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Conheça os melhores discos alternativos dos anos 2000, selecionados de acordo com as seguintes regras:
- Estritamente apenas um álbum por banda .
- A popularidade não é tudo.
- A obscuridade não é uma maldição.
Continue lendo para ver se o seu álbum favorito foi aprovado.
Hoahio 'Ohayo! Hoahio!' (2000)
A década de 2000 tinha apenas alguns meses quando o 'grupo feminino' japonês Hoahio lançou um álbum que, de muitas maneiras, previa a década vindoura. Uma mistura de músicas, culturas, tons e abordagens, o álbum lança o radicalmente avant-garde com o pop lúgubre, dissolvendo as distinções entre highbrow/lowbrow à medida que se agita. A segunda saída para o trio de Haco convoca um som único 'pan-asiático' misturando percussão do Oriente Médio com instrumentação tradicional japonesa, tonalidades eletrônicas minimalistas e ganchos refletindo divertidamente baladas R&B e insidiosos hinos pop do Canto. Ainda assim, tanto quanto
Ohayo! Hoahio!
é caprichosa e boba, também é intensamente bela, suas doces canções pop nadando em koto delicadamente dedilhadas e gravações de campo tranquilizadoras.
Ólöf Arnalds 'Við og Við' (2007)
No final dos anos 2000, as canções folclóricas dolorosamente frágeis de Ólöf Arnalds eram pouco conhecidas fora da Islândia (onde, deve-se dizer, ela dificilmente é um nome familiar também). No entanto, o tempo certamente será gentil com seu lindo LP de estreia; uma joia cintilante que virá à tona ao longo dos anos, será apreciada pelos ouvintes nas décadas seguintes. A música folclórica espartana, quebradiça e refinada de Arnalds soa como se tivesse milhares de anos e fosse feita de cristal e suavizada em formas elegantes pela suave rouquidão de sua voz. Membros de Múm e Sigur Rós afinam a percussão em torno das cordas dedilhadas do violão, harpa e violino de Arnalds, mas você mal percebe que eles estão lá; a música apenas a estrutura esquelética sobre a qual o canto de Arnalds paira brilhantemente.
White Magic 'Dat Rosa Mel Apibus' (2006)
Mira Billotte começou a década tocando ao lado da irmã mais velha Christina no grande Quix*o*tic, que criou uma versão bizarra do rock de garagem de um grupo feminino de cemitério/gótico. Indo sozinha como White Magic, ela partiu com cantigas de mar inclinadas, sua voz profunda e comovente cantando refrões tristes sobre melodias piegas em tons menores que tilintavam em marfins. Billotte toca piano como alguém que ainda não encontrou as pernas do mar; suas mãos tropeçando para cima e para baixo nas teclas com mais cadência de bêbado do que a precisão de um pianista. Enquanto as músicas de White Magic cambaleiam e balançam, e tambores escovados tocam e tocam, a voz de Billotte vibra em rajadas e zéfiros, cantando encantamentos de bruxa que invocam o pavor sombrio do aterrorizante desconhecido que espreita sob os mares.
Ouça uma das baladas frágeis de Scoutt Niblett, e ela soa como uma incrível acólito Cat Power: sua voz gloriosamente rouca soando comovente e triste sobre uma única guitarra espartana. Mas essa noção é invertida com outro modo favorito de apresentação musical de Niblett: cantos de líderes de torcida - às vezes literalmente soletrando palavras - combinados com apenas uma batida rudimentar ( o slogan mais infame de I Am , simplesmente: "Todos nós vamos morrer!" ). Cada 'estilo' soa dolorosamente triste, mas há um humor subversivo escrito em cada nota; a Emma Louise Niblett se escondendo atrás da persona de 'Scout' de peruca, uma artista performática explorando o artifício do compositor; suas únicas verdades são a mitologia autodenominada que ela gira em cada disco.
Mirah Yom Tov Zeitlyn escreve músicas para “dar sentido ao [seu] lugar no mundo”, explorando seus relacionamentos com amantes, amigos, literatura, cultura e geopolítica. Essas músicas se somam a álbuns ousados, queridos e femininos, muitas vezes produzidos, com muito estilo experimentalista, por Phil 'Microphones/Mount Eerie' Elverum. E nada disso é melhor — é mais um farol glorioso de arte doce — do que C'mon Miracle . Quando, no meio de “Promete”, Mirah pergunta “você promete ser gentil?” para o amante que ela entregou seu coração, parece que ela está pedindo o mesmo de cada ouvinte. Este LP é um longo estado vulnerável; Mirah deitada, nua, aos pés de uma platéia que ela espera abrigar corações solidários.
Le Tigre 'Feminist Sweepstakes' (2001)
O segundo LP de Le Tigre — a festa dance-rock pós-Bikini-Kill de Kathleen Hanna — faz uma arte fina e divertida do slogan. Começando com “LT Tour Theme”, um hino cujo refrão proclama “For the ladies and the fags, yeah/we are the band with the rollerskate jams”, Le Tigre arrasa cortes que fazem de baterias eletrônicas rudimentares e teclados baratos o ferramentas de protesto virtuoso. Embora suas rimas sejam muitas vezes engraçadas (tente: “Vá dizer aos seus amigos que eu ainda sou feminista/mas não irei em seu benefício” ou “todos os meus amigos são vadias/mais conhecidos por queimar pontes ”), eles lidam com depressão, tédio artístico, cooptação corporativa da cultura underground, elitismo acadêmico e, sim, feminismo.
Electrelane 'The Power Out' (2004)
A estreia do Electrelane, Rock it to the Moon , de 2001, foi totalmente desnecessária: um combo de instrumentistas tocando uma versão pós-rock do krautrock que realmente se arrastava do baixo para o alto, crescendo para crescendo. O Power Out serviu como ponto de partida radical; o som outrora singular do grupo feminino inglês explodindo em uma miríade de ideias sonoras. Aqui, Electrelane encontrou sua voz, literal e figurativamente. Enquanto algumas de suas dinâmicas lembram seus primórdios do rock instrumental, The Power Outas composições consideradas de 's são estudos da própria natureza da linguagem; textos cantados em inglês, espanhol, francês e alemão, e entregues em solo, dupla faixa e, em um momento particularmente inspirado (“The Valleys”) por um coro masculino de som medieval.
Battles 'Mirrored' (2007)
Poucos esperariam música de festa quando o príncipe herdeiro do math-rock, Ian T. Williams, estava montando um chamado 'supergrupo' de músicos quentes. No entanto, Battles, apesar de todas as suas credenciais dignas de idiotas - a jam band de Williams completada pelo experimentalista vocal Tyondai Braxton, o ex-guitarrista do Lynx Dave Konopka e o skinsman John Stanier, que está sentado no banco de Helmet, the Mark of Cain e Tomahawk – foram os mais improváveis enchimentos de pista de dança dos anos 2000. Em seu LP de estreia, Mirrored , o quarteto cria composições complexas de ritmos dinâmicos e sobrepostos que são muito, muito rítmicos; enxames de guitarras batendo no braço da guitarra e tambores de címbalos reunindo uma sensação cinética de impulso que favorece sacudir a bunda em vez de acariciar o queixo.
Storm and Stress 'Under Thunder & Fluorescent Lights' (2000)
Depois de anos de precisão instrumental em Don Caballero, o futuro boffin de Battles, Ian Williams, soltou-se com Storm e Stress. Sua estreia em 1997 foi um naufrágio de free-jazz de vidro quebrado, fragmentos de guitarra, baixo espasmódico, lirismo absurdo e percussão errática. Mas, onde aquele primeiro LP S&S fez um espetáculo dinâmico e quase violento de arritmia cacofônica, Under Thunder & Fluorescent Lights , de 2000, descobriu que a banda estava fazendo algo mais inesperado: usando a discordância rítmica como um estudo isolado. À medida que a guitarra vibra melancólica, vocais tristes, teclados misteriosos e tiques de bateria flutuam como navios passando na noite, há uma solidão requintada na maneira como essas partes individuais nunca se juntam.
Atlas Sound 'Logos' (2009)
Bradford Cox lançou muita música nos anos 2000: três álbuns com o Deerhunter, dois sob o nome Atlas Sound e uma incontável procissão de gravações caseiras através de seu blog. Seu melhor trabalho, o segundo LP Atlas Sound, Logos, mistura sem esforço baladas misteriosas com peças sonhadoras de drones e exercícios inspirados no krautrock, criando uma destilação da discografia dos anos 2000 de Cox.
Jeffrey Lewis 'The Last Time I Did Acid I Went Insane' (2001)
Jeffrey Lewis – artista de quadrinhos criado em East Village que se tornou um compositor anti-folk – é um cara engraçado. Engraçado como: “Deus é apenas uma história que alguém inventou há muito tempo/antes de ter livros e programas de TV”; ou: “Se eu fosse Leonard Cohen ou algum outro mestre da composição/eu saberia primeiro fazer sexo oral e depois escrever a música.” Ele canta a última no meio de “The Chelsea Hotel Oral Sex Song”, uma música que evoca Cohen que serve como um lamento desconexo para outra garota aleatória que escapou. Em sua estreia em 2001, Lewis canta músicas inteligentes e espertinhas, sinceras e conscientes, explorando a si mesmo e seu trabalho de uma forma que provavelmente deve mais a Harvey Pekar e Joe Sacco do que a qualquer mestre da composição, sejam eles Cohen ou não.
The Moldy Peaches 'The Moldy Peaches' (2001)
Os anti-folkers nova-iorquinos sem fidelidade The Moldy Peaches — os compositores gêmeos Kimya Dawson e Adam Green — cumpriram o mito da juventude inspirada; sua música intencionalmente ruim, liricamente detestável, dando um bom nome à adolescência suspensa. A dupla invoca o estilo rudimentar de arte de fora de composição de meninos como Daniel Johnston e Wesley Willis, mas insere uma autoconsciência sarcástica no lugar da ingenuidade preciosa (“quem confundiu essa porcaria com gênio?” eles zombam, antes de levar a uma rima com ' pênis'). É música flagrante em sua completa falta de cautela; vulgar e bobo e, em última análise, descartável. No entanto, como a trilha sonora de Juno , seis anos depois , provou, tão rapidamente quanto esses Moldy Peaches podem estragar, eles estão eternamente maduros para a redescoberta.
The White Stripes 'Elephant' (2003)
Certa vez, assisti Cat Power se atrapalhar com uma versão de dez minutos de “Seven Nation Army”, onde o guitarrista tocava aquele riff, repetidamente, enquanto Chan Marshall lutava para lembrar as palavras. E em nenhum momento desses dez minutos aquela lambida cansou. Como algum “Smoke on the Water” para o dever, o riff serpenteante e enrolado de Jack White marcou as posições definitivas dos dedos para uma geração de roqueiros de quarto dos anos 2000. E, melhor ainda, serviu de peça central para o melhor LP do White Stripes. Sua gloriosa gravação analógica vintage mostra o essencialismo do rock'n'roll da dupla multi-platina; as rotinas de empurrar para frente/puxar para trás de sua bateria desajeitada/guitarra sarcástica com as mesmas pantomimas sexuais de um tango.
Gossip 'Movement' (2003)
Pegando o Gossip no ponto perfeito entre seus primeiros LPs caóticos e seus posteriores superproduzidos, Movement é um disco de rock'n'roll dedicado à pista de dança; seu título é um apelo para que o público fique à vontade. Cheio até as brânquias com cortes matadores de dois minutos de gritos de soul suados e dança de bolas, aqui o Gossip tem uma versão queer orgulhosa de um rock despojado - apenas bateria, guitarra e os vocais com cinto de A ex-cantora gospel Beth Ditto - encenou seu próprio Revolution Girl Style Now!, servindo como um antídoto desafiador para o clube de meninos do renascimento do rock que surgiu na esteira do The Strokes. Nos anos seguintes, Ditto's encontrou fama muito maior, mas The Gossip não chegou nem perto de igualar o poder deste disco.
Depois de lançar uma estreia dance-punk, Liars lançou They Were Wrong, So We Drowned . Um caldo sônico cáustico de guitarras estáticas, tambores cacofônicos e encantamentos entoados, o LP evoca um sentimento de pavor que tudo consome, cujo gosto 'difícil' parece que os Liars estão deliberadamente presidindo seu próprio fim comercial. No entanto, na morte amiga da fama, eles encontraram a transfiguração artística, criando o que é, de longe, seu melhor disco.
Interpol 'Turn On the Bright Lights' (2002)
Se você puder olhar além das letras ridiculamente ruins - "the subway, she is a porno" !!! - e o fato do frontman Paul Banks ter a sutileza vocal de uma buzina de neblina, um impressionante disco de rock hino está à espera de Turn On the Bright Lights , o disco de estreia dos nova-iorquinos vestidos de preto Interpol. Baseando-se fortemente em bandas pós-punk como Joy Division, The Cure e Echo & the Bunnymen, o quarteto faz um rock'n'roll melancólico cheio de guitarras tocando grandes riffs, todos impulsionados poderosamente pelo som forte e do tamanho de um estádio bateria de Sam Fogarino. A banda está no seu melhor em “Stella Was a Diver and She Was Always Down”, seis minutos pensativos em que Banks, gritando “Stellaaaaaa!” noite adentro, parece pensar que é um jovem Brando.
Spoon 'Kill the Moonlight' (2002)
Os ternos no negócio da música há muito tempo tinham consignado Spoon ao status de 'também correu' quando a trupe de Austin, Texas apareceu com esse conjunto completamente matador e apertado de músicas despojadas e animadas. Misturando sons de estúdio inteligentes com fundamentos ferozes do rock-n-roll, Kill the Moonlight deu um novo impulso à carreira de Spoon; foi um dos primeiros discos cuja popularidade em crescimento lento parecia produto do burburinho da internet; aquela evolução do novo milênio do bom e velho 'boca a boca'. Os discos subsequentes do Spoon chegaram a um sucesso que incomodava as paradas, mas eles ainda precisam realmente corresponder à magia do conjunto de estreia, um álbum personificado por "The Way We Get By", um roqueiro de piano que soa para todos os mundo como um eterno clássico jukebox.
Architecture in Helsinki 'In Case We Die' (2005)
Para seu segundo LP, o maníaco Melbournians Architecture in Helsinki — ainda na época com oito membros a mais — ampliou a ambição, atirando nas estrelas com excessos de ópera rock: gongos, fogos de artifício explodindo, cantores de ópera, rajadas de metais, cordas, cítara, serra musical e ferramentas elétricas usadas como instrumentos de percussão. AIH organizou tudo isso na esperança de criar seu álbum definitivo antes que a morte chegasse; uma noção mórbida que, no entanto, levou seu twee-pop cambaleante, hiperativo e ADD a um terreno artístico surpreendentemente profundo. Tudo isso é incorporado pela faixa-título dolorosamente triste do set, um estudo de quatro partes sobre o envelhecimento/mudança de relacionamentos que vem abençoado com um pedaço de sabedoria lírica eterna: “silver never gets golder”.
The Flaming Lips 'Yoshimi Battles the Pink Robots' (2002)
Os lendários shows ao vivo do Flaming Lips - explosões ridículas de sangue falso, confetes, marionetes e psych-pop colorido - são grandes exemplos da admiração de Wayne Coyne por estar vivo, mas Yoshimi Battles the Pink Robots luta não por sua vida, mas por sua vida. transfiguração. E os Lips encontram transcendência com o imortal “Do You Realize?”, um hino inesperadamente real para o espírito humano que afirma a vida, alcança o céu. Tornou-se quase um “Imagine” para a geração do iPod: uma balada perene sobre fazer feno em face de sua morte iminente.
Nicolai Dunger 'Here's My Song, You Can Have It, I Don't Want it Anymore' (2004)
O cantor sueco Nicolai Dunger, machucado e meio cara, teve uma longa carreira reverente a Tim Hardin antes de chegar ao seu 12º (ou mais) LP, Here's My Song, You Can Have It... I Don't Want It Anymore /Yours 4-Ever, Nicolai Dunger Here's My Song é um cantor-compositor direto; melodias ricamente orquestradas apoiando grandiosamente o canto dolorido de Dunger. Sua peça central é “The Year of the Love and Hurt Cycle”, um épico de nove minutos de coros, cordas, solos de guitarra e vocalizações melodramáticas que nunca são impedidas por algo tão nocivo quanto 'coolness'. .'
Spiritualized 'Let It Come Down'(2001)
Criticado em sua época como um trabalho de arrogância pomposa, retrospectiva revela Let It Come Down como um dos maiores álbuns dos anos 2000. Curiosamente, Let It Come Down compartilha seu nome com um dos álbuns mais injustamente difamados dos anos 90: o set solo de pop suave de James Iha em 1998. Mas isso é um disco para outra lista...
Quickspace 'The Death of Quickspace' (2000)
O título do terceiro LP do Quickspace provou ser presciente; prenunciando uma morte em que de repente pareciam desaparecer misteriosamente. Com uma capa que mostrava um cavalo sendo posto para fora de sua miséria, o disco estava carregado de pistas para o desaparecimento iminente; o trocadilho referencial da imagem da capa —uma música aqui chamada “They Shoot Horse Don't They”— até sugerindo a droga que os mataria . de glória; os vocais murmurados e as guitarras pós-Sonic-Youth de Tom Cullinan e Nina Pascale tropeçando um no outro em uma longa dança lenta. Toda marcha lenta e interação de guitarra distorcida, o canto do cisne do Quickspace marcou não apenas sua morte, mas a morte de discos de indie-rock barulhentos como esse.
Alasdair Roberts 'Farewell Sorrow' (2003)
Nenhum marcador musical foi mais mal utilizado nos anos 2000 do que 'folk', um termo que, no final da década, parecia significar apenas 'usa instrumentos acústicos'. Se alguém merecia usar a palavra em seu sentido duramente conquistado, era o compositor escocês Alasdair Roberts. Trabalhando com a mesma reverência pelas histórias orais que definiram o folk-revival, Roberts se baseia em músicas tradicionais, mas se recusa a tratá-las como peças de museu. Em Farewell Sorrow , o segundo dos cinco álbuns solo que ele fez nesta década, Roberts canta canções de caça, canções de bebida e baladas novamente; sua voz esganiçada rachando de emoção enquanto ele transforma expressões idiomáticas arcanas em suas próprias palavras. Apropriadamente, o livreto do LP imprime as letras, afinações e acordes; música folclórica, afinal, aberta à interpretação.
Bon Iver 'For Emma, Forever Ago' (2008)
A história de Justin Vernon em Bon Iver é romântica como uma anedota independente – cara, de coração partido, se esconde na cabana de seu pai na floresta, passa um inverno em Wisconsin cortando lenha durante o dia, tocando seu blues à noite – mas seria apenas um fio bem fiado se não fosse o álbum que saiu dele. E For Emma, Forever Ago , um álbum clássico de término de namoro, faz dele o material do mito moderno. Preso à neve e sofrendo, Vernon interpreta seu conjunto espartano de lamentos apaixonados com tanta delicadeza e reverência que parecem espirituais. E embora tenha ganhado sua reputação como um passeio lo-fi , Vernon mostra um toque de produção suspeitosamente sofisticado; as muitas camadas de “For Emma” girando uma teia intrincada e multi-timbral de mágoa atrevida.
Ugly Casanova 'Sharpen Your Teeth' (2002)
Tirando uma folga de Modest Mouse depois de se sentir frustrado por suas relações com a grande gravadora The Moon & Antarctica , Isaac Brock fez um álbum solo empunhando os licks country que ele vinha estimulando desde The Lonesome Crowded West , de 1997 . Feito fora dos limites de sua banda de rock, Brock obviamente sentiu uma liberdade musical, pois há um genuíno senso de aventura no experimentalismo de estúdio produzido por Brian Deck que envolve as melodias vibrantes de Brock em camadas de vocais fantasmas, mechas de guitarra slide e clangs aleatórios de percussão 'encontrada'. Como compositor, as obsessões de Ugly Casanova de Brock eram as mesmas de sempre: Sharpen Your Teeth continuando o estudo lírico da mortalidade que, logo depois, de repente se tornaria multi-platina.
Modest Mouse 'The Moon & Antarctica' (2000)
Embora a Sony tenha lamentado seu investimento inicial na Modest Mouse, e Isaac Brock tenha reclamado publicamente sobre a vida escravizada por beancounters, The Moon & Antarctica – a estreia de uma grande gravadora cujas vendas iniciais foram consideradas um “fracasso comercial” – dificilmente foi um desastre artístico. Unindo os sentimentos que Brock explorou em uma dispersão de singles e EPs indie, o terceiro LP MM novamente posicionou seu letrista como pensador filosófico, preso na parte de trás de uma van de turnê, contemplando a vastidão do universo e sua pequena insignificância nele. Nem um único segundo disso parecia manchado pela intervenção de uma grande gravadora ou pela esperteza do rádio comercial (que veio mais tarde em sua carreira), e muito disso, mais de uma década depois, ainda soa totalmente novo.
Bright Eyes 'Lifted or The Story is in the Soil, Keep Your Ear...' (2002)
O prodígio da composição Conor Oberst tinha 21 anos quando ele rolou a fita no quarto LP Bright Eyes, as canções de outro modo empolgantes de Lifted beiram a paranóia. É auto-obsessão como alta arte; confessionalismo de acidente de carro para fãs de emo-ish americana.
Feist 'The Reminder' (2007)
No que diz respeito aos álbuns que vendem discos de platina, indicados ao Grammy, celebrados pela Apple e geralmente onipresentes, é difícil passar do terceiro LP da cantora canadense Leslie Feist. Na tenra idade de 31 anos, o antigo Broken Social Scenester quebrou em grande; vendendo milhões e encantando legiões em um bobo sucesso de 2007. Mas, por baixo de todas as estatísticas de mudança de unidade, bate o coração de um álbum indie; O Lembrete encontra força na imperfeição.
New Buffalo 'The Last Beautiful Day' (2004)
Muito antes de Sally Seltmann, do New Buffalo, encontrar algum tipo de estranha fama de segunda mão, como a humana que escreveu o hino de Feist, indicado ao Grammy, “1234”, a cantora australiana estava silenciosamente criando uma versão romântica, totalmente caseira e um pouco instável. pop. Escrito enquanto Seltmann se recuperava de uma doença debilitante, The Last Beautiful Day é um glorioso santuário de puro otimismo, cantado em uma voz que soa à beira de quebrar. Seus acordes de piano em cascata, órgãos analógicos borbulhantes e varreduras sinuosas de cordas sampleadas funcionam a serviço de sentimentos como “recuperação/parece que vai ficar tudo bem/é um novo dia”, “está tudo bem” e, em uma música chamada “ Vai ficar tudo bem”, “Eu queria dizer / seguir em frente / E olhar pelo lado positivo.”
Nedelle 'From the Lion's Mouth' (2005)
Nedelle Torrisi, a bela da área da baía que também lidera a indubitavelmente ás do pop Cryptacize, inicia seu segundo álbum solo com um dos mais tristes – se não apenas o melhor. From the Lion's Mouth é um conjunto brilhante de composições indie esterlinas.
Evangelista 'Hello, Voyager' (2008)
Ao longo de 30 anos de música irregular e crua, a carreira musical em constante mudança de Carla Bozulich pode ser traçada não como fluxos e refluxos, mas grandes mudanças, marés e oscilações. Embora os discos mais 'juntos' de Bozulich - como a ópera rock de Geraldine Fibbers de 1995, Lost Somewhere Between the Earth and My Home , ou sua releitura conceitual de Willie Nelson, Red Headed Stranger , em 2003 - tenham sido os mais aclamados, para mim ela parece mais vital quando ela está mais desequilibrada. Uma década depois que a sessão fúnebre de forma livre de Scarnella mergulhou profundamente nas sombras, o primeiro LP Evangelista de Bozulich se aventura de volta a essa franja espectral e lunática. Feito em aliança com Godspeed You! Imperador Negro , Olá, Voyageré um álbum de coração negro totalmente sem medo de sua própria escuridão.
Sandro Perri 'Tiny Mirrors' (2007)
Após anos de autoria de música instrumental como Polmo Polpo, Sandro Perri, de Toronto, se reformulou como um verdadeiro trovador em sua estreia solo majestosa. Em dívida com Tim Hardin e Tim Buckley, Skip Spence e Skip James, o álbum de nome próprio de Perri evoca cantores-compositores de uma época em que “cantor-compositor” era um epíteto; apresentando uma voz melosa, encantos líricos, instrumentação arborizada e arranjos brilhantes. Simplesmente ouvir Tiny Mirrors parece um empreendimento romântico; O álbum (foto) de Perri é um showreel tremeluzente de memórias preciosas, convocando aquele sentimento feliz/triste que vem com a lembrança em cada canção de amor tingida de perda. É um disco impregnado da tristeza da passagem do tempo, um disco belo de formas complexas e inesperadas.
Vincent Gallo 'When' (2001)
As canções de ninar analógicas e ecoadas de Vincent Gallo ainda têm magia melancólica suficiente para me levar de volta àquele lugar felizmente ingênuo quando ouvi When . A solidão poética do álbum me ajuda a esquecer que eu sei o que é uma Paris Hilton e que este registro terno foi escrito por um republicano vendedor de sêmen conhecido por ser um completo idiota.
Jim O'Rourke 'Insignificance' (2001)
Jim O'Rourke - o cara que salvou Wilco da mediocridade do MOR, fez um período como quinto membro oficial do Sonic Youth, então se aposentou amargamente da música nos anos 2000 - tem um dos currículos mais confusos da música, um emaranhado louco de colaborações, experimentos e ideias pontuais. Felizmente, ele fez um par de discos pop inigualáveis que estão acima de tudo: Eureka , de 1999 , e Insignificance . Este último encontrou Diamond Jim no comando total de seu som soft-pop semi-irônico; uma mistura suave de guitarras de bluegrass, órgãos analógicos, piano, pedal steel e metais, encimados pelo canto suave e sarcasmo selvagem de O'Rourke. O disco nunca está melhor do que em “Get a Room”, cujas letras secretamente hilárias recompensam, infinitamente, aqueles que ouvem atentamente.
Fennesz 'Endless Summer' (2001)
Uma década antes do chillwave explodir a blogosfera, o boffin austríaco Christian Fennesz estava encenando uma exploração eletrônica de um homem da tristeza inerente à nostalgia do verão. Fennesz estivera, antes, trabalhando em domínios muito mais austeros do eletro experimentalismo; explorando os sons de fritura de circuitos e as formas musicais da digitalia. Mas as densas nuvens sonoras de Endless Summer são infundidas com um calor generoso; e, na maravilhosa faixa-título de oito minutos de duração, há até um lânguido violão, cujas cordas preguiçosas e soltas são lavadas em uma névoa de doces sons sentimentais. Não é um disco pop de forma alguma, mas a sensação de emoção - algo que, na época, era uma cena de 'falha' - é palpável.
Dntel 'Life is Full of Possibilities' (2001)
Parece estranho, uma década depois, que esse registro da Dntel tenha se tornado apenas uma nota de rodapé; como o LP em que o beatmaker de Los Angelino, Jimmy 'Dntel' Tamborello, conheceu o vocalista do Death Cab for Cutie, levando à sua eventual união como The Postal Service. Estranho, já que, na época, as pessoas ficaram loucas por ele por conta própria (veja: um 9.3 no Pitchfork ). Aqui, Tamborello colabora com vocalistas como Mia Doi Todd, Rachel Haden e Chris Gunst do Beachwood Sparks, que dão voz ao seu medo esmagador da morte (como refletido pela justaposição irônica de título/arte); suas vozes em camadas, tratadas, cortadas e espalhadas pelos densos mundos sonoros de Tamborello de batidas rápidas, sintetizadores iminentes, crepitações de vinil e atmosferas opacas.
The Postal Service 'Give Up' (2003)
Tentando, em vão, dar continuidade ao clássico do Dntel Life Is Full Of Possibilities , Jimmy Tamborello ficou preso. Na esperança de sair de sua rotina, ele aceitou a sugestão dos figurões da Sub Pop e começou a trocar fitas com o cara do Death Cab Ben Gibbard, com quem ele colaborou no corte Dntel “(This Is) The Dream Of Evan And Chan. ” Indo e voltando pelo correio, eletro-nerd e emo-poeta tornaram-se um casal artístico improvável; O beatmaking de Tamborello e o lirismo tenso de Gibbard criam uma combinação perfeita de triste-eletro-pop. Nos anos desde seu abençoado lançamento, Give Up se tornou Gold, Gibbard se recusou firmemente a revisitar o Postal Service, e aquele vendedor de Owl City roubou a banda de forma tão descarada que até ele deve se sentir envergonhado.
Death Cab for Cutie 'Transatlanticism' (2003)
O quinto LP do Death Cab for Cutie significa muito para muitas pessoas. O que é, claro, uma deixa para rir mais uma vez daquele cara com a tatuagem “Transatlanticism” . O transatantismo nunca é mais eficaz do que em sua faixa-título, que atinge a transcendência através da repetição cantada de sete sílabas simples: “Eu preciso de você muito mais perto”.
Wildbirds & Peacedrums 'The Snake' (2009)
A dupla sueca de marido e mulher Wildbirds & Peacedrums é um estudo profundo no elementalismo da composição, reduzindo a música ao seu mais básico: a percussão de Andreas Werliin como ritmo, a voz de Mariam Wallentin como melodia. No entanto, essa configuração simples é tudo menos reducionista. Seu segundo disco, The Snake , não é despojado, mas construído; o par usando essas mesmas ferramentas simples para construir canções comoventes de beleza imponente. É um álbum ao mesmo tempo indisciplinado e grandioso; encontrando transcendência através da percussão e do canto jazzístico. E é pontuado pela épica e majestosa despedida de sete minutos, “My Heart”, que encontra Wallentin exortando seu coração a continuar batendo, para que ela possa evitar a mortalidade para cantar — para amar — por mais um dia.
The Knife 'Silent Shout'(2006)
O medo, na música eletrônica, geralmente evoca aquela parábola de ficção científica: o medo de um futuro de alta tecnologia em que os valores humanos foram subsumidos pela ascensão das máquinas. O duo sueco de irmãos e irmãs The Knife transmite um tipo completamente diferente de medo em seu som francamente assustador: puro terror abjeto. Não o medo como arma ideológica, mas um medo genuíno, visceral, profundo em seu estômago. O terceiro LP do The Knife é, em todas as suas batidas frias e vocais pesados de Karin Dreijer, assustador de ouvir. Eu acho que você poderia dançar no clube, cantar junto com ela no seu carro (“passando tempo com minha família/como os Corleones!”), ou tê-la ligada enquanto lavava a louça, mas eu só posso ouvir Silent Shout enrolado em posição fetal.
Crazy Dreams Band 'Crazy Dreams Band'(2008)
Composto por membros de Lexie Mountain Boys, Harrius, Mouthus e Religious Knives, o CDB vem impregnado de histórias de difícil escuta. Mas eles não poderiam ser mais fáceis de ouvir: sua alegre raquete de jam-band tropeçando na linha entre a aproximação do rock clássico e a capitulação caótica. Alimentado pelo moog overwired e duelo de Nick Becker, vocalistas lamentosos Alexandra Macchi e Chiara Giovando, CDB faz experimentações ad-hoc soarem do tamanho de um estádio. No hino “Separate Ways”, Macchi arenga “odiar você exige muita ENERGIA!” em um rugido de blues e embriagado que não soa tanto como Janis Joplin voltando do túmulo, mas Janis Joplin apodrecendo em seu túmulo.
Juana Molina 'Três Cosas' (2003)
A frase 'comediante que virou compositora' tem todos os tipos de conotações ruins, mas Juana Molina, uma vez a estrela de um show de comédia argentino, faz uma música que é absolutamente mágica. Seus feitiços sônicos caseiros, gravados inteiramente em isolamento, flutuam tontos em camadas de guitarra e o som suave do canto espanhol suave de Molina. O segundo disco de destaque de Molina (ou seja, o primeiro ouvido fora da Argentina), Tres Cosas , desnuda as músicas em um ato de impressionante pureza composicional; sentindo, em tal, muito mais 'presente' — mais reverente, até — na beleza da música.
Cornelius 'Point'(2002)
Evocando abertamente a noção antiga da “jornada pela música”, o quarto álbum de Keigo Oyamada, como Cornelius o mostrava incorporando a noção familiar e romantizada do DJ empoeirado e resgatador de vinil: vasculhando o lixo do pan-gênero popular -cultura, formando um conjunto de fontes de áudio em um todo singular. Usando o estúdio como instrumento, o rei da chamada cena Shibuya-kei de Tóquio parecia um pintor, aplicando habilmente traços precisos de cor e composição. Oyamada constrói suas canções com o mesmo tipo de concepção e controle; A viagem de Point “de Nakameguro a Everywhere”, encontrando-o recortando e colando seu caminho para uma visão harmônica de pop futurista densamente tecida, travessamente experimental e desenfreada.
Tujiko Noriko 'Make Me Hard' (2002)
Tujiko Noriko, criada em Tóquio e com sede em Paris, usou uma comparação recorrente ao longo dos anos 2000: Björk. Quando você está criando mundos sonoros imensos e emocionalmente encharcados de fragmentos digitais, sons de sintetizador distorcidos e o poder bruto de sua voz com várias faixas, provavelmente é uma comparação adequada. Especialmente como mulher. Invadindo o clube de garotos eletro-abstratos com uma espécie de 'J-pop de vanguarda', Tujiko soava tão estranha quanto feminina; sua música ao mesmo tempo fofa e devastadora, doce e descuidada, amigável e aterrorizante. Em seu terceiro LP, Make Me Hard , Tujiko estava trabalhando no auge de seus poderes; as construções sombrias e sombrias do set de sons eletrônicos rodopiantes, afunilados e esmurrados incendiados pela chama nua de sua voz evocativa.
Kahimi Karie 'Trapéziste' (2003)
Depois de começar a vida como uma ingênua de J-pop fofa, Kahimi Karie teve uma carreira impressionante: uma narrativa fascinante de exploração artística avançada na qual ela está lado a lado com Olivia Tremor Control, Cornelius, Jim O'Rourke e Otomo Yoshihide . Inspirando-se no eterno Comme à la Radio de Brigitte Fontaine , o glorioso Trapéziste encontrou Karie voando graciosamente sobre uma rede musical lançada por toda parte. Colando diversos sons —ópera, free-jazz, estática dissonante, tropicalismo, electro-pop, palavra falada— com edição cuidadosa e justaposição profunda, o ousado quinto álbum de Karie reúne milhares de pequenos fragmentos de som em algumas das músicas mais vanguardistas a ser vendido como pop comercialmente acessível.
Camille 'Le Fil' (2005)
É um B. Esta única nota cantada por Camille, e em loop em um zumbido sem fim, ressoa por todo Le Fil , e o disco sai vencedor.
Mathieu Boogaerts '2000' (2002)
Mathieu Boogaerts está para a música pop como Michel Gondry está para o cinema: um francês excêntrico, peculiar e de olhos tortos que vê o mundo através do prisma de sua arte e dá tanto crédito ao sonho quanto à chamada 'realidade'. Em seu terceiro disco, Boogaerts tirou seu som 'pop minimale' agitado e esquisito de seus ritmos hipnóticos e robóticos usuais, e em algum tipo de fantasia country estranha, instável e tonta. Como na abertura “Las Vegas”, que, enquanto Boogaerts canta Caesers Palace e Marilyn Monroe, chuvisca pedal-steel meloso sobre ritmos synth-pop com inflexão de reggae. Quando não está fazendo justaposições estranhas, Boogaerts enche 2000 com músicas pop matadoras; “Tu Es” talvez os três minutos mais brilhantes de sua brilhante carreira.
The Books 'The Lemon of Pink'(2003)
A peculiaridade deste álbum, incluindo nerds riffs
Monty Python , torna The Lemon of Pink escandalosamente agradável de ouvir para qualquer um com ouvidos.
Grizzly Bear 'Veckatimest' (2009)
Depois de estrear como as gravações caseiras solo de Ed Droste em Horn of Plenty de 2004 , Veckatimest está maduro com corpo, vívido com cores, repleto de doçura. Em cascata com contrapontos e enfeitadas com harmonias celestiais, as músicas lindamente produzidas abençoam aqueles que ouvem com fones de ouvido; cada um uma dança romântica de pequenos detalhes e grande amplitude. É um disco incrivelmente simples e silenciosamente complexo, um que, maravilhosamente, toca tão bem três dúzias de escutas quanto naquela rotação virgem.
Final Fantasy 'Ele Poos Clouds' (2006)
Quem duvidar que os nerds tenham herdado a terra musical precisa apenas ouvir o segundo álbum de Owen Pallett, o canarinho canadiano de canto-pop, cuja infância virtuosa do violino não deixou muito espaço para socialização. Um disco conceitual ensinado na magia de Dungeons and Dragons , a faixa-título de He Poos Clouds é sobre uma paixão obsessiva pelo Link de The Legend of Zelda (“todos os garotos que eu já amei foram digitais”, “eu o movo com meu polegares”, etc). Eu não tenho ideia do que RPG está em mente quando Pallett canta “seus genitais maciços se recusam a cooperar” sobre “This Lamb Sells Condos” 'este casamento de rag-time de cravo, piano e coro, mas pouco importa: mesmo aqueles que nunca jogaram um dado de 20 lados podem e vão adorar este LP.
The Arcade Fire 'Funeral' (2004)
Depois que os figurões do renascimento do rock – The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, White Stripes – exigiram um reducionismo despojado, o Arcade Fire foi o grande responsável por reabilitar o prestígio da grandeza sincera e emotiva. A estreia do combo quebequense grandioso, Funeral é um álbum impregnado, de alguma forma, de tragédia e otimismo; como em “Haiti”, onde Régine Chassagne preside um alegre jamboree cujas letras, dançando entre o inglês e o Kreyòl, pintam com o sangue dos haitianos mortos.
Godspeed You Black Emperor! 'Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas...' (2000)
Existem poucas bandas que podem fazer um argumento convincente de que precisavam fazer um álbum duplo de 87 minutos, mas o co-op pós-rock de Québécois Godspeed You! Black Emperor, em todas as suas ideologias épicas, estudos encadeados em dinâmicas e crescendos apocalípticos, são uma banda condizente com o estudo de forma longa. Segundo LP do GY!BE, Lift Yr. Skinny Fists Like Antenas to Heaven mostra a raiva politizada fervente da banda fervendo em uma melancolia mais lânguida, uma tristeza dolorosa que perdura em cada nota orvalhada de guitarra desgastada, cada gravação de campo fantasmagórica, cada lamento choroso de violino. Sua música derrama lágrimas pelas paisagens de decadência urbana; é uma forma de psicologia arquitetônica de áudio que lamenta ambientes manchados pela praga do vôo branco.
Sunset Rubdown 'Random Spirit Lover' (2007)
Se alguém poderia ainda considerar Sunset Rubdown de Spencer Krug um “projeto paralelo da Wolf Parade” depois do poderoso Shut Up I Am Dreaming de 2006, Random Spirit Lover foi o silenciador. Indo muito além de onde sua outra banda mais famosa jamais ousaria, o terceiro LP Sunset Rubdown de Krug é ambição sobre ambição; um emaranhado louco de guitarras desequilibradas e teclados quebrados nos quais ele avidamente ensaboa ideia após ideia. Tal complexidade musical é acompanhada pelo lirismo literário de Krug, que — por meio de versos como “pense na cena em que um ator fracassado / limpa a maquiagem de sua esposa e diz / 'os agentes funerários devem ter tomado você por uma prostituta'” — convoca um mundo teatral em que cada palavra ou ato, no palco ou fora dele, é uma performance.
Camera Obscura 'Let's Get Out of This Country' (2006)
Para muitos, a banda indie-pop escocesa Camera Obscura foi facilmente descartada como simples acólitos de Belle e Sebastian ; ainda assim, quando Traceyanne Campbell e companhia chegaram ao seu terceiro álbum, poucos podiam negar que tinham sua própria identidade vital. Repleto de melodias harmoniosas, encantadoras e emocionantes, Let's Get Out of This Country pode ficar ao lado de qualquer um dos clássicos amados de Belle e Sebastian (bem, talvez não If You're Feeling Sinister ...). Em meio a suas cordas arrebatadoras e lirismo salgado, Campbell mostra que conhece seu lugar na música pop. Quando ela tira o chapéu para nomes como Dory Previn e Lloyd Cole & The Commotions, é óbvio que Campbell passou seu tempo estudando os compositores mais adeptos das letras, depois colocando suas lições em prática.
Belle and Sebastian 'Dear Catastrophe Waitress' (2003)
Depois de lançar um dos maiores discos de todos os tempos , com a nota perfeita de 1996, If You're Feeling Sinister , os retardatários do pop escocês Belle e Sebastian mergulharam lentamente em um período fraturado e confuso, personificado pelo LP mediano de 2000, Fold Your Hands Child, You Walk. Como um camponês . Dear Catastrophe Waitress , de 2003, chegou, então, como um novo começo brilhante. Com sua maldade e umidade há muito ridicularizadas em escassa oferta, o prato produzido por Trevor Horn desfilou licks de guitarra quentes, cordas arrebatadoras e brio clássico de música pop. Desfilando orgulhosamente em alta fidelidade, Belle and Sebastian não soava como um coletivo de cristãos e charlatães dos cafés mais badalados de Glasgow, mas como umbanda , no melhor sentido do mundo.
The Decemberists 'Her Majesty the Decemberists' (2003)
Todas as imagens de marinheiros antigos, letras literárias amareladas e pisadas de bandas, Sua Majestade os Decemberistas apresentaram ao mundo o talento prontamente aparente de Colin Meloy. Cantando com um sorriso de escárnio partes iguais de Jeff Mangum e John Darnielle, Meloy faz piruetas através de uma série de números ágeis evocando favelas marítimas anglo-saxônicas, canções de protesto de Billy Bragg e o capricho do Elephant 6. Por toda parte, suas palavras estudiosas e bem formadas — evocando abertamente outros autores Dylan Thomas, Marcel Duchamp e Myla Goldberg — parecem sempre citáveis; Nunca mais do que quando Meloy chama Los Angeles de “vômito distorcido de um oceano na praia”. Os discos subseqüentes de Decemberists foram mais populares, mas isso ainda serve como o ponto de entrada perfeito para sua marca particular de pop.
Beirut 'Gulag Orkestar' (2006)
Pare se você já ouviu isso antes: adolescente do Novo México abandona o ensino médio, perambula pela Europa em busca da música cigana dos Balcãs que ele ouviu nos filmes de Emir Kusturica, se casa com seu próprio cantor de Morrissey. e as obsessões por Magnetic Fields, e autor de um dos melhores álbuns da década antes de completar 19 anos. A história de fundo de Zach Condon está escrita em Gulag Orkestar , que toca como um diário de viagem dirigido ao Oriente pela Europa. Embora gravada em seu quarto na casa de seus pais em Albuquerque, a música romântica de Condon evoca uma visão sentimental da Europa; nunca mais do que na arrebatadoramente romântica “Postcards from Italy”, uma balada comovente e envolvente que é realmente uma das melhores músicas dos anos 2000.
CocoRosie 'La Maison de Mon Rêve' (2004)
Freak-folk Le Maison de Mon Rêve estava cheio de autoharpas e violões, seu uso de formas folclóricas era irônico; os irmãos Casady jogando spirituals com um vicioso viés revisionista. Em suas vozes estridentes, estridentes, as irmãs cantavam coisas como “Jesus me ama/mas não minha esposa/não meus amigos negros/ou suas vidas negras”, transformando números pseudo-evangelho em críticas ao cristianismo.
MIA 'Arular' (2005)
No amado primeiro disco de Maya Arulpragasam — pele morena / londrino ocidental / educado / refugiado, hein — são as batidas que atingem você primeiro. Perfurado no pai de todas as baterias compactas, o 505, caixas de groovebox da MIA bem acima do seu peso; sua carícia concussiva percorre combos de crunk, baile funk, ragga, gutter-garage e dancehall. Por cima, Arulpragasam solta uma arenga lírica, fundindo a fanfarronice de hip-hop com slogans de resistência armada, como se estivesse costurando o primeiro e o terceiro mundo como um operário musical. Por trás de uma estreia tão audaciosa e pesada, não foi surpresa para ninguém que MIA se tornou uma das estrelas verdadeiramente transcendentes dos anos 2000. Deus a abençoe.
Why? 'Alopecia' (2008)
Yoni Wolf é o mestre do overshare. Em cinco Por quê? LPs, a mistura do letrista americano de neuroses tragicômicas e intimidade desconfortável lhe rendeu mais comparações com Woody Allen e Larry David do que com cantores e compositores. Embora sua carreira tenha ido do rap de mochileiro ao indie-pop fofo e ao piano-balada, as observações e confissões meio cantadas / meio faladas de Wolf permaneceram constantes. E nunca Wolf esteve tão em chamas como em seu quarto Por quê? set, Alopecia de 2008 , que combinava letras infinitamente citáveis (“você é uma palavra bonita e violenta/com o pescoço magro/de um pássaro chinês”) com uma série de ganchos absolutamente memoráveis; cortes como "The Hollows", "Fatalist Palmistry" e "By Torpedo of Crohn's", as obras definidoras de uma carreira.
Sam Amidon 'All is Well' (2008)
É raro quando uma abordagem formal e estudiosa produz melhores resultados musicais do que uma abordagem irregular e intuitiva; no entanto, o bem educado, estóico e prosaico de Sam Amidon vai muito além dos limites do primitivismo adotivo e ad hoc do folclore esquisito . Interpretando dez canções folclóricas tradicionais, Amidon as canta em um barítono rouco que beira o monótono. Sua voz contrasta, às vezes violentamente, com os exercícios musicalmente hábeis, sonoramente complexos e vanguardistas de Nico Muhly na ambição orquestral. Embora isso possa parecer, na melhor das hipóteses, um experimento interessante, os resultados são exatamente o oposto: essa restrição de alguma forma evoca explosões emocionais selvagens de ouvintes emboscados. Significado: você ouve All is Well , provavelmente chora.
Iron & Wine 'The Creek Drank the Cradle' (2002)
O folclórico barbudo Sam 'Iron and Wine' Beam chegou com um disco de estreia orgulhosamente vestindo suas criações caseiras na manga. O conjunto abafado de músicas de Beam toca meio sussurro, meio chiado de fita, os rudimentos da gravação de quatro faixas dando a eles uma sensação genuína de sigilo encoberto. Rolando a fita tarde da noite, sua esposa e recém-nascido foram para a cama, Beam girava suas cantigas gentis e rurais como canções de ninar para os que já dormiam. Suas letras suavemente cantadas oferecem imagens como “mãe, lembra da noite em que o cachorro teve seus filhotes na despensa?”; efetivamente convocando noções do mítico sul falkneriano em baladas tímidas. Envolta no ruído branco do quarto, as músicas de The Creek Drank the Cradle soam como resquícios fantasmagóricos de uma era distante.
Fleet Foxes 'Fleet Foxes' (2008)
Uma das histórias de sucesso massivo mais agradáveis da década, esse grupo de garotos educados, agradáveis e barbudos de Seattle conquistou seguidores apaixonados e sempre crescentes com sua estreia auto-intitulada, emitida pela Sub Pop . O quinteto folclórico é abençoado por gloriosas harmonias de quatro vozes, sua alegria óbvia no poder “quase religioso” de cantar evocando imagens romantizadas de clãs rurais cantando juntos nas noites de verão. Apropriadamente, o vocalista Robin Pecknold escreve canções cheias de anseio por sua própria família, sangue tão espesso que a água que até mesmo a canção de amor ostensiva do set, “Blue Ridge Mountains”, mantém seu coração perto de casa: “Sean, não seja descuidado/ Tenho certeza que vai ficar tudo bem/eu te amo, eu te amo/Oh, meu irmão.”
Damon & Naomi 'With Ghost' (2000)
A dupla de marido e mulher Damon Krukowski e Naomi Yang - ex-membros das lendas indie Galaxie 500 - já haviam feito três LPs impressionantes de baladas delicadas e tímidas quando se juntaram aos hippies japoneses Ghost. Embora houvesse limites culturais a serem cruzados (“espere, vocês praticam?”, perguntou Yang), logo provou ser uma união abençoada: o hábil e brilhante toque de guitarra de Michio Kurihara trazendo à tona o coração psicodélico batendo profundamente dentro do normalmente contido de Damon e Naomi. ácido-povo. O álbum resultante e resplandecente encontra nove números suavemente brilhando com o calor do vidro recém-soprado; nada mais bonito do que a leitura apaixonada de Yang do “Eulogy to Lenny Bruce” de Nico, escrito por Tim Hardin.
Nagisa Ni Te 'Feel' (2002)
O casal japonês Nagisa Ni Te – o deus da guitarra de dedos ágeis Shinji Shibayama, sua esposa/musa/colaboradora/foil Masako Takeda – foi o autor de um terno conjunto de votos com seu glorioso quarto álbum. Praticantes de uma psicodelia melancólica abertamente inspirada por Neil Young (seu nome significa 'Na Praia' em japonês), a dupla abandona os sentimentos 'cósmicos' normais de psych para uma série de devocionais domésticos e espirituais transcendentais. Sua fé não está em Deus, porém, mas em seu casamento; seus agradecimentos e elogios sempre pela existência um do outro. Na dolorosamente bela “We”, o que eles cantam juntos, em japonês gentil, se traduz como: “Todos os dias nos apaixonamos e compartilhamos o mesmo tempo. Profundo como o primeiro dia, mas nunca igual.”
Jens Lekman 'When I Said I Wanted to Be Your Dog' (2004)
“Encorajo as pessoas sobre as quais escrevi, se sentirem que foram retratadas de uma maneira ruim, a virem até mim e cuspir na minha cara”, ri o cantor sueco Jens Lekman. E, por 'pessoas', ele quer dizer: meninas. Em um LP dedicado ao seu “primeiro amor, Sara”, também há músicas chamadas “Julie”, “Silvia”, “Psychogirl” e “Happy Birthday, Dear Friend Lisa”. Mesmo o corte 'político' — uma crônica dos protestos da OMC/anti-Bush, “Você se lembra dos motins?” — é sobre uma garota. “Uma coleção de gravações – 2000-2004”, When I Said I Wanted to Be Your Dog combina amostras inspiradas em Avalanches com espertinhos cantando pesadamente em dívida com Morrissey e Stephin Merritt. No entanto, enquanto as palavras de Lekman caminham na linha entre honestidade e ironia, seu romantismo permanece inabalável.
Jenny Wilson 'Hardships!' (2009)
A mágica estreia de Jenny Wilson em 2005, Love & Youth , foi um conjunto de canções sobre política do ensino médio, evocando as angústias da adolescência desajeitada sobre um incrível som de 'disco acústico'. O sucessor da estrela sueca é um lindo disco de R&B com instrumentação rica e real — tudo piano, percussão manual e sopros — que iguala a nova paternidade com a guerra. Arrasando os clichês nocivos dos bebês-troféu de celebridades, Wilson se sente abandonada pela sociedade, lamenta a perda de sua individualidade e até fantasia em abandonar seus filhos. Na faixa-título do set, ela se pergunta por que as cicatrizes da maternidade são indignas, enquanto as cicatrizes da guerra são nobres. É um material corajoso e brilhante, um casamento inspirado de conflitos temáticos e composições harmônicas.
Tune-Yards 'Bird-Brains' (2009)
Merrill Garbus começou 2009 vendendo Bird-Brains através de seu site, e terminou assinando com o império indie 4AD, ofuscando Dirty Projectors em turnê. Informado pelo tempo que passou morando no Quênia, cuidando de uma criança de dois anos e trabalhando como marionetista, Garbus escreveu essas músicas (incríveis) em um gravador digital portátil, como uma forma de áudio vérité autoalimentado. Construído a partir de ukulele ruidoso, programação desajeitada, percussão manual e a voz gloriosa e ruidosa de Garbus, Bird-Brains salta do silêncio para o caótico por capricho, parecendo para sempre abençoado pelo espírito serendipitou. Gravador caseiro que virou estrela indie se tornou uma narrativa familiar, mas parece um milagre que algo tão puro e pessoal quanto Bird-Brains tenha saltado para a consciência coletiva.
Of Montreal 'Hissing Fauna, Are You the Destroyer?' (2007)
De Montreal já foi o jamboree mais fofo no premiado trecho de flores retrofônicas do Elephant 6. No entanto, em seu oitavo álbum, Kevin Barnes engavetou as imagens antigas e os idiomas arcaicos, reescrevendo radicalmente Of Montreal como uma roupa tensa de eletro-funk repleta de tensão sexual fervente. Fauna sibilante, você é o destruidor? é o longplayer de referência da banda, um épico colossal em que Barnes abandona o fantasioso e caprichoso para o histérico e confessional. Sua peça central, o treino krautrock de 12 minutos “O passado é um animal grotesco”, o encontra divagando em associação livre, sua agitação cada vez maior fazendo parecer muita psicoterapia. É neurose na pista de dança, e Barnes não ousa matar o groove.
Life Without Buildings 'Any Other City' (2001)
A vida sem edifícios tem o mito todo costurado. A escola de arte escocesa gravou apenas um álbum antes de se separar, e por acaso é um dos melhores da década. Com um som inspirado em Television e The Smiths, o quarteto salta junto com guitarras tocadas de forma limpa e bateria enérgica e forte. E depois há Sue Tompkins, a vocalista saltitante que faz uma mistura louca de Patti Smith e Clare Grogan enquanto ela solta uma torrente de palavras meio ditas por todo o LP. O espírito animado da banda e do álbum, Tompkins tem o hábito de repetir palavras até que sua fonética se atrapalhe e as sílabas se tornem irreconhecíveis; como em “Envoys”, quando ela cospe “sob, solu, solu” até que se torna uma espécie de soluço em si.
Phoenix 'It's Never Been Like That'(2006)
É com muita, muita ironia que o álbum que quebrou Phoenix de banda cult de rock para louco sucesso comercial com o desigual Wolfgang Amadeus Phoenix de 2009 , porque nunca foi assim foi perfeito.
The Strokes 'Is This It' (2001)
Visto em retrospectiva, é fácil odiar os Strokes; dado que eles inspiraram um revival do rock retrógrado no qual caras vestidos com cabelos desgrenhados, calças justas, jaquetas jeans e misoginia casual agiam como se o mundo lhes devesse algo. No entanto, não há como negar que sua estréia é um álbum de rock matador. Para um álbum feito por uma banda sensacionalista que mudou uma década musical, Is This It é, como seu título retórico (leia-se: sem pontos de interrogação) sugere, não afetado e impressionado. Embora as guitarras ruidosas e a seção rítmica push-beat se misturem com a arrogância irreprimível, o tom é realmente definido pelas letras meio cantadas e faladas de Julian Casablancas, que ele entrega com um encolher de ombros indiferente, parte de Lou Reed, parte de Stephen Malkmus.
Vampire Weekend 'Vampire Weekend' (2008)
Essencialmente o equivalente musical de um filme de Wes Anderson – toda herança literária, privilégio beletrístico e ironia engraçada – não é surpresa que a estreia de Vampire Weekend tenha sido alvo de calúnias reacionárias. Duplamente devido ao fato de que o quarteto se baseia fortemente no pop de guitarra da África Ocidental; o frontman Ezra Koenig balançando orgulhosamente aquele som de guitarra alto, brilhante e seco. Essa influência intercontinental leva a alegações de que a banda era ladrões de cultura e aspirantes a Paul Simon; mas eles estão claramente mais informados, zombando da geração “world music” em “Cape Cod Kwassa Kwassa”, onde Koenig canta “isso parece tão antinatural / Peter Gabriel também”, antes de perguntar sardonicamente “Você pode ficar acordado para ver o amanhecer/nas cores da Benetton?”
Dirty Projectors 'Bitte Orca' (2009)
Dirty Projectors passou a década inteira trabalhando sob seu controle, fazendo álbuns incríveis e idiossincráticos que, durante a maior parte dos anos 2000, permaneceram ignorados. Isso mudou com Bitte Orca , de uma forma muito grande. O sétimo LP DP – um grande e irreprimível disco pop de cores vivas e ousadas e composições enlouquecidas – tirou a banda do underground e ganhou os holofotes. Apropriadamente, o set marcou o ponto culminante das muitas variedades, particulares e peculiares cepas da musicologia hipster – orquestração pontilhista, guitarra pop da África Ocidental, sub-graves de R&B retumbantes, polirritmias concorrentes – Longstreth havia se envolvido. para um álbum de emoções constantes; uma alegria absoluta para os amantes de Longstreth de longa data ou neófitos.
Parenthetical Girls 'Entanglements' (2008)
Em seu terceiro longplayer, o Portland's Parenthetical Girls foi totalmente orquestral, criando um conjunto frutado de mini-sinfonias densamente pontuadas e elaboradamente em camadas, inspiradas em folk como Raymond Scott, Scott Walker e Burt Bacharach. As músicas correm com a alegre alegria de uma era distante, suas rajadas aceleradas despreocupadas fazendo piruetas com o tipo de abandono gay geralmente reservado para episódios de Merrie Melodies . Sempre correndo contra o schmaltz orquestrado está o frontman Zac Pennington: seu canto frutado e confuso de gênero; suas letras de dicionário de sinônimos; sua perpétua atração lírica pelo corporal e pelo grotesco. Casando essas palavras com sopros de madeira e cordas zunindo, Entanglements é um casamento inspirado.
Scott Walker 'The Drift' (2006)
Scott Walker , que uma vez pin-up teen-pop se tornou um lendário recluso da vanguarda, avançou ainda mais na escuridão com The Drift . Lançado quando Walker tinha 63 anos, o conjunto mostra uma ousadia geralmente associada à juventude; mas, talvez, tenha sido a sensação de morte cada vez mais próxima que inspirou Walker a mais uma vez jogar a cautela ao vento. Aqui, ele continua explorando os confins dos extremos da música; abraçando o atonalismo, a dissonância, o atrito e o literalismo narrativo bizarro: “Clara” encontra o percussionista Alasdair Malloy socando um lado de carne de porco para convocar o som de cidadãos furiosos batendo nos cadáveres amarrados de Benito Mussolini e sua amante em uma praça de Milão. Faz o conjunto Walker mais extremo, intenso e desagradável até agora.
Antony and the Johnsons 'I Am a Bird Now' (2005)
Muitos registros conceituais foram feitos nos anos 2000, mas apenas um simbolizava a jornada física de macho para fêmea como um filhote crescendo em um pássaro. Apropriadamente, esse único foi o segundo registro do cantor de confusão de gênero Antony Hegarty; um pássaro canoro cujas gaitas soam mais como Nina Simone do que qualquer outro cara que você possa imaginar. Trabalhando, novamente, sob o nome de Antony and Johnsons, Hegarty apresentou um terno conjunto de tochas transgêneros que falavam de transgressão, transformação e ascensão. Ao fazê-lo, a pompa inigualável do pianista era tão totalmente clássica em sua abordagem e crua em sua beleza que você poderia esquecer a lista de convidados das Calças de Couro (Lou Reed, Boy George, Rufus Wainwright) e aprender a amá-la por todas as suas protuberâncias.
Frida Hyvönen 'Until Death Comes'(2005)
Batendo em seu piano com uma ferocidade assustadora, a escultural cantora sueca Frida Hyvönen - um metro e oitenta de lirismo vicioso e honestidade brutal - amarra músicas com verdades desconfortáveis. Em seu álbum de estreia, Hyvönen aparece como uma artista cheia de pecados a confessar e pontuações a serem niveladas. Isso começa com "You Never Got Me Right", dois minutos de barril, barulhento, piano/bashing masculino que golpeia um ex-namorado condescendente. Fica ao lado de “Once I Was a Serene Teenaged Child”, de cair o queixo, cujas referências casuais à anatomia e lembranças desprotegidas da sexualidade nascente são ao mesmo tempo hilárias e chocantes, cantadas e profundas. É um destaque ofuscante: as melhores músicas de um dos melhores álbuns da década.
El Perro del Mar 'From the Valley to the Stars' (2008)
Dos três álbuns da cantora sueca El Perro del Mar, este é, erroneamente, considerado o menos essencial; o segundo álbum difícil ficou entre o pop Brill Building de sua estréia auto-intitulada em 2006 e a discoteca lânguida de Love is Not Pop de 2009. Do Vale às Estrelas vira isso do avesso. Um álbum conceitual, de certa forma, sobre transfiguração, suas letras são inundadas de alegria enquanto sua música soa solene. À medida que as músicas 'ascendem' constantemente, os arranjos perdem peso, até que tudo o que resta é o som sagrado de acordes de órgão quase inexistentes e os sussurros arrebatadores de felicidade de El Perro Del Mar.
The Concretes 'The Concretes'(2003)
Aqui está a estreia deslumbrante de The Concretes: um grupo de garotas ímpias e boas de Estocolmo abrigando – como jams como “You Can't Difficult Love” e “Diana Ross” atestam – um amor sério das Supremes. Arrogando-se como Ronnie e sobrepondo-se a instrumentos como Phil, os suecos evocam o Spector do pop passado com arranjos de parede de som empilhando órgão, harpa, cordas e coros em direção ao céu. O que diferencia sua música de outros revivalistas do R&B antigo é o sentimento inevitável de melancolia; como personificado pela voz triste, estilo Hope Sandoval, de Victoria Bergsman. Anos depois, Bergsman acabaria sendo expulso da banda, e depois encontraria fama como Taken by Trees, mas por um breve momento de 40 minutos, The Concretes foi a melhor banda do mundo.
The Avalanches 'Since I Left You' (2000)
A estreia do Avalanches em 2000 anunciou a década de novo: matando a ironia que reinou nos anos 90 e defendendo as glórias da sinceridade. Ouvindo a triste melancolia inerente a cada disco perdido ou esquecido que eles cortaram, a equipe de Melburnian montou uma tapeçaria de samples romantizados. O resultado, Since I Left You , é um dos melhores da década.
Broadcast 'The Noise Made By People' (2000)
Quando a banda de Brummie Broadcast alegremente chegou em um mar de órgãos modulares, bateria frágil e vocais arrulhando, eles eram sumariamente como um Stereolab de segunda categoria. Felizmente, eles não deixaram que isso os dissuadisse e, quando finalmente chegaram ao seu álbum de estreia – após cinco anos de existência – já eram uma proposta absolutamente única. O brilhante The Noise Made By People foi seguido por Haha Sound e Tender Buttons , mas nenhum deles convocou a mesma magia.
Celebration 'The Modern Tribe'(2007)
A incrível Celebration de Baltimore foi apelidada de “a maior banda do mundo” pela TV no rádio Dave Sitek. Quem por acaso produziu os dois LPs do Celebration nos anos 2000. Mas ele fala a verdade: o segundo set de Celebration, The Modern Tribe é absolutamente emocionante, perversamente comovente e estranhamente mal amado. O trio despojado torna o som escasso poderoso: a percussão ágil e ágil de David Bergander toda cambaleante, impulso propulsivo; As facadas no órgão febril de Sean Antanaitis são assustadoramente delirantes; A pirueta indomável de Katrina Ford em torno desses ritmos insistentes. É música de dança para os desafinados; uma festa iluminando as sombras; uma celebração de viver em tempos sombrios. É, de fato, sem dúvida grande.
The Microphones 'Mount Eerie' (2003)
Criado na remota Ilha Fidalgo, perto da fronteira canadense, Phil Elverum cresceu nas sombras dos imponentes 1.200 pés do Monte Erie. Para ele, era o Monte Eerie, um pico ameaçador e aterrorizante que servia como um lembrete constante da estatura inconsequente do homem diante da natureza. Mount Eerie , de Elverum, é uma ópera indie-rock sobre isso; enviando seu protagonista em uma Odisseia pela montanha mítica, ele se depara com o ambiente manifesto: a terra, o sol e o universo, todos manifestados como seres vivos. Musicalmente, Elverum encena isso como cinco longas seções, construídas em tambores Taiko, baixo distorcido e refrões desbotados, e sobrepostos com sons selvagens – chamadas de baleias, nevascas, vento e chuva – como lembrete da imensidão da natureza.
Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-La-La Band 'Horses in the Sky' (2005)
Silver Mt. Zion —que grava sob um nome em constante mudança que, em seu período mais longo, lê Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra & Tra-La-La Band with Choir— é o projeto paralelo de Godspeed You! O líder do Imperador Negro Efrim Menuck, nascido do desejo de cantar. Em seu quarto LP, Efrim e sua equipe da SMZ estavam cantando. Horses in the Sky apresenta muitos latidos lamentosos, coros comunitários lamentando o destino da carabina humana em lamentos guturais, calorosos e soluçantes. A sinfonia da decadência de Menuck — talvez seu melhor álbum de todos os tempos — toca em temas familiares — amor, amor aos animais, animais mortos, o complexo militar-industrial, gentrificação, comunidade, misericórdia, esperança — como toca algum tipo de Deus em o espaço entre seus (muitos) membros.
Destroyer 'Destroyer's Rubies' (2006)
A discografia estilo Dylan de Daniel Bejar é um labirinto de espelhos; o letrista ágil que é autor de um mundo de canções em constante evolução e fetichizante de nome próprio, no qual as referências líricas desenham teias de conexões entre as faixas de todo o seu catálogo; criando mundos sobre mundos de canções em que suas palavras começam a assumir um poder talismânico. Seu sétimo álbum que definiu sua carreira, Destroyer's Rubies , marcou o ponto culminante do ofício obsessivo de Bejar. Aqui, ele martela suas características familiares - textos líricos literários, hinos exagerados, falsete histérico ao estilo Bowie, piano de acampamento, solos de guitarra ardentes - no conjunto mais instantaneamente impressionante e infinitamente reproduzível de músicas pop agitadas e esterlinas no canhão emaranhado do Destruidor.
Sufjan Stevens 'Seven Swans' (2004)
Os discos 'estaduais' de Sufjan Stevens obtiveram a maior parte dos elogios - inúmeras publicações sugerindo que o irregular e irregular Illinois definiu sua década -, mas claramente seu trabalho mais coerente, cativante e realizado foi esse terno ciclo de canções escrito ao longo de linhas bíblicas. A partir de seu lance de abertura instantaneamente memorável – “Se eu estiver vivo neste momento no ano que vem / Terei chegado a tempo de compartilhar?” – Seven Swans é um álbum que explora a fé no que se refere ao seu autor; Stevens não se contenta em meramente repetir versículos da Bíblia, mas, em vez disso, avalia o valor de sua vida como vivida. Não há a vil presunção do rock cristão, apenas a verdadeira humildade; este apenas um homem e seu banjo (e orquestra ocasional), vagando maravilhados, em busca de iluminação.
Meg Baird 'Dear Companion' (2007)
Em Dear Companion , o violão e a voz de favo de mel de Baird são de uma beleza tão natural e quase ingênua que suas canções parecem vasos de verdade nua e desprotegida.
Diane Cluck 'Oh Vanille/Ova Nil' (2003)
O melhor cantor e compositor americano dos anos 2000 não foi Conor Oberst ou Bruce Springsteen ou qualquer outro cara tocando em estádios, mas uma cantora obscura, avessa à publicidade e reticente em turnês que passou anos queimando seus próprios álbuns CDR e levando-os para Lojas de discos do Brooklyn. Diane Cluck surgiu na cena anti-folk de Nova York, aperfeiçoando suas canções liricamente hábeis e emocionalmente esmagadoras em obras de maravilha gravadas em casa. Quando ela lançou seu primeiro LP devidamente prensado em 2003, Cluck estava no auge de seu jogo. Oh Vanille/Ova Nil a encontra empunhando sua caneta afiada de compositora com desenvoltura; seu uso da linguagem é tão intenso e evocativo que ela redefine o que uma pessoa cantando ao violão é capaz.
Cat Power 'The Covers Record' (2000)
Em 2000, não havia nada que a Cat Power não pudesse fazer. Logo após seu clássico cult, Moon Pix , Chan Marshall provou seus poderes dando vida ao conceito moribundo do disco de covers. A maioria se curva diante do livro de canções do rock'n'roll, mas o de Marshall alegremente subverte as mitologias normalmente escritas em versões cover. Embora ela esteja se envolvendo no panteão – os Rolling Stones, o Velvet Underground, Bob Dylan – Marshall é totalmente irreverente; despojando as músicas de sua arrogância de rock'n'roll -suas próprias identidades essenciais- e criando-as novamente como lamentos sinistros de Cat Power que têm pouca semelhança com suas obras originais. É um trabalho de transubstanciação artística, transformando padrões cansados em melodias nascentes de puro êxtase.
Nikaido Kazumi 'Mata, Otosimasitayo' (2003)
Ouvir Nikaido Kazumi cantar é uma maravilha. Sua voz, caprichosamente chicoteando do sussurro ao lamento, é um instrumento interpretativo incrível de tenor emocional dolorido, conhecido por reduzir os ouvintes – e o intérprete – às lágrimas. Tanto ao vivo quanto gravado, muitas vezes soa como se ela estivesse tentando se conectar a uma parte primordial de si mesma, longe das palavras e da linguagem, comunicável apenas através do som puro. Kazumi nasceu e foi criado em um mosteiro budista na zona rural do Japão e, lá, cantou noite e dia para as estrelas e o sol; eventualmente aprendendo a tocar violão longe dos olhos curiosos da cultura pop. Não é surpresa, então, que seu álbum de estreia inspirador não tenha pontos de referência óbvios; Mata, Otosimasitayo é simplesmente o som da alma de uma mulher.
Rings 'Black Habit' (2008)
Como algum sucessor místico do Odyshape de 1981 dos Raincoats , o Black Habit revela sua maravilha evolucionária em cada música estranha e disforme. As nuvens rodopiantes de bateria, piano e voz de Rings, mergulhadas em eco e giradas em espirais, inicialmente soam como puro caos, apenas para giros subsequentes para revelar formas reconhecíveis e lógica interpretativa; sons que antes pareciam fortuitos começando a parecer muito predestinados, muito místicos, muito significativos para serem atos aleatórios.
Panda Bear 'Person Pitch' (2007)
Person Pitch levanta com boas vibrações, exemplificado pelo refrão exortado de “Comfy In Nautica”: “tente lembrar, sempre/sempre ter um bom tempo”. No entanto, é mais complexo do que um mero bom momento: repleto de felicidade, mas tingido de tristeza, imediatamente acessível, mas distante e misterioso, gloriosamente de verão, mas soando como uma suave e lenta nevasca. É incrível.
Animal Collective 'Merriweather Post Pavilion' (2009)
Depois de anos no deserto musical 'exploratório' tendendo a um culto de crescimento lento, o Animal Collective explodiu na maior consciência da cultura pop com o Merriweather Post Pavilion . O álbum cimentou a reputação do Animal Collective como uma das vozes mais importantes e distintas da música moderna.
Gang Gang Dance 'God's Money' (2005)
Talvez nenhum álbum dos anos 2000 tenha ficado melhor com o passar da década como God's Money . Em seu lançamento, o terceiro álbum dos hipsters do Brooklyn, Gang Gang Dance, era apenas uma ralé delirante; uma mistura remendada de sons cafonas misturados em jams de dança hipnóticas e de pés quentes que se estendiam sobre uma linha nunca antes dividida entre tribalista e futurista, intelectual e baixo, avant-garde e in-da-club. No entanto, com o passar dos anos, começou a parecer um marco: deixando para trás uma litania de roupas impressionantes trabalhando na moda pós-GGD (Crazy Dreams Band, Rainbow Arabia, Rings, Telepathe, These Are Powers, Yeasayer), parece tanto de seu tempo e, ainda assim, de cada vez que você a ouve, como se ela existisse em seu próprio futuro musical mágico.
Boredoms 'Vision Creation Newsun' (2001)
É o álbum mais inesperadamente influente dos anos 2000: a orgia de ruído percussivo que religou e inspirou Gang Gang Dance, Black Dice e Animal Collective. Claro, Vision Creation Newsun não é tanto um 'álbum' quanto é um ritual pagão, um círculo de tambores tribais no qual os Tédios se transformam em estados de transe transcendentes. Essencialmente um único encantamento de 67 minutos, o conjunto persegue implacavelmente um êxtase compartilhado, sustentado e singular. Os tédios enviam torrentes de ruído e circunvoluções de percussão polirrítmica em espiral ascendente, em direção ao céu, em busca de algum tipo de transfiguração musical comunal. É música religiosa para pessoas cuja religião é música; uma verdade profunda e universal para aqueles que buscam iluminação no som.
Otomo Yoshihide's New Jazz Ensemble 'Dreams' (2002)
O conceito de jazz de Otomo Yoshihide não é como estilo, mas como interpretação: sua big band de out-rock empreende reformulações radicais do material dos outros. E, no adequadamente sonhador Dreams , eles começaram a trabalhar em encenações tempestuosas de composições de amigos e colegas de Otomo, incluindo Seiichi Yamamoto do Boredoms e Jim O'Rourke. Em um destaque estridente, o NJE - aqui liderado pelos vocalistas agridoces Jun Togawa e Phew - explode a peculiar e intrigante peça de humor de nove minutos "Eureka" de O'Rourke em 16 minutos de fogos de artifício musicais; passando de um lamento Jun-sung para uma cacofonia de percussão, guitarra, sopros e ondas senoidais. O tributo totalmente extático da banda aos seus contemporâneos é uma antítese inspirada à nostalgia cega do jazz.
Radiohead 'Kid A' (2000)
Na faixa-título de Kid A , a voz de Thom Yorke — até então o instrumento definidor da banda de rock — é distorcida e esticada em um locus de manipulação digital sinistro, escorregadio e de arrebentar o tom; soando, para todo o mundo, como uma frágil canção de ninar cantada por uma delicada placa-mãe. Renascidos como filhos da era do computador, o Radiohead abandonou as guitarras antêmicas e a tag 'próximo U2'; em vez disso, tornando-se, por meio de sua música incansavelmente inventiva e genuinamente inquieta, a banda de estádio do homem pensante.
Björk 'Vespertine' (2001)
Nos primeiros dias da década, quando o Metallicorp estava lutando contra o Napster, o sempre visionário Björk já estava olhando para o futuro. Querendo fazer um álbum que soasse bem depois de sofrer com a compressão digital esmagadora, o ícone islandês construiu um set de vocais secos, harpa quebradiça e padrões de estática eletrônica. Trabalhando com os queridinhos do sampledelic americano Matmos, Björk criou um tipo único de 'exuberância minimalista', onde batidas minúsculas, crepitantes e agitadas tecem cobertores de som fiados de tanta seda sônica. Em cima disso, os vocais ofegantes de Björk entoam cada sílaba com uma intimidade dramática que, mesmo quando sussurrada, carrega um peso emocional monstruoso. O resultado é o melhor registro da carreira deste poderoso artista.
Joanna Newsom 'Ys' (2006)
Quando Joanna Newsom chegou com The Milk-Eyed Mender em 2004, ela praticamente costurou o título de 'álbum da década'. Mas quem diria que seria seu segundo álbum, Ys , que acabaria superando todos os outros. Depois de entregar uma das maiores estreias da história do meio gravado, Newsom de alguma forma conseguiu com seu acompanhamento. Um ciclo de cinco músicas, com uma hora de duração, no qual sua virtuosa harpa tocando e raspando, a voz estridente é amarrada nas orquestrações ornamentadas de Van Dyke Parks, Ys mostra Newsom como um dos compositores mais talentosos que já colocou os dedos na harpa strings, um dos letristas mais idiossincráticos que já colocou a caneta no papel. Esqueça o 'álbum da década': Yspode ser a maior obra de arte do século 21, ponto final.
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