álbum da trilha sonora, então desculpe-me por não entrar em detalhes sobre outras músicas excelentes, como What's good de Lou Reed, que também aparece em seu álbum Magic and Loss , Can's Last Night Sleep, Patti Smith e Fred “Sonic” Smith com It Takes Time, Elvis Costello com um cover de The Kinks' Days, e uma das músicas de maior sucesso do álbum, Jane Siberry e kd lang cantando Calling All Angels. Ainda tenho minhas quatro melhores músicas do álbum para fazer um cover. Aqui vai.
O ano em que Wenders lançou Until The End Of The World foi um período de mudança de carreira para o REM, com o lançamento de Out Of Time. A banda, que era a favorita das rádios universitárias e gozava de popularidade crescente antes do lançamento do álbum, alcançou a fama meteórica impulsionada pelas vendas de 18 milhões de cópias do álbum. Esse álbum também produziu os singles Losing My Religion e Shiny Happy People, e na época da MTV esses videoclipes estavam em constante rotação. A banda ensaiou e gravou mais músicas durante as sessões de gravação do que caberia em um álbum, e conseguiu lançar uma das melhores músicas de todo o seu repertório, a dramática Fretless. Anos depois, Peter Buck admitiu no encarte de The Best of REM: 1988-2003 que a banda deveria ter incluído a música no álbum. Fretless apareceu como lado B do mega single Losing My Religion, mas não recebeu muito airplay. Sua inclusão no filme de Wim Wenders não mexeu com o desempenho do filme. No filme, a música começa depois que Sam, interpretado por William Hurt, seleciona uma faixa em uma jukebox:
No ano em que Out Of Time foi lançado, REM fez um show desconectado da MTV e incluiu uma ótima versão de Fretless. A música não entrou no vídeo produzido no show, mas está disponível o áudio, uma ótima versão acústica:
Nick Cave se conectou pela primeira vez com Wim Wenders quando o diretor decidiu colocar a música ao vivo em destaque em seu filme de 1987, Wings of Desire. Nick Cave e os Bad Seeds interpretaram From Her to Eternity em uma cena chave do filme, apropriadamente situada em um clube gótico de Berlim. A partir daí Nick Cave iniciou uma grande sequência de álbuns. Tender Prey foi lançado em 1988 com a música de assinatura da banda, The Mercy Seat, seguida por um dos meus álbuns favoritos dele, o piano pesado The Good Son. Em 1992 a banda lançou outro grande álbum, Henry's dream. Entre esses álbuns, em 1991, a banda atendeu ao pedido de Wenders por uma música e gravou uma de suas melhores músicas, (I'll Love You) Till the End of the World. Cave é conhecido por apresentar canções dramáticas, mas poucos chegam perto da narração que ele criou para essa música, que infelizmente é ouvida apenas brevemente durante o filme.
Temos a sorte de ter um pequeno documentário sobre a gravação da música do diretor de cinema alemão Uli M Schueppel, que também dirigiu o documentário The Road to God Knows Where, narrando a turnê de cinco semanas da banda pelos Estados Unidos em 1989, após o lançamento de Presa tenra. O filme, apropriadamente chamado de The Song, mostra o desenvolvimento da música durante um período de quatro dias no estúdio Hansa em Berlim, o mesmo estúdio onde o U2 gravou Achtung Baby. O produtor da música é Gareth Jones, que também mixou toda a música instrumental de Until the End Of The World no mesmo estúdio. O filme inclui ótimas imagens de Cave trabalhando com o baterista Thomas Wydler, a guitarrista Blixa Bargeld e os tocadores de cordas, desenvolvendo a música e a letra da música até a versão final.
E aqui está a música completa, caso o documentário tenha deixado você muito envolvido na produção da música para perder como ela soa do começo ao fim:
Duas das melhores músicas da trilha sonora foram, infelizmente, os cantos do cisne de suas respectivas bandas, que conseguiram reunir um último grande esforço antes de se separarem. O primeiro é Crime and the City Solution, que também apareceu em Wings of Desire, apresentando Six Bell Chime enquanto Solveig Dommartin dança abandonada. Em 1990, a banda lançou uma obra-prima de um álbum com Paradise Discotheque que incluía uma abordagem única do espiritual (Sometimes I Feel Like a) Motherless Child . O álbum foi gravado no estúdio de Conny Plank, o lendário estúdio agrícola do produtor onde tantos álbuns clássicos de krautrock foram gravados, assim como Persian Love de Holger Czukay. Depois de receber um pedido de Wenders para uma música, a banda voltou ao estúdio de Plank em dezembro de 1990 para gravar The Adversary. Foi usado na cena do trem, mostrando Claire procurando Sam desesperadamente.
A música, um dueto entre o líder da banda Simon Bonney e Mick Harvey (dos Bad Seeds, você pode vê-lo no filme acima, The Song), apresenta ótimos vocais de ambos e um arranjo misterioso, incluindo ótima execução de Thomas Stern no baixo acústico, Bronwyn Adams no violino e Alexander Hacke na guitarra. Esta é realmente uma das maiores conquistas da banda, bem como sua última gravação de estúdio antes de romperem com a formação. Aqui está a música completa:
Simon Bonney contribuiu com duas músicas para Wim Wenders em Faraway, So Close em 1993 e anos depois reviveu a banda nos Estados Unidos, embora com uma formação diferente.
A última música desta crítica é também a última música gravada por sua banda, Talking Heads. Em 1988 eles lançaram seu último álbum Naked, e assim como o REM lançou uma das melhores músicas de sua carreira do álbum. Assim como Crime and the City Solution, eles conseguiram fazer um último esforço, embora praticamente não fossem mais uma banda funcional e gravaram a música Sax and Violins em 1990. No encarte de Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads David Byrne relembra: “A música foi escrita durante os ensaios e gravações que levaram ao LP Naked. Escrevi a letra mais tarde para a cena de abertura de Até o Fim do Mundo, de Wim Wenders. O filme deveria se passar no ano 2000, então passei muito tempo tentando imaginar a música do futuro próximo: lama pós-rock com letras patrocinadas pela Coca-Cola e Pepsi? Música criada por máquinas com gritos humanos de agonia e traição? Baladas falsas dos Apalaches, a onda anti-tecnologia? Os mesmos sons e licks dos anos 60 e 70 regurgitados mais uma vez por uma nova geração de samplers? O renascimento do Milli Vanilli? Políticos do rap… vendam sua alma ao ritmo, pessoal? Bem, foi assustador… então pensei, que se dane, imaginaria os Talking Heads fazendo um LP de reunião no ano 2000, e eles soando como antes.”
A música resultante, Sax and Violins, é usada na cena de abertura do filme, mostrando Claire acordando em uma festa. A música foi um sucesso póstumo para Talking Heads. Apareceu na coleção Sand in the Vaseline: Popular Favorites em 1992 e como single liderou a parada de sucessos do rock moderno da Billboard em fevereiro daquele ano. O groove da bateria com os pincéis, os pads de sintetizador e a percussão, cortesia de Brice Wassy e Nino Gioia, funcionam muito bem juntos para criar um ritmo hipnótico, não muito diferente de algumas músicas de seu clássico Remain In Light .
Será uma injustiça terminar um post sobre a música de Until The End Of The World sem dar crédito aos próprios atores que em diversas cenas da segunda parte do filme, no sertão australiano, tocam música com um estranha combinação de bateria, gaita, baixo e didgeridoo. Um bom exemplo é a festa de fim de ano do milênio, quando Claire canta uma versão de Days com o elenco apoiando-a como uma banda improvisada. Um belo toque de um diretor de cinema que tem paixão tanto pela música quanto pelo cinema:
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