“MOVING PICTURES” E A CONSAGRAÇÃO ABSOLUTA DO RUSH

 

 

Na minha coleção de discos, tenho um espaço reservado para 25 discos que marcaram algo especial em mim. Não só são postos de lado para encontrá-los mais facilmente - devido à escuta incansável - mas também porque mudaram algo em mim. Entre os álbuns de King Crimson, Genesis, Area, Banco, Neu!, Tool, UK, Harmonium e Dream Theater (entre outros) há um, apenas um do  Rush :  Moving Pictures .

A obra culminante do trio canadense, e uma das entregas magistrais não só do rock progressivo, mas do rock em geral. Então, sem sobrenomes. Um disco que mal levou dois meses para ser certificado como disco de ouro e 10 semanas como disco de platina. Com o tempo, eles adicionariam mais três platinas. Na verdade,  Moving Pictures,  até o momento em que este livro foi escrito, continuava sendo o álbum mais vendido do Rush.

Raramente o sucesso comercial cria laços tão fortes com a qualidade de um álbum. Moving Pictures  está, sem dúvida, entre esse punhado de obras abençoadas.

Fundo de imagens em movimento

Embora Rush tenha gravado o álbum no  Le Studio  (Quebec) entre outubro e novembro de 1980, o trabalho de composição em  Moving Pictures  demorou um pouco mais. Na verdade, o Rush tornou-se uma máquina perfeitamente calibrada para compor algumas de suas peças durante a extensa turnê de seu álbum anterior,  Permanent Waves . A tal ponto que aproveitaram até testes de som para desenvolver o icônico “YYZ”. Esta operação quase ascética permitiu que Rush desse a volta por cima e lançasse  Moving Pictures  apenas 13 meses após seu trabalho anterior. Mesmo com os atrasos durante a masterização. Digno da relojoaria suíça!

O título obedece a um paradoxo oposto a  Permanent Waves , seu álbum antecessor. Na verdade, “pinturas que se movem” é uma ideia que se opõe a essas “ondas permanentes”. Embora  Permanent Waves tenha, sem dúvida, estabelecido uma base importante no grupo. Um estilo de fazer músicas mais concisas se comparado ao que vinham fazendo desde  2112 . Em  Moving Pictures , Rush amadureceu, destilando-se gota a gota, num filtrado que derramava a sua essência mais genuína. Um elixir que, sem a pretensão do  rock progressivo mais clássico  , continha o equilíbrio perfeito para ser apreciado por milhões de pessoas em todo o mundo.

Seu título está perfeitamente retratado na capa, um dos mais reconhecidos do rock. Esta capa é obra de  Hugh Syme , que brinca com a contradição estática/dinâmica de forma simples: pinturas artísticas sendo transportadas. Nelas, vemos um retrato de Joana D'Arc queimada – uma possível alusão à música “Witch Hunt” -, uma mesa de pôquer com cachorros brincando e, mais atrás, o emblemático “Starman” de  2112 .

Deborah Samuel  foi quem tirou a fotografia, na frente do Legislativo de Ontário, no Queens Park, em Toronto. Ela também é a Joana D’Arc que aparece na capa. Do lado direito, encontramos um grupo de pessoas entusiasmadas com estas pinturas. Tão impressionada que uma delas deixa cair a sacola de compras! Embora isso não tenha sido preparado. Nem Syme previu que essas pessoas, de ascendência russa, chegariam usando chapéus de pele de urso. Aproveitando a roupa e a bolsa caída, Syme pediu à mulher que olhasse as pinturas com um olhar triste e ela tirou o lenço. Tudo isso definitivamente deu a emoção precisa à fotografia final.

Músicas de Moving Pictures

Sua primeira música, Tom Sawyer , tornou-se especialmente famosa  , inspirada no romance de  Mark Twain , embora adaptando a letra aos tempos modernos. A canção cristalizou a inspiração mundana que  Neil Peart havia assumido , que se moveu em detrimento da mitologia e das referências abstratas que assolaram sua escrita até  Hemispheres . Musicalmente, além disso, "Tom Sawyer" propôs uma composição simples, tão radiofônica quanto "The Spirit of Radio" em si.

A letra desta música é uma colaboração entre o poeta Pye Dubois e o próprio Peart, originalmente chamada de “Louie the Warrior”. Embora o livro de Twain também tenha sido estudado por  Geddy Lee  e  Alex Lifeson , o espírito aventureiro de seu protagonista tocou as fibras de Peart, que pegou os versos originais de Dubois e acrescentou versos que permitiriam "a reconciliação do menino e do homem". Assim, apresentam-nos liberdade e aventura através da formação da identidade individual, em grande parte definida pela forma como nos vemos e como as outras pessoas nos veem. Entendemos, finalmente, que ambas as noções não precisam coincidir.

Esta mensagem, de profundo alcance filosófico, é exibida por trás de uma cortina de hard rock bastante direto. O início, com sintetizador OB-X, reforça o ar moderno que o grupo queria imprimir nas letras, enquanto a voz de Geddy Lee transita com desenvoltura entre oásis instrumentais em 7/8. Especialmente importante é a ponte onde Lee diz  “The world is, the world is love and life are deep” , fornecendo tanto uma necessária resolução temática como uma ligação à melodia inicial.

Resumindo, Rush criou uma delícia auditiva. Um verdadeiro hino do rock!

Por sua vez, em  Red Barchetta , Neil Peart mistura três de suas paixões: música, carros esportivos e literatura. Uma experiência cinematográfica captada numa atraente peça rochosa de uma história distópica em que é proibida a condução de veículos motorizados. A letra é baseada em uma história que Peart leu na revista Road and Track, chamada  A Nice Morning Drive , de  Richard S. Foster .

No âmbito desta proibição (“Lei Automóvel”), um agricultor, tio do protagonista, tinha guardado a sua velha  Ferrari Barchetta vermelha , em perfeito estado. Ele cuidou dele como um filho mimado. No passeio de domingo, o protagonista leva o carro, enquanto a música e a letra detalham cada sensação da velocidade que atinge. Em sua caminhada, ele encontra duas modernas e enormes viaturas policiais, deixando-as para trás graças a uma ponte de mão única. Uma aventura arriscada, cuja adrenalina é transmitida através de uma narrativa que assume arestas visuais, e cujo som é baseado em harmônicos perfeitos fornecidos por Lifeson e linhas poderosas de  Rickembacker  de Geddy Lee .

Depois desta aventura, surge uma peça ainda mais vertiginosa: a instrumental  YYZ . Mais um ápice na criatividade musical do Rush, que utiliza um código Morse utilizado pela IATA (International Air Transport Association), que estabelece um código de três letras para cada aeroporto do mundo. YYZ  (-.– -.– –..) corresponde ao identificador do Aeroporto Internacional de Toronto, que fornece uma inspiração local abstrata a uma peça que, no final das contas, fez balançar cabeças em todo o mundo.

O ritmo sincopado do código, porém, é apenas a introdução, evidenciando posteriormente toda a capacidade criativa do grupo. Geddy Lee e Neil Peart brilham em partes iguais, numa faixa repleta de breaks e texturas. Lifeson, por sua vez, adiciona algumas linhas de guitarra tecnicamente muito difíceis no meio da música, enquanto atrás delas são ouvidos sinos de vento que produzem um som de quebra ou estrondo. A vertigem que percorre esta peça, muito concisa em comparação com “La Villa Strangiato”, é avassaladora. Meu favorito pessoal do álbum, que não consigo ouvir sem repetir.

Segue-se o roqueiro  Limelight , retratando a frustração de Peart com a fama e sua consequente perda de privacidade. Na verdade,  os holofotes  eram dispositivos antigos nos palcos do teatro, usados ​​para iluminar o artista principal de cada cena, fazendo com que o público concentrasse sua atenção. Na verdade, ser o centro das atenções não tinha sido fácil para o grupo até então, especialmente para Neil Peart. Apesar de tê-la escrito, ele parece deixar Alex Lifeson como o centro das atenções aqui, tanto pelo riff principal quanto pelo solo maravilhoso e delicado com que pontua.

The Camera Eye  é a faixa mais longa do álbum. O único do álbum a ultrapassar 10 minutos, e o último do Rush a fazê-lo desde então. Dedicada às cidades de Nova Iorque e Londres, esta canção retrata a primeira como uma cidade vertiginosa, mas que perdeu a sensibilidade. Alusões como “rostos hermeticamente fechados” esclarecem isso. Londres, por sua vez, parece uma cidade desgastada, mas orgulhosa. Contudo, ambas as cidades são vistas como locais onde as possibilidades podem ser muitas. Musicalmente, ganha força gradativamente nos primeiros minutos, dando origem a mais um grande solo de guitarra de Lifeson.

O álbum continua com  Witch Hunt , onde agradecemos a participação de Hugh Syme nos sintetizadores. Essa música oferece um sentimento sombrio em sua letra, uma escuridão que fica muito bem acompanhada pela música. Seu início já é bastante descritivo: sons sombrios que são seguidos de gritos (gravados pelo próprio grupo, enquanto bebiam uísque fora do Le  Studio ) que exclamam, frases ameaçadoras, raivosas. Assim como o brilho das tochas de uma horda ilumina o céu noturno, essas vozes parecem se aproximar lentamente do ouvinte, até que entra o riff de Lifeson.

Um tema como a caça às bruxas só pode colocar o preconceito como conceito articulador. O preconceito, na lógica de Rush, leva ao medo, e este, por sua vez, ao controle social. Conceito hoje infelizmente atual, aliás, em que vemos diferentes manifestações de violência e agressividade sistemática. As redes sociais, certamente, contribuíram ainda mais para um sentimento que transcende gerações: o medo como veículo de controle sobre as pessoas.

O ritmo lento facilita essa sensação, que encontra o sintetizador reforçando a escuridão da música durante os refrões. Witch Hunt  acabaria por se tornar a primeira música a fazer parte da série de peças dedicadas às diferentes expressões do medo. Entre eles, encontramos também "The Weapon" (do álbum  Signals ), "The Enemy Within" (de  Grace Under Pressure ) e "Freeze" (de  Vapor Trails ).

"Rush fecha  Imagens em Movimento  com  Sinais Vitais " . Essa música incorpora  batidas de reggae , em linha com o que The Police fazia na mesma época. O reggae já havia aparecido em "The Spirit of Radio"), embora aqui seja mostrado com arranjos instrumentais bem mais leves se comparado ao que Rush costumava fazer. Isso representou uma espécie de transição em direção ao som que viria nos álbuns subsequentes, o que deixou muitos fãs confusos. As letras surpreendentemente otimistas aumentaram esse sentimento. O próprio Neil Peart reconheceu que tiveram que trabalhar muito nessa música ao vivo para que o público pudesse adquirir o gosto que Rush esperava. Afinal, eles a posicionaram para fechar o álbum, justamente, para que fosse tomada como uma música de transição. E é claro que eles conseguiram!

O lançamento de  Moving Pictures  trouxe uma extensa nova turnê para  o Rush , compreendendo 79 datas somente nos Estados Unidos. A fama mundial bateu à sua porta, mesmo com o lamento de Peart pela privacidade. Com este álbum, Rush também fechou um ciclo de álbuns altamente progressivos (pelo menos desde  2112 ). Em sua busca constante, o grupo exploraria novos horizontes desde então, o que só fortaleceria seu status como uma das grandes bandas de rock de todos os tempos.