WENTUS BLUES BAND não é a banda mais conhecida da Finlândia, mas sua perseverança na indústria impõe respeito. Este grupo da cidade de Kokkola foi de facto formado em 1986 e, desde então, nunca mais deixou de espalhar a boa palavra do Blues-Rock, abreviado de Blues. Porque é neste tipo de nicho musical que o WENTUS BLUES BAND evolui e, é preciso admitir, as formações finlandesas que trabalham em Blues ou Blues-Rock não batem à porta.
Já que os holofotes estão, nas circunstâncias, na WENTUS BLUES BAND, é bom saber que esta formação articulada em torno de 5 músicos desbravou o underground e assinou contrato com uma gravadora independente chamada WWB, por falta de melhor. Foi em 1989 que o WENTUS BLUES BAND lançou seu primeiro álbum, ainda sem título.
Este primeiro álbum é composto quase inteiramente por covers. Para a ocasião, o grupo de Kokkola optou por usar velhos padrões dos anos 50, ou mesmo dos anos 30. A escolha das capas mostra que esses músicos demonstram bom gosto. Assim, a WENTUS BLUES BAND dividiu uma agradável versão de "Hallelujah (I Love Her So)" de Ray CHARLES (que data de 1957), ofereceu uma interpretação de "Evil Is Goin' On" (título de Howlin' WOLF escrito por Willie DIXON em 1954), uma versão colorida e brilhante de "Don't Start Me To Talkin'" (de Sonny Boy WILLIAMSON II e datada de 1955) graças à presença de uma gaita e um saxofone, trouxe "The Walk" (um antigo título de Jimmy McCRACKLIN de 1958) atualizado, dando-lhe uma versão elétrica, balançando com um solo de guitarra encantador e palmas que trazem um excesso de alegria ao todo, finalmente rendeu uma bela homenagem a Otis RUSH com "Violent Love", cuja origem se situa no final dos anos 50, com guitarras secas que dão tem um lado rústico apreciável e um saxofone que traz um toque jazzístico. A WENTUS BLUES BAND ainda voltou no tempo aos anos 30 com "Love In Vain", uma tradicional canção de Robert JOHNSON que data de 1937 que o grupo atualizou com os violões que iniciam as hostilidades e depois são retransmitidos por guitarras elétricas e o fato de o grupo tocá-lo em um ritmo lento facilita saboreá-lo. E há aquele padrão atemporal de 1935 que é "Baby, Please Don't Go" de Big Joe WILLIAMS: a banda finlandesa fez uma versão mid-tempo dela com guitarras assustadoras, mas para ser completamente honesto com você, eu prefiro muito mais as versões AC/DC e AEROSMITH. A WENTUS BLUES BAND também revisitou os anos 60 com a famosa "When A Man Loves A Woman" de Percy SLEDGE (um clássico de 1966) e provou ser fiel, respeitando o original enquanto dividia um belo solo de sax. "Think Twice Before You Go" (1968), de John Lee HOOKER, também está no cardápio, marcada por uma gaita onipresente, e faz você bater os pés. Um desvio para os anos 70 também é feito com a presença de "The Blues Had A Baby And They Named It Rock N' Roll", um cover lúdico e cintilante de Muddy WATERS no qual o grupo divide um solo de guitarra que exala joie de vivre . Finalmente, há uma composição pessoal neste álbum; é “Total Abstainer Boogie”, um Blues-Rock mid-tempo que te faz bater os pés, cabe na veia ROLLING STONES/GEORGIA SATELLITES com suas suculentas guitarras e acaba sendo muito agradável, bem montado.
Este primeiro álbum homónimo dos WENTUS BLUES BAND pode muito bem ser um disco de covers, mas tirou o pó de alguns standards dos anos 50, até dos anos 30, e é uma óptima forma de conhecer os artistas e os clássicos da época. O Chicago Blues também está bem representado. Este disco é agradável, impõe-se mesmo como um bom remédio, um bom antídoto contra a modernidade opressora. O que é, até mesmo a composição original atual é bem feita. Este começo é promissor para a WENTUS BLUES BAND que queria especialmente se divertir.
Tracklist: 1. Hallelujah (I Love Her So) 2. Evil Is Goin’ On 3. Baby, Please Don’t Go 4. Total Abstainer Boogie 5. When A Man Loves A Woman 6. Don’t Start Me To Talkin’ 7. The Walk 8. Think Twice Before You Go 9. Love In Vain 10. The Blues Had A Baby And They Named It Rock N’ Roll 11. Violent Love
Formação : Anders “Antti” Sjöberg (vocal) Kim Wikman (guitarra) Niklas Riippa (guitarra) Robert “Robban” Hagnäs (baixo) Mikael Axelqvist (bateria)
Uma das coisas que tem caracterizado o Threshold , seja para o bem ou para o mal, tem sido suas constantes mudanças, principalmente como vocalista. Em sua história, a banda já teve 4 vocalistas, incluindo o saudoso Andrew 'Mac' McDermott . Este ano, fomos presenteados com a placa 'Legend Of The Shires' com o vocalista principal Glynn Morgan , que já havia desempenhado esse papel no álbum de 1994 'Psychedelicatessen' .
O novo álbum é um álbum duplo que procura cimentar, nas palavras da própria banda, um novo capítulo na sua história musical, explorando os limites do género até às profundezas, dando destaque a cada instrumento no momento mais adequado, sem exagerar, muito menos abusar das técnicas que usam. Além disso, não acho que haja uma maneira melhor de apresentar Glynn Morgan novamente como o protagonista indiscutível desta nova parcela.
Assobios de pássaros e sinos, seguidos por um suave violão iniciam 'The Shire (Part 1)' , uma curta canção que abre o disco 1 do álbum. Desde o primeiro momento é possível notar a entrega de Morgan em seu papel, causando uma espécie de expectativa sobre o que continuará no álbum. Sem delongas, chega o primeiro single do álbum: 'Small Dark Lines' . Uma música poderosa e agressiva, com um riff principal cativante. Com uma estrutura simples, pré-refrão e refrão fáceis de curtir, o single cumpre plenamente sua função principal, nos prendendo totalmente no que a banda quer entregar. Ouça 'Small Dark Lines' – Threshold
'O homem que via o tempo'Com a sua duração de 12 minutos, resume de forma excecional o equilíbrio entre o lado melódico e o lado intenso do álbum. Começa com um teclado suave emparelhado com um baixo que lidera o caminho no início da música. Aos poucos o baixo comanda a mudança para uma seção mais potente que conduz ao refrão principal, onde o efeito de múltiplas faixas vocais potencializa a melodia. A seção instrumental posterior consiste em seções complexas onde a guitarra e o teclado alternam o papel principal. Chegando à última parte, um uníssono e um solo de guitarra nos trazem de volta à seção suave que ouvimos no início, encerrando a música de forma mais calma. Uma montanha-russa seria a descrição perfeita dessa pista, começo e fim tranquilos, deixando toda a adrenalina para o meio.
Continuando com 'Trust The Process' , encontramos um começo enérgico, liderado por arranjos de teclado. A primeira estrofe mostra uma faceta "eletrônica" nos teclados, mostrando um pouco da exploração que a banda busca. A segunda estrofe é dominada pelo riff principal da música, pouco antes do primeiro refrão. Após o segundo refrão há um corte instrumental onde os teclados, por alguma estranha razão me transportam para uma espécie de labirinto. A seção instrumental termina com um solo de guitarra e teclado, respectivamente. Antes do refrão final temos uma espécie de reintrodução e o final desta faixa.
'Stars And Satellites' começa com uma das melodias mais bem conseguidas do disco, tocada pelo baixo e depois tocada por toda a banda. Essa música brinca muito com as mudanças suaves-poderosas entre os versos e o refrão, dando vida ao que é quase o final do primeiro disco. As guitarras e o refrão emocionado me lembram certos cortes da mítica banda 'Rush' . Uma pausa de piano e teclado invoca um dos solos de guitarra mais emocionantes do disco. Depois disso há outra pausa que chega a soar um pouco forçada. Não é possível apreciar muito visto que rapidamente regressa ao coro principal, para se despedir com a melodia já nomeada.
Sem tempo para descanso vem o último corte do disco 1: 'On The Edge' . Um início agressivo, mudando para versos sombrios e sombrios conduzidos pelo baixo. O trabalho vocal consegue muito bem essa atmosfera de mistério. A parte instrumental e a secção vocal que se segue é o que de melhor nos é entregue, em detrimento do resto da música. Assim termina o primeiro disco do álbum. Com tudo o que ele nos entregou, a questão permanece sobre quais coisas novas poderíamos ouvir no disco 2. 'The Shire (Part 2)' abre o segundo disco. Ele compartilha muitos motivos vocais com a parte 1, mas cumpre mais uma função de 'balada poderosa' , pois consiste em seções mais intensas em sua segunda metade, incluindo alguns solos de guitarra. Voltando novamente com intensidade, 'Snowblind ' entra de forma irreverente, apresentando harmonias de guitarra entre versos caracterizados por riffs bastante pesados. Outro refrão cativante e muito bem feito. Pessoalmente, tenho que admitir que a seção após o refrão foi uma das que mais gostei de todo o álbum. A atmosfera gerada pelos instrumentos e pela voz representa todo o poder que procuro em um álbum de metal progressivo. Pena que a seção não é mais longa. Harmonias e solos que podem se tornar monótonos são usados novamente. Isso pode ser perfeitamente perdoado com a pausa do piano antes do refrão final. Uma música muito bem conseguida sob qualquer ponto de vista, dando vigor e força ao segundo álbum. Uma introdução completa da banda apresenta 'Subliminal Freeways'. Honestamente, a música não tem seções importantes a serem destacadas, exceto o refrão: emocional, poderoso, cativante e memorável, tudo o que se pode esperar de um bom refrão. O teclado cumpre um papel fundamental com uma espécie de 'tapping'. Antes do refrão final, ouve-se um solo de guitarra muito parecido com os que temos ouvido. Um começo suave tem 'Estado de Independência' . Ele está lutando seriamente pelo trono da música mais melancólica e emocionante do álbum, sem dúvida. O teclado conduz ao longo desta 'balada poderosa '. Já não é novidade que o coro desempenha um papel preponderante nas canções deste álbum. 'Máquina Superior'é muito mais direto, com seções mais intensas e poderosas. Estrutura simples, mas eficaz. Refrão preciso. Perto do meio da música, são incluídas algumas vozes processadas que lembram uma máquina, levando em consideração o título da música. Mais um exemplo dos limites explorados por Threshold . Uma técnica simples, mas eficaz, é usada no refrão final quando você deseja destacar certas seções. Esta consiste em repetir a seção com tons um pouco mais altos, neste caso o refrão. Entrando no trecho final com 'The Shire (Part 3)' nos deparamos com uma canção curta predominantemente piano e vozes. Isso dá a entrada para o teclado que introduz a música mais longa do segundo álbum, estamos falando de 'Lost In Translation'. A banda completa entra e um preciso solo de guitarra cai na nossa cara. A partir de versos acústicos e pré-refrões que tocam com diferentes vozes que falam de caminhos à esquerda, à direita e ao centro, chegamos ao magnífico refrão desta canção. A melodia, a força, a letra e a forma como Glynn Morgan a canta fazem deste coro algo muito poderoso, capaz de ir fundo e apresentar-te o que a canção nos quer dizer. Dá até para sentir o que nos é transmitido através do 'protagonista' de 'Lost In Translation'. Após o segundo refrão entramos numa parte instrumental e depois num novo verso, calmo, com um ambiente intimista e trabalho vocal emotivo. Voltamos ao pré-refrão e ao refrão. Com um último solo de guitarra, uma das melhores músicas do álbum e a mais completa se despede. Como o velho ditado, o melhor para o final.
Swallowed' é a última música de todo o álbum. Uma balada que serve como uma despedida do álbum com seu tom revitalizante e menos melancólico em comparação com as outras 'power ballads '. Sem mais delongas, o álbum termina com um último e emocionante solo de guitarra, um piano e a última frase do vocalista.
Em 'Legend of The Shires' , encontramos um disco muito completo e muito bem conseguido. Quanto ao som, encontramos uma definição clara de cada instrumento e um progresso evidente em relação às parcelas anteriores de 'Threshold' , algo essencial, especialmente nestes tempos onde há cada vez mais bandas e expoentes progressivos. No que diz respeito à composição, voltamos ao que foi dito no início, que é aquele 'Limiar' ele estava procurando começar um novo capítulo e explorar novos horizontes. Se ficarmos apenas com o que a banda nos deu, o desenvolvimento e amadurecimento são evidentes. Agora, quando comparado a outros ícones progressivos atuais, é difícil determinar os limites a que o gênero pode chegar, portanto, é ainda mais difícil determinar o que poderia ser feito para explorar ainda mais esses limites.
Referindo-me apenas ao álbum em si, não existem muitas diferenças entre o primeiro e o segundo álbum, pelo que não justifico totalmente o facto de os separar, excepto pela duração e talvez algum interesse que a banda tenha em focar o álbum de diferentes abordagens em suas apresentações ao vivo. Além disso, reitero que é uma corrida sólida do início ao fim. Se o que a banda buscava era consolidar Glynn Morgan como seu novo frontman e vocalista, ela consegue de sobra, demonstrando um alcance variado, e uma customização única de cada música. Finalmente, se este é o caminho que ' Limiar' quer lançar as bases para o futuro, não há dúvida de que teremos de acompanhar de perto os acontecimentos desta banda britânica que já existe há quase 30 anos.
Tracklist:
CD 1: 1. The Shire (Part 1) (2:03) 2. Small Dark Lines (5:24) 3. The Man Who Saw Through Time (11:51) 4. Trust The Process (8:44) 5. Stars And Satellites (7:20) 6. On The Edge (5:20)
CD 2: 7. The Shire (Parte 2) (5:24) 8. Snowblind (7:03) 9. Subliminal Freeways (4:51) 10. State Of Independence (3:37) 11. Superior Machine (5: 01) 12. The Shire (Parte 3) (1:22) 13. Lost In Translation (10:20) 14. Swallowed (3:54)
Favoritos: Small Dark Lines, Lost In Translation, Snowblind. Threshold: Glynn Morgan – vocais. Karl Groom – guitarrista, produtor. Steve Anderson – baixista. Richard West – tecladista, produtor. Johanne James – baterista.
Raquel Tavares nasceu em 11 de janeiro de 1985 em Lisboa.[1][2]
O seu nome ganhou uma notoriedade nacional no fado pela primeira vez em 1997, ano em que, com 12 anos, venceu na Grande Noite do Fado, iniciativa da Casa da Imprensa.[3]
Em 2004, regista-se a estreia no cinema com Raquel a desempenhar um pequeno papel de fadista, no filme de Mário Barroso denominado O Milagre Segundo Salomé.
Ainda antes de de lançar o seu álbum homónimo foi a "atracção nacional" na revista do ano de 2005 "Arre Potter que é demais!", no Parque Mayer, mais concretamente no Teatro Maria Vitória.[4]
A fadista Raquel Tavares no Muziekcentrum Vredenburg, em Utrecht, na Holanda (2008).
Ainda em 2006 Raquel Tavares recebeu o "Prémio Amália Rodrigues" para "Revelação Feminina", da Fundação Amália Rodrigues.[1][6] Já em 2007 seria a vez da Casa da Imprensa lhe atribuir o "Prémio Revelação".[3]
Na primavera de 2008, também pela editora discográfica Movieplay, saiu Bairro, o álbum de estúdio seguinte produzido por Diogo Clemente que também toca viola de fado. Este trabalho inclui ainda um DVD com realização de Aurélio Vasques e Ana Rocha de Sousa.[7]
Temas de Raquel Tavares surgem em diversas compilações, como "Manjerico", presente na secção "Hoje" de Fado: Sempre! Ontem, Hoje e Amanhã = Always! Yesterday, Today and Tomorrow, da iPlay, de 2008,[8] ou "Meditando Eu a Vi", tema de 2004[9] do álbum Fado Sentido de João Pedro[10] que seria incluído em Novo Fado da editora Difference, em 2006.[11]
A fadista foi uma das vozes escolhidas para participar na homenagem a Adriano Correia de Oliveira, no CD e DVD da Movieplay, Adriano, Aqui e Agora : O Tributo, de 2007, interpretando "Cantar Para Um Pastor", com arranjo de Diogo Clemente,[12] tendo ainda participado noutro tributo no mesmo ano, neste caso no documentário de João Pedro Moreira Não me Obriguem a Vir para a Rua Gritar : Tributo a Zeca Afonso, da SubFilmes.[13]
A fadista Raquel Tavares no Muziekcentrum Vredenburg, em Utrecht, na Holanda (2008).
Por esta altura, as actuações de Raquel estendem-se além fronteiras, com visitas registadas a vários países e cidades como Paris, Roma, Madrid e até a Santiago do Chile.[16]
Raquel Tavares participou no documentário O Fado da Bia (2012), realizado por Diogo Varela Silva, tendo com figura central a Beatriz da Conceição.[17]
Em 2016 foi lançado Raquel, um álbum que contou com participações especiais de Rui Massena, Carlão, Rui Veloso e de António Serrano.[18]
A dança é algo que também cativa a fadista que participou na terceira edição do programa televisivo Dança Comigo, versão portuguesa de Strictly Comes Dancing, ficando em 2.º lugar mas tomando o lugar europeu que no ano anterior pertencera à apresentadora Sónia Araújo.[20][21] Na sequência Raquel Tavares e o dançarino profissional João Tiago formaram o par que representou Portugal na segunda edição do Festival Eurovisão da Dança, a 6 de Setembro de 2008, em Glasgow, Escócia, Reino Unido, que contou com a participação de 15 países, tendo ficado na 8.ª posição com 61 pontos.[22]
Raquel Tavares voltaria a mostrar os seus dotes de dançarina na televisão em 2013, desta vez no programa Dança com as Estrelas na TVI.[17]
Pausa da carreira
A 9 de janeiro de 2020 anunciou, n' O Programa da Cristina na SIC, a decisão de fazer uma pausa na carreira por já não se sentir bem a cantar, alegando a vontade de abraçar projetos que envolvessem a televisão.[23]
Esta semana, estará presente no show antológico da prestigiada e renomada banda chilena de Rock Progressivo TRYO, que completará 30 anos de longa carreira musical. É por isso que fazem parte da nossa recomendação semanal.
Biografia
TRYO é um grupo musical chileno, que conta com 30 anos de extraordinária carreira profissional, gravou discos de estúdio e ao vivo (no Chile, Brasil e Estados Unidos), realizou turnês nacionais e internacionais (América do Sul, América do Norte e Europa), apresentando-se em festivais de prestígio em todo o mundo e dividindo o palco com alguns dos melhores músicos das últimas décadas.
O grupo mantém até hoje sua formação original, e é formado pelos renomados músicos e acadêmicos nacionais Ismael Cortez (violão clássico e elétrico, voz e teclados), Francisco Cortez (violoncelo, baixo elétrico com trastes e sem trastes, voz, pedais de contrabaixo e station) e Félix Carbone (bateria e diversos instrumentos de percussão acústicos, elétricos e híbridos, como Mallet Kat, marimba, vibrafone, Handsonic, Wavedrum, Octapad, djembe, derbake, cultrún, gongo, quartzo e taças tibetanas).
Seu som único e característico funde vários estilos musicais, incluindo metal, rock, jazz, folclore latino-americano, música chilena, world music e música clássica; que confere grande variedade e riqueza sonora à sua discografia.
Alguns de seus marcos musicais mais importantes são: a) ter sido escolhido como show de abertura dos shows no Chile pelos grupos de rock “Yes”, “Adrian Belew” (King Crimson), “Joe Satriani”, “Kansas” e " Marillion" (fim de semana Chile 2017); b) ter tocado junto com o renomado grupo de fusion music holandês “Flairck”, o excelente artista de vanguarda mexicano “Luz de Riada” (com Ramsés Luna, ex-Cabezas de Cera) e o grande músico de jazz brasileiro “Hermeto Pascoal” .em seus shows no Chile; c) que seus músicos dividiram o palco com Jimmy Page/Robert Plant (“Led Zepellin”) em apresentações em território chileno, bem como com outros grandes artistas nacionais como “Los Jaivas”, “Congreso” e “Fulano”; e d) ter composto a obra “Heritage”,
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