MORELAND & ARBUCKLE - PROMISED LAND OR BUST (2016)

 

MORELAND & ARBUCKLE
''PROMISED LAND OR BUST''

MAY 6 2016
39:02     MUSICA&SOM
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01 - Take Me With You (When You Go) 04:08 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland, Kendall Newby)
02 - Mean And Evil 03:18 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland)
03 - Hannah 04:50 (Michael S. Hosty)
04 - When The Lights Are Burning Low 03:05 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland, Kendall Newby)
05 - Woman Down In Arkansas 04:13 (Lee McBee)
06 - Mount Comfort 04:14 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland)
07 - Long Did I Hide It 02:35 (Ryan Taylor)
08 - Waco Avenue 03:00 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland)
09 - I'm A King Bee 02:49 (Slim Harpo, James Moore)
10 - Long Way Home 03:09 (Dustin Arbuckle, Aaron Moreland)
11 - Why'd She Have To Go (And Let Me Down)_ 03:36 (Ryan Taylor)
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Aaron Moreland: Electric, Acoustic, and Cigar Box Guitars
Dustin Arbuckle: Lead Vocals, Harmonica
Kendall Newby: Drums, Percussion, Background Vocals
Guests:
Scott Williams: Keyboards On 1, 3, 4, 6, 9, 10, 11
Mark Foley: Bass On 1, 3, 5, 8, 10, 11
Matt Bayles: Keyboards On 8, Additional Guitar On 6

Promised Land or Bust é a estreia da Alligator Records da Moreland & Arbuckle. Os bluesmen do Kansas recontrataram o produtor Matt Bayles (Mastodon, the Sword) - que também dirigiu seu brilhante 7 Cities em 2013. Os bluesmen do Kansas afirmam que Alligator foi um ajuste natural, já que sua primeira contratação foi Hound Dog Taylor & the Houserockers, um enorme influência em seu som. O guitarrista Aaron Moreland, o vocalista e harmonicista Dustin Arbuckle e o baterista Kendall Newby são apoiados em mais da metade dessas faixas por convidados, com o baixista Mark Foley e o tecladista Scott Williams, que adicionam profundidade ao seu já considerável poder de fogo. Aqui, as inspirações de raízes do delta do Mississippi e do blues de Hill Country são reexaminadas e reafirmadas como centrais em sua mistura com o boogie elétrico de roadhouse e o hard rock do coração. O que realmente diferencia esta banda de praticamente todos os atos de blues modernos é que sua energia, crueza e habilidade instrumental virtuosa são combinadas com suas composições. A justaposição de melodias em Promised Land or Bust destaca e exacerba a tensão entre dilemas espirituais e prazeres sensuais. A abertura "Take Me with You When You Go" é uma oração pantanosa e uivante pela libertação cósmica da luta terrena. A profundidade emocional no vocal de Arbuckle é enfatizada por seu solo de gaita assombrado e a quebra de guitarra supercarregada de Moreland (que acena para George Harrison em "While My Guitar Gently Weeps" na conclusão). O rugido estridente de "Mean & Evil" alimenta uma noção lírica de que algumas pessoas têm um coração tão negro que são indignas até do inferno. O sujo, corajoso, a balada alegórica de assassinato "Hannah" - escrita por Mike Hosty - encontra o protagonista em um estado terminal de arrependimento depois de matar seu amante. Ele alega loucura - à la Satanás sussurrando em sua cabeça - mas revela a verdade real: o verdadeiro demônio por trás de seu crime era a raiva, alimentada por ciúmes e sentimentos de inadequação. Anjos e espíritos assombram a solidão e a desconexão do protagonista no country-rock blues de "Mount Comfort". No galope inspirado no Delta de "Long Did I Hide It" (uma das duas canções de Ryan Taylor), Arbuckle transmite com alma as consequências psicológicas e sobrenaturais de viver com segredos. Mas o carnal se levanta para reivindicar o que é seu. Confira a arrogância da barriga em "When the Lights Are Low", o cover desenfreado de "I'm a King Bee" de Slim Harpo e Lee McBee' s fumar boogie, "Woman Down in Arkansas." (McBee, um companheiro de Kansan, era um lendário tocador de gaita de blues que faleceu em 2014.) "Long Way Home" é um conto rosnado de traição (por uma mulher ruiva atormentada). Ele se volta para o protagonista, porém, revelando sua cumplicidade voluntária em suas circunstâncias, enquanto guitarras deslizantes escaldantes e uma caixa tensa rasgam o centro. A beleza de Promised Land or Bust é que M&A abordam o espiritual e o carnal como inseparáveis, unidos em seu som turbulento, comovente e contagiante; é tudo matador, sem enchimento. revelando sua cumplicidade voluntária em suas circunstâncias como guitarras deslizantes escaldantes e caixa tensa rasgando o centro. A beleza de Promised Land or Bust é que M&A abordam o espiritual e o carnal como inseparáveis, unidos em seu som turbulento, comovente e contagiante; é tudo matador, sem enchimento. revelando sua cumplicidade voluntária em suas circunstâncias como guitarras deslizantes escaldantes e caixa tensa rasgando o centro. A beleza de Promised Land or Bust é que M&A abordam o espiritual e o carnal como inseparáveis, unidos em seu som turbulento, comovente e contagiante; é tudo matador, sem enchimento.

Muse: um rock alternativo mas muito apreciado (Drones)

      

O rock não seria o mesmo sem o contributo que a banda britânica Muse veio dar. Com um estilo alternativo, por vezes até considerado progressivo e hard rock, os Muse já editaram uma série de álbuns, arrecadaram prémios e conquistaram uma legião de fãs por todo o mundo.

Mesmo que não seja fã da banda é bem possível que já tenha ouvido as músicas dos Muse em bandas sonoras de filme, na rádio ou até mesmo na televisão. Músicas como Starlight e Supermassive Black Hole são apenas algumas das mais aplaudidas pelos fãs da banda.

Em 2016, os Muse partem num novo tour pelo mundo e prometem fazer uma paragem em Portugal para apresentar Drones, o mais recente álbum. Entretanto, para aquecer para o concerto, porque não recordar a história desta banda? Aproveite ainda para assegurar o seu bilhete antes que esgote.

Muse: as várias facetas da banda

Os Muse são uma banda rock britânica formada em 1997, em Teignmouth, Inglaterra. Matthew Bellamy (guitarrista e vocalista), Chris Wolstenhome (baixista) e Dominic Howard (baterista) são os elementos fundadores e atuais do projeto que nasce simplesmente da vontade de três amigos de tocar em conjunto.

No entanto, antes de se fixarem como Muse, estes três amigos passaram por algumas transformações de nome e de alinhamento, intitulando-se inicialmente Gothic Plague e chegando a contar não com 3 mas sim com 13 elementos! Já com a sua designação atual, o grupo grava, logo em 1997, um EP homónimo lançado pela editora Dangerous Records. Um ano depois regressam com Muscle Museum que, com a sua sonoridade ao mesmo tempo agressiva e emotiva, capta a atenção do público e da crítica.

Depois de uma participação no festival CMJ, em Nova Iorque, os Muse assinam um contrato discográfico com a Maverick Records. Em 1999 surgem os hit-singles Cave e Uno, que abrem caminho para o aclamado álbum de estreia, Showbiz, editado no final desse mesmo ano.

Em 2001 o grupo está de volta com o seu conjunto de originais intitulado Origin of Symetry. Com este trabalho, os Muse afirmam-se definitivamente como uma das bandas rock mais populares da atualidade pela forma como conseguem aliar à potência dos seus riffs uma panóplia de sonoridades que incluem melodias de órgãos de igreja ou ainda sintetizadores.

Sucedem-se cinco álbuns, que mais do que comprovar o lugar dos Muse no género rock, nos trazem nova música e êxitos que são hoje clássicos. Em 2003, chega-nos Absolution, que marca a diferença por incorporar influências clássicas, nomeadamente uma orquestra, como podemos atestar na música Butterflies and Hurricanes.

Três anos mais tarde, é a vez de Black Holes and Revelations que se afasta das influências clássicas do trabalho anterior para se encaminhar para o pop e electro. No álbum The Resistance, lançado em 2009 e em The 2nd Law, editado em 2012, a banda aposta fortemente num estilo mais ativista, usando as suas letras para falar de opressão e criticar o Governo.

 O álbum Drones é lançado em 2015, marcando o regresso da banda à sonoridade mais pesada que marcou o seu início.

Carl Palmer fala sobre Emerson, Lake e Palmer

O baterista da superstar banda de rock progressivo tinha planos de se reunir com Keith Emerson

Foto de Michael Inns

[Nota do editor: esta entrevista ocorreu após a morte de Keith Emerson, mas antes da morte de Greg Lake. Quando ele anunciou a turnê de 2017 do ELP Legacy de Carl Palmer, ele disse: “Sentirei profundamente a falta de Keith e Greg, ambos os quais o mundo perdeu em 2016. Agora cabe a mim continuar hasteando a bandeira do ELP e estarei tocando essa ótima música com minha banda por muitos anos. A manifestação de apoio dos fãs do ELP tem sido incrível, então eu senti que devia isso a eles para continuar a música que fizemos como um grupo.”]

Havia basicamente uma pergunta não dita entre muitos fãs de rock clássico quando Keith Emerson infelizmente tirou a própria vida em março de 2016: Se ele não tivesse morrido, Emerson, Lake & Palmer poderiam ter tocado juntos novamente?

“Não, não”, insiste o baterista Carl Palmer . “Nosso último show foi em 2010, 25 de julho, no High Voltage Festival [no Victoria Park de Londres]. Decidi depois daquele show em particular que o grupo realmente não conseguia atingir o padrão que tocávamos antes e, por esse motivo, achei que deveríamos parar, porque havíamos ensaiado por cinco semanas e simplesmente não conseguíamos chegar lá. Minha filosofia sempre foi que, se você não consegue jogar com o padrão que já produziu, deve parar. Se você pode aguentar e está realmente melhorando, isso é ótimo. Infelizmente a ELP não conseguiu fazer esse padrão…. Em parte porque Keith estava tendo problemas com a mão.

“Então, enviei um e-mail cerca de uma semana depois, dizendo, olha, eu não poderia mais fazer isso”, diz ele. “E acho que foi certo pararmos e basicamente todos concordaram. O único que realmente não concordou foi Greg Lake. Mas Keith entendeu. Acho que poderíamos ter continuado e usado um tecladista auxiliar e outro guitarrista, o que teria sido uma boa ideia, muitas grandes bandas fazem isso. Mas não fomos por esse caminho. Mas eu sugeri isso. Acho que Greg Lake não estava muito interessado nisso na época.”

Carl Palmer fala como toca bateria: entrega rápida, precisa e detalhada com um bom soco. E ele revelou em uma conversa telefônica rápida, mas convincente, enquanto viajava por Nova Jersey entre o primeiro e o segundo show de sua atual turnê nos Estados Unidos, que se seu ex-colega de banda Emerson não tivesse morrido, teríamos visto os dois tocarem juntos novamente.

“Definitivamente íamos fazer este ano, um ou dois concertos. Um com certeza ”, diz Palmer. “Ele estava indo para o Japão em maio e já tinha feito vários clipes que colocou no YouTube falando isso. E foi o caso dele voltar e decidir em quais datas ele gostaria de se juntar a nós. E foi assim que deixamos.

ELP no palco em seu auge (Foto via emersonlakepalmer.com)

Os dois terços da banda que ajudaram a fazer do rock progressivo um estilo de encher estádios haviam trocado e-mails apenas algumas semanas antes do último dia de Emerson. “O que aconteceu foi do nada. Não percebemos a gravidade do problema que ele tinha”, diz Palmer.

“Acho que ele estava apenas preocupado com seu orgulho, e isso era um problema”, Palmer pondera sobre o eterno mistério de por que alguém tira a própria vida. “Ele era um bebedor pesado. Acho que a mistura de tudo isso era bastante tóxica. Ele também estava deprimido. Quem sabe o que vai acontecer nessas condições? Infelizmente isso aconteceu. Muito a lamentar com a tragédia que aconteceu.”

Uma maneira de Palmer lidar com sua dor é fazendo sua turnê com o ELP Legacy – sua banda nos últimos 16 anos – uma homenagem a Emerson, Lake e Palmer. Mas não espere ouvir a música do ELP enquanto o trio superstar tocava, com os teclados de Emerson na frente e no centro. É uma banda de guitarra, baixo e bateria, e Palmer não tem interesse em reformar o terreno antigo.

“Podemos criar um pouco dessa nostalgia, se quisermos. Mas é diferente”, insiste. “Não há necessidade de tentar reproduzir o que o ELP já fez. Parecia uma maneira muito melhor de ir com guitarras. É completamente diferente, e deveria ser. Deve mostrar a versatilidade da música e o que pode ser feito com ela. Keith foi totalmente a favor disso. Além disso, se Emerson tivesse se juntado a eles, “não há teclados na banda e ele entraria com seus teclados”.

Os teclados foram uma grande parte da mixagem quando Palmer saúda seu colega de banda com um show especial em Miami, Flórida, em 24 de junho de 2016, no The Olympia Theatre. Ele tocou a obra-prima de Emerson, Lake & Palmer, "Pictures at an Exhibition", com o colega pioneiro do rock progressivo Mark Stein, do Vanilla Fudge, nos teclados e o ex-guitarrista do Genesis, Steve Hackett. Além de uma companhia de dança contemporânea, que era outra variação do tema da performance – e para o ELP, a apresentação e a performance eram quase tão essenciais quanto a música – que Palmer e Emerson haviam discutido sobre fazer.

Assista  a uma performance da interpretação do ELP de “Fanfare for the Common Man” de Aaron Copland daquele evento

“Há muitos anos, conversamos sobre ter um grupo dançando 'Pictures at an Exhibition' ou em várias seções dela”, relata ele. “E possivelmente também haverá um coral se apresentando no show.” A presença de Hackett também evoca outras possibilidades nunca exploradas.

“Provavelmente teríamos um guitarrista principal no ELP se pudéssemos encontrar um”, diz Palmer. “Naquela época, nunca conseguimos encontrar um.” (Infelizmente, o antigo boato de ELP quase unindo forças com Jimi Hendrix em 1970 como HELP é apenas isso - um boato.)

Carl Palmer (Foto: Michael Inns)

Ironicamente, Palmer - que pegou a estrada do rock pela primeira vez com o Crazy World of Arthur Brown em 1969 e depois formou a banda Atomic Rooster - estava um pouco relutante em se juntar a Emerson (que já havia feito sucesso com sua banda The Nice) e Lake (que foi um dos fundadores do King Crimson). “Sim, está correto,” ele admite. “Só porque eu tinha minha própria banda, Atomic Rooster. E estávamos indo excepcionalmente bem.

Mas o que o conquistou para o ELP foi como “realmente funcionava bem quando tocávamos juntos. Nós simplesmente não éramos muito bons como indivíduos em socializar e estar uns com os outros. Mas quando jogamos resolveu os problemas. Quando não tocávamos, tínhamos problemas”, diz, rindo dos conhecidos conflitos da banda nos bastidores.

Depois que Emerson, Lake e Palmer se separaram em 1979, Palmer teve outra corrida no topo do rock na década de 1980 com o supergrupo de segunda geração Asia. E então o ELP deu mais algumas rodadas.

Ao longo dos anos, Palmer tem sido um ávido colecionador de obras de arte - ele foi um dos primeiros compradores de pinturas da lenda posterior David Hockney - bem como de antiguidades e outros objetos de arte. “Estou sempre olhando para os artesãos de hoje e de ontem”, diz ele.

Ele também desenvolveu seu próprio método para criar pinturas abstratas com base em seu trabalho com baquetas como baterista. “Comecei em 73 quando estava experimentando lâmpadas presas na ponta das baquetas e um cabo até uma bateria no chão, e chamei um fotógrafo amigo meu para tirar algumas fotos”, explica ele. “Bem, avancemos 40 anos e foi aí que desenvolvemos a baqueta de LED, e foi assim que comecei a avançar. Temos agora o que considero ser a primeira forma de arte cruzada – fundimos a pintura tradicional e a eletrônica da luz em uma forma de arte contemporânea própria.” Seu trabalho pode ser visto e adquirido em carlpalmerart.com .

Com mais de 50 anos de bateria de rock profissional em seu currículo - "E ainda há muitos quilômetros a percorrer" - Palmer acha "muito, muito difícil escolher" um ou dois momentos favoritos. “Eu acho que quando qualquer tipo de banda européia vem para a América e você toca no Madison Square Garden, nos anos 70, era realmente um grande evento. Toquei para muito mais pessoas do que no Madison Square Garden mais tarde em minha carreira. Mas esse foi um momento bastante agitado. Esse sempre ficou comigo.

Palmer assina sua obra de arte

“Além do Estádio Olímpico de Montreal. Acho que foram 78.000 [pessoas]. Você sabe, há o California Jam, que estava perto de 200.000 pessoas. São todos momentos mágicos, todos diferentes e significativos no que eram na época”, diz Palmer.

“Eu apenas vivo para o próximo todos os dias. Apenas esperando o próximo momento chegar.” ele diz. “Gosto do que faço. Vou fazer isso até não conseguir sair da cama, é assim que vejo. Para mim, é apenas algo que, como faço isso há tanto tempo, não consigo imaginar que não. Obviamente, se ainda estou melhorando – e acho que estou; Acho que ainda está lá, o que me deixa meio satisfeito – vou continuar.

“E mesmo que eu não melhore e consiga manter meu padrão, estou lá”, conclui Palmer, nascido em 20 de março de 1950. “No minuto em que fico atrás da linha de base e não estou produzindo, Vou simplesmente desaparecer e parar.

 

Gladys Knight: verificando todas as caixas

Os grandes perduram, e Gladys Knight tem sido uma das maiores, marcando quase todas as caixas imagináveis ​​que um artista musical pode alcançar, como líder de seu grupo de canto, Gladys Knight & the Pips, e como artista solo. Prêmio Grammy? Verificar. Sete deles, na verdade. Sucessos pop número um? Verificar. Dois desses. Singles de R&B número um? Ha! Dez deles! Álbuns número um? Ela liderou a parada de R&B quatro vezes. Performances icônicas? Por onde começar?

Bem, você pode começar com seu cover de 1967 de “I Heard it Through the Grapevine” com os Pips, que mais tarde foi introduzido no Grammy Hall of Fame. Você pode então passar para “Midnight Train to Georgia” de 1973 e “Best Thing That Ever Happened to Me” de 1974. E depois há a gravação inspiradora de 1985 que ela fez com outros ícones Dionne Warwick, Elton John e Stevie Wonder, “É para isso que servem os amigos”. O sucesso foi classificado como o single nº 1 nos Estados Unidos em 1986.

Tema do filme Bond? Verificar. Isso foi para License to Kill, de 1989 . Em 1995, ela foi homenageada com uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. Ah, e não se esqueça da entrada de Gladys Knight & the Pips em 1996 no Hall da Fama do Rock and Roll.

Nascido em Atlanta, Geórgia, em 28 de maio de 1944, Knight começou a tocar música gospel aos quatro anos na Mount Mariah Baptist Church e cantou como solista convidado com o Morris Brown College Choir. Ainda jovem, ela ganhou o grande prêmio no programa de TV Ted Mack's Amateur Hour .

Pouco depois, em 1952, sua mãe Elizabeth Knight criou o grupo formado por Gladys, seu irmão Bubba, sua irmã Brenda e seus primos William e Elenor Guest, e se autodenominaram Pips em homenagem ao primo/empresário James “Pip”. Bosques.

Gladys Knight & the Pips, em uma foto sem data através de sua página no Facebook

Em 1959, Brenda e Elenor deixaram o grupo, sendo substituídas pelo primo Edward Patten e pelo amigo Langston George. O grupo foi renomeado para Gladys Knight & the Pips e, após a saída de George em 1962, a formação clássica estava em vigor.

O grupo lançou seu primeiro álbum em 1960, quando Knight tinha apenas 16 anos. Com Knight cantando como líder e os Pips fornecendo harmonias exuberantes e coreografia graciosa, o grupo teve um sucesso significativo, com uma incrível sequência de singles de ouro em meados da década de 1970.

O primeiro hit pop # 1 de Knight (e quarto R&B no topo das paradas) tornou-se sua música de assinatura. "Midnight Train to Georgia" foi escrita por Jim Weatherly, que escreveu muitas de suas canções, incluindo "Best Thing That Ever Happened to Me". A canção rendeu a seu grupo o prêmio Grammy de Melhor Performance Vocal de R&B por Duo ou Grupo com Vocais.

Essas duas canções estavam entre os quatro singles nº 1 de R&B que Gladys Knight & the Pips ganharam em um período de 14 meses de 1973-74.

Knight voltou ao topo das paradas pop em 1985, quando se juntou a Stevie Wonder, Elton John e Dionne Warwick em "É para isso que servem os amigos". Ela e Wonder cantaram juntos novamente para o álbum Frank Sinatra Duets II , juntando sua voz para a música "For Once in My Life" em 1994.

Knight apareceu como jurado convidado no American Idol da TV e se apresentou no final sempre repleto de estrelas do programa. Ela atuou em inúmeras séries de TV aparecendo, como ela mesma, em 30 Rock , The Jeffersons e  The Muppet Show , entre outros.

Em 1977, os Pips apareceram no (muito) curto The Richard Pryor Show , onde apresentaram um de seus maiores sucessos. Sem Cavaleiro.

Knight lançou cerca de 50 LPs ao longo dos anos, incluindo álbuns de estúdio, ao vivo e compilações.

Em 1999, ela estreou na Broadway no musical de sucesso Smokey Joe's Café .

Knight publicou uma autobiografia, Between Each Line of Pain and Glory (uma linha tirada de sua gravação de um milhão de cópias "Best Thing That Ever Happened to Me"), em 1997. Em 2004, ela recebeu o Lifetime Achievement Award no BET Awards anual. cerimônia. Ela foi introduzida no Rhythm and Blues Hall of Fame em 2017.

Assista a Knight and the Pips tocar “I Heard it Through the Grapevine” em 1969, do  documentário Summer of Soul

Encerramos nossa apreciação com outra versão ao vivo de “I Heard it Through the Grapevine”, desta vez com ela e os Pips no  The Ed Sullivan Show em 29 de março de 1970

Lembrando Barry White e Love Unlimited

 

O falecido cantor, compositor e produtor de R&B  Barry White lançou seu primeiro álbum solo com a 20th Century Records em 1973. Apoiando seu trabalho ao longo de seus sete anos com a gravadora estava a Love Unlimited Orchestra, um conjunto de 40 integrantes conduzido pelo próprio White. Seu maior single, "Love's Theme", de 1973, alcançou o 1º lugar nos Estados Unidos e o 10º no Reino Unido.

White também produziu lançamentos para a gravadora do trio vocal feminino Love Unlimited, cujo single de 1975 "I Belong To You" alcançou o primeiro lugar na parada de singles de R&B da Billboard .

Seu "You're the First, the Last, My Everything", lançado em 1974, finalmente alcançou o segundo lugar na parada pop.

Em 2019, a Mercury/UMe lançou uma nova caixa, Love Unlimited Orchestra: The 20th Century Records Albums (1973-1979) .

O programa de relançamento Barry White/20th Century Records da Mercury/UMe foi lançado em 2018 com lançamentos em caixas dos álbuns solo remasterizados de White e singles de sua gestão com a gravadora. Diz um comunicado à imprensa: “Quinze anos desde sua morte prematura em 2003, aos 58 anos, a campanha global homenageia a lendária carreira de White restaurando esses álbuns clássicos e apresentando-os juntos”. Infelizmente, todos eles já parecem esgotados.

White nasceu Barry Carter em 12 de setembro de 1944, em Galveston, Texas. Ele descobriu o Love Unlimited em 1972 e logo desenvolveu a Love Unlimited Orchestra. Os músicos acompanharam as canções feitas pelo grupo feminino, bem como suas próprias gravações.

Ouça “Love Theme”

No final das contas, ele ganhou seis singles pop no Top 10 e 14 na parada de R&B, seis dos quais alcançaram o primeiro lugar.

White estava acima do peso e teve vários problemas de saúde ao longo de sua vida adulta. Enquanto aguardava um transplante de rim em 2003, ele sofreu um derrame. Ele morreu logo depois, em 4 de julho. Ele foi premiado com uma estrela, postumamente, na Calçada da Fama de Hollywood em 2013.