BIOGRAFIA DOS Rammstein

 

Rammstein é uma banda alemã formada em Berlim, em Janeiro de 1994. É formada desde a fundação por Till Lindemann (vocal), Richard Z. Kruspe (guitarra e backing vocals), Paul H. Landers (guitarra e backing vocals), Oliver "Ollie" Riedel (baixo), Christoph "Doom" Schneider (bateria e percussão eletrônica) e Christian "Flake" Lorenz (teclados). Em 2009, eles já haviam vendido cerca de 20 milhões de álbuns no mundo todo.^[1]

As performances ao vivo do Rammstein são conhecidas por serem teatrais e pirotécnicas, ganhando premiações na categoria em diversos países.^[2] Todo catálogo do Rammstein é publicado pela Universal Music Group. A maioria de seus membros são oriundos da Alemanha Oriental, especificamente Berlim Oriental e Schwerin, e desde sua formação o grupo não passou por nenhuma alteração dos seus integrantes originais.

História

O nome da banda vem do desastre de Ramstein, um grave acidente aéreo acontecido na pequena cidade alemã de Ramstein em 1988,^[3] durante uma exibição de acrobacia aérea, na qual três aviões italianos colidiram e caíram na plateia, provocando a morte de 70 pessoas e ferimentos em 599. A banda decidiu então pôr um "M" a mais no nome, causando um trocadilho com Rammen, que significa bater, cravar, entrechocar-se, e "stein", que significa pedra. "Rammstein" literalmente pode ser traduzido como aríete. Em uma matéria especial de 2019, a revista Metal Hammer informou que a banda havia sido batizada assim por conta da música "Ramstein", uma das primeiras que criaram, quando ainda não tinham um nome. As pessoas logo começaram a se referir a eles como "a banda da música Ramstein" e depois como a "banda Ramstein".^[4]

O Rammstein coexistiu com os projetos anteriores dos membros por cerca de um ano e meio. Os membros investiam a renda de seus shows com o Feeling B (um desses projetos) no Rammstein. Gravaram suas primeiras músicas em um prédio ocupado pelo vocalista do Feeling B, Aljoscha Rompe.^[4]

Das bandas que cantam em alemão é a que atingiu maior sucesso fora da Alemanha, principalmente com o segundo álbum Sehnsucht (1997, cuja capa foi considerada uma das mais controversas de todos os tempos, figurando em nono lugar na classificação do site Gigwise^[5]), depois com Mutter (2001) e Reise, Reise (2004). Em 2003 houve uma apresentação da música "Mein Herz brennt" pela Orquestra Sinfônica de Dresden.^[6]

O seu quinto trabalho, inicialmente anunciado como "Reise, Reise (Vol.2)", acabou por ser denominado Rosenrot (2005). Em seguida foi lançado Liebe ist für alle da e foi editado em Estocolmo e lançado a 16 de outubro de 2009 na Europa (20 de outubro 2009 no resto do mundo). O álbum contém onze faixas, na edição padrão, e 16 músicas na edição especial, incluindo a polêmica música "Pussy", lançada no dia 18 de setembro de 2009 e que causou polêmica por apresentar os membros em cenas de sexo explícito (a banda já havia se apresentado nua uma vez nos Estados Unidos.^[7] Em 2007, seus álbuns correram risco de censura e até mesmo proibição em 2007 por um órgão de apoio a juventude chamado Kreisjugendpfleger, por serem considerados impróprio para menores.

Símbolo da Banda

O site oficial da banda divulgou^[quando?] as primeiras datas da turnê "Made in Germany 1995 – 2011". De acordo com a notícia, o Rammstein reuniu as músicas mais significativas de seus 16 anos de carreira e a turnê começou a cruzar a Europa no dia 6 de novembrode 2011. A venda internacional de ingressos começou no dia 24 de junho. A turnê resultou em um álbum de mesmo nome, com 20 músicas da banda, incluindo uma faixa inédita e um catálogo de todos os vídeos da carreira do Rammstein em formato CD/DVD.

Em 22 de março de 2012 todos da banda, exceto Till Lindemann participaram da música "The Beautiful People" de Marilyn Manson no festival Echoverleihung 2012.^[8]

Em julho de 2013, o guitarrista Paul Landers revelou em uma entrevista a possibilidade de a banda lançar um documentário e um DVD ao vivo, o DVD referido foi "In Amerika", lançado em 2015. Ele ainda indicou que a banda poderia "começar a pensar" em um novo álbum em 2014.^[9] Em setembro de 2014, o outro guitarrista Richard Z. Kruspe (que na época estava prestes a lançar o segundo álbum com seu projeto paralelo Emigrate, Silent So Long^[10]) afirmou que a banda está preparando mais alguns DVDs ao vivo e que eles estavam dando um tempo para os trabalhos em estúdio.^[11] Posteriormente, ele reiterou que a banda estava paralisada, contando que os membros decidiram pausar o Rammstein por um ano a partir do outono de 2014 (primavera no Hemisfério Sul) para os membros focarem em projetos paralelos.^[12]

Em 2015, contudo, o músico Peter Tägtgren, que trabalha com Till Lindemann no projeto paralelo Lindemann, informou que Till se reuniria com seus colegas de banda ainda neste ano para pré-produzir um novo álbum da banda, que normalmente leva dois anos para ser lançado.^[13]

Em março de 2017, a banda anunciou seu novo filme "Paris", dirigido por Jonas Åkerlund, conhecido por dirigir vários outros trabalhos da banda e foi gravado durante a Made in Germany Tour em 2012, com lançamento mundial exclusivo em cinemas de vários países, incluindo o Brasil, a estreia do filme aconteceu no dia 16 de março no Teatro Volksbühne em Berlim, 23 de março no resto do mundo e 30 de março no Brasil. Recentemente em entrevista, Richard Kruspe disse que já tem 35 novas músicas prontas, e Paul Landers afirmou que como 6 dessas músicas ficaram boas, a probabilidade de um novo álbum é enorme.

Em abril de 2018, a banda publicou algumas fotos no estúdio. A banda está desde 2017 preparando o novo álbum que está previsto pro fim de 2018 ou inicio de 2019.^[14]

Em setembro de 2018 a banda publicou em seus perfis oficiais fotos de uma sessão de gravação de orquestra e corais do novo álbum. As gravações ocorreram em Minsk, na Bielorrússia^[15]

Em janeiro de 2019 a banda se reuniu para a gravação de videoclipes. As imagens foram divulgadas nos perfis sociais da banda com a hashtag "Du Hast viel geweint". Até que em março foram divulgadas os primeiros teasers do novo vídeoclipe, com as escritas "XXVIII.III.MMXIX", referente à data de lançamento do videoclipe, 28 de março de 2019. Um dia antes do lançamento, um trailer de pouco mais de 30 segundos surgiu no canal oficial da banda no YouTube e foi duramente criticado pela imprensa alemã e a comunidade judaica por mostrar 4 dos 6 membros com cordas amarrados ao pescoço e vestidos com roupas semelhantes as de prisioneiros judeus dos campos de concentração nazistas, no fim do video, a escrita "Deutschland", nome da nova canção, aparece seguido da data de lançamento do videoclipe e enfim, no dia seguinte, o clipe foi lançado e em menos de 24 horas já havia sido visualizado por mais de 8 milhões de pessoas. A música e o vídeo de mais de 9 minutos de duração mostra todos os momentos ruins que a Alemanha passou desde o período medieval até os dias de hoje. O vídeo foi dirigido por Eric Remberg, mais conhecido como Specter Berlin.

Após o lançamento de "Deutschland", a banda confirmou seu sétimo álbum, autointitulado, lançado no dia 17 de maio de 2019. O álbum também apareceu para pré-venda na loja oficial da banda. A banda apenas divulgou pistas da lista de músicas.^[16]

No dia 16 de abril, a banda começou a divulgar pequenos trechos e os nomes das músicas no canal oficial do YouTube. Porém os trechos são apenas de algum instrumento, como as guitarras e bateria.

No dia 24 de abril a banda divulga o teaser de um novo videoclipe, Radio, com lançamento para o dia 26 de abril, porém no dia 25 o single é lançado nas rádios de vários países e seu videoclipe é projetado em prédios de varias cidades alemãs.^[17]

No dia 28 de maio a banda lança o videoclipe de "Ausländer", que estreia sendo exibido simultaneamente na internet e na Veltins-Arena em Gelsenkirchen, poucos minutos antes do início do show da banda naquele mesmo dia.^[18]

Em 8 de Março de 2022 a banda divulgou um teaser nas redes sociais de um novo vídeo com o título "Zeit kommt" (lit. A hora está chegando), com o lançamento para 10 de março^[19]. No mesmo dia, vazaram as capas do novo álbum "Zeit" e do single de mesmo nome.

O vídeo foi projetado na casa de shows Kesselhaus, local onde o Rammstein fez o seu primeiro concerto.

O segundo vídeo e single do oitavo álbum foi "Zick Zack", lançado em 7 de abril de 2022.

Dentre as principais influências do Rammstein estão bandas como Ramones, Ministry, Depeche Mode, Laibach e Oomph!.^[20]

Letras

As músicas da banda são em sua maioria em alemão, mas também em outros idiomas como inglês, espanhol, francês e russo.^[21] Educados em escolas da Alemanha Oriental, os membros todos aprenderam russo como língua estrangeira, e não inglês. Em 2019, Flake comentou: "Eu vi um monte de bandas da Alemanha Oriental que cantavam em inglês bem ruim para pessoas que não entendiam inglês - era totalmente idiota. Mas se você realmente quer contar suas emoções, você tem que falar na sua língua materna."^[4] As letras costumam conter alegorias sadomasoquistas, fantasias com matricídio, incesto, derramamento de sangue e putrefação, misturadas com um romantismo macabro - isso levou o sexto álbum deles, Liebe ist für alle da, a ter sua venda proibida para menores de idade.^[22]

Formação

Till Lindemann, vocalista.

Christoph Schneider em 2015

A formação da Rammstein não se alterou desde o início, exceto pelo guitarrista Paul Landers e o tecladista Christian (Doctor Flake) Lorenz, que ingressaram na banda em um segundo momento.

Em 2007, ano em que Rammstein esteve inativo, Richard Kruspe aproveitou para colocar em execução o projeto Emigrate.

Integrantes

• Till Lindemann - Vocal
• Richard Kruspe - Guitarra Solo , Vocal de Apoio
• Paul Landers - Guitarra Base , Vocal de Apoio
• Oliver Riedel - Baixo
• Christoph Schneider - Bateria, Percussão
• Christian Lorenz - Teclado, Sampler

Discografia

Ver artigo principal: Discografia de Rammstein

Álbuns de estúdio

• 1995 - Herzeleid
• 1997 - Sehnsucht
• 2001 - Mutter
• 2004 - Reise, Reise
• 2005 - Rosenrot
• 2009 - Liebe Ist Für Alle Da
• 2019 - Rammstein
• 2022 - Zeit

Dvd's/Blu-ray

• 1999 - Live aus Berlin
• 2003 - Lichtspielhaus
• 2006 - Völkerball
• 2012 - Videos 1995-2012
• 2015 - In Amerika
• 2017 - Rammstein: Paris

Coletâneas

• 2011 - Made in Germany 1995-2011
• 2015 - XXI

             

MUSICA&SOM - click nas capas

Crítica do álbum: London Grammar – Californian Soil

 

London Grammar está de volta com seu terceiro álbum desde seu lançamento explosivo na cena em 2013. Com uma fórmula muito inalterada, como o som característico do trio se manterá?

Deixe-me começar esta revisão com um aviso. Vou tentar ser o mais objetivo possível durante esta revisão - mas eu amei London Grammar desde o início, e isso PODE colorir minhas opiniões - como as melodias vocais assombrosas e impressionantes paisagens sonoras mínimas, mas orquestrais, são alguns dos meus musicais favoritos peças, ponto.

Ao pressionar play, sou literalmente recebido com o acima, na introdução. Os vocais corais de Hannah Reid se aquecem em um crescendo de cordas, poderosos, sem letras – melodias simples se entrelaçando antes de levar para a faixa-título mais pop – California Soil.

Em entrevistas recentes, Reid falou sobre o sexismo desenfreado em sua esfera da indústria do entretenimento. As letras em todo o álbum refletem seus sentimentos e suas próprias experiências vividas. A faixa-título por si só carrega raiva com letras como “ Mas eu nunca tive um nome, e nunca senti o mesmo – sou jovem, sou velho, então faço o que me mandam ”. Os mesmos tons flutuantes e deslizantes e a linha de baixo pulsante carregam a faixa com o mesmo ritmo de muitos de seus sucessos anteriores.

 

Com uma leve inclinação para o pop mais 'moderno', 'Lose Your Head' sinaliza como a London Grammar não precisa alterar muito seu método. Os vocais assombrosos de Reid ainda mantêm o corpo da música unido – mas é claramente uma abordagem colaborativa, em vez de Reid e companhia. Dominic “Dot” Major como pianista, djembe, bateria e Dan Rothman como guitarrista evoluíram claramente sua abordagem ao longo dos anos, com a mesma tonalidade existente apesar de sua evolução na técnica e no som.

Com mais batidas de trip-hop e alguns efeitos extras, faixas como 'Lose Your Head' e 'Baby It's You' parecem mais expansivas e etéreas do que faixas como The Truth is a Beautiful Thing de seus trabalhos anteriores.

Há um uso maravilhoso de EDM também em 'Lord It's A Feeling' – com alguns graves profundos para realmente fazer uso de alto-falantes e subwoofers nos vocais de contralto e com os médios sendo mantidos juntos pela guitarra de todas as coisas. É uma das músicas mais emotivas do álbum – junto com a igualmente eletrônica How Does It Feel? que segue logo em seguida.

Apesar das letras mais otimistas, samples de vocais sintetizados e baixo mais forte e ganchos de guitarra no estilo Niles Rodgers, as letras são tão apaixonadas e cheias de raiva. Essa fúria que se depara em algumas faixas, porém, nunca fere o som que o trio criou. Liricamente, é presente e poderoso, mas não diminui o álbum ou o tom que eles se esforçaram para criar – e é ainda mais forte por isso.

O álbum não atinge uma nota ruim - mas há alguns passos em falso no final em 'Talking' e 'America' - embora não sejam músicas ruins, elas simplesmente não parecem ter o mesmo dedicação e alma como as outras onze faixas.

Em uma nota egoísta, eu estava esperando por outra faixa semelhante a Hey Now, que ainda é meu teste decisivo para o Hi-fi – se os cabelos da minha nuca se arrepiarem, ele passa. 'Call Your Friends' é a resposta deste álbum, mesmo que não necessariamente a supere. Mas ainda assim – arrepios.

Em última análise, sendo o mais crítico possível no álbum – ainda é um álbum excepcional, muito parecido com os dois trabalhos anteriores. Por muito tempo pode continuar

Jorge Ben Jor – Samba Esquema Novo (1963)

O disco de estreia de Jorge Ben, Samba Esquema Novo, é inspirado pelo samba e pela bossa nova, mas a sua síntese é tão fresca e original que abre um novo sulco na música popular brasileira.

Jorge Ben tinha dezanove anos quando assoma Chega de Saudade, de João Gilberto. Inspirado pelo seu mestre, começa a cantar temas originais no Beco das Garrafas – mítico reduto da bossa nova. O seu talento depressa extravasa as paredes do esconso clube: em 1963 sai cá para fora o single “Mas que Nada”, um enorme sucesso de vendas. Pouco tempo depois, o longa duração Samba Esquema Novo está nas lojas, provando que Jorge Ben não é homem de uma música só.

Se João Gilberto levara o samba das favelas para os bairros finos, Jorge Ben faz o movimento contrário, resgatando-o de volta para o morro. O ritmo do samba, discreto na bossa nova, é agora amplificado pelo seu estilo sincopado de tocar violão. Ben havia tocado pandeiro em rodas de samba, e agora a sua mão direita aborda o violão com um balanço igualmente percussivo, quase furioso, em ruptura com a contenção do mestre João.

Já a voz é mais bossanovista, um pouco rouca mas doce, delicada mas despretensiosa. Ben brinca com o sotaque carioca, cantando “vochê” em vez de “você”, um truque para imprimir mais candura burlesca às suas histórias de amor. Porém, quando canta em falsete no final das canções, a guarda baixa e uma tristeza funda emerge das profundezas dos séculos.

As letras rompem a quarta parede, no sentido de se debruçarem sobre o próprio samba, talvez uma metáfora do pulsar da vida no morro, dançante mas dura, sensual mas sofrida. Se mais tarde seria mais vocal na afirmação do orgulho negro, a riqueza da cultura afro-brasileira já passa por aqui, com referências a deuses nagôs e ritmos maracatu.

As suas bonitas melodias, e divertidas histórias, são envoltas num embrulho de samba jazz, cortesia da banda Meirelles e os Copa 5. Os sopros, piano e contrabaixo são mais jazzísticos; a bateria é mais sambista, parceira do violão de Ben no frenesim rítmico.

O samba aparece em todo o lado: no título do disco, nas letras das canções, no samba jazz dos Copa 5. E, no entanto, há aqui uma originalidade – nas melodias, no canto, no ritmo do violão – que em muito transcende o formato tradicional do samba. Da mesma forma, se a influência da bossa nova é incontestável, Samba Esquema Novo não cabe no smoking engomadíssimo de João Gilberto. É um álbum cheio de deliciosas contradições: despretensioso na superfície, profundo na espiritualidade negra do morro; doce e cómico na entoação, quase raivoso no gingar do violão; branco nas harmonias, africaníssimo no groove. Um disco que não é samba, nem bossa nova. É Jorge Ben…

Pram – The Museum of Imaginary Animals (2000)

 

The Museum of Imaginary Animals é um disco em vias de extinção. Já não se fazem discos assim, nem há muitas bandas como os Pram. Temos de cuidar de quem exige cuidados. Temos de amar este disco e esta banda.

Poucos são aqueles que os conhecem e ainda menos os que os amam. Na verdade, o que nos parece é que eles não se importam nada com isso. Os Pram estão claramente num mundo à parte, e explorar esse tão particular universo é algo que pode dar um prazer imenso, assim queiramos escutar e entender as sombras e os pequenos brilhos da sua música. O melhor é não perdermos grande tempo e passarmos às apresentações, ainda que sumárias.

Os Pram vieram ao mundo em 1988, em Birmingham, e foram quatro os seus membros fundadores, sendo que o destaque maior terá de recair sobre Rosie Cuckston, vocalista e teclista da banda, e que nela permaneceu até 2008. A música do grupo é uma estranha, sinistra e deliciosa mistura. Alguns dos seus ingredientes aproximam-se do kraut, embora com uma pitada de exótica e jazz. Uma espécie de música das mais indistintas profundezas humanas.

Mas avancemos (“já que temos / a valsa começada”), referindo que a dificuldade inicial em escolher um disco da banda sobre o qual escrever foi notória. Existem muitos e bons, mas por qualquer subjetiva razão acabámos por eleger The Museum of Imaginary Animals. Há já algum tempo que não o colocávamos a rodar, e bastaram alguns segundos para menearmos a cabeça afirmativamente. Sim, a decisão estava tomada. Alguns dos preteridos aparecerão por aqui, pelo Altamont, mais cedo ou mais tarde. É que nós não gostamos de injustiças, e levamos isto tudo muito a sério.

O álbum abre com “The Owl Service”, e tudo à nossa volta parece ter-se tornado diferente. Há um imaginário que se agiganta aos poucos, meio torto, disforme, freak, como se tudo ao redor fosse parte de um qualquer filme série b a preto e branco feito por um moderno Ed Wood. O canto de Rosie Cuckston (estranho, inseguro, a meio caminho da desafinação) faz-se notar por cima de uma instrumentação esdrúxula que, mesmo assim, prende quem a escuta de forma atenta. O universo sonoro dos Pram não falha. Ouça-se “Bewitched”, por exemplo, para entendermos bem as idiossincrasias deste conjunto de músicos sempre dispostos a criar canções impecavelmente deselegantes. Depois, ao longo de todo o álbum, há ambientes cheios de mistérios, fumacentos, que por vezes parecem desenhados com a intenção de causar uma qualquer forma de inquietação primária e juvenil, lembrando narrativas que amedrontam e que são contadas em tardes de frio e nuvens às criancinhas mais imaginativas, de olhos bem arregalados e mentes viajantes. “Mother of Pearl” e “The Mermaids Hotel” servem bem como exemplos do que dizemos. As letras, muitas vezes, tornam ainda mais oníricos estes sons (“And the girl from sunshine land / Now lives in the rain”). “Cat’s Cradle” segue a mesma onda.

A música dos Pram parece, muitas vezes, saída de pequenas caixinhas de música de Lilliput, ou de qualquer outras terra encantada. No fundo, o que queremos dizer é que são pequenas canções que se tornam gigantes, se é que nos fazemos entender. Em “Narwhal”, “A History of Ice” e ainda em “Picture Box” (todas instrumentais), os Pram revelam o seu conhecido gosto por um certo kraut denso, intrigante, feitos de ambientes fantasmagóricos. Estas três faixas vivem à margem de todas as outras, como se fossem interlúdios mais ou menos longos. Talvez assim, pela beleza que comportam, possamos saborear melhor toda a obra, uma vez que, de alguma maneira, intervalizam (olhem que bonito e preciso neologismo!) o que antes e depois delas vai acontecendo.

The Museum of Imaginary Animals não deve ser ouvido aos poucos (agora uma faixa, amanhã outra), mas por inteiro e mais do que uma vez. Só assim a sua estranha e intensa química sonora começará a atuar, borbulhando, aos poucos, até se tornar parceira de bons momentos. Um bálsamo que nos entrelaça de forma veemente.

Não se assuste com os Pram e com este The Museum of Imaginary Animals. Nem com a capa, tampouco. Deixe que a sua sensibilidade trémula (a do disco) se funda com a sua, mesmo que à partida não se julgue capaz de se render a essa improvável união.

NOVA MÚSICA

 

Tactequeté - *Tactequequé? (2004)

Outra ótima recomendação .

O Tactequeté, inicialmente conhecido como Guaraná, é um grupo catalão formado por sete instrumentistas versáteis, capazes de fazer sons de muletas a tijolos. Instrumentos de sopro e percussão - muitos criados por eles mesmos - se unem em uma fusão criativa de world music e folk.

Antonio Sánchez (pandeiros e efeitos), Marc Vila (pandeiros, tambores, kalimba), Aleix Tobías (pandeiros, tambores de berimbao),  Guillem Aguilar (baixos e mandola), Xavi Lozano (flautas, sax, tenora e tudo que possa soprar), Tito Busquets (percussão e panela de aço), Xavi Tásies (pandeiros, percussão e efeitos) e Campi (engenheiro de som, serra e teremim).

A encenação dos espectáculos ao vivo juntamente com o humor de todos os componentes fazem as delícias dos ouvintes. Utilizam instrumentos de fabricação própria: tabla, cuica, pandeiro, tamborim, berimbau, xadrez, cabasita (afuxé), triângulo, hectar, djembé, repinique, djums, caxixis, steel-drum, drums, conga, sabar, kutende, surdos, digestidoo Bansuri, Mohoceño, chifres, conchas, khen, kaval, dulzaina, xaphoon, sac de gamecs, assobios e vozes...

Seu primeiro trabalho foi Guaraná e para este segundo lançamento pela gravadora Resistencia eles já percorreram um longo caminho com muitos shows pela geografia catalã, País Basco, Castela, França, Itália e Bélgica. Eles aproveitam um show ao vivo no Teatro de la Garriga (Barcelona), em 14 de novembro de 2003, para gravar o CD e também o próprio show em DVD (não incluído neste post).

Eles também colaboraram com Kepa Junkera, Miquel Gil, Misirli Ahmed, Eliseo Parra, Silvia Pérez... E realizaram projetos como Coetus , Xampola ...

Atualmente cada um tem seus próprios projetos e esperamos que em breve eles se reúnam novamente para nos deliciar com mais um excelente trabalho.

Grateful Dead – In and Out of the Garden: Madison Square Garden ’81, ’82, ’83 (2022)

 

Por onde começar com uma banda cujo catálogo e influência são tão assustadoramente massivos a ponto de serem incompreensíveis? Como você aprende a navegar no mundo interminável de álbuns de estúdio, lançamentos oficiais ao vivo, bootlegs quando há um denso emaranhado de erudição, conhecimento e apreciação fanática dos fãs? O que torna uma performance do Grateful Dead digna de nota sobre a outra, neste caso digna do luxuoso e luxuoso box de 17 CDs, In and Out of the Garden: Madison Square Garden '81 '82 '83?
As aparições do Grateful Dead no Madison Square Garden ao longo de sua corrida de 30 anos é o material de muita tradição. Embora a banda não tenha tocado lá pela primeira vez até 1979, ela se tornaria sua base na Costa Leste, local de um total de 52 shows…

MUSICA&SOM

…
antes de sua dissolução em 1995 após a morte de Jerry Garcia. Os shows do Madison Square Garden do início dos anos 80 são particularmente respeitados pelos Deadheads exigentes – seis dos quais estão sendo lançados oficialmente pela primeira vez no In and Out of the Garden. Suas reputações são mais do que garantidas, tanto para os curiosos quanto para os devotos dedicados, pois esses seis shows são um microcosmo de tantas coisas que fazem do The Grateful Dead uma das mais importantes – e melhores – bandas americanas de todos os tempos.

Dentro e fora do jardim: Madison Square Garden '81 '82 '83 apresenta dois shows de cada ano. Os seis shows coletados para o box set são:
● 9 de março de 1981
● 10 de março de 1981
● 20 de setembro de 1982
● 21 de setembro de 1982
● 11 de outubro de 1982
● 12 de outubro de 1982

Esses shows são notáveis ​​​​por uma série de performances estelares e por serem bastante representativos de Dead shows. Esta seção transversal apresenta uma impressionante variedade de grampos ao vivo: a influência blueseira de “China Cat Sunflower” em “I Know You Rider” (3/9/81); a batida ritualística de “Tambores” no “Espaço”; às vezes seguindo para o progressivo cósmico de “The Wheel” (3/10/81); ou a ensolarada “Scarlet Begonias” tornando-se sombria e misteriosa à medida que se transforma imperceptivelmente em “Fire on the Mountain” (3/10/81). Se você já esteve procurando uma porta de entrada para o mundo extenso e complicado das gravações ao vivo do Grateful Dead, In and Out of the Garden fará de você um convertido.

Essas gravações também valem a pena ouvir para os estudiosos hardcore do Dead, pois cada uma foi remasterizada e polida com uma perfeição quase surpreendente. Você nunca ouviu a guitarra de Jerry tão deslumbrante, o baixo de Phil Lesh tão grosso e melado, as teclas de Brent Mydland tão esfumaçadas e sintetizadas. Remover o chiado e o barulho que tantas vezes acompanham um bootleg do Grateful Dead permite que você aprecie todos os detalhes e reconheça os Dead como verdadeiros mestres de seu ofício, tão singular quanto é - como improvisadores e instrumentistas experientes e habilidosos e fornecedores de um mistura única de blues, folk, country e western, rock and roll e ambiente de espaço profundo. Mais do que qualquer outro grupo, os Dead merecem o título de “a banda cósmica americana mais essencial”. Sua mistura única de blues, folk,

Esses seis shows também são de algum interesse histórico, principalmente pela recente adição do tecladista Brent Mydland, que injetou nova vida em grampos como “The Wheel” e “Truckin”.

Mydland se sente como um dos tecladistas e vocalistas mais fortes do Grateful Dead, e ele certamente revigora esse material; ele também o reimagina, aumentando o órgão blueseiro com algum sintetizador digital antigo, dando o mais leve sabor de iate rock à sua habitual americana cósmica.

Os shows de 1982 e 1983 também merecem destaque, já que a banda estava testando várias músicas que acabariam em seu sucesso de crossover anômalo In the Dark. É fascinante ouvir inúmeras iterações de “Touch of Grey” vários anos antes de se tornar um momento cultural pop, soando muito menos calmo e contido do que a versão de rádio. Às vezes é positivamente vertiginoso, como quando termina em 20 de setembro de 1982. O boogie rápido como um raio enche antes que o refrão emocionante faça a coisa toda parecer muito mais instável – e inquietante, como uma estrutura de carro ameaçando se despedaçar enquanto se despedaça. corre para longe. Se a versão gravada mais familiar é o som de um cruzeiro suave, esta versão é o que é pisar e dirigir, colocando o máximo de distância entre você e o que está assombrando seu retrovisor,

Com impressionantes 129 faixas espalhadas por 17 CDs, é impraticável oferecer um play-by-play deste vasto cofre de música, embora seja mais do que digno de tal atenção. Dentro e fora do jardim: Madison Square Garden '81 '82 '83 está repleto de destaques, no entanto, tanto para ouvintes casuais quanto para fãs obstinados. O historiador do Grateful Dead Noah Weiner [fala sobre a guitarra de Garcia](http://www.deadlistening.com/2011/02/1981-march-9-madison-square-garden.html) de “Bird Song” em 9 de março de 1981 , “repetindo frases que ecoam quilômetros de cânions mentais, forçando a dinâmica da música a chegar a todos os extremos. Depois, há passagens tecidas em tapeçarias infinitamente intrincadas com fios tão finos quanto cabelos; fios diáfanos do luar enrolado.” Isso não é mera licença poética; se alguma coisa é um eufemismo, à medida que o groove country da performance evapora gradualmente em quase nada, apenas para rugir de volta com confiança para terminar em uma nota alta. Esse tipo de precisão em um congestionamento tão inebriante e espaçado é quase insondável.

Essas passagens são apenas uma fatia do que torna o Grateful Dead tão essencial, tão digno de exame para qualquer pessoa que goste de música improvisada. O fato de que esses seis músicos se levantassem e se recuperassem à medida que avançavam, noite após noite, ano após ano, é uma das jornadas mais incríveis da música moderna e digna de escrutínio musicológico sério, bem como adoração e olhos arregalados. êxtase. Se as gravações de Thelonious Monk, Charlie Parker, Robert Johnson ou John Cage são dignas de exame e escrutínio, esses seis shows do Dead do início dos anos 80 também são.

O ponto central sobre In and Out of the Garden: Madison Square Garden '81 '82 '83, é sua qualidade de estar "ligado" ou "realmente ligado". Em muitos aspectos, você tem que ser um estudioso do Grateful Dead para apreciar tais nuances: um solo particularmente abrasador, uma citação estranha, uma versão particularmente acelerada de uma música normalmente suave. Mas você não precisa ser um musicólogo para pegar uma certa coisa dos primeiros minutos do primeiro disco. A guitarra de Garcia está particularmente ativa, de fato. Assim como o de Bob Weir, o de Brent Mydland, o de Bill Kreutzmann, o de Micky Hart e o de Phil Lesh. Quanto mais você ouve, mais fica óbvio que os Dead são músicos e improvisadores ferozes. Os vocais escaldantes de Garcia em "Samson & Delilah", apoiados pelo órgão de blues de Mydland, deixariam Merle Travis orgulhoso.

O segundo set de 9 de março de 1981 é uma introdução privilegiada ao mundo estranho e maravilhoso dos Grateful Dead, cheio de fogo e enxofre do Antigo Testamento, loucura e milagres; da Velha e Estranha América de Greil Marcus, cheia de misteriosas estradas rurais e florestas enluaradas, carnavais e vendedores de óleo de cobra, enquanto constelações proféticas expressam sabedoria antiga acima

Ao ouvir In and Out of the Gardens, é importante lembrar o contexto original da música. Para realmente entender e apreciar as maravilhas que o Grateful Dead foi capaz de viver, é preciso conhecer a música em seu habitat nativo. Primeiro, seria feito e experimentado ao vivo, in loco. Gravações ao vivo não oficiais seriam feitas pelo público e depois distribuídas através de uma rede clandestina de vendedores de fitas.

Essas gravações de arquivo caseiras em fitas cassetes comerciais seriam então examinadas detalhadamente, tornando-se bens preciosos à medida que avançam para a expansão de minivans e bugs Volkswagen, para serem explodidas de caixas de som de carros enquanto pré-jogos enquanto buscam novas músicas musicais. altos, primeiro ainda seguindo The Dead e depois aqueles que seguiram seus passos. A música faz sentido, nesses contextos, naquelas longas e sufocantes tardes de verão pré-jogo para o show daquela noite, flutuando ao longo da brisa em uma lufada de Nag Champa e sândalo e fumaça de Cannabis, parece certo. O desenrolar longo e preguiçoso das linhas melódicas de Jerry, os grooves presos da seção rítmica mantendo as coisas funcionando. É uma máquina emocionante quando você entra nela, é muito mais longa do que muitas músicas de hoje,

Mesmo que você não seja fã do Grateful Dead, ainda pode encontrar coisas para apreciar e tirar desta coleção. A musicalidade em geral é excepcional, até mesmo impecável. Aqui você tem seis instrumentistas altamente treinados, habilidosos e talentosos, cada um tocando no auge de seu poder.

Se você optar por embarcar nessa longa e estranha viagem e ouvir todos os 17 discos de In and Out of the Garden, estará no caminho certo para se tornar um estudioso do Grateful Dead por direito próprio. Você começará a notar movimentos e motivos comuns. Você começará a captar sugestões musicais sutis, oferecendo uma dica do que eles estão prestes a fazer a seguir. Você começará a perceber as nuances que separam um desempenho meramente bom de um realmente ótimo. Você estará um passo mais perto de ser um Deadhead, uma jornada cheia de revelações e surpresas e desorientações e armadilhas e, acima de tudo, de música americana em todas as suas formas e tamanhos.

Motörhead – Iron Fist [40th Anniversary Edition] (2022)

 

Quinto álbum de estúdio do Motörhead , Iron Fist é um disco que realmente dispensa apresentações. Originalmente lançado em 1982, quando o trio de speed metal estava no auge de seu poder no topo das paradas. Iron Fist foi o último álbum a apresentar a formação clássica de três amigos de Lemmy Kilmister, “Fast” Eddie Clarke e Phil “Philthy Animal” Taylor. Após dois lançamentos marcantes na forma de Ace Of Spades (1981) e o agora lendário álbum ao vivo, No Sleep 'til Hammersmith (1981). Iron Fist infelizmente foi recebido com uma recepção mista.
Muitos criticaram a produção do álbum e até o próprio Lemmy lamentou algumas das decisões que foram tomadas durante o processo de gravação. Admitindo abertamente que várias das faixas estavam essencialmente inacabadas e que ele…

MUSICA&SOM

… arrependeu-se de deixar de lado o produtor original Vic Maile. Quatro décadas depois, no entanto, Iron Fist finalmente encontrou seu lugar de direito nos mitos do Motörhead ao lado de alguns dos maiores álbuns da banda.

Embalado com faixas clássicas que se tornaram itens básicos das setlists da banda nos próximos anos. Felizmente, acabou de receber o tratamento completo de reedição, bem na hora do seu 40º aniversário! Remasterizado, rearmado e pronto para bater cabeças ao redor do mundo por mais quatro décadas. Esta nova encarnação do Punho de Ferro apresenta uma série de gravações inéditas para inicializar. Tornando-se um tesouro para os fãs hardcore por aí que simplesmente não se cansam de MOTORHEAD!

Começando com aquela linha de baixo distorcida e galopante sempre familiar, o hino do mosh pit Iron Fist ainda bate tão forte quanto em 1982. Soando cru, enérgico e um pouco menos estéril que o original. A nova mixagem eleva e completa bem o som da bateria de Phil Taylor, simultaneamente colocando um pouco mais de poder por trás do trio e corrigindo um dos maiores problemas das gravações originais.

Ao ouvir Punho de Ferro, fica claro que perda foi a saída de Eddie Clarke para o então jovem trio. Embora ele possa ter sido criticado ao longo dos anos pela produção de Iron Fist, seu trabalho de guitarra no álbum em si é absolutamente escaldante. Com apenas um leve retoque nas fitas master originais, cada lick saboroso e riff de aceleração total finalmente se destaca. Com o outro solo de Loser, em particular, fornecendo uma vitrine de derretimento da destreza de seis cordas do axeman.

Já dominando a mixagem apenas por pura presença, o rosnado Rickenbacker do lendário frontman Lemmy Kilmister e a marca registrada de Marlboro e vocais infundidos com uísque soam um pouco mais cheios também. Especialmente no single mencionado acima, I'm The Doctor. O refrão otimista do que aterrissa com ainda mais força do que o habitual.

Além do evento principal, há todo um catálogo de faixas extras para curtir com esta nova edição do quadragésimo aniversário. As faixas demo originais do estúdio de Jackson de Vic Maile provavelmente são o maior destaque para os fãs obstinados. Finalmente abrindo uma janela para a era mais antiga e mais comentada da criação do álbum. Dando um vislumbre do que poderia ter sido se Clarke não tivesse tomado as rédeas do estúdio.

Isso não é tudo, no entanto, como Iron Fist também vem embalado com um show ao vivo nunca antes lançado! Gravado no Glasgow Apollo em março de 1982 e transmitido ao vivo pela Radio Clyde. Esta jóia recentemente descoberta pode ser um pouco áspera nas bordas, mas captura o MOTORHEAD a todo vapor. Sem filtro e sem restrições pela faixa de cliques do estúdio, você quase pode sentir o suor escorrendo do telhado do local enquanto a banda faz o que faz de melhor.

Embora possa ter sido muito difamado em seu lançamento inicial. Ouvindo Iron Fist em sua forma recém-evoluída, você não pode deixar de sentir que foi simplesmente uma vítima dos sucessos anteriores do MOTORHEAD. Após o gigantesco Ace Of Spades e um álbum ao vivo que estreou em primeiro lugar nas paradas, ele teve algumas grandes botas de cowboy cravejadas para preencher. Ouvido fora desse contexto, no entanto, Punho de Ferro ainda é um corte primordial do MOTORHEAD.

Ainda mais alto do que todo o resto, mesmo quarenta anos depois. Iron Fist é um testamento sem remorso e inflexível para uma banda que não fez prisioneiros. Agora tendo finalmente recebido o novo sopro de vida que sempre mereceu, graças a esta remasterização de bom gosto. Este é um lançamento que certamente encantará os fanáticos por velocidade hardcore em todos os lugares!

CD1:

1. Iron Fist (40th Anniversary Master) (2:54)
2. Heart of Stone (40th Anniversary Master) (3:04)
3. I’m the Doctor (40th Anniversary Master) (2:39)
4. Go to Hell (40th Anniversary Master) (3:09)
5. Loser (40th Anniversary Master) (3:51)
6. Sex and Outrage (40th Anniversary Master) (2:09)
7. America (40th Anniversary Master) (3:37)
8. Shut It Down (40th Anniversary Master) (2:40)
9. Speedfreak (40th Anniversary Master) (3:21)
10. (Don’t Let ‘Em) Grind Ya Down [40th Anniversary Master] (3:08)
11. (Don’t Need) Religion [40th Anniversary Master] (2:41)
12. Bang to Rights (40th Anniversary Master) (2:39)
13. Remember Me, I’m Gone (2:17)
14. The Doctor (Jacksons Studio Demos – October 1981) (3:10)
15. Young & Crazy (Alternative version of Sex and Outrage) [Jacksons Studio Demos – October 1981] (2:34)
16. Loser (Jacksons Studio Demos – October 1981) (4:23)
17. Iron Fist (Jacksons Studio Demos – October 1981) (3:26)
18. Go to Hell (Jacksons Studio Demos – October 1981) (3:40)
19. Lemmy Goes to the Pub (Alternate Version of ‘Heart of Stone’) (2:59)
20. Same Old Song, I’m Gone (Alternate Version of ‘Remember Me, I’m Gone’) (2:18)
21. (Don’t Let ‘Em) Grind You Down [Alternate Version] (3:07)
22. Shut It Down (Jacksons Studio Demos – October 1981) (2:48)
23. Sponge Cake (Instrumental) [Jacksons Studio Demos – October 1981] (3:50)
24. Ripsaw Teardown (Instrumental) [Jacksons Studio Demos – October 1981] (3:13)
25. Peter Gunn (Instrumental) [Jacksons Studio Demos – October 1981] (2:47)

CD2:

26. Iron Fist (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:14)
27. Heart of Stone (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:07)
28. Shoot You in the Back (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:06)
29. The Hammer (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:05)
30. Loser (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:24)
31. Jailbait (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:45)
32. America (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:58)
33. White Line Fever (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (2:31)
34. (Don’t Need) Religion [Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982] (2:58)
35. Go to Hell (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:01)
36. Capricorn (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (4:22)
37. (Don’t Let ‘Em) Grind Ya Down [Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982] (3:34)
38. (We Are The) Road Crew [Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982] (3:16)
39. Ace of Spades (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:09)
40. Bite the Bullet (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (1:41)
41. The Chase Is Better Than the Catch (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (5:12)
42. Overkill (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (4:52)
43. Bomber (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:28)
44. Motörhead (Live at Glasgow Apollo, 18th March 1982) (3:58)

Lembrando Clássicos: Medo de um Planeta em Branco por Porcupine Tree

 Lembrando Clássicos: Medo de um Planeta em Branco por Porcupine Tree

Que tal rapazes? Algum tempo atrás eu estava com alguns Clássicos do Remembering pendentes, hoje é a vez do álbum Fear Of A Blank Planet do Porcupine Tree, lançado em 2007.

Fear of a Blank Planet  é o nono álbum de estúdio da banda inglesa de rock e metal progressivo  Porcupine Tree , lançado em 16 de abril de 2007 na Europa e em 24 de abril nos Estados Unidos. O líder da banda,  Steven Wilson , mencionou em uma entrevista que o título do álbum era uma referência ao  álbum Fear of a Black Planet do  Public  Enemy , lançado em 1990.

Este disco ganhou o prestigioso prêmio de Melhor Disco do Ano 2007 dos editores da  revista Classic Rock . O álbum contou com colaborações especiais com o  guitarrista do  Rush , Alex Lifeson , que toca um solo em "Anesthetize"; Robert Fripp , líder do  King Crimson , autor dos sons distorcidos de "Way out of Here"; e o guitarrista  John Wesley , que faz backing vocals nas músicas do álbum.

Steven Wilson começou a escrever o álbum no início de 2006, em Tel Aviv, enquanto gravava o segundo álbum de Blackfield. Uma das primeiras músicas que Wilson escreveu para o álbum durante esse período, chamada "Always Recurring" (que é uma música inédita), seria reciclada liricamente e musicalmente, para uso na música "What Happens Now?".

Enquanto isso, enquanto Wilson estava em Tel Aviv, Richard Barbieri escreveu a maior parte da música "My Ashes". "Cheating The Polygraph" foi uma composição de Harrison/Wilson, enquanto "Way Out Of Here", "What Happens Now?" e "Nil Recurring" foi escrita por todos os quatro membros da banda. O álbum de Blackfield foi finalizado em junho, então Wilson viajou de volta para Londres e se juntou ao resto da banda para trabalhar no material que estava sendo escrito na época. Essas sessões ocorreram entre julho e agosto e produziram um bom número de músicas, das quais apenas seis foram escolhidas para o disco.

Músicas:

01 – Fear Of A Blank Planet

02 – Way Out Of Here

 

Banda:

• Steven Wilson – Vocais, Guitarra, Piano, Teclados
• Richard Barbieri – Teclados e Sintetizador
• Colin Edwin – Baixo
• Gavin Harrison – bateria

Convidados especiais:

• Alex Lifeson (Rush) – solo de guitarra em "Anesthetize"
• Robert Fripp (King Crimson) – efeitos em "Way Out of Here" e guitarra solo em "Nil Recurring"
• John Wesley – vocais de apoio
• Ben Coleman - violino elétrico em "What Happens Now?" (edições em vinil e DVDA)

Tracklist:

1. Fear of a Blank Planet
2. My Ashes
3. Anesthetize
4. Sentimental
5. Way Out of Here
6. Sleep Together

Você pode ouvir o álbum no Spotify no seguinte link:

É considerado um dos melhores álbuns da banda e do rock progressivo contemporâneo.