quinta-feira, 1 de dezembro de 2022

Críticas de Música Indo-Prog/Raga Rock

 Lang'syne

Langsyne Indo-Prog/Raga Rock


Embora formado em 1969 em Bremen, Alemanha, o trio formado por Egbert Fröse (guitarra, órgão, saltério, koto, cítara, voz), Matthias Mertler (guitarra, percussão, saltério, banjo, pedais baixo, voz) e Ulrich Nähle (guitarra, flauta, percussão, vocais) evitou completamente toda a cena psicodélica do Krautrock e, em vez disso, foi mais inspirado pela música folclórica britânica, mais comumente associada a bandas como Pentangle ou Fairport Convention. O nome da banda LANGSYNE deve dar uma pista disso, tendo vindo do termo escocês que significa há muito tempo e hoje em dia usado em todo o mundo de língua inglesa na popular canção de Ano Novo "Auld Lang Syne".

Existindo como uma dupla nos primeiros sete anos, em 1976, quando Merler se juntou ao trio recém-formado, lançou seu primeiro álbum autointitulado, que permaneceu como o único álbum até "Langsyne 2" surgir em 2016 no selo Garden of Delights. O único álbum de LANGSYNE dos anos 70 foi exclusivamente acústico, misturando folk rock britânico com influências orientais que incorporaram a cítara indiana e o koto japonês junto com outra instrumentação folk não convencional, como banjo, glockenspiel, harpa e órgão de judeu. O trio também executou algumas harmonias vocais excelentes com aquele tipo de sotaque "eu sei que o inglês não é a primeira língua deles", mas nunca se revelando como de origem alemã.

Embora LANGSYNE não soasse realmente alemão, eles foram referenciados a outros atos alemães que se concentravam em motivos folclóricos pacíficos em vez do escapismo Kraut lisérgico e, portanto, frequentemente agrupados na cena folk progressiva alemã com Witthauser & Westrupp, Hoelderlin e Broselmachine. O que diferencia LANGSYNE de todos os seguintes é que esses caras se concentraram em arranjos musicais contemplativos que misturaram a instrumentação de maneira bastante convincente e o casamento improvável de banjos com cítaras e harpa judaica com órgãos nunca parece forçado nem um pouco. Embora a instrumentação indiana seja usada em parte, o LANGSYNE não ressoa da mesma forma que outras bandas inspiradas no raga e meio que existia em seu próprio universo. As partes com banjo realmente prognosticam o que artistas modernos como Bela Fleck &

Em suma, esta é uma bela experiência musical pastoral que meio que escapa pelas rachaduras de tentar classificá-la de uma maneira particular. Sim, é música folclórica inspirada na cena britânica, mas ainda assim há definitivamente um pouco de senso de aventureirismo alemão nela. Ao incorporar o banjo americano e a cítara indiana, ele nunca se afasta muito do mundo do folk americano ou do raga rock, mas cria sua própria marca única de música meditativa que oferece um pouco de todas as influências envolvidas, mas principalmente cria um bom conjunto de sons principalmente acústicos. Músicas folclóricas guiadas por guitarra com letras cantadas em inglês. As músicas são instantaneamente viciantes e os desenvolvimentos melódicos são bastante brilhantes. Enquanto bandas como Broschelmaschine eram muito mais psicodélicas em suas sensibilidades folk, LANGSYNE era mais pé no chão.


DISCOGRAFIA - ABNORMAL THOUGHT PATTERNS Tech/Extreme Prog Metal • United States


ABNORMAL THOUGHT PATTERNS

Tech/Extreme Prog Metal • United States


Abnormal Thought Patterns biografia
ABNORMAL THOUGHT PATTERNS é uma banda técnica instrumental de metal progressivo dos Estados Unidos.

Vindo do norte da Califórnia, os irmãos gêmeos Jasun (guitarra) e Troy Tipton (baixo) junto com Mike Guy (bateria) são a força criativa coletiva por trás do Abnormal Thought Patterns. Em 2008, Jasun escreveu e gravou o instrumental de 12 minutos Velocity and Acceleration, a faixa que levaria à fundação do Abnormal Thought Patterns. Ao ouvir a música, Troy manifestou o desejo de montar uma banda instrumental. Os irmãos Tipton não procuraram mais do que o baterista e amigo de longa data Mike Guy para fornecer a base rítmica para o ATP. Os três membros então foram para o estúdio e gravaram sete músicas para CynNormal Lab Recordings.

Antes de formar a ATP, o trio foi por muitos anos a espinha dorsal das potências do prog-metal Zero Hour, lançando cinco álbuns, incluindo o épico de 2001, The Towers of Avarice. Os irmãos Tipton também foram colunistas convidados no popular site de entusiastas da guitarra, Chops from Hell, e lançaram dois vídeos instrutivos.

O EP autointitulado Abnormal Thought Patterns de 2011 recebeu críticas elogiosas de muitas das principais revistas e sites de metal. Energizada com a resposta, a banda estava ansiosa para voltar ao estúdio. O trio escreveu e gravou Manipulation Under Anesthesia no outono de 2012, que foi mixado por Matt LaPlant (Sikth, Nonpoint) e masterizado por Alan Douches (Between The Buried and Me, The Dillinger Escape Plan). Para garantir que suas apresentações ao vivo correspondam à intensidade de suas gravações de estúdio, a ATP recrutou seu amigo de vários anos, Richard Sharman, para tarefas adicionais de guitarra.


ABNORMAL THOUGHT PATTERNS discografia



ABNORMAL THOUGHT PATTERNS top albums (CD, LP, )

4.04 | 4 ratings
Manipulation Under Anesthesia
2013
3.50 | 2 ratings
Altered States of Consciousness
2015

ABNORMAL THOUGHT PATTERNS Official Singles, EPs,  )

0.00 | 0 ratings
Abnormal Thought Patterns
2011

CRONICA - MECKI MARK MEN | Mecki Mark Men (1967)

Uma das grandes atrações da cena psicodélica sueca, criada por iniciativa do cantor organista Claes Bodemark. Este último começou sua carreira adquirindo um órgão Hammond L-100 aos 17 anos. Pouco depois, ele conseguiu um emprego como músico de estúdio para um canal de televisão de Estocolmo no início dos anos 1960. Ao mesmo tempo, ele tocou em várias bandas suecas, mas também finlandesas, como The Adventurers, Nilla And The Blackbird, Savages... In em meados dos anos 60 ficou conhecido como Mecki, inspirado no personagem Mecki the herrisson (Mecki the Hedgehog) por seu cabelo espetado. Depois de dois singles com o combo Vat 66, ele liderou o Mecki Mark Five, que em 1967 se tornou o Mecki Mark Men. Após uma passagem surpreendente no Stockholm Experimental Jazz Festival em julho de 67 e um single lançado em setembro, o grupo se estabiliza com Clas Svanberg na guitarra, Hans Nordström no saxofone, Björn Fredholm na bateria, Thomas Gartz também na bateria, mas também na cítara e, claro, Mecki Bodemark no órgão, xilofone e voz. O quinteto volta ao estúdio por conta da Phillips para imprimir um Lp homônimo no final de 67.

Esta primeira tentativa, composta por 11 faixas, é uma pura maravilha do rock psicodélico com nuances de jazz e soul, assombrado pelos Doors e Iron Butterfly. O baile começa com "Opening", um instrumental estranho, pesado e angustiante feito de sons corrosivos conduzidos por um sax abrasivo e um órgão doentio. O pesadelo desaparece com “Get Up” para um rhythm & blues onde o saxofone nos mergulha num bolero caleidoscópico, mas a ameaça ainda é palpável. No gênero ácido rhythm & blues pontilhado de momentos nebulosos para se enviar ao planeta Marte, podemos apreciar “Love Your Life”, “I Had A Horse”, “Enlightment” e “I Got It”. De resto, "Free" conduzida por uma cítara avassaladora, bem como por um órgão vaporoso e groovy, é mais pesada e stoner. "Scream" é mais sombrio e intrigante. Em "Sweet Movin" acompanhado por uma guitarra fuzz, o sax é mais alto. Mecki Mark Men experimenta a balada picante com “Love Feeling”. O caso termina com a instrumental “Please” num estilo mais cósmico, experimental e vanguardista.

Em suma, um disco bem cruzado que ia chamar outros. Boa Viagem.

Titulos :
1. Opening
2. Get Up
3. Free
4. I Got It
5. Love Your Life
6. I Had A Horse
7. Scream
8. Sweet Movin’
9. Enlightment
10. Love Feeling
11. Please

Musicos :
Mecki Bodemark : Orgue, Xylophone, Chant
Clas Svanberg : Guitare
Hans Nordström : Saxophone
Björn Fredholm : Batterie
Thomas Gartz : Batterie, Sitar

Production : Mecki Bodemark

CRONICA - WOBBLER | From Silence To Somewhere (2017)

 

WOBBLER é um grupo norueguês formado em 1999 com o desejo de perpetuar a tradição do Rock Progressivo dos anos 70 praticado por YES, EMERSON LAKE & PALMER, KING CRIMSON, JETHRO TULL, GENESIS, VAN DER GRAAF GENERATOR, GENTLE GIANT, PREMIATA FORNERIA MARCONI. Desde a sua criação, o WOBBLER acumulou muita experiência e lançou vários álbuns.

Em 2017, ao entrar em estúdio, WOBBLER está prestes a gravar seu 4º álbum. O álbum anterior,  Rites At Dawn , já data de 2011 e desde então houve uma mudança na formação do WOBBLER com a saída do guitarrista Morten Andreas Eriksen e substituído por Marius Halleland. O 4º álbum do WOBBLER, produzido pelo próprio grupo, foi finalmente lançado em 20 de outubro de 2017 e foi intitulado  From Silence To Somewhere .

As influências dos grupos de Rock Progressivo dos anos 70 mencionados no primeiro parágrafo estão muito presentes neste álbum e os integrantes do WOBBLER fizeram questão de cuidar de suas composições longas, densas e intensas. O trabalho deles é admirável, basta mergulhar em "From Silence To Somewhere", uma peça musical de 21 minutos para se convencer: cada músico se superou para colocar sua técnica a serviço da melodia, da coesão do grupo , que permite admirar as muitas mudanças de ritmo, atmosfera, temas, a alternância entre passagens mágicas e majestosas e momentos tempestuosos. Por outro lado, o canto intervém de forma suave e serena a partir dos 3'30 e o grupo oferece uma viagem multifacetada, nomeadamente através de longas faixas instrumentais que dominam os debates. Esta peça musical é bastante difícil de aceder e é preciso estar com o cinto de segurança bem apertado para suportar esta “viagem”, para a absorver bem. Em "Foxlight", composição de 13'19, o grupo norueguês gratifica o seu mundo com um soberbo trabalho de ourivesaria ao nível melódico: a peça começa suavemente com melodias encantadoras e dura 4 minutos, depois a bateria, as guitarras e os teclados aumente a pressão crescendo para endurecer o tom, o canto intervindo após 5 minutos. A peça faz então o ouvinte viajar por vários países, permitindo-se mesmo o grupo por vezes a fazer algumas piscadelas ao Renascimento italiano. Com uma duração ligeiramente mais curta (pouco mais de 10 minutos), "Fermented Hours" arranca à velocidade máxima com um ritmo sustentado, guitarras e teclados em alerta, vocais agudos mas dominados, marcados por passagens tempestuosas e algumas calmarias e a particularidade desta peça é a presença de uma passagem cantada e falada em italiano. Entre "From Silence To Somewhere" e "Fermented Hours", a instrumental "Rendered Shades Of Green" que dura pouco mais de 2 minutos serve como um momento de pausa, de transição, de calma; sobretudo porque evolui num andamento lento, baseado no piano, com melodias quase atmosféricas, permitindo prender a respiração. a instrumental “Rendered Shades Of Green” que dura pouco mais de 2 minutos serve como um momento de pausa, de transição, de calma; sobretudo porque evolui num andamento lento, baseado no piano, com melodias quase atmosféricas, permitindo prender a respiração. a instrumental “Rendered Shades Of Green” que dura pouco mais de 2 minutos serve como um momento de pausa, de transição, de calma; sobretudo porque evolui num andamento lento, baseado no piano, com melodias quase atmosféricas, permitindo prender a respiração.

Alternadamente pungente, enfeitiçante, encantador, melancólico e vigoroso,  From Silence To Somewhere  é um belo e franco sucesso no estilo Rock Progressivo. Este álbum relembra as mais belas horas do Rock Progressivo dos anos 70 e os músicos colocam o seu know-how ao serviço do seu amor pelos grupos do estilo que se destacaram nesta década. De qualquer forma, há uma boa chance de que aqueles que apreciam o Rock Progressivo dos anos 70 apreciem este álbum.

Tracklist:
1. From Silence To Somewhere
2. Rendered Shades Of Green
3. Fermented Hours
4. Foxlight

Formação :
Andreas Wettergreen Strømman Prestmo (vocal, guitarra, glockenspiel, percussão)
Marius Halleland (guitarra)
Kristian Karl Hultgren (baixo)
Martin Nordrum Kneppen (bateria)
Lars Fredrik Frøislie (teclados)

Gravadora : Karisma Records

Produtor : Wobbler

Recomendação Semanal - Troubled Mind


De Móstoles, Espanha, vem o Troubled Mind, banda que surgiu em 1992 pelas mãos de David Fernández e Carlos Aguilera. Até por volta do ano 2000, vários outros foram feitos, variando do metal clássico ao metal progressivo direto. Devido a diferentes projetos dos integrantes da banda, esta foi separada até a chegada de 2013 onde a formação da banda finalmente estaria completa. Uma última mudança de baterista em 2016 seria necessária para ter a formação atual e catapultar os espanhóis para lançar seu primeiro EP autoproduzido chamado Timeless.

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O referido EP de aproximadamente 22 minutos de duração é composto por 4 músicas variadas que detalharemos uma a uma.
Começamos com a música homônima do EP, Timeless. Desde o início, nota-se um frescor composicional que atribuo à mistura de diferentes gêneros dentro do metal, alimentando a criatividade e dando lugar a um início vertiginoso que me lembra os primórdios do que é o metal progressivo. De mãos dadas com o teclado chegamos ao tema principal da música para que a guitarra e o baixo sejam os protagonistas durante o primeiro verso. Um pré-refrão marcado e um refrão com o tema principal já descrito dão ao EP um vigoroso arranque. Uma parte instrumental onde a guitarra e o teclado executam alguns solos bastante técnicos que culminam no refrão. Um começo poderoso e cativante.
Continuamos com Travel, um corte mais simples em termos de estrutura onde a voz traz todo o seu destaque. Uma música alegre e bem rock, com um solo de guitarra mais que memorável que dá um toque épico à faixa. Muito boa música, simples e até o osso.
Com backing vocals e uma moeda giratória, entra The Winner, outro corte bem rock, com guitarra e órgão entrelaçados até a entrada da banda completa. O 'órgão de rock' conduz os versos. Uma pausa onde o teclado mais uma vez traz à tona sua técnica para dar lugar a uma parte mais calma e harmoniosa. O solo de guitarra não tem nada a invejar aos míticos solos extensos e completos que existem na indústria. Voltamos a algumas últimas seções vocais e nos despedimos com as mesmas vozes do início.
Em um piscar de olhos, chegamos à última música do EP, DragonLady. Um início frenético e técnico deixa clara a força da última música de Timeless. O frenesi não para nos teclados e com força entramos nos versos iniciais. A voz cumpre o papel de reafirmar a força que os instrumentos evocam. No que penso ser o refrão é onde a voz é mais valorizada e um dos momentos primorosos do EP. A parte instrumental que segue é simplesmente perfeita, onde cada instrumento coloca uma parcela de criatividade e genuinidade para que a soma seja maior que as partes separadamente. Um novo refrão nos encanta e uma pausa de piano continua a adicionar componentes positivos à mistura. Percebe-se uma espécie de construção que leva a um último refrão e ao final do EP.

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Em retrospecto, Timeless é um EP que joga pelo seguro, sem dúvida. Mas quem não faria isso se quiser divulgar sua música para gerar pessoas interessadas? E acredite, eles conseguem, com 22 minutos deixam uma essência clara e poderosa capturada. Caminhando do tecnicismo do progressivo à força do hard rock, Troubled Mind deixa-nos à espera do que conseguiriam com um LP, tomando as precauções que todo disco exige: não recair nas mesmas ideias, dar criatividade e significado único a cada música e gerar um fio condutor coerente e preciso. Se o fizeram com 4 canções (e da forma como o fizeram), não tenho dúvidas que o vão conseguir de longe, explorando o melhor que cada uma das suas influências lhes dá.
Um ponto separado é a produção do álbum. Como dito anteriormente, eles mesmos foram os responsáveis ​​pela produção de Timeless e apesar de o resultado final ser mais do que bom, ainda há muito o que trabalhar para que o frescor venha não só da composição, mas também de como essas composições são entregues a nós. .
Atemporal:
1. Timeless
2. Travel
3. The Winner
4. DragonLady

Adolfo García-Gutiérrez (Popy): Vozes
Carlos Aguilera: Teclados
David J. Fernández: Guitarras
Nacho Loras: Baixo
Javi Soriano: Bateria

Resenha: "Redshift" de Michell Guzman


Natural de Chicago, Illinois - EUA, e de raízes latinas, Cuenca - Equador, chega Michel Guzmán, músico e compositor multi-instrumentista, que se mantém na cena desde 1995 participando de bandas como Anacrusa- La Luna en el Solsticio, e colaborando com outros projetos de músicos equatorianos, com claras influências Pink Floydian e Porcupine Treean, é uma referência clara para o rock instrumental latino-americano, cheio de sonoridades espaciais, ecléticas, new age e ambientais.

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Dono de um grande feeling e grande habilidade com o violão, ele nos mostra sua maestria em um álbum lançado em 1º de agosto deste ano intitulado redshift, álbum que demonstra seu crescimento cultural e musical ao longo de sua carreira, este é composto por 11 faixas que são maioritariamente instrumentais, a parte lírica é sobretudo proporcionada por diálogos de filmes de ficção científica dos anos 50, que pessoalmente me interessam, e conferem-lhe um certo apelo para o público que prefere as faixas instrumentais, com um certo toque cósmico e espacial .
O álbum está dividido em dois capítulos, cada canção entre capítulos é acompanhada por cortinas musicais new age e ambient, é uma obra repleta de viagens, que podem variar entre a paz e a tranquilidade, à agressividade e força desferidas por algumas paisagens equipadas. guitarras fortes e de metal.
Spotify: open.spotify.com/artist/2H8qRfBnXcYGnGOTgu2xNh
iTunes: https://itunes.apple.com/ec/album/redshift/id1247017093
Amazon: https://www.amazon.com/redshift Rojo-Michell-Guzman/dp /
B071KGP8YS
Capítulo 1 Capítulo 2
1 – Dromomania (Parte 1) 7 – O Vento do Sol
2 – Dromomania (Parte 2) 8 – Quadrantídeos
3 – Herdar as Estrelas 9 – Atlanthropa
4 – Conticinio (Parte 1) 10 – The uncanny valley
5 – A beleza da simetria 11 – Conticinio (Parte 2)
6 – Petricor
Dromomania pt, 1 e 2 são as faixas de abertura cheias de sons eletrônicos, frescos e mutáveis, de At this ponto o álbum já transborda de espacialidade, no pt.2 o artista demonstra sua habilidade no violão.
Inherits the stars é uma música um pouco mais ambiente, inicialmente dando um panorama escuro que se transforma em um panorama mais radiante graças aos teclados.
Conticinio pt.1 é uma cortina calma claramente influenciada pelo ambiente e new age, é a ponte perfeita entre a música anterior e a seguinte.
The Beauty of Symmetry é um tema um pouco mais agressivo, embora também tenha algumas paisagens suavizadas no início e no final do tema.
Petricor é um tema demasiado eclético e eletrónico, parece fresco e ao mesmo tempo rude old school, cheio de panoramas diferentes, sem dúvida um dos temas que mais me conseguiu chamar a atenção.
El viento del sol, a música que vai fazer você balançar a cabeça, tem um riff poderoso e cativante, teclados e guitarras combinam perfeitamente.
Cuadrantidas é provavelmente a faixa mais eletrônica e minimalista do álbum.
Atlantropa, essa música é na minha opinião a cereja do bolo, talvez seja pelo meu fanatismo por faixas longas, mas essa música soa ótima, muita diversidade de paisagens, fresca, psicodélica, sons espaciais, o baixo soa muito bem, é em si a conjunção perfeita entre rock pesado e ambiente.
The Uncanny Valley também é uma pista interessante, há uma mudança de cenário espetacular, um riff seco que soa bem.
Conticinio pt.2 o tema final, cheio de ecletismo, tranquilidade, escuridão e um pouco mais de todos os recursos utilizados por este grande artista.
Se você deseja saber mais sobre este artista e estar ciente de seu progresso, convido você a segui-lo nas redes sociais, com certeza seus próximos trabalhos não irão decepcionar.

João Gilberto e Stan Getz – Getz/Gilberto (1964)


 

É bossa nova? É jazz? Não, é Getz/Gilberto. Um dos discos definidores dos anos 60.

No final dos anos 50, no Rio de Janeiro, João Gilberto inventa a bossa nova, uma versão introspectiva do samba, com uma batida suave mas sincopada no violão, acordes jazzísticos e um canto quase sussurrado. O saxofonista Stan Getz foi dos primeiros americanos a apropriar-se do novo estilo, com o seminal Jazz Samba, de ’62. Mas Gilberto e Jobim escandalizam-se com a caricatura grosseira da sua refinada criação.

Lançam então o repto ao próprio Getz para um disco a meias, na condição de que a cama rítmica fique por conta dos brasileiros (João Gilberto no violão, Tom Jobim no piano, Milton Banana na bateria e Sebastião Neto no contrabaixo). Deste casamento entre Stan Getz e a fina flor da bossa nova nasce a perfeição de Getz/Gilberto.

O reportório foi escolhido a dedo: seis clássicos escritos por Jobim e dois sambas da velha guarda (“Doralice” de Dorival Caymmi e “Para Machucar Meu Coração” de Ary Barroso), como que para frisar a continuidade histórica entre a nascente do samba e a foz da bossa nova.

A estética é mais joãogilbertiana do que o costume, apurando o que já era depuradíssimo. Desaparecem os arranjos orquestrais com que Jobim ornamentou os três primeiros discos de Gilberto. A própria voz de João é agora mais contida e despojada. Para melhor degustação dos coloridos acordes tocados em bloco, o violão está tão destacado na mistura como a voz. A bateria de Milton Banana baixa o volume da batida dançante, numa estilização cada vez mais radical do ritmo do samba. O piano de Jobim é discretíssimo, pingos esparsos a cair do telheiro.

Astrud Gilberto, então mulher de João, canta nos dois singles: “Garota de Ipanema” e “Corcovado”. Foi a primeira gravação profissional da brasileira. À primeira audição torcemos o nariz ao seu quase amadorismo: o sotaque inglês é manhoso, a afinação está longe de ser perfeita. Depressa percebemos que o defeito é afinal virtude: a insegurança da voz sublinha a sua sensualidade inocente de mulher-criança.

O jazz só se intromete quando o saxofone de Getz assoma, interrompendo o balanço controlado de João Gilberto com a incerteza da improvisação. Muitos acham o seu timbre demasiado doce e delicado. Nós temos outra opinião, apreciando a sua tonalidade envolvente e sensual. O seu lirismo e imaginação melódica são encantadores. Getz vem do cool jazz mas ao pé da voz-silêncio de Gilberto o seu saxofone tenor parece água a ferver.

Enquanto João Gilberto recusa com intransigência qualquer artifício emocional, acreditando no poder intrínseco da canção, Getz não é tão dogmático, fazendo bonitos sublinhados emocionais. É o caso de “O Grande Amor”, com a sua introdução chorosa, quase fúnebre, e de “Só Danço Samba”, onde Getz é bluesy e eufórico, ofendendo a sensibilidade introvertida de Gilberto. É da tensão permanente entre estas duas “vozes” que provém grande parte do charme de Getz/Gilberto.

Conta-se que num destes momentos de divergência estética, João, com o seu olímpico mau feitio, exortou a Jobim: “diz a este gringo que ele não entende patavina de samba!” Tom traduz, com a sua costumeira elegância: “Stan, o João diz que o seu sonho de sempre foi tocar contigo”.

O disco foi um sucesso tremendo, vendendo dois milhões de exemplares na América. Só não liderou a tabela de vendas porque uns tais de Beatles tinham acabado de invadir o país. É um disco que capta um momento: depois do assassinato do Kennedy, parecia que aquela brisa de Ipanema – exótica e acolhedora – afastava os traumas para longe.

Getz/Gilberto é uma daquelas raras obras onde o público em geral e a elite crítica estão de acordo (o pior dos pesadelos dos hipsters, portanto, com o seu horror histérico a qualquer democratização do bom gosto). Nós gostamos da dobradinha. O ideal de Sophia cumprindo-se: o de “uma aristocracia para todos”…


The Raincoats – The Raincoats (1979)

Álbum inquestionavelmente seminal, The Raincoats é um dos expoentes máximos da ética do it yourself, pilar base da revolução punk ocorrida no final dos anos setenta.

Há que começar a conversa por relembrar que quem escancarou as portas para as mulheres no punk foram as Slits. É a própria Gina Birch, uma das fundadoras das Raincoats, que afirma que a vontade de formar uma banda surgiu após ver um concerto da banda londrina, e pouco após a formação houve inclusive uma transferência entre bandas – a baterista Palmolive deixou as Slits para se juntar às Raincoats, altura em que ficaram uma banda exclusivamente feminina. E eram-no de corpo e alma, na sua postura, nas suas músicas e nas suas letras, que passavam uma mensagem clara de vontade de emancipação da mulher e almejavam arruinar os estereótipos que dominavam a sociedade da altura.

Para além de Gina Birch, outra fundadora foi Ana da Silva, portuguesa pois então, originária da ilha da Madeira. Uma das histórias mais marcantes e quiçá que nos faz ainda hoje em dia ouvir as Raincoats ocorreu em 1993, tendo como figura central nada mais nada menos que Kurt Cobain.

Em Maio de 1993, o vocalista dos Nirvana escreveu nas notas do álbum “Incesticide” que as Raincoats tinham sido uma das bandas que mais o influenciaram. Mais ou menos por essa altura, Kurt passa por Londres à procura de uma cópia nova deste The Raincoats, já que a sua se encontrava danificada e foi à loja da Rough Trade, onde nem ali havia. Prestável, a empregada da loja forneceu a Kurt a morada de um antiquário onde Ana da Silva trabalhava, mas nem assim teve sorte – Ana não só não tinha o disco, como não reconheceu aquele rapaz loiro e enfezado, aceitando, após insistência, ficar com a sua morada. Só mais tarde Ana se apercebeu da gaffe e enviou discos e mais material. Kurt Cobain acabou por interceder pela reedição da obra das Raincoats e estas dedicaram-lhe o “Extended Play”, o EP de reunião de Julho de 1994.

Ouvindo The Raincoats à distância de 43 anos da sua edição, a ideia que fica é que vale mais pelo impacto na altura, pela quebrar de barreiras e pela influência noutras bandas do que pela qualidade musical em si. O que é perfeitamente natural, estamos a falar de raparigas sem experiência musical, que estavam ainda a aprender a tocar os seus instrumentos. Ainda assim conseguiram que o seu disco de estreia coincidisse com o início de toda uma sensibilidade artística, de um amadorismo destemido e sem regras. Estas músicas estão carregadas com a sensação de novidade, é o som de encontrar coisas enterradas dentro de cada uma delas que elas não sabiam que estava lá e finalmente descobriram forma de o trazer à tona.

E fizeram-no sem receios de “atacar” os clássicos – foram buscar “Lola” aos Kinks e transformaram-na numa canção expansiva, vivaça e punk. Esgalharam uma grande malha que é “Fairytale in the Supermarket”. “No Side to Fall in” será muito provavelmente das poucas músicas punk que tem o violino na condução da mesma. Não sendo marcantes em termos musicais, a verdade é que foram inventivas sem ficar mal na fotografia, misturando géneros que pareciam totalmente divergentes, criando uma espécie de folk-punk caseiro, com ritmos elásticos, vocais esganiçados e estruturas precárias. E mostraram que pode resultar. Não é essa a essência de todo o movimento punk?


Destaque

Electric Mud - Electric Mud 1971

  Poderia começar a falar sobre minha relação com essa obscura banda alemã do início dos anos 70. Lançado pela gravadora Lost Pipe Dreams , ...