…o mundo”, explica Kilbey. “Algo naquele livro simplesmente me tocou e decidi abordar o Hugo para ver se ele topava com algum tipo de colaboração. Ele me respondeu contando sobre um estúdio do qual fazia parte, localizado em uma casa flutuante em um lago na Toscana, e me perguntou se eu gostaria de fazer algo lá com ele. Ocorreu-me que talvez essa fosse uma chance para o Frank e eu gravarmos o próximo disco do Speed Of The Stars e que estar na Itália seria uma grande fonte de inspiração; o que se provou totalmente verdadeiro.
O pianista David Helbock e a baixista/violoncelista Julia Hofer têm coisas em comum: uma curiosidade lúdica combinada com a vontade de experimentar coisas novas e se divertir. Ambos os austríacos também são perfeccionistas... e comunicadores natos... e é por isso que sua combinação musical funciona tão bem. "Eu estava procurando um novo parceiro para a dupla", diz David Helbock, "porque, embora eu seja completamente apaixonado pelo meu projeto 'Austrian Syndicate', é algo realmente complicado de montar, uma banda grande... muitos teclados. Junto com o CEO e produtor da ACT, Andreas Brandis, a ideia de uma dupla acústica reduzida à sua essência emocional finalmente nasceu – um formato em que a comunicação musical funciona mais diretamente do que em qualquer outra formação. E eu rapidamente...
…através de Julia Hofer. O que me atraiu particularmente nela foi sua versatilidade – e a riqueza de possibilidades que isso abre. Fiquei imediatamente fascinada por sua energia desde o primeiro ensaio. Dá para perceber que ela aprecia a música desde a primeira nota que toca, e isso me motivou enormemente e também é muito contagiante.
A carreira artística de Julia Hofer inverteu a ordem natural das coisas. Músicos geralmente aprendem seu ofício, fazem turnês por todos os lugares, talvez se tornem famosos e só então se estabelecem e começam a lecionar. Hofer já estava produzindo uma série de vídeos didáticos para a loja virtual de música Thomann enquanto cursava seu mestrado na Popakademie Mannheim – sua primeira graduação foi em Viena. Os vídeos causaram impacto e receberam milhões de visualizações. Ela agora leciona em Klagenfurt e Viena, além de fazer parte da equipe da Vereinigte Bühnen, em Viena.
Julia Hofer é uma baixista de referência na cena austríaca. De família musical e com formação clássica como violoncelista, o que mais se destaca é sua versatilidade estilística. Além de tocar o violoncelo de forma poética, capaz de derreter corações, há uma maravilhosa facilidade e energia em seu groove ao tocar o baixo. Ela abrange toda a gama de pop, funk e fusion, com repertório que vai de Earth, Wind & Fire a Jamiroquai e Yellowjackets. E seu método de se familiarizar com a música nunca foi guiado pela conveniência das partituras: ela ouve meticulosamente e faz suas próprias transcrições. Seu processo a aproxima dos originais, ao mesmo tempo em que lhe permite torná-los verdadeiramente seus.
Não é de se admirar que David Helbock esteja tão entusiasmado com seu novo parceiro de dupla. Afinal, o pianista e compositor de Vorarlbeberg, no oeste da Áustria, tem uma relação com o piano que muitas vezes pode se tornar alegremente acrobática. Através de seu trio Random Control, o perfil de Helbock se consolidou como um verdadeiro rompedor de barreiras com virtuosismo – e humor também. Álbuns como “Playing John Williams” (2019) e “Austrian Syndicate” (2023) o ancoram não apenas como pianista em um ambiente de música de câmara, mas também demonstram o poder do jazz-rock que ele traz para o neo-fusion. David Helbock é um dos músicos mais versáteis do mundo da música austríaca. E ele adora duplas, notadamente “Playground” (2022) com a cantora Camille Bertault, que os levou em turnês triunfantes pelo circuito europeu de clubes e festivais.
Em “Faces Of Night”, com Julia Hofer, encontramos Helbock adotando uma gama estilística ainda mais ampla. O repertório do álbum inclui canções de Prince, além de “Round Midnight”, de Thelonious Monk, uma versão em tons de violoncelo de “Woman's Dance”, de George Gurdjieff, uma interpretação soul-funk de “Freedom Jazz Dance”, de Eddie Harris, e uma surpreendente adaptação de temas do Concerto para Piano em Lá Menor, de Robert Schumann. “Tentamos trabalhar com efeitos e eletrônica no início, mas descobrimos que os usávamos cada vez menos. Agora é um álbum quase inteiramente acústico, exceto pelo baixo elétrico. E realmente ensaiamos e experimentamos muitas coisas diferentes. Tem sido um processo delicioso.”
Alguns convidados se juntaram à dupla, incluindo o trompetista lírico e comovente Lorenz Raab, com quem David Helbock toca há duas décadas, e a cantora Veronika Harcsa, também conhecida de longa data, que faz scat em "Freedom Jazz Dance" e traz algo totalmente inesperado para Monk: letras em húngaro. "Eu também queria fazer algo com Mahan Mirarab há muito tempo. Ele toca uma guitarra de dois braços, um dos quais sem trastes, e isso combina muito bem com Gurdjeff", diz David Helbock sobre o segundo colaborador de "Faces Of Night" – esta é uma nova colaboração.
E assim, encontramos em "Faces Of Night" uma dupla, completada pelo produtor Andreas Brandis, notável por sua energia, sua intercomunicação direta e seu senso de aventura desenfreada – tudo isso reunido em estúdio. No epicentro, Julia Hofer toca com surpreendente abertura e precisão, com o inspirado David Helbock como seu contrapeso ideal. Os convidados – Harcsa, Mirarab, Raab – expandem a base e levam a música além dessa constelação com novas cores. "No final, tudo se encaixa bem com o título 'Faces Of Night'. Para mim, a noite é uma zona de fronteira onde os opostos são possíveis e se complementam." Esses rostos da noite abrem as portas para uma nova dupla cuja entrada no mundo da música se dá na forma de um álbum de estreia positivamente transbordante de entusiasmo e energia.
Alberto Ginastera dividiu sua carreira de compositor em três fases, e cada um de seus quartetos de cordas se enquadra convenientemente em uma delas. Composto em 1948, o Quarteto de Cordas nº 1 pertence ao que Ginastera chamou de seu período de "nacionalismo objetivo", quando, seguindo o exemplo de seu professor Aaron Copland, incorporou a música folclórica de sua Argentina natal, mais ou menos inalterada, à sua própria música; 10 anos depois, no "nacionalismo subjetivo" do segundo quarteto, esses elementos colorísticos foram absorvidos pelas texturas energizadas de suas obras, organizadas utilizando a técnica dodecafônica de Schoenberg. Como demonstram as interpretações dos dois primeiros quartetos pelo Quarteto Miró, ambos são obras atraentes...
...repleto de incidentes vívidos, que merecem ser incluídos em recitais com muito mais frequência do que são. Mas é o terceiro quarteto a verdadeira descoberta aqui. Na época em que foi composto, em 1973, Ginastera vivia na Europa (ele faleceria em Genebra em 1983) e vivia o que ele descreveu como sua fase "neoexpressionista". Inspirado no segundo quarteto de Schoenberg, o quarteto adiciona uma soprano solo à composição, para composições apaixonadas e dramáticas de textos de três poetas espanhóis do século XX: Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca e Rafael Alberti. A gravação coloca a soprano, Kiera Duffy, um pouco mais à frente do que o ideal, mas não há como negar que o efeito é totalmente envolvente
Em 1978, o Genesis iniciava uma nova turnê e também a fase mais decadente de sua história (que venham as pedras dos fãs mais enérgicos) que perdura até os dias atuais com o anúncio de um novo retorno programado até então para esse ano. Steve Hackett deixou a banda em 1977, determinado a continuar sua jornada através da música como artista solo. Após sua saída, presenteou seus fãs com nada menos que nove álbuns solo em 15 anos, incluindo dois com composições inteiramente de peças instrumentais de violão. Apesar do sucesso de seus primeiros álbuns, "Voyage Of The Acolyte", "Please Don't Touch", "Spectral Mornings" e "Defector", o guitarrista evitava intencionalmente tocar músicas do Genesis no palco, incluindo apenas segmentos muito curtos como 'I Know What I Like' e 'Horizons'. Após seu desligamento do projeto GTR em parceria com Steve Howe no final de 1986, Hackett voltou a seguir suas próprias instruções musicais. Seu próximo álbum, "Momentum" (1988), foi um registro completo de peças instrumentais de guitarra clássica. Ele então formou sua própria gravadora, Camino Records, e lançou seu primeiro álbum ao vivo, "Time Lapse" no início dos anos 90. Em seguida foi "Guitar Noir" (1993), uma mistura de progressivo, guitarra clássica em uma atsmofera que remetia a um tom mais sombrio. Em seguida, seguiu por novas vertentes lançando um álbum inteiro de Blues, intitulado por "Blues With A Feeling" (1994). Atendendo a pedidos de milhares de fãs, Hackett se dedica a um novo projeto onde as músicas do Genesis ganhariam destaque absoluto. Em 1996, veio então a notícia do lanaçamento de um novo álbum, "Genesis Revisited", que contou com uma constelação de importantes nomes do Rock Progressivo tais como Ian McDonald (Crimson), John Wetton (Crimson, U.K, Asia) , Tony Levin (Crimson, Peter Gabriel), Bill Bruford (Crimson, Yes), Chester Thompson (Genesis), dentre muitos outros. O projeto consistiu em vários clássicos de sua passagem pelo Genesis. As peças tocadas no álbum variavam de recriações cuidadosas a novos arranjos em impecáveis versões, adicionando novos capítulos e variações a esses clássicos. O álbum foi muito bem recebido pela exigente crítica britânica. No entanto, a turnê foi outra questão, pois a agenda da maioria dos artistas convidados impossibilitava qualquer turnê prolongada. Mas Steve conseguiu agendar quatro datas no Japão, com uma banda sólida e de nomes consolidados (já citados por aqui anteriormente). Esses quatro shows foram os únicos para a mini-turnê de 1996. O setlist incluia várias faixas do disco em questão que intercalava com composições da carreira solo de Hackett, além de algumas músicas do King Crimson (para John e Ian) e até mesmo um hit do Asia ('Heat of the Moment', apresentada em formato acústico). As duas primeiras noites (em Tóquio) foram gravadas, filmadas e lançadas oficialmente como "The Tokyo Tapes" em 1998. Certamente shows únicos e memoráveis. As outras duas noites (em Osaka e Nagoya) ficaram disponíveis como gravações não-oficiais e rematerizadas posteriormente pelo selo independente Progressive Rock Remasters Project (PRRP). Nesta publicação encontra-se apenas o show de Osaka gravado em 19 de Dezembro de 1996 pois a qualidade é superior ao show de Nagoya e o setlist é o mesmo. TRACKS: DISCO I: 01. Watcher Of The Skies 02. Depth Charge 03. Firth Of Fifth 04. Battle Lines 05. Camino Royale 06. In The Court Of The Crimson King 07. Horizons 08. Walking Away From Rainbows DISCO II: 01. Heat Of The Moment 02. In That Quiet Earth 03. A Vampire (With A Healthy Appetite) 04. I Talk To The Wind 05. Shadow Of The Hierophant 06. Drum Solo 07. Los Endos 08. Blood On The Rooftops - Black Light 09. The Steppes 10. I Know What I Like
Sem dúvida, o Jethro Tull é uma das bandas de progressivo a qual possui o início de carreira dos mais brilhantes. Trajando roupas desleixadas e vagabundas, parecendo mais um anacronismo de um conto de Charles Dickens, Anderson transmitiu uma antiga aura durante os anos de formação da banda no final dos anos 60 e início dos anos 70, que persistiria em diversas outras formações por décadas a fio emanando sempre muita qualidade e extrema criatividade em suas composições.
O registro a seguir, conta com faixas dos dois primeiros e essenciais discos do Tull lançados entre os anos de 1968 e 1969, This Was e Stand Up respectivamente. Sendo o primeiro disco com grande destaque no decorrer das apresentações.
Nesse show, talvez o mais antigo ao qual possuo, foi gravado bem no início de 1969 quando a banda dava seus primeiros passos em apresentações ao vivo de grande porte pela Europa.
Possivelmente, essa apresentação foi uma das primeiras aparições de Martin Barre no Jethro Tull. O renomado e virtuoso guitarrista substituiu Mick Abrahams após o lançamento de This Was ainda em 1968.
Esse bootleg foi gravado na cidade de Estocolmo na Suécia em 14 de Janeiro de 1969 e conta com duas apresentações na mesma data sendo a primeira gravação na parte da tarde e a segunda já a noite.
Em 1978, o Genesis iniciava uma nova turnê e também a fase mais decadente de sua história (que venham as pedras dos fãs mais enérgicos) que perdura até os dias atuais com o anúncio de um novo retorno programado até então para esse ano.
Steve Hackett deixou a banda em 1977, determinado a continuar sua jornada através da música como artista solo. Após sua saída, presenteou seus fãs com nada menos que nove álbuns solo em 15 anos, incluindo dois com composições inteiramente de peças instrumentais de violão. Apesar do sucesso de seus primeiros álbuns, "Voyage Of The Acolyte", "Please Don't Touch", "Spectral Mornings" e "Defector", o guitarrista evitava intencionalmente tocar músicas do Genesis no palco, incluindo apenas segmentos muito curtos como 'I Know What I Like' e 'Horizons'.
Após seu desligamento do projeto GTR em parceria com Steve Howe no final de 1986, Hackett voltou a seguir suas próprias instruções musicais. Seu próximo álbum, "Momentum" (1988), foi um registro completo de peças instrumentais de guitarra clássica. Ele então formou sua própria gravadora, Camino Records, e lançou seu primeiro álbum ao vivo, "Time Lapse" no início dos anos 90. Em seguida foi "Guitar Noir" (1993), uma mistura de progressivo, guitarra clássica em uma atsmofera que remetia a um tom mais sombrio. Em seguida, seguiu por novas vertentes lançando um álbum inteiro de Blues, intitulado por "Blues With A Feeling" (1994).
Atendendo a pedidos de milhares de fãs, Hackett se dedica a um novo projeto onde as músicas do Genesis ganhariam destaque absoluto. Em 1996, veio então a notícia do lanaçamento de um novo álbum, "Genesis Revisited", que contou com uma constelação de importantes nomes do Rock Progressivo tais como Ian McDonald (Crimson), John Wetton (Crimson, U.K, Asia) , Tony Levin (Crimson, Peter Gabriel), Bill Bruford (Crimson, Yes), Chester Thompson (Genesis), dentre muitos outros.
O projeto consistiu em vários clássicos de sua passagem pelo Genesis. As peças tocadas no álbum variavam de recriações cuidadosas a novos arranjos em impecáveis versões, adicionando novos capítulos e variações a esses clássicos. O álbum foi muito bem recebido pela exigente crítica britânica. No entanto, a turnê foi outra questão, pois a agenda da maioria dos artistas convidados impossibilitava qualquer turnê prolongada. Mas Steve conseguiu agendar quatro datas no Japão, com uma banda sólida e de nomes consolidados (já citados por aqui anteriormente).
O registro a seguir conta com uma apresentação mais atual digamos assim e com uma banda mais sólida, com membros fixos e sem agendas cheias como os antigos do primeiro Genesis Revisited dos anos 90.
O diferencial desse bootleg é participação de Ray Wilson em três faixas (Carpet Crawlers, I Know What I Like e Entangled). Wilson teve uma rápida passagem pelo Genesis onde substituiu Phil Collins e gravou o vocal do fraco Calling All Stations em 2007.
Gravado na cidade de Milão em 24 de Abril de 2013 com extensão de áudio em MP3 porém, em qualidade aceitável. Vale pelo registro e as versões de Chamber Of 32 Doors e Afterglow, muito bem registradas pelo vocal do competente Nad Sylvan.
Apesar de hoje considerados clássicos do Heavy Metal, os primeiros discos do Grave Digger não deram o retorno esperado pela banda – muito menos pela gravadora, obviamente. Algumas mudanças já puderam ser sentidas no terceiro lançamento de estúdio, War Games, que deu uma pisada no freio em termos de agressividade se comparado a Heavy Metal Breakdown e Witch Hunter. Mas a guinada mais radical da carreira aconteceu com Stronger Than Ever. Para começar, foi subtraído o Grave do nome, ficando apenas Digger. E o som, antes voltado para o Heavy Metal, ganhou fortes influências do Hard Rock com pitadas de Pop que dominava as paradas.
Sendo assim, para quem, como eu, conheceu o grupo já nos anos 90, através de trabalhos fantásticos como Tunes of War e Knights of the Cross, o susto é inevitável. Depois de um tempo, essa reação súbita pode até se transformar em um ataque de risos incontido. Mas não tem como não se surpreender com a sonoridade totalmente à parte de tudo que Chris Boltendahl e seus amigos já gravaram. Tem horas que a impressão é de estarmos escutando alguma banda norte-americana do terceiro escalão – sim, porque as boas faziam muito melhor. De aproveitável, momentos como “Lay it Down” (erroneamente creditada como “Lay it On” na contracapa) e “Shadow of the Past”, que ainda conservam algo que lembre o passado.
Obviamente, a idéia resultou em um fracasso retumbante. Atualmente, o próprio vocalista e líder da banda renega esse álbum, tanto que foi o único da discografia que não ganhou reedição oficial em CD. Apenas a Retrospect Records colocou no mercado uma versão, mas não-autorizada. O impacto negativo foi tão grande que causou o fim do grupo, que só retomaria as atividades sete anos mais tarde, com seu nome original, formação diferente (do fiasco só sobraram Chris e o guitarrista Uwe Lulis) e fazendo o que sabe de melhor. Hoje, graças a William Wallace, estão imunes desse desastre e seguem lançando bons discos.
De qualquer modo, vale o download, nem que seja pela curiosidade histórica do documento. E pra mostrar que a maldição da bandana e do batom não deixa ninguém escapar. Nem os guerreiros do Metal, suas espadas e dragões alados (risada macabra). Mas que é engraçado ouvir Boltendahl com seu registro de voz altamente agressivo cantando músicas do tipo “Baby, vou te pegar essa noite”, ah, com certeza é. Só por isso já justifica uma conferida! Pelo menos o fracasso serviu para uma coisa: como ninguém ouviu falar muito nesse play, a Disney não meteu um processo neles por causa da capa. Até porque tirar as cuecas de um pelado é covardia.
Chris Boltendahl (vocals) Uwe Lulis (guitars) C. F. Brank (bass) Albert Eckardt (drums)
01. Wanna Get Close 02. Don’t Leave Me Lonely 03. Stronger Than Ever 04. Moonriders 05. Lay it Down 06. I Don’t Need Your Love 07. Listen to the Music 08. Stay Till the Morning 09. Stand Up and Rock 10. Shadows of the Past
O Rage Against The Machine foi formado em 1991 quando o guitarrista Tom Morello conheceu o vocalista Zack de la Rocha num pub de Los Angeles, quando este fazia rap improvisado (freestyle). Para completar a formação, foram chamados o baterista Brad Wilk e o baixista Tim Commerford. Logo de cara, conseguiram um contrato com a Epic Records após os engravatados se impressionarem com uma demo de doze faixas enviada pelo quarteto.
O álbum, auto-intitulado, foi lançado em novembro de 1992 e não foi um sucesso imediato. Em termos de vendas, o estouro só veio no início de 1994, quando o disco chegou às posições de número 45 e 17 nas paradas norte-americanas e britânicas, respectivamente. Apenas depois de uma apresentação antológica no festival Lollapalooza, em 1993, que o grupo passou a ter grande reconhecimento.
Da esquerda pra direita: Tom Morello, Brad Wilk, Zack de la Rocha, Tim Commerford
Mas seria impossível o Rage Against The Machine ser menos do que um grande sucesso com este disco, que é consistente, único, pesado e traz um instrumental muito rico, além de apresentar letras muito bem escritas e que transmitem ideais engajados e politizados sem soar piegas. O quarteto passou a liderar uma vertente denominada Rap Metal, que mistura elementos de Hip Hop e Heavy Metal.
Zack de la Rocha vocifera, de forma jovem e energética, as ideias que o conjunto tanto defendia, como o fim do imperialismo, opressão e desigualdade. Tom Morello, o elemento principal da banda, revolucionou o jeito de tocar guitarra com riffs pesados, timbragens singulares e linhas de guitarra que, mesmo simples de serem tocadas, abusam de efeitos que simulam desde sons de DJ's até barulhos de animais. Tim Commerford acompanha muito mais os riffs de Morello do que a habilidosa bateria de Brad Wilk - este ganha mais liberdade, enquanto aquele contribui com peso.
Após o sucesso deste icônico álbum de estreia, o Rage Against The Machine ganhou importância mundial e qualquer movimento dos caras passou a ser aclamdo por uma grande legião de fãs. Os destaques do play vão para a famosa Killing In The Name, para a experimental Wake Up, para a pauleira Bullet In Your Head e para a sensacional Freedom, que tem um momento final pra lá de apoteótico. Vale a pena conferir este trabalho, mesmo que você não seja nem um pouco engajado - como eu.
01. Bombtrack 02. Killing In The Name 03. Take The Power Back 04. Settle For Nothing 05. Bullet In The Head 06. Know Your Enemy 07. Wake Up 08. Fistful Of Steel 09. Township Rebellion 10. Freedom
Zack de la Rocha - vocal Tom Morello - guitarra Tim Commerford - baixo, backing vocals Brad Wilk - bateria, percussão
Músicos adicionais: Maynard James Keenan - vocal adicional em 6 Stephen Perkins - percussão adicional em 6
O supergrupo de post-rock Speed of the Stars lançou seu aguardado segundo álbum. A banda conta com Steve Kilbey, dos pioneiros do psicodélico australiano The Church; Frank Kearns, da banda irlandesa de rock alternativo Cactus World News; o cantor e compositor Hugo Race e Barton Price, do Models, estrela das paradas australianas dos anos 80.
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