Dixon utiliza suas letras como um pintor utiliza a tinta, conduzindo o ouvinte a uma imersão mais profunda no cenário e na ambientação deste mundo, enquanto a história avança em igual medida. Semelhante a filmes como Boyhood ou Projeto Flórida, este é o mundo visto pelos olhos de jovens protagonistas que lutam para amadurecer em meio às suas perdas. Eles já passaram por mais do que qualquer criança deveria, e sua sabedoria é contrabalançada por atos impulsivos de grande poder e bondade. A imagética evocada pela produção nos permite visualizar onde tudo isso acontece. Os convidados conferem mais personalidade aos personagens e contrastam os diferentes atores e períodos pelos quais somos apresentados. As mudanças de ritmo e tom adicionam ainda mais riqueza a este elenco.
É importante destacar que este álbum é extremamente fácil de ouvir, com tantos detalhes que se revelam a cada nova audição. Ainda existem momentos de busca por fama e ostentação que definem o hip hop moderno. Dixon transita por esses clichês com facilidade e os integra perfeitamente à sua narrativa. Ao final do álbum, você vai querer ouvi-lo novamente, sem querer deixar a atmosfera bucólica e sombria de Magic Alive.
No centro do cintilante e fantasmagórico GOLLIWOG de billy woods , há um par de olhos. Pertencem à boneca titular, uma caricatura do século XIX com tufos de cabelo escuro, lábios vermelhos, dentes afiados como facas e uma crueldade casual, originária (supostamente involuntária) do teatro de menestréis e transformada em mercadoria por empreendedores fabricantes de brinquedos ingleses para enfeitar as prateleiras e os braços de jovens brancos ocidentais sem alma. Era tipicamente construída com o olhar vidrado de um animal infeliz. Na capa do novo LP de woods, mesmo a poucos metros de distância, esse olhar penetra e permanece fixo no seu, um abismo portátil cujas pupilas seguem vorazmente os pecados ancestrais que espia através das suas janelas.
woods, que agora alcançou visibilidade suficiente para ser um sério candidato ao título de maior artista de hip-hop vivo, transforma seu golliwog em um albatroz cuja metamorfose depende de qual besta está se banqueteando com os restos de sua alma. (“Boneca de pano fingindo de morta”, ele profere logo de início, um verso de extraordinária densidade em um álbum repleto deles.) É ele mesmo; é tudo o que apodrece dentro dele; são as cicatrizes do seu passado, o lacerador e a mão que comanda a faca; são amigos e família, amantes, todos os seus sósias, todos e em todos os lugares, e nunca, jamais desvia o olhar, nem uma vez.
Tal psicodrama não é novidade para um nova-iorquino cuja carreira de décadas é definida por discos imersos em atmosferas ansiosas, mas raramente esse temor soou tão agudo. Os inúmeros produtores de GOLLIWOG , muitos dos quais já contribuíram para o catálogo de woods, colorem os quadros obscuros do MC. Às vezes, eles fabricam o cenário inteiro. Em “STAR87”, Conductor Williams combina boom-bap metálico com violinos trêmulos, baixo errante e o toque incessante de telefones fixos. (“Eles querem saber onde os corpos estão escondidos”, revela o narrador de woods eventualmente, como se isso fosse ajudar em alguma coisa.) woods abre “Waterproof Mascara” com o retrato de uma mãe chorando antes de mudar de assunto, mas Preservation mantém esse choro em primeiro plano, repetindo-se incessantemente como uma farpa escura alojada no coração. O crepitar de uma pulsação digital vibra sob o verso introdutório de al.divino em “Maquiladoras” até o primeiro tiro ser disparado, após o qual um acorde de piano comovente pontua a linha do tempo demarcada.
Em mãos menos talentosas, GOLLIWOG poderia parecer pesado ou maçante demais para ser agradável, mas na mesma linha do fragmentado Maps de 2023Woods reserva bastante espaço para doses cruciais de leveza. Pesadelos existenciais modernos recebem um absurdo apropriado ao seu contexto (“A IA do vale da estranheza o atingiu com o grito hesitante de 'Carrie'”, brinca Woods em “Corinthians”); a lógica dos sonhos e pesadelos permite uma piada final surpreendente (“Viajei no tempo e ainda escolhi Darko Miličić”, em “Cold Sweat”); a distorcida “Misery”, que homenageia MF DOOM, é um ponto fora da curva lascivo e evocativo; a comédia sombria abunda naturalmente em uma anedota particularmente devastadora em “Lead Paint Test” (“Papai a pôs fim ao seu sofrimento no chão da cozinha / Mamãe disse: 'Tenha orgulho dela, ela conseguiu chegar em casa'”). É Woods sendo Woods. Mesmo quando o assunto é pesado, sua caneta não consegue evitar esculpir um sorriso diabólico.
Mas não se engane, o foco principal de GOLLIWOG é a sua saraivada de tragédias institucionais — e a sua presença como dano colateral da fome colonial canibalística. Repetidamente, billy woods apresenta retratos impressionistas brutais de séculos de sofrimento negro e, em seguida, deixa um rastro documental suficiente para que o público ligue os pontos. É uma questão de fascínio pessoal para ele, cuja linhagem está diretamente ligada a essa fome. “Opiliões invadem sua casa como Cecil Rhodes”, ele rima logo após apresentar o golliwog, fazendo referência ao magnata da mineração cujas ambições dizimaram o Zimbábue de seu pai. Em uma entrevista para a Pitchfork, woods descreveu ter, na parede de seu quarto na faculdade, o famoso retrato de Rhodes em pé do outro lado da imensidão da África: um objeto de fascínio e confronto, seu olhar triunfante encarando-o diretamente.
A autodestruição irreversível e inevitável sob o domínio do poder é uma história tão antiga quanto o cativeiro humano, mas raramente é retratada de forma tão pungente ou abrangente quanto em GOLLIWOG . Sua música final, "Dislocated", inicialmente evoca "Maquiladoras" e as reflexões de Frantz Fanon sobre a assimilação como "autoamputação", mas também captura billy woods (e seu companheiro de banda do Armand Hammer, ELUCID, que está maravilhoso do começo ao fim) em meio à aceitação e ao lamento de suas próprias lacunas. Soa como uma provocação a princípio, é claro. "Não consigo ser localizado", ele grita desafiadoramente, com confiança. E então já não é tão certo: "Você não pode entrar aqui comigo", ele diz fora do radar, nada além de floresta escura e espaços vazios por quilômetros. "Você vai ver." E mesmo assim, seus olhos permanecem fixos nos dele.
Meu álbum favorito do Swans pós-reunião é provavelmente The Seer. Acho esse álbum uma jornada muito variada, interessante, porém concreta e direta, e provavelmente o trabalho mais genuinamente cinematográfico que eles já fizeram. Desde então, a banda vem explorando ainda mais essa estrutura que foi inicialmente iniciada e insinuada em suas encarnações anteriores, em direção a sonoridades mais cativantes, mais etéreas ou mais abstratas e minimalistas. Com a grande promoção de Birthing como o último álbum com o "som grandioso", a expectativa natural seria que ele fosse o final óbvio e grandioso de todos esses elementos.
Bem, é e não é .
A primeira reação de muitas pessoas a esse álbum parece ser a de que ele é muito repetitivo, o exemplo mais formulaico da estrutura que a banda vem explorando à exaustão na última década. À primeira vista, essa opinião pode parecer justificada – músicas longas e lentas, com muita repetição nas guitarras e ênfase no ritmo – sim, está tudo aqui. Mas não consigo deixar de contestar; Chamar este álbum de excessivamente formulaico ou "igual aos anteriores" não é apenas uma crítica superficial, como também imprecisa. Deixe-me explicar porquê.
"Cru" é o adjetivo mais preciso que consigo pensar para descrever este álbum. Como eu disse, muitos elementos dos álbuns anteriores do Swans estão presentes, mas de forma bastante expandida. As seções de drone são longas, etéreas, mas massivas em seu som e um tanto opressivas. Os acordes repetidos variam do esperançoso ao francamente maligno, bastante diretos, mas sem o groove dos primeiros álbuns pós-reunião que os tornavam claramente cativantes. É talvez o álbum mais focado sonoramente em sua discografia até agora, o que, honestamente, é dizer muito. Há crescendos, mas com a forma como o drone se intensifica, é mais como a antecipação de um Big Bang.
Além disso, o álbum inteiro é terrivelmente abstrato. O nascimento do mundo é o único tema que consigo compreender, o que explicaria a escala, a combinação da esperança com a escuridão, etc. Mas é basicamente isso. O lirismo de Gira se concentra em eventos grandiosos, descrições oniscientes e cantos distantes, com pouca ou nenhuma variação. Está totalmente absorvido pela música, recusando-se a guiar o ouvinte ao longo do álbum.
Um ponto positivo é a variedade presente, que compensa a menor quantidade de grooves no disco. Enquanto " The Healers" e "Birthing" são epopeias grandiosas, com múltiplas mudanças e intensidade variável, "I Am a Tower" e "(Rope) Away" são crescendos mais diretos e belíssimos. "Red Yellow" , "Guardian Spirit" e "The Merge" também são ótimas opções .As principais exceções são: a primeira, que funciona mais como um aperitivo, um cântico ameaçador, uma preparação para o resto do álbum, lembrando-me vagamente de Can. Legal, mas termina de forma abrupta. "Guardian Spirit" é a faixa com mais guitarras do álbum, com bateria impactante e baixo repetitivo do começo ao fim. É intensa e poderosa, mas a música mais típica do Swans em termos de estrutura. "
The Merge" é insana e, sem dúvida, a faixa mais interessante. O destaque especial para Tim Wyskida na bateria é merecido – o bumbo frenético é o choque mais marcante de todo o álbum, seguido por sons eletrônicos distorcidos e sintetizadores durante toda a primeira metade. A transição para a estrutura mais usual do Swans acontece na segunda metade, mas eu realmente aprecio o foco na composição acústica de Gira aqui; é uma transição interessante. Uma parte de mim gostaria que essas surpresas fossem exploradas com mais frequência no álbum – sinto que a pequena amplitude de sua paleta sonora é sua maior fraqueza. Mas talvez não fosse a mesma coisa sem isso, sem a tentativa excessiva de se desviar.
Discordo totalmente da ideia de que este álbum seja "apenas mais um álbum do Swans", mas entendo a dificuldade de compreendê-lo completamente. Sua repetitividade e foco na grandiosidade acima de tudo provavelmente não conquistarão novos ouvintes, e podem até afastar alguns fãs. Eu gosto? Não sei. Sinto que isso é o mesmo que perguntar se gostei de Possession ; uma experiência desafiadora, embora cativante, com a qual tenho dificuldade em me conectar emocionalmente. Mas, assim como com aquele filme, tenho grande admiração e respeito por sua arte. Aqui está o último álbum do Swans com o "som grandioso", não um que você talvez goste, mas certamente um que não faz concessões.
Após criar alguns dos melhores exemplos de noise pop e shoegaze modernos sob o nome de Parannoul , o homem por trás da magia está de volta com um novo pseudônimo. Lançado como Huremic, Seeking Darkness representa uma mudança radical em relação ao indie noise com toques emo pelo qual Parannoul é conhecido. Em vez disso, Huremic abraça o excesso e a grandiosidade, utilizando o ruído como uma força, e não como uma estética. Os momentos de descanso entre os ataques avassaladores de riffs carregados de feedback e a bateria tribal são usados para cultivar e expandir a escala deste álbum, dando a impressão de que a paisagem sonora apresentada poderia cobrir o planeta inteiro. Ambicioso e estimulante por uma hora, dividido em cinco partes, é uma das melhores experiências de rock da década.
Muitas comparações podem ser feitas com este álbum: Swans , Boredoms (especificamente a parceria com Vision Creation Newsun ), Boris e até mesmo Ground-Zero . As influências podem ser bastante evidentes em alguns momentos. Dito isso, Huremic não está plagiando esses artistas de forma alguma. Ele dá uma nova direção a essas influências, misturando-as em um pacote impactante e agradável, que ainda soa distinto e original em um gênero saturado de imitações do GYBE . Há uma pegada psicodélica avassaladora neste álbum, que parece subutilizada em grande parte do post-rock, e uma sensação de pavor estranhamente aventureiro e cavernoso, um tanto alheia aos clichês do gênero. Não estou dizendo que o pavor não seja um tema comum no post-rock; afinal, o que mais é F♯A♯∞ e Soundtracks for the Blind ? Mas a forma como este disco o aborda, como o explora e lida com ele, é tão interessante e singular para mim. É como se o narrador estivesse perseguindo algo que ele sabe que só trará mais sofrimento para todos ao seu redor e para si mesmo. Por que não voltar atrás? Por que não parar? Porque não há mais nada a fazer, seria uma ruptura com a situação atual. Desde a abertura lenta e gradual da primeira parte até os riffs estrondosos que a encerram, a jornada apresentada em Seeking Darkness é grandiosa e executada com maestria. Os contrastes entre clímaxes e crescendos explosivos que empoderam e o ruído monótono que oprime. A produção detalhada e impactante e os vocais ocasionais e potentes do próprio Huremic. As composições em si e a estrutura do álbum criam algo holístico e monolítico. A instrumentação impressionante torna difícil acreditar que tudo foi feito por uma única pessoa. Seeking Darkness é uma obra-prima estonteante; só posso esperar por mais noise rock de qualidade do Parannoul, seja sob esse nome ou não.
O que define ser chileno? Enquanto Ahora o nunca abordava o cotidiano sob uma perspectiva mais adolescente, Deseo, carne y voluntad é mais maduro e adulto. Talvez devido à experiência adquirida pela banda nos dois anos desde sua estreia, ou talvez devido à idade de seus integrantes, o fato é que isso é muito perceptível. A composição é bem mais complexa que a do álbum anterior, com influências de bandas de jazz e rock progressivo como Congreso e Fulano (basta conferir a duração de músicas como Prisión de Carne e Cáliz (talvez a melhor do álbum)), um tipo de “Chamber Rock” bem ao estilo do BCNR e uma boa dose de rock experimental (estou falando de você, Pecado). Além disso, o Candelabro observa com grande respeito diferentes elementos da mesma cena da qual faz parte: o spoken word em Liebre, as atmosferas apoteóticas em Tierra Maldita e o respeito pela música folclórica chilena. Em relação às letras e aos temas abordados no álbum, traça-se um paralelo entre o sentimento mais chileno e a religião. Seja por inspiração estilística ou genuína pela fé, quem no Chile não teve ao menos um encontro mínimo com Deus? Retorno à pergunta inicial: o que define ser chileno? Rezei ao anjo da guarda com minha mãe e também fui ao Domingo de Ramos com minha avó. Também caminhei pela Estação Central, também tive que levantar para trabalhar e construir, e acima de tudo, também pensei que vivemos em uma terra condenada. Candelabro, de alguma forma (à sua maneira), compreende e abraça isso. O Chile é um país cansado, deprimido, com um estranho complexo de inferioridade e, ao mesmo tempo, de superioridade, que, no entanto, é assolado por atos de bondade e esperança com mais frequência do que se imagina. Um álbum que marca cenas e épocas, não apenas por seu conceito, produção, composição ou letras. Sim, porque retrata fielmente o contexto em que foi produzido e "Deseo carne y voluntad" representa o belo e melancólico sentimento de ser chileno, de uma forma eclética e até meio piegas, com um amor pela cultura pop, ingênuo, mas consciente e, acima de tudo, honesto, que pude sentir tanto na cena independente chilena quanto na nossa música em geral.
Você já acessou o Wayback Machine, encontrou uma captura antiga de um site bacana e começou a navegar pelas capturas próximas? Adwares aparecem, algumas imagens carregam enquanto outras falham, elementos inteiros de JavaScript mudam de lugar, quebram e depois se consertam sozinhos. Enquanto tenta encontrar a instância perfeita desse site capturada por completo, você acaba encontrando vários clones imperfeitos com falhas realmente interessantes. Às vezes, as capturas são sobrescritas por redirecionamentos, enviando você para um ponto completamente diferente no tempo, uma identidade diferente, um design diferente, reiniciando seu progresso. Essa jornada em constante mudança pela impermanência, temporalidade e links obsoletos lembra um pouco a aventura que Tranquilizer proporciona.
Então, Daniel está de volta. Eu poderia parafrasear toda esta resenha com um simples "quando você descobre que seu GOAT ainda está em forma", mas, honestamente, sou fã do Oneohtrix Point Never desde que me lembro. Ainda amo Magic , com todos os seus defeitos, e adoro completamente as fusões de estilo de Again , mesmo que esses álbuns pareçam estar em segundo plano em sua discografia. Então, embora este não seja um retorno drástico e repentino à sua forma original para mim, ele vem de um lugar completamente diferente. O conceito de Again era justamente revisitar seu estilo antigo e uni-lo ao momento atual de sua vida. De alguma forma, porém, Tranquilizer , com seu abandono total do conceito, parece o verdadeiro grande retorno. Não me sentia tão hipnotizado por nenhum álbum, muito menos por um sob o nome OPN, há quase uma década.
O oceano aberto por esta obra é cheio de cor e vida e, ainda assim, de alguma forma, bem, tranquilo. Como um álbum tão denso, desconexo e caótico pode ser tão calmante? É uma fera transcendental que encontra todos os melhores lugares na sombra, mesmo que não consiga ficar parada. É como aquele banco rodeado de trepadeiras e vegetação, perto de uma rua movimentada, onde a brisa e a umidade latente lutam entre si enquanto você medita em meio à agitação ao seu redor. É viver nas maquetes utópicas em CGI de megaprojetos jamais realizados. É a luz do sol que parece mais quente através do vidro do átrio do que lá fora.
Falando em sol, é impossível exagerar o quão luminoso é Tranquilizer . Este é o álbum mais caloroso de Daniel em muito tempo, talvez o mais caloroso de todos. Considerando que muitas de suas melhores obras são notáveis por sua natureza fria e etérea (ou, no caso de Replica , ainda mais frias quando expostas à sua própria névoa), não é pouca coisa. Os sintetizadores ainda se quebram e crepitam com facilidade, mas agora há uma alegria e um brilho neles. Aqueles vocais desconexos que costumavam incomodar em R Plus Seven...Desta vez, só te ajuda a ascender ainda mais às nuvens. É úmido, sim, mas como se você estivesse deitado em um prado, não perdido em concreto apodrecido. Bem, talvez haja um pouco de concreto. Mas parece diferente quando se está ao ar livre assim.
Claro, há o que se considera um golpe de esquerda neste gigante gentil. OPN se aventura no IDM e o mundo é melhor por isso. “Rodl Glide” é a mudança de gênero mais chocante sob este nome desde que Daniel começou a cantar. A paisagem sonora suave do resto do álbum de repente dá lugar a uma batida extremamente contagiante que então explode em magia. É fascinante e te faz balançar sem esforço algum sob seu feitiço enquanto se transforma em formas ainda mais irreconhecíveis. Não acho que haja um único outro ponto de referência na discografia do OPN para algo que soe como isso, mas certamente tenho uma nova adição à minha lista de desejos sobre para onde ele deveria levar seu som no futuro.
Aliás, gosto muito de usar a palavra “vivo” para descrever álbuns para as pessoas ao meu redor. Essa é uma definição que muda a cada vez que a uso, mas para Tranquilizer ela se encaixa melhor do que para qualquer outra coisa. Este álbum respira, se move, e tenho quase certeza de que ele até acariciaria sua mão se você tentasse tocá-lo. Este álbum está vivo. E, assim como as melhores obras de Daniel, eu não consigo acreditar que seja real.
Em meados da década de 1960, a Venezuela passava por uma grande transição política e econômica. Após a queda do ditador Marcos Pérez Jiménez em 1958, o país estabeleceu uma democracia estável com o Pacto de Punto Fijo, que promoveu a alternância de poder entre os partidos Acción Democrática e COPEI. Esse sistema garantiu um certo grau de estabilidade política, mas não resolveu todas as desigualdades sociais e regionais.
Economicamente, o país se beneficia da riqueza petrolífera, que enriquece o Estado e estimula a rápida modernização da infraestrutura urbana, particularmente em Caracas, o coração cultural e econômico do país. No entanto, essa prosperidade contrasta fortemente com a persistência de bairros pobres e tensões sociais latentes.
Culturalmente, a juventude venezuelana da década de 1960 foi influenciada por tendências globais: rock britânico, psicodelia californiana, blues e soul. As estações de rádio urbanas e os discos importados proporcionaram uma exposição crescente a esses gêneros. Nesse contexto, bandas surgiram nas principais cidades, buscando combinar influências internacionais com a identidade local, frequentemente com um espírito rebelde ou experimental.
É nesse contexto de modernização, juventude vibrante e abertura cultural que nasceu o Love Depression, pronto para misturar rock psicodélico e soul com um toque venezuelano único.
Essa banda surgiu em 1968 em Caracas, em meio a uma juventude privilegiada ávida por modernidade e liberdade sonora. O grupo reunia músicos muito jovens, de 17 a 18 anos, de diversas cenas locais que acabavam de explodir. Era formado pelo guitarrista/organista Álvaro Falcón (ex-The Snobs), o baixista Richard Aumaitre (ex-Los Darts, que lançou um LP em 1967), o baterista Jesús Toro (do The Nasty Pillows) e o guitarrista e vocalista Jaime Seijas, também presente no Ladie WC.
Juntos, eles formaram um quarteto talentoso e pioneiro, profundamente influenciado pelo blues britânico, pelo soul americano e pela psicodelia californiana, mas com uma energia e espontaneidade tipicamente sul-americanas.
Após conquistarem reconhecimento por suas performances eletrizantes em clubes de Caracas, os músicos assinaram com a gravadora Souvenir naquele mesmo ano, a mesma que gravou seus colegas da banda Ladie WC. Em seguida, o quarteto gravou seu primeiro LP com uma capa chamativa e psicodélica, símbolo da juventude venezuelana em busca de uma fuga.
Em 1968, era difícil associar o garage rock psicodélico à cena local ainda nascente. Mas o Love Depression dissipou essa ideia equivocada com uma onda de distorção. Desde a faixa de abertura, “Gon'na Ride”, o tom é definido! Essa primeira música é um hino proto-punk soul alucinante, capaz de ressuscitar os mortos. Riffs selvagens, um som cru e ultrasaturado, sem filtros, vocais possessos, uma seção rítmica animalesca — tudo aqui exala espontaneidade e fúria adolescente.
O restante do álbum é do mesmo nível, com a diferença de ser composto inteiramente por covers. É verdade que, com aquele órgão de igreja soando como instrumento de coroinha, as baladas “When A Man Loves A Woman”, “If You Need Me”, “A Whiter Shade of Pale” e “I'm Sorry” evocam mais uma noite de sábado dançante do que a atmosfera psicodélica da Costa Oeste. Mas não se engane! O resto do álbum promete ser explosivo!
Começando por Jimi Hendrix, de quem a banda se apropria de nada menos que três faixas! E não são quaisquer faixas: “Stone Free”, “51st Anniversary” e “The Wind Cries Mary”. Mas não espere encontrar uma cópia fiel aqui. O Love Depression as reinventa com um toque caribenho, com energia bruta, distorção marcante e aquele som garage rock que te conquista. As guitarras são abrasivas, a seção rítmica martela implacavelmente e os vocais transbordam fervor adolescente. E, francamente, por mais sacrílego que possa parecer, essas versões impactam mais do que as originais. Mesmo que, sejamos honestos, os membros do Love Depression estejam longe de ter o gênio de Hendrix, eles compensam com uma intensidade e urgência que atingem como um soco no estômago.
No meio, você encontrará um blues cru e corrosivo que te atinge como um soco sangrento: a impactante "Kansas City" e a revigorante "Crossroads", onde as guitarras cospem seu veneno. E, finalmente, "Sweet Soul Music" explode em um final soul cataclísmico, uma mistura de transe, suor e explosão rítmica.
Mas a versão mais espetacular é, sem dúvida, “Toad”. Um verdadeiro guia de sobrevivência para o roqueiro perdido, é um golpe sonoro devastador que nos deixa sem chão. Mesmo que o baterista não se atreva a enfrentar Ginger Baker em seu próprio território, seu refrão permanece feroz e implacável. Esta versão, visceral e incandescente, faria até os próprios membros do Cream empalidecerem.
Com este único álbum, o Love Depression desferiu um golpe estrondoso na cena do rock venezuelano. Em 1968, ninguém esperava uma explosão tão concentrada de energia bruta, suor e fúria elétrica vinda daquela região. Embora seja verdade que se trata apenas de um álbum de covers, raramente eles soaram com tanta sinceridade, fúria adolescente e selvageria primal.
Longe dos estúdios de Londres ou da Califórnia, esses quatro jovens de Caracas conseguiram capturar a essência do rock: urgência, grito, liberdade.
Um álbum cult, tão efêmero quanto deslumbrante, um testemunho incandescente de uma juventude sul-americana determinada a fazer barulho e quebrar tudo, apesar de tudo.
Títulos: 1. Gon'na Ride 2. High Way Child 3. When A Man Loves A Woman 4. Kansas City 5. If You Need Me 6. Toad 7. Stone Free 8. Cross Roads 9. Whiter Shade 10. 51st Anniversary 11. I'm Sorry 12. Sweet Soul Music
