Um artigo anterior neste blog contou a história do trio de Keith Jarrett nos anos de 1967-1972 com Charlie Haden e Paul Motian. A parte posterior dessa história incluiu gravações do trio com o saxofonista tenor Dewey Redman no álbum Expectations. Retomamos a história após o lançamento desse álbum, quando Redman se juntou formalmente à banda, tornando-a um quarteto – amplamente conhecido como Keith Jarrett's American Quartet.
Em 1972, logo após o lançamento de Expectations, a Columbia Records dispensou Keith Jarrett, liberando-o para assinar com a Impulse! Records, a subsidiária de jazz da ABC. A gravadora era famosa por suas gravações de John Coltrane na década de 1960, e durante o final da década de 1960 e início da década de 1970 ainda estava conectada a Coltrane com lançamentos póstumos de sua música e gravações de músicos associados a ele, incluindo Pharoah Sanders, Alice Coltrane e Archie Shepp. No final de 1972, esses músicos se mudaram para outro lugar e a Impulse estava procurando por novos talentos.
Em uma jogada brilhante do empresário de Jarrett, George Avakian, o contrato com a Impulse incluiu uma cláusula de "exceções de exclusividade" que permitiu ao pianista lançar vários tipos de projetos em outras gravadoras. O contrato dizia: "Keith teria permissão para terminar seu atual álbum de 'música séria' para a ECM (a maioria das músicas que ele compôs sob a Guggenheim Fellowship), mas ele pode querer fazer gravações semelhantes durante o prazo de seu contrato com a ABC." Essa gravação 'séria' foi lançada pela ECM Records como o álbum duplo In The Light, apresentando composições para cordas, metais, violão, piano e percussão. A cláusula permitiu que Jarrett tivesse uma carreira de gravação dupla ao longo da vida do quarteto americano, gravando álbuns de piano solo e outros projetos na gravadora ECM.
O grupo americano agendou dois compromissos de uma semana no Village Vanguard em Nova York em janeiro e fevereiro de 1973. O segundo deles rendeu o primeiro álbum para Impulse! e a única gravação ao vivo da banda para o selo. O clube foi um local de gravação ao vivo favorito para muitos artistas de jazz ao longo dos anos. Apesar de seu formato estranho de uma sala estreita com tetos baixos, tinha uma ótima acústica, capturada em muitas gravações clássicas de Sonny Rollins, Bill Evans, John Coltrane e outros.
A banda está em ótima forma neste álbum, especialmente na longa faixa-título Fort Yawuh, que demonstra a capacidade da banda de se mover perfeitamente entre diferentes estilos musicais e estados de espírito. Dewey Redman apresenta o Mussete chinês no meio da faixa, e alguns de vocês também podem notar o som discreto de um triângulo. Isso nos leva ao tópico de um quinto crédito naquele álbum, o de Danny Johnson na percussão. Quem foi Danny Johnson, você pergunta? Charlie Haden fornece a resposta: “Danny Johnson é um grande, grande pintor, e um grande amigo, e alguém que estava em TODOS os shows, e um dia ele de repente pediu para se sentar conosco no Village Vanguard. Keith perguntou: 'O que você toca?' 'Triângulo!' disse Danny Johnson. Keith disse que sim e Danny desceu com um grande tapete oriental e sentou-se como um tocador de cítara com seu triângulo. E essa foi a noite em que gravamos Fort Yawuh.” O pintor, amigo de artistas de jazz, incluindo Charles Lloyd, antigo empregador de Keith Jarrett, fará participações adicionais nas gravações do quarteto e também em um álbum de Dewey Redman em 1973.
Neste ponto, Keith Jarrett estabeleceu uma vida dupla de turnê e gravação, alternando entre seu trabalho com o quarteto e piano solo. Um mês após gravar Fort Yawuh, ele gravou uma série de recitais improvisados de piano solo na Alemanha, lançados pela gravadora ECM como o conjunto de três LPs Solo Concerts: Bremen/Lausanne. Mais tarde no ano, o quarteto tocou em vários locais nos EUA como parte de um pacote turístico organizado pela Impulse, apresentando sua lista de artistas, incluindo Gato Barbieri, Paroah Sanders e Alice Coltrane. Uma gravação do quarteto está incluída no álbum Impulse Artists On Tour, lançado em 1974.
Em novembro de 1973, o quarteto fez uma série de shows na Europa, incluindo uma rara performance capturada em filme em Berlim, Alemanha, durante o festival Berliner Jazztage (Berlin Jazz Days), mais tarde conhecido como Jazzfest Berlin. Nesse ponto, eles foram acompanhados por um percussionista genuíno, Guilherme Franco, que havia gravado anteriormente com McCoy Tyner e Archie Shepp. Aqui está uma versão diferente do Fort Yawuh gravada como um quinteto neste evento:
O quarteto viajou para o Japão no início de 1974 para tocar em locais nas principais cidades, e em fevereiro daquele ano gravou seu primeiro álbum de estúdio para a Impulse. Acompanhado por Guilherme Franco, Treasure Island foi gravado em dois dias. A faixa-título apresenta Sam Brown na guitarra, uma melodia melódica que foi tocada por Keith Jarrett como bis em alguns de seus shows solo em 1975.
Uma faixa favorita daquele álbum é Fullsuvollivus (Fools Of All Of Us), uma ótima peça de conjunto com excelentes solos de Jarrett e Redman. E, claro, aquele sino de Danny Johnson.
O quarteto se apresentou regularmente em 1974, com muitos shows acontecendo nas costas oeste e leste dos EUA e no Canadá. Em outubro daquele ano, eles entraram em estúdio de gravação novamente e, em dois dias, cortaram material suficiente para dois álbuns. O primeiro a ser lançado dessas sessões foi Backhand, um álbum menos conhecido na discografia da banda. Foi lançado em CD apenas no Japão e, finalmente, foi incluído no boxset Keith Jarrett The Impulse Years 1973-1974.
O álbum seguinte, Death and the Flower, é um dos destaques da discografia da banda. A faixa-título lateral encontra o pianista também tocando flauta e tambor osi (uma forma de tambor de língua de madeira afinado).
O pianista Kenny Werner escolheu esta faixa ao analisar a música de Keith Jarrett para o JazzTimes: “A banda de Redman, Haden, Motian e o percussionista Guilherme Franco foi minha favorita durante boa parte dos anos 70. Eles tocam ritmo e sons por seis minutos inteiros antes de entrarem na balada mais linda e dolorosa, Death and the Flower. Eles então entram em um groove cru no qual Redman reinterpreta as mudanças. Como acontece com muitas das composições e estilo de tocar de Jarrett, ele capturou meu coração de uma forma que ninguém mais conseguiu.”
Hora de apresentar o produtor dos álbuns que o quarteto gravou para o Impulse em 1973 e 1974, Ed Michel. Passando o início de sua carreira na costa oeste, ele aprendeu a arte da produção musical no selo Pacific Jazz. Mais tarde, ele se mudou para Nova York e se tornou assistente do produtor Orrin Keepnews na Riverside Records. Ele se juntou à ABC, empresa controladora do Impulse, em 1969 e produziu muitos álbuns para o selo até sua saída no início de 1975. Falando sobre a gravação do quarteto, ele disse: "Keith é um dos caras que é um prazer gravar. Ele sempre soube o que queria fazer e era uma banda de trabalho composta por músicos brilhantes. Era uma banda onde quase qualquer tomada era boa o suficiente."
A sessão que rendeu Death and the Flower foi uma das últimas para a gravadora. Ele relembra a sessão e uma faixa em particular: “Tem uma música que ele faz — é um dueto com Charlie Haden — 'Prayer'. Eles tocaram, e eu pensei, 'Jesus, essa é boa.' Keith disse, 'Vamos fazer outra.' Eu disse, 'Com certeza.' Eles fizeram outra. Keith tocou um solo ainda melhor, e então quebrou. Parou em cerca de cinco minutos. E eu disse, 'Bem, nós temos a primeira. Não tem problema. Por que não fazer mais uma só por diversão porque está indo tão bem?' A terceira foi a tomada. Quando estou dando uma aula de produção, às vezes eu faço isso nas escolas, eu toco isso como um indicador de 'Não pare só porque é bom.'”
Aqui está Prayer, um dueto com Jarrett e Haden, uma das peças mais melódicas e melancólicas do repertório de Keith Jarrett:
Uma coisa que veio com aquela banda foram personalidades muito fortes, uma tarefa nada fácil para o líder da banda lidar. Keith Jarrett tinha o maior apreço pelos dons musicais dos membros de sua banda, mas ele teve que encontrar uma maneira de escrever para eles: “Tinha que haver uma maneira de fazer Dewey não tocar em mudanças, para que Charlie não tocasse vamps para sempre (embora, quando ele quisesse tocar um vamp, não houvesse ninguém que os tocasse melhor do que Charlie). Mas Charlie sempre quis desafiar a tônica e desafiar o acorde que ele está tocando. Ele nem sempre vai tocar a raiz. 'Sinto muito, não vou tocar essa maldita raiz. Não me importa o que você pensa.' E então, de vez em quando, ele tocava a raiz tão lindamente que você simplesmente dizia, bem, essas são escolhas que ele está fazendo, não vou estragar isso.”
Mas a música se beneficiou dessas personalidades fortes no grupo, como Jarrett sabia muito bem: “Charlie não depende das ideias de outra pessoa sobre o que é música. Ele tem as suas próprias. Eu sou obsessivo, ele é obsessivo, Paul é obsessivo. Esses são os caras com quem eu quero tocar. No ponto em que você está prestes a enlouquecer é o ponto em que a música começa a acontecer.”
1975 começou com uma atividade frenética de concertos solo para Keith Jarrett na Europa, rendendo o famoso álbum icônico The Köln Concert. Também digno de nota é a gravação de outro favorito em seu catálogo da ECM, o álbum Arbour Zena com Jan Garbarek, Charlie Haden e uma orquestra sinfônica. Mais de um ano se passou antes que o grupo entrasse em um estúdio de gravação novamente, para uma sessão de 3 dias em outubro de 1975, e novamente eles gravaram material suficiente para dois álbuns: Shades and Mysteries.
A abertura de Shades é a faixa Shades of Jazz, demonstrando a habilidade da banda de balançar com o melhor deles. Mas não por muito tempo, pois a tendência dos músicos de embarcar na improvisação de forma livre leva a música para uma direção diferente na metade do caminho. Ouvindo essa faixa anos depois, Paul Motian comentou: “Isso está acontecendo por causa de como estamos tocando, estamos tocando do que Dewey está tocando. Começamos com o tempo de swing, e então a música começa a se separar do tempo de swing e vai em outras direções, e então, no que me diz respeito, simplesmente se desfaz. E então começamos a tocar livremente.”
Você notará o quão alto Paul Motian está na mixagem dessa música. Jarrett comentou sobre esse aspecto de suas gravações no Impulse: “Eu adorei porque eu também era baterista, então eu sabia que o que Paul estava fazendo era tão brilhantemente correto para essa situação que eu nunca diria uma palavra sobre isso. Eu nunca poderia imaginar dizer a Paul, 'Paul, você está tocando muito alto.' Aqui estava um cara que provavelmente estava esperando por isso, durante toda a coisa das vassourinhas com Bill. Bill não queria que ele usasse baquetas.”
O álbum Mysteries apresenta outro ótimo conjunto de composições de Keith Jarrett. Charlie Haden discutiu a música que Jarrett escreveu para a banda em uma entrevista: “Eu acho que algumas das melhores músicas feitas naquele período saíram daquele grupo. Keith sempre foi sua própria pessoa, com ideias originais como líder. Keith escreveu especificamente para nós, primeiro para o trio e depois para o quarteto. Eu adorei. Ele apareceu em todos os ensaios e passagens de som com novas músicas. É incrível quando você repete uma nova música em uma passagem de som e mal pode esperar para tocá-la naquela noite, já que ela já parecia 'você'. Especialmente as coisas dos anos do Impulse.”
Uma música fantástica do álbum é Everything That Lives Laments, começando com uma melodia parecida com uma oração, seguida por um interlúdio de Charlie Haden e então na música propriamente dita. Solos excelentes de Dewey Redman aqui. Keith Jarrett relembrou sobre tocar com Redman: "Quando ele estava ligado, ele definitivamente estava ligado. Ele tinha medo de ser incompetente para tocar acordes. E uma noite, estávamos tocando uma das minhas peças, na qual ele nunca toca acordes. E de repente eu percebi, espera, ele está tocando esses acordes, e não só está tocando neles, é como se ele tivesse feito isso a vida inteira. Foi a única vez que isso aconteceu. E nós saímos do palco, e eu disse a Dewey, 'Que diabos... o que foi isso, cara!' Ele disse, 'Bem, Don Byas morreu hoje. Eu simplesmente senti o espírito de Don.' Sim. Ele tocou a merda dos acordes. Ele simplesmente tocou como se nunca tivesse tido problemas com acordes na vida.”
Um elo interessante entre a gravadora ECM e as gravações do quarteto para a Impulse é o engenheiro de som Tony May, o engenheiro de som de Manfred Eicher quando uma gravação da ECM era feita em Nova York. Tony May foi o engenheiro de som de todas as gravações do quarteto para a Impulse, um total de 7 álbuns. Os créditos de engenharia de Tony May podem ser encontrados em alguns dos melhores álbuns da ECM do período, incluindo o primeiro álbum Return to Forever de Chick Corea, Conference of the Birds de Dave Holland e Timeless de John Abercrombie. Ele se ramificou do idioma jazz para ser o engenheiro de som de muitos álbuns fantásticos, incluindo Moondance de Van Morrison, gravado em 1969 e lançado em 1970. Os dois álbuns seguintes do quarteto de Keith Jarrett foram gravados para a ECM, mas não com Tony May, pois foram gravados na Europa.
Chegamos a 1976, o ano mais prolífico para a banda em termos de produção de gravações, mas também o mais tumultuado. Infelizmente, no final daquele ano a banda se desintegrou, mas antes de chegarmos a esse ponto, temos mais quatro álbuns pela frente.
Os dois primeiros foram gravados para o selo ECM e lançados depois que Keith Jarrett encerrou seu contrato com a Impulse Records. Em abril de 1976, a banda entrou no Tonstudio Bauer em Ludwigsburg e gravou o álbum The Survivor's Suite. Este é um álbum único na produção da banda por uma série de razões. É o único que o quarteto gravou para a ECM em um estúdio de gravação, beneficiando-se do lendário som da ECM.
O álbum não tem os momentos frenéticos que muitos dos álbuns do grupo alcançam, às vezes, quando parece que cada músico está puxando para uma direção diferente. A música soa mais composta e tocada em velocidade lenta a média. O álbum é dividido em duas partes longas, cada uma ocupando um lado inteiro do LP. Aqui está um gostinho da primeira parte Beginning:
Em uma entrevista com Stuart Nicholson em 2009, Jarrett contou esta história sobre a música que foi escrita para o álbum: “Toda a música de The Survivor's Suite foi escrita especificamente para o Avery Fisher Hall em Nova York, porque eu sabia que tocaríamos lá, acho que foi ao lado de Monk como parte do festival (o quarteto tocou naquele local em 3 de julho de 1975 em um show compartilhado com o Oregon e o quarteto de Thelonious Monk). Eu sabia, por tocar no Avery Fisher Hall muitas vezes, que o som não era preciso o suficiente no palco para tocar andamentos rápidos, o som ficava borrado – então decidi escrever a música para aquela noite. Então havia uma justificativa para isso, mas acho que muito poucas pessoas diriam: 'Você conceberia, Sr. Jarrett, escrever para um salão específico?' Eu provavelmente diria: 'Não.' Mas a resposta está no fato de que eu sabia que o salão era muito ruim para certos tipos de coisas e se você ouvir The Survivor's Suite, notará que não há andamentos rápidos.”
E uma seção da segunda parte, Conclusão:
A banda gravou mais um álbum para a ECM um mês depois, mas dessa vez foi uma experiência de gravação completamente diferente para Jarrett. Por algum tempo, ele teve que aturar o atraso de Dewey Redman. O saxofonista sempre se atrasava para os ensaios, mas dessa vez isso impactou uma situação de apresentação ao vivo. Em maio de 1976, a banda se apresentou no Theater am Kornmarkt em Bregenz, Áustria, uma noite gravada para a ECM, que mais tarde seria lançada como o álbum Eyes of the Heart. Jarrett naquela noite: "A longa introdução de piano em Eyes of the Heart? Não era para estar lá. Eu tive que continuar tocando porque um dos outros caras não estava no palco quando deveria estar!"
O culpado? Você adivinhou. Jarret continua: “Dewey Redman tem uma melodia em um determinado momento, então ele não tem, então ele tem um solo. Bem, Dewey tocou a primeira melodia e então saiu do palco. Eu pensei que ele estava trocando sua palheta ou algo assim. E então quando sua próxima entrada veio, ele não estava no palco. Enquanto isso, eu estava tentando encontrar uma maneira de vampirizar por tempo suficiente para que ele pudesse encontrar seu caminho de volta ao palco. Depois eu disse a Dewey, 'a propósito, por que você saiu do palco?' E ele respondeu, 'Oh, eu só fui pegar uma taça de vinho.' Esta também não era uma situação de clube!”
3 minutos na faixa Jarrett começa a vampirizar, enrolando por 7 minutos até Redman aparecer no palco, para aplausos completos, nada menos. De alguma forma, tudo se encaixa. Esta banda soou bem mesmo quando estava matando o tempo. Aqui está uma seção do lado 2:
O grupo completou uma turnê europeia em maio de 1976 e isso foi basicamente tudo para suas apresentações ao vivo. Keith Jarrett se concentrou pelo resto do ano em concertos de piano solo e uma curta turnê pelos EUA e Canadá para tocar a música Arbour Zena ao vivo. Ele sabia que a banda estava chegando ao fim, mas ele tinha mais dois álbuns para entregar ao Impulse e reservou três dias de gravação em outubro de 1976. Desta vez, ele adotou uma abordagem diferente para gerar material para as sessões: "Eu queria encontrar uma maneira musicalmente válida, uma da qual eu não me arrependeria mais tarde, de obter energia e terminar o trabalho - e isso era dar a todos os outros a oportunidade de escrever."
O primeiro álbum a ser lançado dessas sessões incluía música escrita principalmente por Paul Motian, que se destacou na ocasião e entregou os produtos. O talentoso baterista era o mais fácil de se trabalhar dentro da banda, como Jarrett comentou: "Paul Motian era versátil: ele tocou com Arlo Guthrie, Mose Allison e com os músicos mais livres que já ouvi."
Nos dois anos que antecederam essas sessões, Motian lançou dois álbuns pela gravadora ECM, Conception Vessel e Tribute, consistindo principalmente de suas composições. Jarrett ficou satisfeito com o que o baterista trouxe para a sessão: “Paul, de todas as pessoas, estava sempre escrevendo músicas. Gosto das coisas dele. Ele era um bom baterista porque entendia de composição. Muitos bateristas são bons bateristas porque têm alguma compreensão de ritmo. Paul tinha um amor inato pela música.”
Aqui está um bom exemplo de sua escrita, a faixa-título de Byablue:
O segundo álbum a ser lançado dessas sessões, Bop Be, composto principalmente de composições de Dewey Redman e Charlie Haden. A lembrança de Keith Jarrett dessa vez é bem diferente: “Quando pedi para os outros caras escreverem algo para o álbum Byablue, cara, isso exigiu arrancar dentes para conseguir material. Eu tinha a sensação de que isso era algo que eles estavam esperando que acontecesse o tempo todo. E então, quando finalmente se tornou possível, eles não se apresentaram.”
É importante lembrar que na época Redman e Haden tinham o hábito de consumir substâncias que dificultavam sua confiabilidade, tornando muito difícil para um líder de banda gerenciar. Jarrett lembra: “Eu era como o gerente de estrada, e eu estava dirigindo esses caras por aí, e Charlie estava chapado o tempo todo, e Dewey estava bêbado o tempo todo, e Paul estava sóbrio o suficiente... Se eu não tivesse Paul como um aliado, eu provavelmente estaria em uma instituição mental. Ornette estava nos bastidores uma vez, e ele veio até mim e disse: 'Primeiro de tudo, Keith, você tem que ser negro. Eu não me importo com o que você diz. Você está tocando música de igreja, cara.' E então ele disse: 'Como você mantém Charlie e Dewey em sua banda por tanto tempo?' Porque ele os tinha. Ele obviamente sabia que em todos os lugares que pousássemos Charlie iria procurar um hospital. E Dewey iria procurar um bar.”
Ainda assim, com todas essas travessuras acontecendo no fundo, Bop Be inclui uma das músicas mais memoráveis de Charlie Haden. Esta é a primeira vez que foi gravada, mas certamente não será a última, e todas as performances dela ao longo dos anos em vários álbuns de Charlie Haden são ótimas. Aqui está a versão original de Silence do Bop Be:
Em 1974, Keith Jarrett começou a trabalhar com um grupo de músicos escandinavos no que viria a ser conhecido como o Quarteto Europeu. Eles gravaram o álbum Belonging em 1974 e por um tempo foram conhecidos como a banda Belonging. O grupo incluía Jan Garbarek nos saxofones, Palle Danielsson no baixo e Jon Christensen na bateria. Uma banda fantástica por si só, e muito diferente em estilo e personalidade de sua contraparte americana. Jarrett refletiu sobre sua motivação para trabalhar com aquele grupo diante das personalidades fortes do grupo do outro lado do oceano: “Havia uma relutância no grupo americano em fazer uma declaração muito óbvia – era como tentar se afastar da obviedade, que durante uma certa era do jazz era o ideal de como tocar. Não toque mais ninguém, toque apenas você mesmo. Mas de certa forma isso é impossível. Não há momento em que você está sempre tocando apenas você mesmo. De certa forma, era disso que se tratava o grupo Belonging. Foi um alívio do grupo americano.”
Como qualquer coisa boa, a banda americana teve que chegar ao fim. Na época de sua última gravação em estúdio, Keith Jarrett tocava junto com Charlie Haden e Paul Motian por quase uma década, e com Dewey Redman por mais de 4 anos. Jarrett não tinha ilusões sobre um grupo de pessoas conseguir ficar junto por tanto tempo: “A banda americana era a democracia: quatro individualistas radicais dispostos a tocar juntos. Cada um achava que seu trabalho era fazer exatamente o que queria, e nesse contexto eu sempre tive consciência de permitir o máximo de liberdade possível para cada pessoa fazer isso. Cabia a mim encontrar uma maneira de continuarmos tocando juntos, usar a força de vontade individual que estava lá quando todos estavam tocando bem. Eu sabia desde o começo que a troca seria difícil.”
No final de 1976, Jarrett encerrou a banda: “Lembro-me de reuni-los e dizer: 'Olha, tem sido ótimo, e nós fazemos isso há muito tempo, mas é isso.' Os problemas não eram tanto musicais, mas mais relacionados a estilos de vida pessoais.”
E assim terminou a jornada de um dos grupos mais brilhantes do jazz moderno, uma banda que era a soma de seus membros. Ouvir essa banda é uma experiência emocional, levando você de improvisações selvagens de jazz de forma livre a interlúdios étnicos e música suave e dolorosamente melódica. Verdadeiramente um conjunto único na história da música moderna.
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