quarta-feira, 8 de março de 2023

Classificação de todos os álbuns de estúdio dos Deep Purple

 Roxo profundo

No total, há vinte e dois álbuns de estúdio para o crédito do Deep Purple desde que eles se formaram juntos como uma banda de rock britânica em 1968. Além disso, há também quarenta e cinco álbuns ao vivo, vinte e oito compilações, quinze álbuns de vídeo. , e quarenta e cinco singles. O fundador Ian Paice é o único membro original da banda que ainda faz parte da lista, já que Jon Lord, Rod Evans, Ritchie Blackmore e Nick Simpler seguiram para outros empreendimentos. Ao longo dos anos, o Deep Purple passou por uma série de mudanças na formação, além de passar por um hiato de oito anos da cena musical de 1976 a 1984.

22. The Book of Taliesyn

 

O segundo álbum de estúdio do Deep Purple é (The Book of Taliesyn), lançado em outubro de 1968. Através da gravadora Harvest, o álbum encontrou bastante popularidade na América do Norte, graças ao single de sucesso, (Hush). A canção alcançou o segundo lugar no RPM Canada's Singles Chart e o quarto lugar na Billboard Hot 100 dos EUA.

21. Shades of Deep Purple

 

O single de sucesso, (Hush), vem do álbum de estreia do Deep Purple, (Shades of Deep Purple). O álbum foi lançado pela primeira vez nos Estados Unidos em julho de 1968. Em seguida, foi lançado no Reino Unido em setembro de 1968. Quanto a Hush, a cobertura do Deep Purple do original de Billy Joe Royal de 1967 tornou a música extremamente popular o suficiente para deixar os fãs menos informados. pensando que a música pertence a eles.

20. Deep Purple

 

A Bundesverband Musikindustrie (BVMI) da Alemanha certificou o álbum de estúdio autointitulado do Deep Purple, Gold, depois de vender mais de 250.000 cópias desde sua data de lançamento em 21 de junho de 1969. A combinação de rock progressivo, psicodélico e hard rock domina todo o layout de oito faixas como uma abordagem musical mais pesada do que os dois álbuns anteriores que a banda britânica havia produzido até então. Embora não haja singles oficialmente registrados em nenhum dos outdoors de alto escalão, o álbum foi bem recebido em geral como uma das melhores exibições de gravações de originalidade musical que a banda já produziu.

19. Abandon


Em 2 de junho de 1988, os dois primeiros álbuns lançados pela gravadora EMI são (Abandon). Entre o público europeu, o álbum foi bem recebido, especialmente na nação da Noruega, que seu Norweigan Records Chart o listou em sexto lugar durante sua primeira semana de lançamento. Embora não haja classificações conhecidas nas paradas da Billboard para falar sobre os singles, o álbum é bem equilibrado, faixa por faixa. Este seria o último álbum que Jon Lord gravaria, deixando o baterista Ian Paice como o último fundador do Deep Purple a permanecer com a banda.

18. Bananas


Lançado em 9 de setembro de 2003, (Bananas) é o décimo sétimo álbum do Deep Purple lançado, mas o primeiro sem o envolvimento de um de seus membros fundadores, Jon Lord. Lord foi substituído por Don Airey nos teclados e órgão para a banda, que tinha que preencher os sapatos grandes com sua marca de talento. Embora nenhuma das doze canções gravadas no álbum tenha obtido sucesso nas paradas, algumas de suas músicas foram solicitadas para os astronautas do ônibus espacial Columbia, ou seja, a peça instrumental (Contact Lost).

17. Rapture of the Deep

 

O décimo oitavo álbum de estúdio, (Rapture of the Deep), foi lançado em 1º de novembro de 2005 e recebeu críticas favoráveis ​​dos críticos musicais. Foi o primeiro álbum lançado pela gravadora alemã Edel Records. Nos Estados Unidos, o álbum foi lançado pela sub-gravadora de Edel, Eagle Records. Nenhuma das canções do álbum alcançou as paradas em nenhuma das principais listas de outdoors, mas o álbum ainda foi favorecido o suficiente pelos fãs, onde o álbum alcançou a posição quarenta e três na Billboard Top Independent Albums dos EUA, com 2.500 cópias vendidas na primeira semana. Em todos os países europeus, o álbum ficou entre os vinte primeiros em suas listas de outdoors.

16. Purpendicular

 

O décimo quinto álbum, (Purpendicular), foi lançado em 17 de fevereiro de 1996. Foi o primeiro álbum gravado sem o membro fundador do Deep Purple, Ritchie Blackmore. Steve Morse da fama de Dixie Dregs o substituiu como o novo guitarrista da banda. Entre as nações europeias, o álbum alcançou o terceiro lugar na parada de álbuns sueca, o nono na parada de álbuns finlandesa e o número oitenta e sete na parada de álbuns holandesa.

15. Turning to Crime


 

O álbum mais recente lançado pelo Deep Purple é (Turning to Crime), que saiu em 26 de novembro de 2021. É o vigésimo segundo álbum de estúdio lançado pela banda e o segundo pelo selo earMusic. Nenhum dos singles foi oficialmente mapeado ainda, mas as faixas apresentadas no álbum continuam a demonstrar que o Deep Purple ainda está forte.

14. Whoosh!

 

(Whoosh!) é o primeiro de dois álbuns pela gravadora earMusic. Foi lançado em 7 de agosto de 2020. Originalmente, o álbum estava programado para ser lançado em 12 de junho de 2020, mas devido a problemas relacionados à pandemia de COVID-19, o lançamento foi adiado. Nenhum dos singles se tornou sucesso nas paradas, mas o desempenho geral do álbum foi favorável o suficiente para receber críticas positivas de fãs e críticos.

13. Now What?!



Lançado em 26 de abril de 2013, o décimo nono álbum do Deep Purple, (Now What?!), mas o primeiro que a banda lançou em sete anos. As canções, (Uncommon Man) e (Above and Beyond) foram dedicadas ao membro fundador da banda, Jon Lord, que faleceu em julho de 2012. Com o BVMI da Alemanha, o álbum vendeu cópias suficientes para se tornar ouro certificado. Essa conquista foi realizada quando o álbum quebrou a marca de 100.000 álbuns vendidos seis meses após seu lançamento.

12. Infinite


(Infinite) é o vigésimo álbum de estúdio gravado pelo Deep Purple, lançado em 7 de abril de 2017. Recebeu críticas favoráveis ​​da crítica, mas ganhou a certificação Gold da BVMI da Alemanha por ter mais de 100.000 cópias do álbum vendidas. A elaborada performance no estilo blues ao longo do álbum é a descrição dada entre os críticos que sentiram que o álbum foi gravado por uma banda confortável o suficiente com seu próprio estilo, sem sentir a necessidade de produzir algum single de sucesso nas paradas.

11. Slaves and Masters


Lançado em 5 de outubro de 1990, (Slaves and Masters) foi o décimo terceiro álbum de estúdio do Deep Purple. É o único álbum que contou com Joe Lynn Turner como vocalista principal da banda. Turner substituiu Ian Gillan, que havia sido demitido da banda. Infelizmente para o grupo, as vendas do álbum não foram tão boas quanto esperavam. No entanto, ganhou a certificação Gold por ter mais de 25.000 cópias vendidas, de acordo com a Federação Internacional da Indústria Fonográfica da Suíça (IFPI).

10. Come Taste the Band



O décimo álbum do Deep Purple, (Come Taste the Band) foi lançado em 10 de outubro de 1975. Apesar das críticas mistas que recebeu dos críticos musicais, o álbum ainda ganhou a certificação Silver da British Phonographic Industry do Reino Unido por ter mais de 60.000 cópias vendidas e Gold certificação da Billboard da República Tcheca por ter mais de 50.000 cópias vendidas. Depois que a banda terminou a turnê em março de 1976, eles se separaram por oito anos.

9. The House of Blue Light

 

Lançado em 12 de janeiro de 1987, (The House of Blue Light) foi o décimo segundo álbum de estúdio do Deep Purple como uma banda. De acordo com os recursos da banda, o processo de criação do álbum demorou mais do que o normal, o que é notado pelos membros fundadores Ian Gillan e Jon Lord. Apesar dos problemas para montar o álbum, ele ainda ganhou elogios da crítica o suficiente para ser considerado favorável. Também vendeu mais de dois milhões de cópias em todo o mundo. Com Music Canada e IFPI da Suíça, o álbum foi certificado como Ouro. Com o BPI do Reino Unido, foi certificado, Prata. Dois singles do álbum também apareceram nas paradas. O primeiro foi (Call of the Wild), que alcançou o número quatorze na Billboard Mainstream Rock Tracks dos EUA. O segundo single, (Bad Attitude), também apareceu na mesma parada com o mesmo número de pico.

8. The Battle Rages On…


(The Battle Rages On…) foi o décimo quarto álbum do Deep Purple, lançado em 2 de julho de 1993. Antes da gravação e lançamento deste álbum, houve uma série de mudanças na formação da banda. Mesmo depois que o álbum foi lançado, um enfurecido Ritchie Blackmore saiu da banda durante a turnê e foi temporariamente substituído pelo guitarrista americano Joe Satriani até o fim da turnê. Apesar dos problemas de formação, o álbum ainda se saiu bem nas paradas europeias de classificação de álbuns, ficando entre os quarenta primeiros entre todos eles. Com a Recording Industry Association of Japan (RIAJ), o álbum recebeu a certificação Gold por ter mais de 100.000 cópias vendidas. O single, (The Battle Rages On) atingiu o pico na Billboard Mainstream Rock Tracks dos EUA no número vinte e dois,

7. Fireball


O quinto álbum de estúdio gravado e lançado pelo Deep Purple foi (Fireball). Lançado em 9 de julho de 1971, o álbum no topo das paradas produziu um total de dois singles que fariam sucesso nas paradas em todo o mundo. O primeiro hit, (Strange Kind of Woman), alcançou o primeiro lugar na parada de singles dinamarquesa e a oitava posição na parada de singles do Reino Unido. ( Fireball ) foi o segundo hit, que alcançou o terceiro lugar com os dinamarqueses e o décimo quinto lugar com o Reino Unido. O álbum foi certificado como Ouro pela BVMI da Alemanha, NVPI da Holanda, GLF da Suécia e RIAA dos EUA.

6. Who Do We Think We Are


(Who Do We Think We Are) foi lançado pelo Deep Purple em 13 de janeiro de 1973 e alcançou o topo das paradas entre as nações europeias da Áustria, Dinamarca e Noruega. Ele também alcançou o primeiro lugar na parada de álbuns da Austrália. O single de sucesso (Woman From Tokyo) alcançou a sexta posição no Mega Chart holandês, o décimo sexto lugar na parada de singles da Alemanha e a vigésima terceira posição na parada de singles da Bélgica. Na Billboard Hot 100 dos EUA, a canção alcançou a posição sessenta, enquanto no RPM100 do Canadá, na posição sessenta e dois. O álbum em si foi certificado como Ouro pela RIAA dos EUA e pelo Syndicat national de l'édition phonographique (SNEP) da França.

5. Stormbringer

 

Lançado em 10 de dezembro de 1974, o nono álbum do Deep Purple recebeu uma série de críticas e certificações favoráveis, apesar de não ter nenhum single aparecendo em nenhuma parada musical oficial. A RIAA dos EUA, a SNEP da França, a BPI do Reino Unido e a IFPI da Suécia receberam certificados de ouro (Stormbringer) em 1975. O álbum levou o guitarrista Ritchie Blackmore a deixar a banda por estar insatisfeito com a integração do funk abrindo caminho para um estilo musical da banda . normalmente não é conhecido.

4. Burn


(Burn) recebeu três certificações Gold desde seu lançamento em 15 de fevereiro de 1974 do SNEP da França, BVMI da Alemanha, IFPI da Suécia, BPI do Reino Unido e RIAA dos EUA. O total combinado do número de álbuns vendidos é superior a um milhão. Nas paradas de álbuns em todo o mundo, liderou as paradas em vendas na primeira semana de lançamento nas nações da Áustria, Dinamarca, Alemanha e Noruega. Na Billboard 200 dos EUA, alcançou a nona posição. O single, (Might Just Take Your Life), foi um sucesso moderado nas paradas no UK Singles Chart no número cinquenta e cinco e na Billboard Hot 100 dos EUA no número noventa e um.

3. Deep Purple in Rock

 

O quarto álbum de estúdio do Deep Purple é (Deep Purple in Rock), lançado em 5 de junho de 1970. Desde seu lançamento, foi certificado Ouro pelo BPI do Reino Unido, FIMI da Itália, SNEP da França e RIAA dos EUA. . Foi também o primeiro álbum lançado sob a formação Mark II de Ritchie Blackmore, Ian Gillan, Roger Glover, Jon Lord e Ian Paice. A nova formação, mais seu primeiro álbum de estúdio juntos como uma banda, recebeu críticas altamente favoráveis ​​dos críticos musicais. Desde o lançamento do álbum, ele se tornou ouro certificado com SNEP da França, BVMI da Alemanha, FIMI da Itália, NVPI da Holanda, BPI do Reino Unido e RIAA dos EUA. O single original, (Black Night), alcançou sucesso em duas ocasiões diferentes. A primeira vez foi no US Billboard Hot 100 no número sessenta e seis e no UK Singles Chart no número dois. A segunda vez foi no UK Singles Chart em 1980, no número quarenta e três. Uma versão remixada do single de sucesso também obteve sucesso nas paradas em 1995, chegando ao número sessenta e seis.

2. Perfect Strangers

 

Lançado em 29 de outubro de 1984, o décimo primeiro álbum do Deep Purple é (Perfect Strangers). Recebeu críticas mistas dos críticos, mas foi favorável o suficiente entre os fãs, onde foi certificado como Platina pela RIAA dos EUA por ter um milhão de cópias vendidas apenas naquele país. Também foi certificado como Platina no Canadá por vender mais de 100.000 cópias. A certificação ouro foi obtida com o BVMI da Alemanha, o RMNZ da Nova Zelândia e o BPI do Reino Unido. Houve três singles do álbum que alcançaram o sucesso nas paradas.

1. Machine Head

 

O álbum de maior sucesso do Deep Purple é (Machine Head). Lançado em 25 de março de 1972, como o sexto álbum de estúdio da banda, o disco duplo RIAA Platinum, o recorde do topo das paradas também obteve certificações de ouro do BPI do Reino Unido, RIAJ do Japão e FIMI da Itália. Com o SNEP da França, conquistou o dobro do ouro. Foi decidido entre os membros da banda gravar o álbum fora de seu ambiente de estúdio regular. O Rolling Stones Mobile Studio foi contratado para gravar com a banda para que eles pudessem fazer gravações mais próximas dos shows ao vivo da banda. Originalmente planejado para se apresentar em um cassino, os planos tiveram que mudar depois que o cassino foi totalmente queimado. Este evento inspirou o single de sucesso (Smoke on the Water) a entrar no álbum. Este single, mais o resto das músicas apresentadas no Machine Head, foram gravados em um teatro como local substituto devido ao desastre do cassino. Fumaça noWater foi a música de maior sucesso da banda de todos os tempos, apesar de não ter alcançado o primeiro lugar em nenhuma parada musical. A classificação mais alta que alcançou foi na RPM Canada, em segundo lugar. Na Billboard Hot 100 dos EUA, ficou em quarto lugar. É também a única música da discografia da banda a obter certificações, nomeadamente Ouro com a RIAA dos EUA e FIMI da Itália. Com o BPI do Reino Unido, tornou-se Prata.

Crítica ao disco de Fragile - 'Beyond' (2021)

Fragile - 'Beyond'

(1 de octubre 2021, Karisma Records)

Fragile é um grupo que nasceu no final dos anos 1990 como uma banda tributo ao YES . Após uma longa abertura de carreira para Steve Howe , Alan White e Rick Wakeman , não seria até 2020 que o grupo decidiu lançar seu primeiro álbum 'Golden Fragments'. E há alguns dias eles lançaram seu segundo álbum, 'Beyond'.

Claire Hamill (vocal), Oliver Day (guitarra), Russ Wilson (bateria e percussão) e Max Hunt (teclados, baixo, guitarra, percussão e voz) participaram da gravação deste novo álbum .

De referir que Claire Hamill é uma cantora e compositora inglesa que trabalha na indústria da música desde 1971, colaborando com músicos do Yes como Steve Howe, Jon Anderson ; além de outros cantores e compositores e grupos como Vangelis e Wishbone Ash . Hoje o guitarrista e vocalista tem carreira solo mas também é o fundador e principal líder do Fragile.

O novo trabalho da banda contém três canções bem longas: 'Beyond' (21:56), 'Yours and Mine' (14:26) e 'The Golden Ring of Time' (14:09).

Embora possa parecer que uma banda que se dedica principalmente a fazer homenagens, ao invés de compor seu próprio material, pode cair no pecado comum de soar igual ou como uma cópia da banda que idolatra com Fragile, isso não acontece.

Sim, há um som que claramente bebe e é influenciado pelo Yes, mas também é influenciado por todo o rock progressivo mais clássico dos anos 70. As canções mergulham em teclados muito retro-prog com orquestrações sinfónicas que nos convidam a recordar o old days.sons de álbuns progressivos, mas sem ter que revisitar esses discos.

Em 'Beyond' começamos instrumental e então a voz distorcida de Max Hunt é introduzida. Às 3:55, Claire Hamill assume a composição até que às 9:55 temos um piano épico e uma voz brilhante e angelical. Para então terminar com uma seção de floreios instrumentais com todos os membros do Fragile exibindo todas as suas habilidades em seus instrumentos.

Por seu lado, 'Yours And Mine', não tem a profundidade da anterior, sendo uma composição que se liberta das amarras do Yes onde as secções instrumentais se juntam com as vozes dinâmicas de Hamill e Hunt na primeira parte' Como Não Há Amanhã'. Na segunda parte da música intitulada 'Diorama' temos uma metade mais sonhadora e brilhante em que os sons baseados em instrumentos elétricos desaparecem quase por completo, dando lugar a violões, arranjos de percussão e algumas intervenções de piano que são embelezadas pelo Hamill- Dupla de caça.

Fechamos com 'The Golden Ring of Time' com muitos teclados tocando por toda parte, além de alguns pianos vintage com um som que se inspira em meados dos anos 70. Yes plus adiciona alguns toques próprios. A composição abre com teclado e guitarra elétrica em uma linha sonora em movimento com o tecladista Max Hunt dando conta de toda sua técnica ao piano em uma longa introdução junto com os instrumentos para dar lugar a Hamill com seu canto. No minuto 3:40 a guitarra entra com um solo que serve de ponte para o vocalista entrar novamente. As seis cordas entram e saem várias vezes para gerar quebras e/ou espaços intermediários entre os momentos de destaque do vocalista, mas às vezes não têm muito significado. Depois de vários momentos instrumentais e outras seções vocais,

Porém, apesar de ser um material original e ter outras influências, o grupo não deixa de ter aquela aura de sim que permeia cada acorde. Seria de se esperar que em um segundo álbum essas influências já estivessem mais diluídas, mas isso não acontece.


Às vezes parece que o disco não foi bem produzido com alguns instrumentos que não são claros ou a voz não soa "limpa", mas não estamos falando de uma produção amadora ou deficiente, mas tem alguns detalhes que atrapalham a audição.

Fragile tem alguns aspectos a melhorar para criar um álbum de qualidade mas em 'Beyond' mostram que têm talento e capacidade composicional para criar um material mais convincente.

Como sempre digo: você ouve e avalia para formar sua opinião sobre o material apresentado.

 

Crítica ao disco de Kayo Dot - 'Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike' (2019)

 Kayo Dot - 'Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike'

(29 octubre 2021, Prophecy Productions)

Kayo Dot - O musgo cresceu tanto nas espadas quanto nos arados

Hoje damos um passeio pelo universo musical do brilhante multi-instrumentista e compositor de vanguarda norte-americano Toby Driver para apresentar o novo trabalho daquele que é o seu projeto mais duradouro: KAYO DOTO álbum em questão intitula-se “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”, o mesmo que foi editado tanto em CD como em vinil duplo (nas versões preta e verde) a 29 de outubro; a gravadora responsável por tudo isso é a Prophecy Productions. Sucedendo o álbum anterior "Blasphemy" por pouco mais de dois anos, "Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike" dirige-se clara e musculadamente para o avant-metal que joga com vários climas ao longo do seu repertório ambicioso: pesado, brilhante, sombrio, lânguido , furacão, metafísico... Tudo isso. Entre a época do referido álbum e o que estamos analisando agora, Driver tem se ocupado fazendo discos para outros projetos como PHOS, OIXISHA e ALORA CRUCIBLE, desafiando rótulos enquanto brinca com eles com absoluta liberalidade estética. Nenhuma dessas ocupações afetou o vitalismo versátil e eclético que KAYO DOT soube transformar em marca da casa desde o início de sua discografia, naquele longínquo ano de 2003. Driver encarregou-se da arte gráfica deste álbum, e de Claro, ele também canta e toca quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas vem acompanhado de dois grandes amigos da época do MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que agora passaremos sem demora para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. naquele já distante ano de 2003. Driver encarregou-se da arte gráfica deste álbum, e claro, também de cantar e tocar quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas está acompanhado de dois grandes amigos dos tempos de MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que agora passaremos sem demora para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. naquele já distante ano de 2003. Driver encarregou-se da arte gráfica deste álbum, e claro, também de cantar e tocar quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas está acompanhado de dois grandes amigos dos tempos de MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que agora passaremos sem demora para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que agora passaremos sem demora para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que agora passaremos sem demora para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”.

Com a dupla inicial de 'The Knight Errant' e 'Brethren Of The Cross' (dois itens que duram pouco mais de 8 minutos e um quarto), algumas das linhas gerais de seu esquema de trabalho são refletidas. O tema de abertura começa com um conjunto complexo e ágil de cadências sobre as quais algumas implosões cintilantes de guitarra flutuam em um tom pós-rock; essas cadências usam de forma inteligente os espaços vazios para dar um aspecto metafísico ao contínuo claro-escuro da incandescência da rocha. Enquanto isso, a música começa com uma fúria impiedosa que cai em algum lugar entre o aterrorizante e o fascinante. Já para a seção final, a incandescência reinante é coberta por uma aura cerimoniosa, que se traduz em uma parcimônia surreal efetivamente envolvente. Por sua parte, 'Brethren Of The Cross' mergulha no fator de mistério presente na faixa anterior e dá a ela uma dose oportuna de sofisticação progressiva centrada em uma reformulação do núcleo dos dois primeiros álbuns de KAYO DOT através de um filtro híbrido de PAK e SLEEPYTIME. GORILLA MUSEUM, adicionando alguns temperos Crimsonian em alguns lugares. O canto mostra um sentido de urgência mais notório enquanto o enquadramento instrumental se orienta para um lirismo diabólico e gigantesco. Temos aqui um zênite muito eficaz do álbum. 'Void In Virgo (The Nature Of Sacrifice)' exibe um clima frontalmente imponente que, em certo sentido, nos remete a ambientes típicos do paradigma gótico-rock geral, bem como vibrações nebulosas bem ajustadas ao padrão do pós-rock ao longo de MOGWAI. Menos complexa em termos de estrutura musical do que as duas anteriores, esta enérgica e assertivamente aposta numa espiritualidade introvertida, enquanto, entretanto, explora uma musculatura mais contida ao lado de ornamentos estilizados de sintetizadores. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um vigoroso exercício de rock que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com temperos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de seus quase 5 minutos de duração, bem como um epílogo atraente na chave do metal industrial. explorando uma musculatura mais contida junto com alguns ornamentos de sintetizador estilizados. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um vigoroso exercício de rock que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com temperos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de seus quase 5 minutos de duração, bem como um epílogo atraente na chave do metal industrial. explorando uma musculatura mais contida junto com alguns ornamentos de sintetizador estilizados. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um vigoroso exercício de rock que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com temperos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de seus quase 5 minutos de duração, bem como um epílogo atraente na chave do metal industrial.

'Get Out Of The Tower' tem algumas vibrações muito intensas que nos fazem evocar os dois primeiros álbuns de MAUDLIN OF THE WELL e o primeiro de KAYO DOT. Claro que esta intensidade que marca a essência deste tema em questão assenta e prolonga-se confortavelmente numa arquitectura rítmica ostensivamente solene. Esse aspecto misterioso adotado pelo groove contrasta radicalmente com o caráter esmagadoramente raivoso da música. Vários dos violeiros repetem apreensões expressivas que já notamos no tema de abertura; entretanto, o baixo faz sentir o seu peso relevante no puzzle musical em curso. Quando chega a vez de 'The Necklace', a montagem sonora foca numa síntese entre a ferocidade frontal do tema #4 e o exultante senhorio do tema #2, sendo assim que complementa perfeitamente o nervo furioso e angustiado da canção anterior. Sua complexa vitalidade é claramente apoiada pelo complexo trabalho da bateria. Tudo culmina com a peça mais longa, intitulada 'Epipsychidion', a mesma que ocupa um espaço de quase 13 minutos e um quarto. A sua estratégia consiste num aprofundamento sistemático da pungente e majestosa ferocidade que tem marcado vários momentos do repertório anterior, e desde que tem uma duração ambiciosa, o emaranhado de guitarras e a autoritária sofisticação dos vários grooves que se vão enfiando ao longo de toda a extensão e duração. amplitude de engenharia rítmica se juntam em uma tempestade de caos controlado, um furacão de expressionismo extático solidamente sustentado por uma combinação de prog brutal e um remake de metal do RIO de língua francesa. Mais uma vez, os fantasmas dos primeiros álbuns do MAUDLIN OF THE WELL assombram-nos num feitiço dilacerante e contundente... E assim se completa o esquema de trabalho desenvolvido neste álbum. Um disco ousado e formidável, “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” representa um momento culminante na faceta mais dura da batalha da tradição versátil do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e aos seus companheiros nesta nova odisseia vanguardista que se revela um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca musical dedicada ao rock experimental contemporâneo. Um disco ousado e formidável, “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” representa um momento culminante na faceta mais dura da batalha da tradição versátil do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e aos seus companheiros nesta nova odisseia vanguardista que se revela um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca musical dedicada ao rock experimental contemporâneo. Um disco ousado e formidável, “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” representa um momento culminante na faceta mais dura da batalha da tradição versátil do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e aos seus companheiros nesta nova odisseia vanguardista que se revela um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca musical dedicada ao rock experimental contemporâneo.


- Amostras de 'Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike':

BIOGRAFIA DOS Machine Head

 

Machine Head

Machine Head é uma banda de metal formada em 1991 em OaklandCalifórnia. O grupo foi fundado pelo guitarrista e vocalista Robb Flynn e o baixista Adam Duce.[1] A formação atual é composta por Flynn, o baterista Matt Alston, o guitarrista Vogg Kieltyka e o baixista Jared MacEachern. O Machine Head foi uma das bandas pioneiras no New Wave of American Heavy Metal.[2]

Machine Head foi formada por Robb Flynn, anteriormente membro das bandas Forbidden e Vio-lence. Flynn sentiu-se musicalmente insatisfeito com Vio-lence e pediu para iniciar um projeto paralelo. Quando seu pedido foi negado pelos outros integrantes, ele deixou a banda e formou o Machine Head em 1991 com Adam Duce, Logan Mader e Tony Constanza. O primeiro álbum da banda, Burn My Eyes , foi um grande sucesso na Europa, onde ganhou boa repercussão com o programa Headbangers Ball da MTV. Nos EUA (com o HBB tirado do ar durante o movimento grunge) o Machine Head não alcançaria sucesso até álbuns posteriores.

A banda quase se desfez em 2002, após terem seu contrato encerrado com a gravadora Roadrunner Records devido a uma controvérsia em torno de seu quarto álbum, Supercharger (lançado três semanas depois dos atentados de 11 de setembro de 2001), tendo suas canções e o videoclipe produzido para a canção "Crashing Around You" (que contava com edifícios em chamas) retirados de todos os meios de comunicação. A banda reassinou com a Roadrunner pouco tempo depois e já lançou quatro álbuns desde 2003, com The Blackening (2007) sendo nomeado ao Grammy Award. O Machine Head já vendeu mais de 3 milhões de discos em todo o mundo. [3]

História

Burn My Eyes

O seu primeiro álbum, chamado Burn My Eyes (1994), foi consagrado pelos fãs e crítica. Tendo várias faixas que se tornaram verdadeiros hinos para fãs deste estilo musical. Como por exemplo: "Davidian", "Old" e "None But My Own". Foi durante muitos anos o álbum de estreia mais vendido da editora RoadRunner Records.

The More Things Change

O guitarrista Phil Demmel se apresentando com a banda em 2009.

Com o lançamento do seu primeiro álbum a banda foi chamada de "filhos de Slayer", pelo peso e a notável influência que esta banda exercia sobre eles. Após isto o baterista Chris Kontos separou-se da banda para se juntar a Testament e em sua substituição entrou na banda o baterista Dave McClain, para então lançarem o seu segundo álbum The More Things Change (1997).

Este novo álbum marcou uma nova fase da banda. As canções tornaram-se mais agressivas e com uma certa sonoridade de hardcore. "The More Things Change…" também fez muito sucesso com os fãs da banda, destacando-se canções como "Ten Ton Hammer" e "Take My Scars".

O Nome ''The More Things Change'' foi retirado de um verso da música ''Struck a Nerve'', terceira faixa do álbum.

The Burning Red

Em 1998 inesperadamente o guitarrista Logan Mader saiu da banda e foi substituído por Ahrue Luster. Com este novo guitarrista a banda lançou em 1999 um novo álbum, intitulado The Burning Red. Este foi talvez o álbum mais polémico da banda. O estilo musical e possivelmente visual da banda havia claramente mudado bastante. Notaram-se fortes influências de new metal, incluindo trabalhos vocais de um "estilo rap" e bases de guitarra mais simples. Mas em compensação foi provavelmente o álbum que tornou a banda mais conhecida ao grande público, por apresentar músicas com um estilo mais comercial.

Este álbum conta com clássicos de Machine Head como: "The Blood, The Sweat, The Tears", "Exhale The Vile " e até "Message In A Bottle" - uma adaptação do conhecido clássico de The Police.

Supercharger

O álbum Supercharger, que foi lançado em 2001, talvez tenha sido o álbum de maior dito fracasso na carreira da banda. De entre vários motivos deste "fracasso", um apontado é que no videoclipe da canção "Crashing Around You" eram mostrados dois prédios em chamas, algo que poderia ser associado ao atentado do World Trade Center, que infortuitamente ocorreu pouco tempo antes do lançamento deste videoclipe. Isto além de vários rumores não confirmados de casos de depressão e conflito entre membros da banda.

Hellalive

Em 2002, por entre mútuas citações de "diferenças criativas", o guitarrista Ahrue Luster foi separado da banda, juntando-se em seguida a Ill Niño, e substituído por Phil Demmel que já havia tocado com Robb Flynn na banda Vio-lence. Então em 2003 foi lançado o álbum ao vivo Hellalive gravado na Brixton Academy, em Londres, que contém na sua maioria os êxitos mais aclamados da banda tocados eximiamente perante uma audiência completamente preenchida e extremamente activa.

Through the Ashes of Empires

Ainda em 2003 o álbum Through the Ashes of Empires foi lançado na Europa, e depois em 2004 foi lançado nos Estados UnidosThrough the Ashes of Empires foi uma verdadeira volta às raízes por parte de Machine Head. Com a sonoridade e a agressividade musical a fazerem claramente sobressair o desejo de reaproximação do estilo metal com que iniciaram a sua carreira, este disco é considerado por muitos como o melhor da banda desde Burn My Eyes. Conta com canções que em pouco tempo se tornaram clássicos, como: "Imperium", "Seasons Wither" e "Descend the Shades of Night".

Tributo ao Metallica

Recentemente, Machine Head gravaram a canção "Battery" de Metallica para uma edição comemorativa de 20 anos do álbum Master of Puppets promovida pela revista de rock americana Kerrang!.

Também participaram da gravação deste álbum as bandas Trivium, Mendeed, Bullet For My ValentineChimairaFightstar, os ilustres Mastodon e ainda Funeral for a Friend.

The Blackening

Robb Flynn (esquerda) e Phil Demmel (direita).

Ultimamente, a banda produziu o seu sexto álbum, lançado a 27 de Março de 2007. O álbum chama-se The Blackening e conta com faixas como "Aesthetics of Hate", "Halo", "The Beautiful Mourning" e "Now I Lay Thee Down".

Claramente um álbum evolucionário, embora nele permaneça viva a sua raiz metal, onde destacam-se alguns dos riffs mais pesados já gravados pela banda, incorporando no entanto muitas melodias e trabalhos conjuntos vocais de forte ressonância e beleza. Além da evolução sem a perda das raízes, é também de admirar a notável maturidade atingida pela banda na composição musical sem perder no entanto a jovialidade e agressividade (noções que foram confirmadas pelos próprios membros da banda), e também a ausência de preconceito ou medo em concretizarem os seus conceitos musicais pessoais sem perderem no entanto o respeito pela sua larga comunidade de fâs, pela sua lealdade e suas expectativas. Produzido mais uma vez por Robert Flynn e mixado por Colin Richardson (Fear FactoryBullet for My Valentine), "The Blackening" continua a reclamar o lugar continuamente merecido pela banda no pelotão da frente do mundo do metal.

Tributo ao Iron Maiden

A banda participou no álbum de tributo aos Iron Maiden produzido pela revista Kerrang, chamado Maiden Heaven. Tocando "Hallowed Be Thy Name", a banda juntou este cover a mais outros 14, tocados por bandas como DevilDriverMetallicaDream Theater e Trivium, que preencheram o álbum lançado a 16 de Julho de 2008.

Unto the Locust (2010-2012)

Em novembro de 2010, Machine Head começou a escrever o novo material para seu sétimo álbum de estúdio, Unto the Locust . [4] Com Robb Flynn como produtor, Machine Head começou oficialmente a gravação do álbum em 16 de abril de 2011, Green Day Jingletown 's Studios em Oakland, Califórnia. [4]

No verão de 2011, Machine Head fez uma turnê como parte da Rockstar Mayhem Festival . [5] Durante a turnê, a banda estreou uma nova música do álbum Unto the Locust , intitulado "Locust".  A canção foi liberado mais tarde na Amazon e iTunes em 14 de junho de 2011. Unto the Locust foi lançado em 27 de setembro de 2011, a aclamação da crítica. O álbum cartografado em vários países, incluindo o número 22 em o US (a primeira vez que a banda já quebrou o top 25 nos EUA) e no número 5 na Alemanha.

Influências

As bandas que influenciam Machine Head são: SepulturaBlack SabbathIron MaidenPanteraMetallicaMegadethSlayerExodusTestamentSuicidal TendenciesPanteraFear FactoryNirvanaSoundgarden e Alice in Chains.[6] O Machine Head é considerado uma das bandas pioneiras na nova onda do heavy metal americano,[7][8] bem como parte da segunda onda de bandas de thrash metal dos anos 90.[9]

Membros




Destaque

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