ANALISANDO “ZARATUSTRA” DO MUSEO ROSENBACH (1973)

 

 

Zarathustra  é o álbum de estreia da banda italiana  Museo Rosenbach , lançado em abril de 1973. Pela sua música e pelo conceito que aborda, é imperdível para quem gosta de  rock progressivo  italiano . Embora o álbum seja atualmente considerado um álbum cult, na época foi tristemente mal compreendido, o que significou o fim do grupo, poucos meses após seu lançamento. Felizmente, e tal como aconteceu com várias bandas italianas dos anos 70, o grupo regressou depois de quase duas décadas, regressando mesmo para lançar material novo.

Devido ao seu status de culto, Zaratustra do Museu Rosenbach não merece apenas uma simples crítica canção por canção. Por isso, resolvi investigar um pouco mais, para poder apresentar uma análise mais completa de sua obra.

Fundo

O Museu Rosenbach foi formado em 1971 na cidade de Bordighera (no coração do Golfo de Gênova), a partir da fusão de duas bandas. De um lado, três integrantes do  La Quinta Strada:  Giancarlo Golzi  (que mais tarde faria parte do  Matia Bazar ), o guitarrista  Pit Corradi  e o tecladista  Alberto Moreno . Por outro lado, dois integrantes do  Il Sistema , de onde chegaria o guitarrista  Enzo Merogno , e Leonardo Lagorio, que sairia rapidamente.

Uma vez fundido, o grupo adota o nome de  Inaugurazione del Museo Rosenbach . Seu nome se referiria ao  Museu e Biblioteca Rosenbach  nos Estados Unidos, e dedicado ao antiquário Abraham Rosenbach. 

Assim, foi formado provisoriamente como um quarteto. Terminado Zaratustra , e em busca de um vocalista,  chegaria Stefano "Lupo" Galifi , saindo da Inauguração do Museu Rosenbach como quinteto.

A Preparação de  Zaratustra

O álbum foi composto pelo baixista e pianista Alberto Moreno. Para isso, baseou-se em vários conceitos centrais da obra de Friedrich Nietzsche, inspirados em seu livro “Assim falou Zaratustra”.

Em 1972 a banda ingressou na  gravadora Ricordi , famosa no cenário italiano. Naquele mesmo ano, eles abreviaram seu nome para “Museu Rosenbach”. A gravadora colocou  Cesare Monti , destacado designer da época, como responsável pela arte do álbum. Na verdade, ele se encarregou dos covers de bandas como PFM, Banco, Fórmula 3, Perigeo ou Area, entre muitas outras.

Monti concebeu um design que poderia muito bem ser inspirado no estilo de  Giuseppe Archimboldo  (embora este seja apenas o meu palpite). Construindo um rosto por meio de colagem, utilizou recortes de fotografias. Entre essas imagens aparece o rosto de Benito Mussolini.

Esta última seria uma decisão que traria muitos problemas para a banda. A imprensa e, portanto, também o público, ficaram chocados ao ver esta imagem. Com uma Itália ferida depois de uma guerra cujas cicatrizes ainda não tinham sarado, incluir esse número foi uma jogada muito ousada. Embora seu objetivo inicial fosse provocar, isso significou uma série de obstáculos. Foram até censurados pela rede de televisão RAI, por considerar que o grupo elogiava o fascismo.

Conceito e canções de  Zaratustra

No livro, Zaratustra era um homem extremamente sábio, que vivia afastado da sociedade. Mas ele estava repleto de tanto conhecimento que sentiu a necessidade de compartilhá-lo com o mundo.

Esse conhecimento apontou para a construção de um super-homem. Ou seja, um homem livre de todos os vínculos morais, que lhe permitiriam criar, olhar para o futuro, amar a si mesmo e a tudo o que é real. Mas, acima de tudo, um homem capaz de construir a sua própria moral. Isso foi possível através de uma filosofia focada no ser humano, na sua virtude e no seu próprio aperfeiçoamento.

O álbum é composto por quatro peças. A primeira é  Zarathustra , faixa homônima de 20 minutos, que ocupa todo o lado A do álbum. Esta peça está dividida em cinco partes.

O primeiro deles é  L'Ultimo Uomo . Quando Zaratustra desce da montanha, encontra um santo, que dedicou sua vida a Deus. Essa faixa, justamente, parece incorporar esse diálogo. A voz inicial, de volume muito baixo, seria a do santo, enquanto a que aparece depois seria a de Zaratustra.

Com efeito, a voz baixa diz “sua história está no eco das montanhas/ alta demais para descer até nós/ em seu caminho eterno não há o que você persegue . ” Após um breve corte instrumental, surge uma voz mais firme, que responde “sombra miserável, reflexo vazio de si mesmo/ não precisa entender a força que me empurra a buscar no mundo ” .

Esta última frase aponta diretamente para o propósito de Zaratustra: que o ser humano deixe de se preocupar com o divino, para se concentrar no seu próprio mundo e em si mesmo. Surgem teclados enérgicos, adornados com linhas de guitarra elétrica e bateria fantástica e fluida, de Golzi.

A segunda parte,  Il Re di Ieri , começa com um piano solene embelezado por Mellotron e Hammond, formando uma atmosfera sombria. O aparecimento do sintetizador desencadeia a melodia principal, em que uma voz baixa parece responder a Zaratustra. Esta voz ordena-lhe que siga o caminho de Deus.

Aqui aparece outra mudança repentina, novamente com uma demonstração de energia liderada pela guitarra elétrica e Hammond. Zaratustra, com voz poderosa, duvida da crença e apela ao amor à própria terra. Assim, estabelece-se mais uma vez a oposição entre o amor ao mundo supraterrestre (da moral religiosa) e ao mundo terreno (de Zaratustra).

A música termina com uma bateria mais jazzística, com pulsação ágil que leva à terceira parte:  Al di là del Bene e del Male  (além do bem e do mal). Esta peça representa o choque de ideias entre Zaratustra e o povo. As vozes de Merogno e Golzi representam o povo, que sustenta que “só o homem, longe de Deus, não pode construir a sua própria moral ”, num ritmo 3/4.

Após uma mudança para 5/4, Zaratustra responde, pela voz de Lupo: “da moralidade que você criou nada surgirá / cego no dogma da sua fé, você perde a escolha da liberdade” . O sintetizador pega a melodia inicial, após a qual uma curta seção quente é emendada. Embora as linhas de hard rock e rock sinfônico sejam rapidamente retomadas, as quais precedem a próxima parte.

Aqui muda abruptamente para 4/4, com um início onírico. Seu título é  Superuomo , com uma riqueza melódica e rítmica muito ampla. Mesmo no final da música, a faixa parece renascer, após um breve silêncio.

Este silêncio é extremamente importante, pois representa a necessidade de acabar com todas as crenças anteriores, para aspirar a este super-homem. O grande número de variações que seguem abaixo representam, então, a criatividade que só esse super-homem poderia alcançar. 

A quinta e última parte de  Zaratustra  é intitulada  Il tempio delle Clessidre . Um instrumental com menos de dois minutos de duração, que se baseia na melodia de "L'ultimo Uomo". Esta repetição pode muito bem representar a noção de eterno retorno, a circularidade típica da filosofia de Nietzsche.

O lado B do álbum começa com  Degli Uomini . Nesta peça, com linhas amplas de hard rock progressivo com nuances sinfônicas, o Museu Rosenbach expressa o declínio da humanidade que Nietzsche viu através de Zaratustra. Um declínio marcado pela guerra e pela autodestruição humana, proveniente do desprezo entre as pessoas.

Esta peça desaparece lentamente, para dar lugar a  Della Natura . Aqui temos hard rock progressivo envolto em elegantes toalhas de mesa de jazz. O trabalho de bateria de Golzi é impressionante em suas brincadeiras e movimentos, enquanto linhas de baixo notáveis ​​se desdobram. O resto da instrumentação assenta na predominância da guitarra e dos teclados (principalmente Hammond e Mellotron), e num trabalho lírico e vocal de grande expressividade.

Esta peça faz uma interpretação livre da concepção de natureza de Nietzsche. Para o filósofo, isso é representado de forma dionisíaca, como um corpo, como o “aqui e agora”. A letra reafirma essas ideias, que criticam a moral religiosa que imbui o ser humano do medo da vida após a morte, limitando-o. Isso pode ser visto em versos como  “O terror, grávido de magia, devolve à mente a face da morte ” .

Por outro lado, a visão física e concreta da realidade prevalece na mesma letra:  “Acredito e sinto. Isto é liberdade, um rio, o vento e esta vida . ” O necessário renascimento do ser humano como criança também é representado quando nos dizem  “Esta noite nasce um bebê: sou eu ” . O fade out com que esta música termina não obscurece em nada a mestria musical que ela nos dá.

Museu Rosenbach fecha Zaratustra com  Dell'Eterno Ritorno . Entrando com um riff forte, no primeiro minuto mostra-nos quatro melodias diferentes, até que entra a voz de Lupo Galifi com fraseado irregular mas eficaz. O ritmo ágil é quebrado por alguns versos curtos e mais cerimoniais, nas duas primeiras estrofes. Depois, alguns versos de música erudita em formato rock formam uma cortina para versos que apenas abordam a ideia de eterno retorno.

Porém, é a marcha até o fim que contém os versos mais expressivos. “Mas quantas vezes mais o mesmo sol me aquecerá? / Mas quantas noites mais cantarei para a mesma lua?” . Estas perguntas são respondidas imediatamente: “ Eu morro, sem esperar que algo nasça, que algo mude ” . Com efeito, a ideia do eterno retorno visa, em Nietzsche, que o ser humano se desfaça do seu passado, para olhar para o seu futuro. Mas o seu futuro na terra, não na vida eterna.

A vida, assim, é construída pelo próprio ser humano, que mergulha num turbilhão reflexivo que o leva continuamente ao mesmo ponto. O álbum termina com um final majestoso, típico de uma grande sinfonia clássica.

Quanto à sua música, o som do Hammond e do Mellotron são decisivos. E apesar de apresentar uma clara influência do Banco del Mutuo Soccorso , bem como vestígios de ELP e King Crimson , atinge completamente o seu som característico. Tudo isso estabelece  Zaratustra  como uma das obras mais aclamadas e importantes da cena progressista, tanto italiana quanto internacional.

Assim, o Museu Rosenbach consegue, em Zaratustra , um álbum repleto de noções sobre a liberdade humana. Algo, aliás, absolutamente distante do suposto fascismo sob o qual foi interpretado na sua época, e que limitou o sucesso do álbum. Mas, acima de tudo, um álbum que trouxe com maestria os aspectos filosóficos de Nietzsche para a música. E com isso não me refiro às letras, que interpretam muito bem seus pensamentos. Mas, sobretudo, ao jogo de silêncios e vozes que, sobretudo na faixa homónima, expressam musicalmente a história do sábio profeta do livro.