ROCK ART

 

Tom Waits - Bone Machine (1992)

 

Bone Machine (1992)

Tom Waits

Trabalho na mesma empresa há mais de trinta e cinco anos. Juntei-me durante o verão a um grupo de outros adolescentes recém-saídos da escola. Unidos pelo medo do desconhecido e por um instinto de sobrevivência coletivo, nos tornamos muito unidos. Com o passar dos anos, o grupo se dissolveu lentamente. Alguns foram embora, alguns foram transferidos, alguns foram embora – alguns até por vontade própria – mas ocasionalmente, todos esses anos depois, recebo um telefonema. Uma reunião. Um momento para rir, relembrar e contemplar o que aconteceria, mas, o mais importante, um momento para reafirmar a importância daquele grupo estreitamente unido para o nosso futuro individual.

Pensar em meu relacionamento com Tom Waits trouxe essas memórias de volta. Não que Waits seja de alguma forma responsável por moldar quem eu sou, mas porque ele tende a reaparecer em momentos inesperados para me lembrar que ainda está por perto. Nosso relacionamento é casual e esporádico, mas ainda assim importante para isso – e Bone Machine é um encontro e tanto.

Bone Machine é um álbum verdadeiramente incrível. Não de um ângulo clássico e essencial, mas de um ângulo que te derruba, genuinamente perturbador e maluco. Seria exagero dizer que não é para os tímidos, mas tanto a música como as letras são implacáveis ​​na sua determinação de perturbar e impedir o ouvinte de olhar demasiado de perto para dentro de si.

A abertura 'Earth Died Screaming' define o cenário perfeitamente, com um coaxar e um lamento de Waits acompanhado pelo que parece ser um barulho de ossos, como se o diabo estivesse usando uma caixa torácica descolorida como xilofone. Andando por uma rua escura e deserta com isso pingando de seus fones de ouvido, você quase pode sentir uma mão esquelética esperando para bater em seu ombro.

Deste ponto em diante, Waits atrai o ouvinte para um mundo de morte, decadência e condenação que rapidamente se tornaria avassalador se não fosse por sua voz notável. Antes de Bone Machine eu sempre considerei Waits um cantor de nicotina: um contador de histórias observando a vida através de uma névoa de fumaça de cigarro. Como eu estava errado. Aqui ele emprega uma variedade de vozes diferentes, todas tão desequilibradas quanto as outras. Em "Whistle Down The Wind", ele dá uma impressão aceitável de uma foca-touro. "The Ocean Doesn't Want Me" é como Orson Welles lendo um centavo terrível. "That Feel" é Springsteen com a voz revestida de bourbon para um ano ou sofrendo de uma hérnia estrangulada. E quanto a "Dirt In The Ground". Você se lembra do filme Se7en ? O cara na cama morreu lentamente de fome até que seu corpo se tornou pouco mais que uma casca enrugada? Bem-vindo à sua voz seca.

Eu poderia continuar - "Murder In The Red Barn", é o ranger da porta de um celeiro ao fundo ou um corpo balançando em um galho de árvore? "Um pouco de chuva",- mas Bone Machine é um álbum para o qual você precisa deixar sua imaginação criar pesadelos.

Ao longo dos anos, sempre que sou incentivado a dar uma chance a um novo artista, eu infalivelmente almejo seu álbum de estreia. Essa abordagem realmente não funcionou com Waits. Assim como o grupo de amigos que fiz anos atrás, nosso relacionamento não é linear. Esta é uma música para entrar e sair, para deixar de lado sabendo que ela está lá para lhe dar uma injeção no braço, se necessário. Bone Machine é um álbum brilhante. Um gosto adquirido, mas mesmo assim um álbum brilhante. Para mim é o álbum que lança Tom Waits sob uma nova luz sinistra. Não creio que a frequência do nosso relacionamento vá mudar, mas certamente terei que tratá-lo com um pouco mais de respeito.

Pulp - Different Class (1995)

Different Class (1995)

Pulp

Duvido que haja alguém que não tenha experimentado um enxame de emoções pessimistas que distorcem os sentidos, descarregando-os num vazio metafórico onde aparentemente não é possível determinar a direção da sua trajetória de vida; nada está acontecendo e parece que esse efeito é infinito. Isso porque nada acontece . Como conseguimos chegar até aqui é um milagre surpreendente, pelo menos específico para nós mesmos. Tudo ao seu redor está se movendo tão rápida e eficientemente, e você fica perdido, perdido em seu triste vazio de autopiedade, cego demais para detectar quaisquer falhas naqueles que você deseja imitar... Como comentarista social, Cocker detectou o fio defeituoso

em a rede expansiva e decorada de socialites britânicas de classe média e baixa: o estilo de vida que tinham criado, consistindo em festas, drogas, sexo, moda, etc., estava lentamente a desaparecer sob a sua frustração pela sua falta de potencial. Claro, proporcionou uma jornada rápida e fascinante pela adolescência e início da idade adulta, mas se você não conseguisse se livrar de seu conforto barato e emocionante, o futuro seria tão sombrio quanto sua expressão facial depois de acordar no apartamento de uma pessoa aleatória de outra mal- noite acessível na cidade. Cocker e companhia. pode ter inclinado o iceberg para a extravagância em detrimento da austeridade, mas os valores empíricos foram convertidos nos componentes fundamentais para Pulps opus magnum Classe Diferente. A mais chamativa das bandas do Britpop, na minha opinião, Pulp eram renegados derivados da era glam-rock-punk; combinando o estilo suave do primeiro com as opiniões brutais e honestas do último. Posteriormente, o ouvinte pode se deliciar com melodias pop deliciosas que ostentam uma energia incrível e elástica que pulsa ilimitadamente ao longo do número. É quase impossível não ficar viciado no fenômeno auditivo. “FEELINGCALLEDLOVE”, “Common People”, a brilhante “Disco 2000” (perspectivas e a erosão de…) e “Mis-Shapes” são talvez as maiores mostras de dinamites musicais do álbum; explodindo em uma infinidade fascinante de sons depois de desaparecer lentamente, levando ao seu grande espetáculo. Sem ignorar a engenharia única do espetáculo 'space pop' que é “Sorted for E's and Whizz”, completo com suas sensibilidades ao estilo Bowie, certamente afirma o álbum como um dos lançamentos mais diversos e emocionantes da era Britpop. As sexualmente promíscuas “Underwear”, “Live Bed Show”, “Pencil Skirt” e a já mencionada “FEELINGCALLEDLOVE” são aventureiras e atraentes por si só; apertar o botão para questionar as emoções sobre um mundo que parece tão meticuloso; porque às vezes você não consegue o suficiente, às vezes você gostaria de não ter nenhum. E para finalizar a investida do sexo, das drogas e do rock and roll é a sutil mania do penúltimo “Monday Morning”, curvando-se diante do agridoce “Bar Italia”. Esses dois números finais acalmam efetivamente as sensações inquietantes que irradiam das 10 faixas anteriores, todas geladas com as críticas sutis, porém espirituosas, de Cocker aos fenômenos socialmente observados.

É difícil ignorar os três temas comuns de sua música: relações sexuais, drogas e grupos sociais. No entanto, simplesmente classificar o álbum como repetitivo e monótono é um pecado capital; Cocker mergulha e aprofunda cada tema com precisão decisiva; as letras não se restringem àqueles que “estiveram lá” e “fizeram aquilo”, mas sim a uma visão há muito esperada de seu canto do mundo; isto é, os jovens adultos de classe média baixa. No entanto, é a capacidade de Cocker de criar caminhos para a empatia com o ouvinte que efetivamente torna cada música um sucesso lirístico; captando as emoções do ouvinte na ponta angular de suas notas de barítono, sem tornar suas letras muito exclusivas ou peculiares. Certamente não deixei uma parte do meu cérebro num campo em Hampshire; mas a articulação e a enunciação delirantemente encharcadas de Cocker são o fator central na interpretação de como seria deixar uma parte do seu cérebro em Hampshire, recorrendo a experiências abstratas e absurdas suas ou de outras pessoas. Ou talvez saber o que é ser uma pessoa comum; a urgência sutil de transmitir que não é tão bom assim; uma vida de festas e descontração, pois é apenas uma espiral descendente de repetição que acabará por vomitá-lo sem nada para se gabar. Todos nós atingimos esse ponto baixo. Aquela sensação de que nada vai acontecer, independentemente do estilo de vida que você exiba ou se manifeste. Anseio por mais aventura, mas sei que primeiro preciso terminar meus estudos. Obviamente, se eu conseguisse equilibrar meus estudos e empreendimentos, teria alcançado minha meta anual. Estou chegando lá lentamente, felizmente. Eu, pelo menos, acredito que é importante viver uma vida de sentimento despreocupado, desde que você não se torne imprudente e se perca no caminho. É encontrar o equilíbrio certo. Infelizmente para alguns, não há santuário. Porém, para Cocker e companhia, eles tinham sua música, e ainda melhor, porque produziam inúmeras músicas excelentes; mas mais especificamente, um álbum majestoso aqui.

FAIXA(S) PRINCIPAIS: Classificadas por E's e Whizz, Disco 2000, FEELINGCALLEDLOVE, Mis-Shapes, Common People, Something Changed, Underwear

MUSICA AFRICANA

Lebo Mathosa - Incomplete Without (2019)

Lebo Mathosa nasceu em Daveyton, no East Rand. Ela começou a cantar aos sete anos de idade no coral da igreja local. A família Mathosa mudou-se para Joanesburgo , onde Mathosa frequentou a St. Mary's High School. Aos quatorze anos, Mathosa foi descoberta pelo produtor musical Don Laka que a colocou no grupo Boom Shaka. O grupo era composto por outros quatro membros, Thembi Seete, Theo Nhlengethwa e Junior Sokhela.

Boom Shaka se tornou um dos grupos Kwaito de maior sucesso dos anos 90. Seu primeiro single, It's About Time, se tornou um sucesso da noite para o dia. O single virou hino para adolescentes e jovens de todo o país. O grupo ganhou um culto de seguidores e seus álbuns subsequentes foram todos bem. Alguns atribuíram o sucesso dos grupos à imagem altamente sexualizada e aos movimentos de dança de Mathosa e Seete. As duas mulheres foram criticadas por suas roupas escassas e movimentos de dança sensuais, enquanto outras ficaram fascinadas por isso. As duas mulheres podem ser creditadas por apresentarem um estilo totalmente novo de dança, moda e estilos de cabelo para adolescentes em meados dos anos noventa.

Em 1999, apesar do sucesso de Boom Shaka, Mathosa seguiu carreira solo. Seu primeiro álbum solo, intitulado Dream, ganhou disco de ouro semanas após seu lançamento. O álbum lhe rendeu o prêmio de melhor álbum de dança e de melhor vocalista feminina no South African Music Awards (SAMA) de 2001. Seu próximo álbum, Drama Queen, teve o mesmo sucesso, ganhando também um SAMA de Melhor Álbum Dance. Embora fosse principalmente cantora, Mathosa também tentou atuar e apareceu na novela local Muvhango .

Entre 2004 e 2006, Mathosa atingiu o auge do que seria sua curta carreira e vida. Ela liderou as paradas em 2004 e também fez história quando foi indicada na categoria Melhor Artista Africano dos prêmios Music of Black Origin (MOBO) do Reino Unido. Uma de suas apresentações mais memoráveis ​​foi na festa de 85 anos de Nelson Mandela . No dia 23 de outubro de 2006, Mathosa viajava com seu motorista quando perdeu o controle do carro, fazendo com que colidissem com uma árvore. Diz-se que ela morreu instantaneamente.

Carlos Borges - Ami é Bu Fan (2019)

ROCK ART

 

“Canções Praieiras” (Odeon, 1954), Dorival Caymmi

Foi através do seu inesquecível violão e da sua voz poderosa que Dorival Caymmi cantou para o mundo a cultura e as tradições da Bahia, sua amada terra natal. Da culinária baiana à religião, das lendas e mistérios aos lugares paradisíacos da Bahia, passando por personagens do cotidiano baiano como a baiana do acarajé e o pescador, todos esses elementos representativos da Bahia serviram de fonte de inspiração para Dorival Caymmi construir a sua obra.

Dentro desse universo musical de Caymmi, a temática praieira se tornou uma marca muito forte dentro da obra do cantor baiano. Poucos artistas na música brasileira cantaram com tanta maestria o mar e com tanta verdade a vida praieira como Dorival Caymmi. O fato de ter nascido numa cidade litorânea como Salvador, ajudou Dorival a ter uma fonte rica de referências para ele compor canções falando da vida dos pescadores, de suas esposas, das lendas e da vida difícil de quem tira o seu sustento da pesca no mar.

Filho de um funcionário público e de uma dona de casa, Dorival Caymmi nasceu em Salvador, Bahia, em 30 de abril de 1914. Seu sobrenome Caymmi veio do bisavô paterno, um italiano que migrou para Salvador para trabalhar nos reparos técnicos no Elevador Lacerda, ainda na sua antiga versão, em meados da segunda metade do século XIX. O pai de Caymmi era músico amador e a mãe gostava de cantar.

Durante a adolescência Caymmi trabalhou na redação do jornal O Imparcial, de Salvador, depois trabalhou como vendedor de bebidas. Aos 19 anos, Dorival aprendeu a tocar violão com seu pai e com um tio. Em 1934, começou a carreira artística se apresentando na Rádio Clube da Bahia e, quatro anos depois, já estava deixando Salvador para tentar a sorte no Rio de Janeiro, então capital do Brasil e onde se concentravam as grandes emissoras de rádio, as gravadoras e os grandes dos artistas do país.

No Rio de Janeiro, Dorival Caymmi consegue um emprego na redação de O Jornal, do grupo Diários Associados e, no mesmo ano, torna-se atração fixa da Rádio Tupi. No mesmo ano, consegue um contrato com a gravadora Odeon. A fama começa a chegar para Caymmi em 1939, depois que Carmen Miranda (1909-1955) grava uma canção de sua autoria, “O Que É Que A Baiana Tem?”, incluída no filme Banana da Terra, do diretor Wallace Downey (1902-1978), e que se torna um enorme sucesso naquele ano.

Dorival Caymmi, em início de carreira, ao lado de Carmen Miranda e Assis Valente,
na Rádio Mayrink Veiga, no Rio de Janeiro. 

A carreira de Caymmi decola nos anos 1940 com uma sucessão de lançamentos de discos em 78 rotações por minuto, trazendo sambas inspirados na Bahia e canções praieiras que se tornaram grandes sucessos como “O Mar”, “É Doce Morrer No Mar”, “A vizinha do lado” e “Samba da Minha Terra”. No final dos anos 1940, Caymmi começa a se dedicar também ao samba-canção, causando uma certa estranheza à crítica, já que o cantor estava consolidado com seus sambas alegres e suas canções praieiras. O samba-canção “Marina” foi um grande sucesso em 1947, e mostrou que Caymmi também tinha habilidade para compor e cantar canções nesse gênero.

Entre 1949 e 1952, Caymmi não lança nenhum disco, apenas faz apresentações em boates, que se multiplicavam no Rio de Janeiro naquela época após o fim dos cassinos por decreto do governo federal. Era o declínio das orquestras, e ascensão dos quartetos ao estilo jazzístico. Caymmi no entanto, apresenta-se apenas com a sua voz e violão, o que acabaria influenciando a bossa nova que estava por vir.

Após tantos discos de 78 rotações lançados e com uma carreira consolidada, finalmente Dorival Caymmi lança em 1954 o seu primeiro LP (long playing), Canções Praieiras, aos 40 anos de idade. O LP era uma novidade no Brasil naquela primeira metade dos anos 1950, era o mais novo e avançado formato de mídia musical naquela época, por caber mais músicas e ter uma qualidade sonora superior aos discos de 78 rotações que traziam apenas duas músicas e uma qualidade de áudio inferior.

Lançado pela gravadora Odeon, Canções Praieiras foi lançado como LP de dez polegadas e com oito canções. E como sugere o título, é um álbum que reúne canções com temática praieira. O repertório do álbum é formado por canções compostas e gravadas por Caymmi nos anos 1940, algumas delas gravadas também por outros artistas. Porém, para o álbum Canções Praieiras, Caymmi as regravou e desta vez apenas com voz e violão. A única canção até então inédita era “O Bem do Mar”.

Embora seja um disco bastante simples, só à base de voz e violão, Dorival Caymmi conseguiu imprimir dramaticidade nas canções e criar toda uma sensação que leva o ouvinte a imaginar as cenas retratadas pelos versos como se estivesse vendo um filme.

O álbum começa ao som do violão e do assobio tranquilo de Caymmi que dá início à canção “Quem Vem Pra Beira do Mar”. A linha melódica da canção parece simular o movimento do “vai e vem” da água do mar na beira da praia.

A canção seguinte, “O Bem do Mar”, é sobre os dois amores da vida de um pescador, segundo Caymmi: a esposa e o mar. O bem de terra, como diz a letra é a esposa do pescador, a mulher, a companheira que o acompanha quando ele parte para o mar, e a mesma que o aguarda na beira da praia esperando-o voltar de mais um dia de pesca. O bem do mar é o lugar de trabalho do pescador, é de onde ele tira o sustento da família, e que em algumas situações, arrisca a própria vida para garantir esse sustento.

O mar e os pescadores foram algumas das grandes inspirações para
o cancioneiros de Dorival Caymmi. 

As canções praieiras de Caymmi falam de vida, de amores, de pesca, mas também falam de morte e de tragédia. “O Mar”, que já havia sido gravada antes por Dorival em 1943, é uma canção bonita, mas ao mesmo tempo muito triste. Versa sobre o pescador Pedro, que costumava se lançar à noite ao mar com seu barco para pescar e só retornava no raiar do dia. Contudo, num certo dia, Pedro não voltou. Seu corpo foi encontrado numa praia distante do arraial onde morava, roído pelos peixes. A morte de Pedro não deixou apenas o arraial triste, mas também Rosinha de Chica, a mocinha que era apaixonada por ele.

“Pescaria” (também conhecida como “Canoeiro”) retrata o trabalho árduo e repetitivo dos pescadores. Dorival imprime um ritmo veloz no andamento da música e no seu canto para ressaltar o processo repetitivo e cansativo do trabalho dos pescadores. “É Doce Morrer No Mar” é outra canção antiga de Dorival, gravada por ele 1943, e que reaparece neste disco numa nova gravação. É outra canção triste e misteriosa, em que um marinheiro saiu no seu saveiro à noite, e na madrugada, a embarcação voltou sozinha, sem o seu dono. O marinheiro teria sido levado para as profundezas do mar por Iemanjá. 

Desaparecimento e tristeza também marcam os versos de “A Jangada Voltou Só”, canção que foi gravada anteriormente por Caymmi em 1943, e regravada pelo artista para este álbum. “A Jangada Voltou Só” é sobre os pescadores Chico Ferreira e Bento, que partiram com sua jangada para pescar, mas misteriosamente, a jangada voltou sem os dois pescadores. O canto pausado e grave de Caymmi acentuam o tom melancólico e funesto dos versos.

Em “A Lenda do Abaeté” Caymmi canta os mistérios e lendas sobre a famosa lagoa de águas escuras cercada de areia branca e que povoam o imaginário do povo baiano. O álbum termina com “Saudade de Itapoã”, canção que apresenta em versos o poder mágico e sedutor da Praia de Itapoã, em Salvador, que na época em que foi gravada, ainda guardava toda a aura de um lugar paradisíaco.

Após a simplicidade de Canções Praieiras, Dorival Caymmi lançou em 1955 o seu segundo álbum, Sambas, um disco que já traz arranjos mais robustos, recheados de orquestrações e conjunto vocal. Mas é justamente a simplicidade e a elegância do violão de Caymmi em Canções Praieiras que irá direcionar e influenciar os futuros caminhos que a música brasileira iria trilhar.

Faixas

Todas de autoria de Dorival Caymmi

Lado 1

01 – “Quem Vem Pra Beira do Mar”

02 – “O Bem do Mar”

03 – “O Mar”

04 – “Pescaria (Canoeiro)”

Lado 2

05 – “É Doce Morrer no Mar”

06 – “A Jangada Voltou Só”

07 – “Lenda do Abaeté”

08 – “Saudade de Itapoã”

“Quem Vem Pra Beira do Mar”

 “O Bem do Mar”

 “O Mar”

 “Pescaria (Canoeiro)”

“É Doce Morrer no Mar”

 “A Jangada Voltou Só”

 “Lenda do Abaeté”

 “Saudade de Itapoã”

 

"Revolver" (1966), The Beatles

 

No último dia 05 de agosto, completaram-se 50 anos de lançamento do álbum Revolver, um dos meus álbuns preferidos dos Beatles. No Reino Unido foi lançado naquela data, nos Estados Unidos, no dia 08. O sétimo álbum dos “Fab Four” prosseguiu o experimentalismo iniciado pelo quarteto em Rubber Soul (1965).

Revolver é inovador, ousado e mostra os Beatles mais maduros artisticamente, com uma visão musical ampliada e com capacidade de unir num mesmo álbum a vanguarda e canções com apelo pop. A música erudita de vanguarda de John Cage e Karlheinz Stockhausen, a música indiana, o jazz e o pop negro da Motown foram referências para a concepção de Revolver.

Os Beatles na foto da contracapa de Revolver

O álbum traz inovações no campo das técnicas de gravação e manipulação sonora como os vocais em ADT (Artificial Double Tracking), técnica especialmente criada para os Beatles pelo engenheiro de gravação da EMI inglesa, Ken Townshend; microfones enfiados dentro de instrumentos de sopro, violoncelos e bateria; gravações de guitarra de trás pra frente emais tantas outras novidades.

As experiências dos Beatles com drogas como maconha e LSD, serviram como recursos de expansão criativa que acabaram se refletindo nas letras e nos arranjos de algumas faixas. “Got To Get You Into My Life" é uma disfarçada ode à maconha. A psicodélica "Tomorrow Never Knows" descreve uma “viagem” de ácido lisérgico. A psicodelia e as referências ao LSD prosseguem em “She Said She Said” e "Doctor Robert".

Revolver não se resume a rock psicodélico. O pop barroco está presente no álbum através das faixas "Eleanor Rigby" e "For No One", ambas uma evolução natural de “Yesterday”, compostas por Paul McCartney. "Love You To", de George Harrison, mostra o músico cada vez mais focado na cultura indiana. A aventureira "Yellow Submarine", cantada por Ringo Starr, agradou em cheio o público infantil e serviu de tema para um desenho animado dos Beatles.

Capa inicial criada por Robert Freeman.

Algo que também fica claro em Revolver é que Paul McCartney e George Harrison se mostram mais inspirados como compositores. Harrison, que aparece com três músicas, consegue aos poucos, a cada disco, ter mais espaço como autor frente à hegemonia Lennon-McCartney.

O sétimo álbum dos Beatles tinha como nome provisório Abracadabra . O fotógrafo Robert Freeman, o mesmo que fez as fotos das capas de With The Beatles, Beatles For Sale e Rubber Soul, até havia feito a arte da capa do novo álbum. Porém, a banda reprovou a arte e decidiu mudar o nome do disco para Revolver, fazendo alusão a rotação, movimento, e não a arma como muitos pensam. E o novo título era bem condizente ao novo momento em que o quarteto estava vivendo.

Esboços da capa de Revolver e o
criador Klaus Voorman

Com a mudança para o novo título, a banda recorreu ao designer gráfico alemão Klaus Voormann, velho amigo dos Beatles desde a época em que o quarteto fazia temporadas em Hamburgo, Alemanha, no começo dos anos 1960. O artista fez vários esboços, e a concepção final foi um trabalho que uniu desenho e colagem de fotografias dos Beatles feitas pelo fotógrafo Robert Whitaker. A arte foi logo aprovada pelos Beatles e Brian Epstein, empresário da banda.

Revolver significou para a crítica especializada da época, o mais alto patamar alcançado pelos Beatles e difícil de ser superado pela banda. Isso até o lançamento do álbum seguinte, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, em 1967. Mas isso é uma outra história.

"Eleanor Rigby"

CRONICA - BRIAN JOHNSON & GEORDIE | Keep On Rocking (1989)

 

Geordie é um grupo de glam rock popular nos anos 70. Um grupo afogado entre outros do mesmo gênero, seu único feito notável é que Brian Johnson (futuro você sabe quem) foi o cantor de 1972 a 1980. As gravadoras perceberam a coisa certa já que agora é especificado em todos os lugares “apresentando Brian Johnson, vocalista do AC/DC” em cada reedição dos álbuns do grupo e as compilações às vezes até colocam mais ênfase no nome do cantor como nome do grupo.

Tudo começou em 1981 com o lançamento do álbum Brian JOHNSON & Geordie (menor) que, olhando a capa, parece um álbum solo de Brian Johnson mas é apenas uma compilação de faixas dos 3 primeiros álbuns do grupo, remixadas. + duas faixas gravadas em 1980, pouco antes de Brian entrar no AC/DC.

Em 1989, uma gravadora obscura lançou Brian JOHNSON & Geordie: Keep on Rocking , pensamos, mais uma vez, em mais uma compilação capitalizando o cantor do AC/DC e aí, surpresa, grande surpresa até. Na verdade, os 12 títulos aqui oferecidos são regravações.

Em comparação com os originais, as guitarras estão mais avançadas, a bateria bate como nunca antes, os efeitos nos vocais foram removidos (estranho) destacando a voz como a conhecemos, partes de teclado foram adicionadas (espero que gostem), outras peças são completamente reorganizadas e encurtadas (homem mercenário, três metros de altura). Os títulos soam mais hard rock/rock clássico (continue arrasando, não é igual a uma mulher…), veja AOR musculoso (você consegue, espero que goste, te dou até segunda…) do que glam rock. As peças ganham uma potência que a produção dos anos 70 não lhes conseguia conferir. As faixas são muito boas, retiradas principalmente do primeiro álbum (8 faixas incluindo dois singles lançados ao mesmo tempo) e dos dois seguintes (nenhuma faixa do 4º onde Brian cantou apenas em 3 faixas). Temos realmente a impressão de que os músicos e Brian se conheceram em 1989 para regravar essas 12 faixas e no final temos um ótimo álbum que pode ser ouvido com certo prazer.

Agora vamos falar sobre as coisas que são irritantes.
As 12 faixas foram regravadas, mas não há como saber quando são as sessões e quem está tocando, não está indicado em lugar nenhum, nem mesmo está especificado que as peças são novas versões. Quanto ao desvio de uma versão, encontramos informações que são as da compilação de 1981: os diferentes estúdios de gravação e a lista dos músicos do Geordie de 1973 a 1977 e os do Geordie II de 1978 a 1980 (quando Brian tentou relançar o grupo com novos músicos). Mas não parece corresponder em nada a este álbum já que a nova produção ou a nova mistura (à sua escolha) soa muito 80' e rejuvenesce terrivelmente estas gravações. Em termos de encarte, também é uma porcaria "Produzido por Ellis Elias" (produtor histórico do grupo) na capa, "Produzido por Phil Radford & Pete Yellowstone" no CD e finalmente "Produzido por Ellis Elias, Phil Radford & Pete Yellowstone” na versão em vinil, que inclui todas as informações (músicos, local de gravação, etc.) da compilação de 1981, aumentando a confusão.

Vamos terminar com a capa (que parece muito pirata com uma foto de qualidade razoável de Brian (e seu eterno boné) do período AC/DC) onde diz BRIAN JOHNSON & Geordie com um Geordie escrito em fonte tão pequena que beira a ridícula, capa que pelo seu amadorismo e pelo seu minimalismo cheira bem, não é cara, vendida num hipermercado num caixote do lixo por 3€.

É uma pena, a capa e o encarte interno realmente mereciam algo diferente de algo feito às pressas. Por causa disso, esperamos uma compilação de baixo custo e perdemos uma compilação muito boa.

Resumindo, apesar de uma capa pouco apelativa, se vir esta compilação, não hesite um momento, compre.

Títulos:
1. Keep On Rocking
2. Can You Do It
3. Black Cat
4. Natural Born Loser
5. (Ain’t It) Just Like A Woman
6. Strange Man
7. Hope You Like It
8. Mercenary Man
9. Fire Queen
10. Give You ‘Till Monday
11. Ten Feet Tall
12. Going Down (ST. James Infirmary)

Produção: Ellis Elias ou Phil Radford e Pete Yellowstone.

CRONICA -ANDERSON, BRUFORD, WAKEMAN, HOWE | ABWH (1989)

 

1988, Jon ANDERSON deixa o grupo YES por não suportar o lado comercial que a música do combo leva. Depois de umas curtas férias na Grécia com seu amigo Vangelis, ele decidiu contatar seu ex-cúmplice guitarrista do YES: Steve HOWE. Juntos, eles começarão a compor para o que deveria ser basicamente um álbum solo de Jon, depois Rick WAKEMAN se junta ao projeto e finalmente Bill BRUFORD se junta a esses ex-companheiros, trazendo consigo seu cúmplice do KING CRIMSON: Tony LEVIN para tocar baixo e o que foi deveria ser um álbum solo transformado em um projeto de grupo. Com 4 ex-YES, o grupo gostaria de ser chamado de YES, mas Chris SQUIRE, baixista do grupo e dono do nome (com Alan WHITE e Steve HOWE), recusa e até os ameaça com processo se usarem o nome de seu antigo grupo para sua publicidade e até mesmo em entrevistas ¹ . Depois de quase se autodenominarem 'The Affirmative' e depois 'No', eles decidiram se autodenominar 'ANDERSON, BRUFORD, WAKEMAN, HOWE' (ABWH, para abreviar). O álbum foi lançado em 1989 e, para resumir, aqui temos o álbum do YES que esperávamos, ou seja, rock progressivo de alto nível. Esquecidos os desejos comerciais do SIM original, voltamos ao progressivo.

Desde a primeira faixa "Themes", encontramos uma introdução de piano/sintetizador, depois chega a bateria eletrônica do BRUFORD e bate (um pouco demais na verdade), depois a voz do YES - uh desculpe Jon ANDERSON - chega e redescobrimos a atmosfera específico para uma peça do YES: solo de teclado, parte de guitarra característica de HOWE, em suma, estamos em terreno familiar. “Fist Of Fire” é o mesmo com WAKEMAN em todos os lugares. Chega a primeira longa peça do álbum, a excelente “Brother Of Mine”, como lembrar ao mundo em menos de 11 minutos quem manda ² , calma 1ª parte, notas de sintetizador, piano, percussão, guitarra, um belo solo da voz de Steve e Jon ANDERSON que paira sobre tudo. A 3ª parte é mais lúdica com seu refrão cantado, 3ª parte escrita com Geoff DOWNES, ex-tecladista do ...YES, enfim um título com atmosferas que cheiram ao YES dos anos setenta, só faltando o baixo tão característico de Chris SQUIRE . “Birthright” também brinca com ambientes com início calmo, violão, sintetizadores, percussão depois uma segunda parte da música que irrita, riff de guitarra, ritmo tribal do BRUFORD, solo de teclado que apimenta tudo.

“The Meeting” que se segue, ainda é uma peça calma apenas com os sintetizadores e o piano de WAKEMAN que acompanha o canto de ANDERSON, o que nos leva à longa peça “The Quartet” que começa com o violão antes da chegada dos sintetizadores, percussão e sempre A voz de Jon. Mais uma peça cheia de atmosfera, não vemos os 9 minutos passando. A peça mais Yessiana do álbum. “Teakbois” e sua música jamaicana/caribenha não é uma das minhas favoritas, uma música muito longa, muito repetitiva, enfim, não comece assim para descobrir o álbum. O álbum termina com uma terceira peça longa (9 minutos), a muito boa “Order Of The Universe”, sintetizador avançado, ritmo sustentado, guitarra mais agressiva (mas muito atrás na mixagem). “Let's Pretend” encerra o álbum com um dueto acústico: Steve HOWE/Jon ANDERSON, uma peça escrita com Vangelis que mais uma vez cheira a YES.

Resumindo, este álbum é mais parecido com o que esperamos de um álbum do YES do que com o YES da era mais amigável ao rádio. Apesar destes bons momentos o álbum não atinge o nível dos clássicos dos anos 70, mesmo que continue a ser um bom disco (muito melhor que Tormato ), "Teakbois" impede-me de o colocar no mesmo patamar. Nós apenas lamentamos a ausência de Chris SQUIRE, que teria ampliado todas as peças dessas partes mágicas do baixo. Tony LEVIN é um excelente baixista, mas tem uma falha: ele não é Chris SQUIRE. A produção de Jon ANDERSON é muito boa, apenas o som da bateria eletrônica de BRUFORD envelheceu mal. Depois que o disco falha (pior para o próximo), nem sempre sabemos quem está tocando o quê, porque há músicos adicionais que tocam partes de guitarra, partes de sintetizador, programação de percussão, etc. Vamos lembrar que é basicamente um álbum solo de Jon ANDERSON no qual seus 3 ex-amigos foram adicionados ao longo do caminho, o que certamente explica isso.

¹ O que não impediu Chris SQUIRE de levá-los a tribunal em Maio de 1989, para impedir qualquer utilização do nome 'YES' durante concertos, anúncios e entrevistas. Foi demitido alguns meses depois. ² Ao mesmo tempo, PINK FLOYD fez sucesso em todo o mundo com A Momentary Lapse Of Reason.

Títulos:
1. Themes (Sound/Second Attention/Soul Warrior)
2. Fist Of Fire
3. Brother of Mine (The Big Dream/Nothing Can Come Between Us/Long Lost Brother of Mine)
4. Birthright
5. The Meeting
6. Quartet (I Wanna Learn/She Gives Me Love/Who Was the First/I’m Alive)
7. Teakbois
8. Order of the Universe (Order Theme/Rock Gives Courage/It’s So Hard to Grow/The Universe)
9. Let’s Pretend

Músicos:
Jon Anderson – voz, violão, percussão, harpa
Bill Bruford – bateria, percussão
Rick Wakeman – teclados
Steve Howe – guitarra elétrica e acústica, lap steel guitar, backing vocals
+
Tony Levin – baixo
Milton McDonald – guitarra rítmica
Matt Clifford – teclados, programação, orquestração, coros
Deborah Anderson, Tessa Niles, Carol Kenyon, Frank Dunnery, Chris Kimsey: coros
Emerald Isle Community Singers, Montserrat: coros
Joe Hammer: programação de percussão

Produzido por: Jon ANDERSON e Chris KIMSEY