O grupo alemão Subject Esq retorna dois anos depois e muitas coisas mudaram. Após a saída do tecladista Peter Stadier e do guitarrista Paul Vincent, os membros remanescentes (vocalista/baixista Stefan Wissnet, baterista Harry Rosenkind, violinista Franz Löffler, harmonicista/saxofonista Alex Pittwohn e flautista/saxofonista/organista Michael Hoffman) oferecem-se os serviços de Nicholas Woodland na guitarra mas principalmente do tecladista Henner Hering ex Out Of Focus.
Pela primeira vez, a nova formação muda de nome. A partir de agora será chamado de Sahara, mais fácil de lembrar e muito na moda em um país onde certos grupos kraut ouvem música étnica como Embryo, Guru Guru e Popol Vuh.
Mudança de nome, portanto, mas também mudança de gravadora onde Sahara lança um Lp na Pandisc chamado Sunrise .
Sunrise será mais eclético do que Subject Esq , como prova o título country “Circles”, que cheira a espaços abertos com um sabor pop.
Ecletismo que vai explodir na peça central que ocupa todo o lado B deste LP com o título homónimo. Esta suíte de mais de 27 minutos explora diferentes correntes prog e faz um bom compromisso com o krautrock. Isso sugere que ele vai em todas as direções para se perder. Pelo contrário, Sahara consegue um tour de force ao tornar este instrumental coerente e atraente sem que o tédio tome conta.
Assim fundem jazz, viagem electrónica, música sinfónica via mellotron, rock pesado, momento exótico, passagem flutuante, dark, dramático, rural...
Em uma grande experiência, Gentle Giant, King Crimson, Nektar, Deep Purple e até Kansas com seu violino esfregam os ombros de um lado e Agitation Free, Can, Amon Düül II e Eloy em sua estreia do outro.
De resto, Sahara oferece "Marie Celeste" como abertura e "Rainbow Rider" como conclusão do lado A para um rock progressivo menos experimental mas igualmente complexo e agradável de ouvir.
Sunrise será relançado em CD pela Si-Wan Record e Ohrwaschi Record.
Músicos: Stefan Wissnet: Baixo, Vocal Harry Rosenkind: Bateria Nicholas Woodland: Guitarra Alex Pittwohn: Saxofone, Gaita, Vocal Hennes Hering: Teclados Michael Hofmann: Teclados, Vocal
Depois de uma bela primeira tentativa, o combo americano The Flock (com o guitarrista/cantor Fred Glickstein, o baixista Jerry Smith, o baterista Ron Karpman, o trompetista Frank Posa, o violinista Jerry Goodman além dos saxofonistas Rick Canoff e Tom Webb) retorna ao estúdio para a produção do segundo opus intitulado Dinosaur Swamps com uma ilustração digna das grandes mangas progressivas da época. Ilustração mostrando um monstruoso pterodáctilo em um vale que ajuda a garantir algum sucesso, os compradores ficam intrigados.
Publicado em 1970 pela Columbia, este álbum é composto por 7 faixas. Começa com “Green Slice” um instrumental curto vagamente perturbador com este sax atmosférico mas que anuncia as reorientações do grupo. Na verdade, este último deseja sair da comparação muito grande com o CTA. “Green Slice” segue delicadamente com “Big Bird” muito mais próxima do bluegrass e do country rock dos Grateful Dead. A aparência dos metais com drifts de jazz dá um bom toque de originalidade. Estamos longe de ser um álbum de rock progressivo como um fã do gênero pode ouvir. No entanto, este disco ligado às influências americanas e que intriga tem uma abordagem prog. Todas as canções são compostas por longas passagens instrumentais compostas por pausas e sobre-quebras. "Hornschmeyers Island", um saboroso passeio outonal em aparência, oferece explosões de vozes e passagens de flauta. A capa de James Taylor, "Lighthouse" é mais pesada. Começando com um R&B, “Crabfoot” é a faixa mais complexa, mas também a mais confusa com solo de bateria, efeitos eletrônicos, sax raivoso, trompete frenético e clima Santana no final. Com uma abordagem sinfônica graças ao violino, "Mermaid" é uma balada folclórica rural. Este LP termina num carnaval, "Uranian Sircus", primeiro macabro depois é a festa. A partir daí é pesado onde a flauta está de volta, os metais são excelentes quando o refrão chega com uma fanfarra na conclusão. B, "Crabfoot" é a faixa mais complexa, mas também a mais confusa com solo de bateria, efeitos eletrônicos, sax raivoso, trompete frenético e clima Santana no final. Com uma abordagem sinfônica graças ao violino, "Mermaid" é uma balada folclórica rural. Este LP termina num carnaval, "Uranian Sircus", primeiro macabro depois é a festa. A partir daí é pesado onde a flauta está de volta, os metais são excelentes quando o refrão chega com uma fanfarra na conclusão. B, "Crabfoot" é a faixa mais complexa, mas também a mais confusa com solo de bateria, efeitos eletrônicos, sax raivoso, trompete frenético e clima Santana no final. Com uma abordagem sinfônica graças ao violino, "Mermaid" é uma balada folclórica rural. Este LP termina num carnaval, "Uranian Sircus", primeiro macabro depois é a festa. A partir daí é pesado onde a flauta está de volta, os metais são excelentes quando o refrão chega com uma fanfarra na conclusão. macabro no começo, então é o festival. A partir daí é pesado onde a flauta está de volta, os metais são excelentes quando o refrão chega com uma fanfarra na conclusão. macabro no início, então é o festival. A partir daí é pesado onde a flauta está de volta, os metais são excelentes quando o refrão chega com uma fanfarra na conclusão.
Pouco depois, Jerry Goodman será contratado por John McLaughlin para se juntar à Mahavishnu Orchestra. O rebanho não sobreviverá a esta partida e se separa. Em 1975, alguns membros lançarão uma 3ª obra intitulada Inside Out on Mercury e que ainda aguarda o lançamento oficial do CD. No ano seguinte é a separação final.
Títulos: 1. Green Slice 2. Big Bird 3. Hornschmeyer's Island 4. Lighthouse 5. Crabfoot 6. Mermaid 7. Uranian Sircus
Músicos: Jerry Goodman: Violino, Guitarra, Vocal Fred Glickstein: Guitarra, Vocal, Órgão Jerry Smith: Baixo, Vocal Ron Karpman: Bateria Rick Canoff: Saxofone, Vocal Tom Webb: Saxofone, Vocal Frank Posa: Trompete John Gerber: Saxofone, Flauta , Banjo, Vocais
Se Brave é a obra-prima dos Marillion nos anos 90, Marbles é a dos anos 2000. Repetimo-lo sempre: Marillion é um grupo complexo e livre, que nunca hesita em experimentar e surpreender... E os Marbles estão mais do que nunca alinhados com isto ...
Marbles é uma obra colossal (100 minutos de música!), produzida graças a uma campanha de crowdfunding (sim, sim, o Marillion já tinha recorrido a crowdfunding antes do Radiohead) que lhe permitiu ter o seu nome escrito no encarte da versão especial do álbum (Tenho meu nome inscrito em tamanho 0,25 ), uma obra de riqueza e intensidade raramente igualada pelo grupo...
Depois do que eu chamaria de algumas andanças e experimentos menos convincentes (pelo menos para mim) no Marillion.com e especialmente Anoraknophobia , Marblesrevela-se um compêndio ou melhor, uma exposição de todo o talento, alquimia e estilos do grupo... Os títulos longos mais progressivos (o nervoso e assombroso "Invisible Man", os contrastantes e apocalípticos "Ocean Cloud" e "Neverland") esfregar os ombros com títulos pop tendência (Marillion sempre tentou conciliar pop e prog), como "Genie", "You're Gone" e o mais sintonizado no rádio "Fantastic Place" ou "Don't Hurt Yourself" semi-acústico e peças mais intimistas (“Angelina”, “The only Unforgivable Thing”) até experimentais (as sombrias “Drilling Holes” ou “The Damage”)… Todas ligadas pelos interlúdios “Marbles”… Em suma, um verdadeiro caleidoscópio de emoções e sons!
Marbles é um álbum denso bastante ascendente e atmosférico mas que deixa bastante espaço para voos potentes e um final em apoteose com o título "Neverland" que toca no sublime! Ainda muitas vezes tocada ao vivo (com “Invisible Man”), “Neverland” é provavelmente um dos melhores títulos do grupo do período H… só isso!
Com esta obra, o combo Aylesbury assinou um grande trabalho que lhes permitiu voltar à frente do palco e reconquistar alguns fãs perdidos! O retorno à graça está apenas começando!
Músicas favoritas: "Neverland", "The Invisible Man"
Títulos: 1. The Invisible Man 2. Marbles 1 3. Genie 4. Fantastic Place 5. The Only Unforgivable Thing 6. Marbles 2 7. Ocean Cloud
Aquela vez em que John Lennon pagou uma aposta com seu amigo Elton
Às vezes, até os músicos mais famosos querem um pouco de anonimato. E, muitas vezes, é exigido quando eles participam do disco de outro artista. Pode ser porque eles não querem que sua luz ofusque a estrela nominal, ou uma piada interna amigável, mas na maioria das vezes é devido às famosas “obrigações contratuais”.
Ter um Beatle em seu álbum era certamente uma pena no boné de um músico, mas a Capitol/EMI queria manter todas as penas para si. Portanto, se algum dos Beatles quisesse gravar fora da banda, eles recorriam a pseudônimos, ou “noms de rock”, se necessário. John Lennon, cujo amor pelo jogo de palavras está bem documentado, deleitava-se em criar novos nomes para usar em créditos não apenas em projetos externos, mas também em seus próprios discos; de acordo com o Guinness Book of World Records , John continua sendo o orgulhoso possuidor do recorde por ter o maior número de pseudônimos. (Embora, para ser justo, a maioria deles fossem anagramas de seu nome ou variações do Dr. Winston O'Boogie.)
George tendia a se disfarçar com uma piscadela e um aceno de cabeça; muitos de seus créditos externos foram uma reviravolta em seu nome: Hari Georgeson, filho de Harry. Ringo adotou a abordagem Mad Libs: seu primeiro nome e uma bateria. Paul era o mais reservado; além de Paul Ramon (um aceno para os primeiros dias da banda), você teria dificuldade em descobrir quem eram Apollo C. Vermouth ou Bernard Webb antes de ouvir a gravação.
Harry Nilsson e Ringo Starr sendo bad boys
Fãs de olhos aguçados costumavam se debruçar sobre as notas do encarte e os créditos para descobrir quem estava tocando a guitarra que soava exatamente como George Harrison, e os ouvintes acenavam com a cabeça quando diziam que era George Harrison. Mas para os fãs de hoje que ouvem online, essas informações foram transformadas em “metadados”, que precisam ser rastreados. Aqui estão 10 de nossas músicas favoritas com um Beatle secreto.
Por razões conhecidas apenas por ele mesmo, Paul decidiu que o mundo precisava de uma versão instrumental de Ram . Ele chamou o arranjador Richard Anthony Hewson (que arranjou as cordas para algumas canções dos Beatles, bem como "Carolina on My Mind", no álbum Apple de James Taylor) e gravou o álbum simultaneamente com Ram . Paul não era apenas Percy, mas também escreveu o encarte do álbum como Clint Harrigan. Ele pode ter pensado duas vezes - o álbum foi arquivado até 1977. Ele provavelmente deveria ter esperado mais, pois afundou sem deixar vestígios. É difícil escolher um destaque, então aqui está a versão de Percy do single de sucesso de Ram, "Uncle Albert/Admiral Halsey". Arquivo em: estritamente para completistas.
9. Peter and Gordon “Woman” Escrito/produzido por Bernard Webb (Paul)
Peter e Gordon eram praticamente uma família. A irmã de Peter Asher, a atriz/modelo Jane Asher, foi namorada de Paul durante grande parte dos anos 60. E a dupla já havia marcado sucessos com “A World Without Love (#1) de Lennon/McCartney, “Nobody I Know” (#12) e “I Don't Want to See You Again” (#16), e pessoas estavam dizendo que a única razão pela qual eles venderam foi por causa da conexão com os Beatles. Para testar isso, Paul decidiu não receber nenhum crédito pela música e deu a si mesmo o nome de "Bernard Webb". Teve um desempenho respeitável, chegando ao 14º lugar nas paradas da Billboard . Não demorou muito para os fãs entenderem o estratagema, e Gordon Waller levantou o véu ao apresentar a música quando eles apareceram no Hullabaloo .
8. Dave Mason "If You've Got Love" com Son of Harry (George)
Depois de deixar a Traffic em 1970, Mason tornou-se uma espécie de colaborador profissional. Ele lançou um álbum em dupla com Cass Elliot, e seus álbuns solo apresentavam os mesmos profissionais de estúdio (Leon Russell, Carl Radle, Jim Keltner) que apoiaram George em seus vários projetos solo, então faz sentido que George aparecesse em um dos álbuns de Mason. . E no minuto em que aquela guitarra deslizante líquida e gemida é ouvida, é óbvio que não pode ser ninguém além de George, não importa o que os créditos digam.
7. Steve Miller Band “My Dark Hour” com Paul Ramon (Paul)
Antes de “The Joker” fazer de Steve Miller uma estrela pop em 1974, a Steve Miller Band era considerada uma das bandas mais modernas da cena de São Francisco. Quão modernos eles eram? Descolado o suficiente para atrair Paul McCartney para se juntar a eles no estúdio para esta jam session em 1969. Na verdade, eram apenas Miller e McCartney. Paul foi abandonado no Olympic Studios depois de discutir com os outros três Beatles sobre Allen Klein; Miller estava gravando na porta ao lado, trabalhando em Brave New World , seu primeiro álbum sem Boz Scaggs. Miller canta e toca guitarra, McCartney é responsável por todo o resto. E se esse riff soa familiar, é porque Miller o reciclou em “Fly Like an Eagle” de 1976.
6. Bonzo Dog Band “I'm the Urban Spaceman” Produzido por Apollo C. Vermouth (Paul)
Com seu humor anárquico e astuto, os Bonzos teriam sido uma combinação perfeita para John, mas foi Paul quem produziu este single do álbum Tadpole de 1969 , que incluía este hit britânico alegre e decididamente excêntrico, escrito por Neil Innes. A conexão Beatles/Bonzo é mais profunda do que uma música. O “Death Cab for Cutie” dos Bonzos aparece no filme Magical Mystery Tour dos Beatles e, em 1975, Innes usou “Spaceman” para uma esquete em seu programa Rutland Weekend Television, que também deu origem à paródia dos Beatles, os Rutles.
5. Yoko Ono “Woman Power” com John O'Cean (John)
Depois de três álbuns do rock de vanguarda com o qual ela mais se identifica, Yoko se acalmou um pouco em Feeling the Space , de 1973 . Gravado principalmente com Elephant's Memory, o álbum é menos conflituoso do que seus lançamentos anteriores; é um pastiche de rock arejado no estilo dos anos 50 com Yoko cantando as letras francamente feministas em uma voz ofegante, quase gentil. O outlier - e a música mais rock do álbum - é o hino estridente e cheio de alma "Woman Power", que apresenta um solo de guitarra ácida de John. Talvez de acordo com o tema feminista do álbum, John decidiu ser creditado como John O'Cean. Muito provavelmente, isso foi devido a Yoko Ono traduzindo para “criança do oceano” em japonês. Ou, dado o fato de que ele também usou toda uma série de nomes de piadas nos créditos de Wall and Bridges, ele estava apenas rindo.
4. Harry Nilsson “Spaceman” com Richie Snare (Ringo)
Ringo toca com grande sensibilidade nesta canção infantil de Harry Nilsson. Se você não conseguiu descobrir quem era Richie Snare antes de colocar isso, o preenchimento antes da música cambalear para o segundo refrão praticamente entrega o jogo. Aquele rolo oscilante e perfeitamente colocado só poderia ser um baterista. Nilsson era uma espécie de talismã dos Beatles: George e Ringo eram regulares em seus álbuns, e ele era um dos amigos de bebida favoritos de John durante o “fim de semana perdido” encharcado de drogas e álcool em Los Angeles; John produziu seu álbum anárquico Pussy Cats . Paul apareceu nessas sessões com Stevie Wonder a reboque e tocou, um evento capturado no bootleg A Toot and a Snore In '74 .
3. Splinter “Costafine Town” com Jai Raj Harrison, Hari Georgeson e P. Roducer (George)
Fale sobre levar as obrigações contratuais a um grau extremo. Splinter foi a primeira assinatura do selo Dark Horse de George; ele produziu o álbum e pode ser ouvido em praticamente todas as faixas. Mas George Harrison, o músico, tinha contrato com a Apple Records dos Beatles. Na época, nenhum dos Beatles estava exatamente em termos amigáveis, então ele aparece nos créditos sob vários nomes. Em essência, ele tinha que fingir ser outra pessoa para se esconder de... ele mesmo. É uma reviravolta digna de Borges, uma tira de Möbius que nem Escher conseguiu desembaraçar. Você certamente pode ouvir por que George se interessou por essa dupla - os cantores Bobby Purvis e Bill Elliott soam muito como George, e suas composições têm um pouco do mesmo folk rústico de seu trabalho pós-Beatle. Enquanto ele tinha grandes esperanças para a banda, até mesmo chamando-os de "jóia da coroa da Dark Horse,
2. Elton John “Lucy In The Sky With Diamonds” Com Dr. Winston O'Boogie
Em 1973, era óbvio que Elton John havia assumido o manto dos Beatles de maior estrela pop da Terra. Ele fez amizade com Lennon, que adicionou guitarra e backing vocals à versão majestosa e um pouco menos ácida de Elton da favorita de Sgt Pepper . Esta não foi a primeira aparição do eminente Dr. O'Boogie. Ele foi um jogador importante em Walls and Bridges , de Lennon, que também contou com os backing vocals de Elton em "Whatever Gets You Through the Night". Quando essa música atingiu o topo das paradas, Lennon teve que fazer uma aposta e se juntou a Elton no palco do Madison Square Garden de Nova York no Dia de Ação de Graças de 1974, onde eles cantaram "Whatever" e "I Saw Her Standing There, ”no que se tornou a última aparição de Lennon no palco.
A amizade entre George e Eric Clapton já era bem conhecida na época em que o Cream lançou seu último álbum, Goodbye . A guitarra de Clapton foi o elemento mais característico em “While My Guitar Gently Weeps” de George, e George retribuiu o favor aqui. Ele não apenas toca na música, mas também ajudou Clapton a escrevê-la. Enquanto a aparição de Clapton não foi creditada (ele recebe um agradecimento em letras pequenas e claras no pôster do Álbum Branco), George foi creditado como L'Angelo Mysterioso (O Anjo Misterioso). Mas não havia dúvida de quem estava por trás daquela guitarra em cascata e cintilante, que entra na música um pouco depois da marca de um minuto. (O título intrigante da música foi uma leitura errada da caligrafia de George. Clapton interpretou mal George's "Bridge" - referindo-se a uma parte da música - para "Badge" e pegou.)
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