O primeiro álbum da Nina Hagen Band teve seu pequeno efeito, traduzindo-se em ótimas vendas na Alemanha e genuína adulação no meio da contracultura. No entanto, quando chega a hora de gravar um sucessor, nada acontece, as relações entre a cantora e seu grupo são execráveis. O ego dos músicos suporta bastante que apenas Nina está sob os holofotes. Ao mesmo tempo, dado o nome do grupo, eles deveriam saber. Eles também o criticam por seguir sozinho em projetos paralelos (cinema, performances). Isso toma tais proporções que parece que as duas facções gravaram seus jogos separadamente. Se eles não tivessem um contrato para gravar um segundo álbum, é até possível que Unbehagen(desconforto em alemão, título das circunstâncias) nunca teria visto a luz do dia.
E isso teria sido uma pena! Para nós, claro, mas também para o grupo que vai com “African Reggae”, que abre o álbum, experimentar o seu primeiro – e único – sucesso internacional. O nome fala por si, é um Reggae. Africano, não sei, mas certamente fascinante. A produção é enorme, com reverberação na medida certa, e homenageia perfeitamente o talento dos músicos. Neste tapete luxuriante e confortável, Nina arrota, vocaliza, yodeles, em suma, faz seu Hagen das grandes noites. "Alptraum" volta ao Rock com a guitarra afiada de Bernhard Potschka para um mid-tempo bem agradável com uma Nina bem iluminada como a gente gosta. Não é o mais memorável do grupo, mas o suficiente para nos manter felizes. Assim como eles adaptaram um título de The Tubes para o alemão, eles fazem o mesmo com uma das cantoras americanas Lene Lovich com quem Nina simpatizava. E “Lucky Number” torna-se assim “Wir leben immer… noch”, um Rock cativante que já mostra a influência da então nascente New Wave.
Encontramos então uma versão ao vivo de “Wenn Ich Ein Junge Wär”, uma canção alemã dos anos 60 que mantém o seu lado inocente e retro rock, cujo interesse é sem dúvida preencher o álbum. A excelente "Herrmann Hiess Er" é sem dúvida o outro destaque de Unbehagen. Depois de uma introdução misteriosa, é um Rock furioso e cativante que nos é oferecido e onde cada um está no seu lugar. Um título que o grupo já executava antes de seu afastamento e isso é entendido pela falta de conexão de outras peças do álbum. Rock 'n' Roll com molho Post-Punk, "Auf'm Rummel" está em total consonância com os títulos mais mordazes do primeiro álbum, ainda que lhe falte um bocadinho para ser tão cativante como um “Rangehn”. Punk impulsionado, "Wau Wau" é ainda mais louco do que o habitual com seus ruídos de animais e Nina que pensa que é uma Minnie Mouse possuída. Paródia do rock adolescente do início dos anos 60, "Fall in Love mit Mir" oscila entre a farsa e a abordagem artística, mas a performance do grupo é mais uma vez irrepreensível. Terminamos com "No Way",
Se fica um pouco abaixo do primeiro álbum pelas circunstâncias (sentimos as duas partes nem sempre em osmose), Unbehagenpermanece altamente recomendável para os fãs de Barred Rock e é um dos sucessos da carreira muito irregular de Nina Hagen. Inquestionavelmente, é lamentável que a relação entre a cantora e seus músicos tenha se deteriorado. Por um lado porque o álbum teria sido reforçado com mais títulos do nível de "African Reggae" e "Herrmann hiess er", por outro porque os quatro músicos do grupo eram excelentes intérpretes e compositores muito convincentes, algo que Nina álbuns posteriores muitas vezes faltariam. O álbum é apesar de tudo um sucesso ainda maior que o anterior, levado pelo seu single, e ofereceu a Nina a carreira internacional que conhecemos. Quanto aos outros, continuaram a aventura sob o nome de Spliff que viria a produzir vários discos na primeira metade dos anos 80.
Títulos: 1. African Reggae 2. Alptraum 3. Wir leben immer… noch (Lucky Number) 4. Wenn ich ein Junge wär 5. Herrmann hiess er 6. Auf'm Rummel 7. Wau Wau 8. Fall in Love mit mir 9 .No Way
Músicos: Nina Hagen: Vocais Bernhard Potschka: Guitarra Reinhold Heil: Teclados Manfred Praeker: Baixo Herwig Mitteregger: Bateria
Agora formado como um duo, Edenya vem até nós de Montgeron, França. Como toda banda, sua formação sofreu mudanças ao longo desses 6 anos de carreira, mas atualmente são formados por Marco (guitarras, sintetizadores, piano e produção ) e Clélia Lenoble (voz e backing vocals). Edenya tem um EP e dois álbuns em seu currículo, sendo “Another Place” o segundo. Chama a atenção o fato de o álbum ter sido nomeado exatamente como a última música de seu EP "Edenya"
, do ano de 2017. Com um total de 10 temas com a duração de 51:37 minutos, é um álbum com uma variedade de sonoridades que vão desde o atmosférico, passando pelo pós-rock e folk. Está disponível a partir de 13 de janeiro na gravadora M&O e nas plataformas digitais.
A viagem musical começa com “Impossible Meeting”, uma faixa instrumental com uma bela guitarra acústica à qual se juntam mais cordas com violinos e belas harmonias vocais com uma voz que quase descreveria como “sereia”. Todos os elementos proporcionam uma sensação muito relaxante e pacífica.
Com as primeiras notas da guitarra elétrica de Marco e as batidas da bateria de Julien Perderau (músico convidado), “Somewhere in my dreams” começa.e então ouve-se a voz de Clélia, agora cantando alguns versos sobre a esperança e a ilusão de encontrar aquele amor que muitos consideram ser "uma alma gêmea". Ele fala do ponto de vista de um homem ou de uma mulher, ele é intercambiável, o importante é que ele tenha um tom jubiloso e muito sonhador, claramente. “Em algum lugar nos meus sonhos. Em algum lugar do meu coração. Em algum lugar da noite. Procurando os sinais. Sempre que eu sonho Sempre que eu durmo Estou ansioso por este encontro. Você e eu. Quando vamos nos encontrar? Um rei para uma rainha. você existe? Na realidade? Quando vou tocar em você? Anseio por ti."
Isso me lembra um pouco a música de “Precious Illusions” de Alanis Morissette ,(As gerações mais novas podem não saber, então procurem se tiverem curiosidade) por causa do tema e do vídeo, que é sobre um romance idílico. A voz de Clélia tem um timbre lindo, e junto com a guitarra e a bateria dão um ar de pop-rock que resulta numa música muito bonita.
Continuando para o terceiro tema com “A Árvore”,Ouço alguns teclados e uma guitarra produzindo um som que soa um pouco como um loop e a voz de Lenoble canta sobre um homem que dorme sentado na sombra de uma árvore enquanto as folhas caem e sonha com uma canção, tempos nostálgicos, voltando a um tempo onde ele era feliz. A atmosfera desta faixa é perfeita para evocar isso: os sintetizadores e a voz que sobe para um agudo que desaparece pouco antes dos sons doces dos sintetizadores, como uma flauta e uma harpa.
Até este ponto, antes da quarta música, estou convencido de que este será o tom do álbum e estou pronto para ouvir o que vem a seguir. Sempre fico um pouco surpreso quando não ouço bandas cantando em sua língua nativa, mas esperava algo alcestesco e Clélia cantando em francês.
Não podia estar mais longe daquela tranquilidade nostálgica que já me fez beber um delicioso café enquanto relaxava no sofá se arrisca com o tema disruptivo de "Inside your walls"começa com o baixo e a bateria de Julien para dar lugar à voz de Clélia. Soa como um baixo no início, seguido por perseguições e a voz doce. Esta música é a mais longa do álbum com duração de mais de 9 minutos. À medida que avança e ouço a letra, percebo as mudanças que tem porque fala daquilo que soa como uma despersonalização num indivíduo que, por um lado, se desculpa por ter esquecido o "outro", enquanto este "outro" que por outro lado, meu entendimento nada mais é do que sua parte oposta, afirma que ele esqueceu seu nome e não reconhece seu amigo, portanto há uma luta interna sobre o que ele realmente sente. Mas o conflito é certo e tudo se desenrola uma após a outra: “Você é um mentiroso, um traidor. A liar, a traitor” e então vem um super solo de guitarra de rock progressivo. Que bela execução do Marco e que grande sonoridade para romper com essa linha que o álbum carregou até agora. Parece que você está ouvindo outra banda com esse solo. E Julien não fica atrás, entregando exatamente a mesma potência nas percussões. Então o violão soa e a doce voz de Clélia volta com a contraparte que quer se desculpar com a amiga esquecida. Sua harmonia vocal evoca sentimentos de tristeza e implorando por perdão. Para complementar vem a dupla infalível de violino e piano. E para encerrar, Mario e Julien voltam com seus respectivos instrumentos. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. Parece que você está ouvindo outra banda com esse solo. E Julien não fica atrás, entregando exatamente a mesma potência nas percussões. Então o violão soa e a doce voz de Clélia volta com a contraparte que quer se desculpar com a amiga esquecida. Sua harmonia vocal evoca sentimentos de tristeza e implorando por perdão. Para complementar vem a dupla infalível de violino e piano. E para encerrar, Mario e Julien voltam com seus respectivos instrumentos. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. Parece que você está ouvindo outra banda com esse solo. E Julien não fica atrás, entregando exatamente a mesma potência nas percussões. Então o violão soa e a doce voz de Clélia volta com a contraparte que quer se desculpar com a amiga esquecida. Sua harmonia vocal evoca sentimentos de tristeza e implorando por perdão. Para complementar vem a dupla infalível de violino e piano. E para encerrar, Mario e Julien voltam com seus respectivos instrumentos. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. Então o violão soa e a doce voz de Clélia volta com a contraparte que quer se desculpar com a amiga esquecida. Sua harmonia vocal evoca sentimentos de tristeza e implorando por perdão. Para complementar vem a dupla infalível de violino e piano. E para encerrar, Mario e Julien voltam com seus respectivos instrumentos. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. Então o violão soa e a doce voz de Clélia volta com a contraparte que quer se desculpar com a amiga esquecida. Sua harmonia vocal evoca sentimentos de tristeza e implorando por perdão. Para complementar vem a dupla infalível de violino e piano. E para encerrar, Mario e Julien voltam com seus respectivos instrumentos. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra. A guitarra parece ocupar o centro do palco com essas notas quase no final. Maravilhoso, do início ao fim. Antecipo que será um dos favoritos de quem ouvir esta obra.
E como depois de toda tempestade, a calma volta com a quinta música de “I Hope”. Um belo violão e teclados carregam a melodia enquanto as falas de Clélia contam sobre a perda de um ente querido e a esperança de acreditar que estão no céu. E é aqui que esta autora sente o coração partido por se lembrar de uma amiga que partiu há uns anos e de quem sinto saudades todos os dias. Um consolo para a mente é como eu o descreveria. Aqui está o link do vídeo oficial:
“Garden” é uma peça instrumental curta com um piano e cordas calmos, muito atmosférico e melancólico, perfeito para ler um trecho do seu livro favorito ou assistir ao pôr do sol.
A sétima música, "Another Place",Começa com os teclados e alguns sons ambientes lentos. A voz de Lenoble, aquela voz que às vezes é hipnotizante, oferece alguns vibratos agradáveis enquanto ele canta o que soa como uma resposta a “I Hope”. Nesta música, eles falam sobre palavras de encorajamento para um ente querido que fica para trás: “Aceite o fim, você tem que ceder. Você tem que me deixar ir." Que direito eles acham que têm de apertar meu coração de novo? Permito apenas porque a guitarra elétrica já está tocando e os vocais são mais fortes em um crescendo a par da guitarra de Mario, enquanto a bateria e os sintetizadores fornecem o suporte perfeito. Apesar de ter gostado da voz da Clélia ao longo de todo o álbum, acho que entre os graves e a forma como canta os agudos, a sua voz destaca-se neste. "O abrigo"abertura com guitarra elétrica e teclados. Nisso a voz tem um pouco mais de efeito que a faz ressoar mais como um eco. A letra parece perder o fio com os temas anteriores, pois fala sobre buscar refúgio dos horrores do mundo porque "Os demônios estão perto da porta". Isso me faz pensar na guerra que estamos vivendo este ano. E para intensificar a aura da música, a percussão e a guitarra explodem novamente num som bem prog rock, um bom riff e umas batidas bem ritmadas, depois um baixo discreto irrompe e todos juntos, inclusive a voz, escalam para um tom mais som estridente e saturado que intensifica o terror e o desespero. Mais uma vez, Marco destaca o quão bem ele toca seu instrumento e o quanto ele certamente gosta de soar assim.
A penúltima música de “The Other Side” abre com um violão e uma letra que fala sobre o cansaço e a sensação de que você está sonhando acordado, sem ter certeza de que está aqui. Mas aqui, quase no meio da música, tem uma sonoridade bem diferente das anteriores tanto e é uma grata surpresa: alguns teclados que soam como um solo de saxofone, enquanto a guitarra oferece sons deliciosos bem do Oriente Médio e a bateria ele faz seu lance para fortalecer essa passagem que culmina com um solo e algumas notas bem rápidas que vão sumindo aos poucos. Me deixar irmarca o encerramento com algumas letras sinceras sobre o adeus final e a tristeza que vem com o abandono de quem amamos. Toda a atmosfera só é intensificada pela guitarra elétrica, os teclados e todos os sons atmosféricos que enchem os ouvidos enquanto a melancólica sereia Clélia canta “Deixe-me ir. Confie em mim. Eu vou continuar. Minha alma viverá." Haverá um final melhor para este álbum? Não acredito.
“Another Place”é uma jornada bastante emocional do começo ao fim. Pessoalmente, acho que é um disco que parece conectado em todos os aspectos e que todos os seus elementos são coerentes. Cada uma de suas canções evoca emoções e talvez até memórias em cada um que as ouve. É um álbum que vai fazer você sonhar acordado e dar consolo quando você precisar se refugiar em melodias que tocam aquelas partes sensíveis do seu ser, porque todos nós podemos nos relacionar com o amor, a perda e a angústia tão inerentes à nossa bela condição humana. Para os fãs de: Iamthemorning, Anneke Van Giersbergen, Lunatic Soul, Enya.
Edenya são: Marco: Guitarras, sintetizadores, piano, produção
Clélia Lenoble: Vocais e backing vocals
Músicos convidados:
Julien Perdereau: baixo e bateria
Juliette Carradec: violinoSophie Clavier: backing vocals na música 5
Kong, banda de rock industrial progressivo e metal de Amsterdã, já lançou em 2023, seu nono álbum de estúdio chamado “Traders of Truth”. Ela é conhecida por criar uma mistura vanguardista de rock, eletrônico e industrial. Quase toda a sua música de Kong é instrumental, e os únicos vocais são uma mistura eclética de samples. Como característica própria, ele adota uma abordagem quadrofônica em seus shows: as apresentações ao vivo são tocadas em uma configuração quadrifônica, com cada membro da banda tendo seu próprio palco independente e sistema de PA. A ideia da configuração quadrifônica ao vivo surgiu de um de seus primeiros shows. Na noite de abertura de uma exposição de arte em uma casa de banho ocupada em Amsterdã, havia muito pouco espaço para a banda tocar junto, então cada membro da banda estava em um canto diferente da sala, com seu próprio palco e sistema de som. Acabou sendo um arranjo mais do que interessante e criou uma experiência estranha para o público. Eles seguiram a mesma abordagem para seu próximo show no Melkweg em Amsterdã, e gradualmente o layout de quatro palcos se tornou uma das características mais reconhecíveis deles.
Um anúncio bem distorcido de “Radiance” inicia-nos nesta viagem contundente, imediatamente atormentada por bons grooves e dissonâncias. Um ar de suspense nos intercepta para respirar um pouco, mas as texturas se entrelaçam sem muita espera para recomeçar com peso. A bateria mantém um bom ritmo, e uma atmosfera poderosa é alcançada a cada riff apresentado. Assim, sem maiores intervenções, temos “Hit That Red” , que nos arrebata com um andamento um pouco mais animado. As polifonias se cruzam, formando construções musicais difíceis de assimilar por alguns momentos, mas o ouvido consegue se adaptar conforme os compassos vão passando. Aqui há ritmos suportáveis bem batidos para que o gênero fique bem definido. “Fringing”leva tempo para começar, com uma série de sequências convincentes que desenvolve seu potencial. Ele se eleva a um grande potencial e intensidade. As trocas estruturais o tornam interessante, e é uma jornada cheia de surpresas. "Rök" já tem desde a sua entrada, um baixo melódico e ajustado a sucessões sonoras bem selecionadas. O riff de guitarra dá-lhe aquela força necessária para que mais dispositivos sejam adicionados a esta vertiginosa série de ideias consonantais. É um turbilhão imensamente criativo que desdobra toda a sua energia em eufonias sobrepostas onde a percussão conduz a base principal.
“Mirrorizon”parece mudar um pouco o estilo, porém seu ímpeto é praticamente o mesmo.São liberadas múltiplas células melódicas e harmônicas que transitam sob vários sons sintetizados.Tudo isso, até definhar rumo ao seu inevitável fim, conectando-se com“Glasslands”, que começa de forma experimental e misteriosa.O andamento inevitavelmente cai, e um após o outro, os arpejos são adicionados, sempre mantendo o premeditado clima de laboratório.Cadeias pouco inspiradas são cruzadas, mas laboriosamente separadas.Agora, com um pouco mais de veemência,"Estripador" nos é exposto., que altera o modo tonal e as harmonias.Após o baixo introdutório, a guitarra toma as rédeas com a percussão assídua, e atrai todas as atenções possíveis.É uma fusão de passagens bem formadas e precisas umas com as outras.“Chaos as Las”parece ter a mesma dinâmica, aparece com vigor e não se limita a se expressar livremente entre todas as suas atmosferas.É uma pintura com vários matizes solícitos, e nos surpreende em meio a tanto delírio, um solo sólido e suculento, para nos levar inevitavelmente à conclusão.
Em “Stray Marks” é possível apreciar uma certa chuva de imagens que se movem sem cessar. Atinge deliberadamente, a mente, desde o tímpano, até a vibração do corpo. É uma infinidade de caminhos rumo ao desconhecido e baluartes certos que só se ouvem nestes pouco mais de quatro minutos. "Flat Earth Sobriety" como a penúltima faixa, lentamente se apresenta a nós, à medida que avança, o baixo se mistura com variantes sonoras. Ao fundo, destacam-se algumas frases que lhe conferem qualidades diversas. Ele se sente conectado com “Destressed & Unrestricted”imediatamente, quase sem fôlego. O resultado desta portentosa e substancial obra já está previsto nos primeiros minutos. Desdobra-se com habilidade e uma montagem muito natural. Os sintetizadores de fundo são percebidos com delicadeza, e uma furtividade contínua transcende os arpejos e riffs até chegar ao último estágio de tudo.
Conclui-se definitivamente que se trata de um trabalho excepcional, com a formação atual de Tijs Keverkamp e David Kox nas guitarras, Mark Drillich no baixo e Oscar Alblas na bateria. Eles mantiveram sua essência inicial e, talvez sem a intenção de se mudar para outro lugar por gosto ou paixão, voltaram a produzir arte autêntica. Embora alguns digam que não, a arte ainda pode ser vendida e continuar fazendo sucesso, além de querer repetir certas fórmulas. Inevitavelmente nove anos se passaram, e todo esse tempo ele manteve a banda com algum material inédito com sua originalidade e particularidade únicas em suas mãos, hoje entre nós, claro. O álbum é bem equilibrado, com algumas partes mais calmas quando necessário, e um pouco mais de foco no eletrônico ou psicodélico. Apesar da consistência estilística, os temas tornam-se variados e diferentes. Uma joia.
Sempre considerei que quem gosta do gênero progressivo tem uma personalidade muito mais sonhadora e imaginativa do que outros amantes da música que ouvem gêneros diferentes. Sim, soa muito esnobe mas deixa-me dizer-te porque penso assim…
Lembras-te da primeira vez que ouviste um álbum que te interessou desde os primeiros minutos, fechaste os olhos e começaste a sentir a música, ao ponto de sua imaginação começou a criar uma história já projeta um filme mental? Bem, é uma sensação que eles repetiriam se ouvissem esta obra.
Este álbum vem da distante e fascinante Escandinávia. Noruega, para ser preciso, e é o primeiro álbum de Lars Fredrik Frøislie ., tecladista da banda norueguesa Wobbler, que para quem não os conhece, está no cenário musical há mais de vinte anos e é uma banda progressiva com cinco álbuns em seu currículo. O álbum será lançado mundialmente em 2 de junho.
“Fogo Fortellinger” – por associação, pensaríamos na palavra anglo-saxônica para fogo como 'fogo', no entanto, fogo é a palavra para se referir ao número quatro em norueguês. E é assim que o título traduzido é: “Quatro Histórias”. Muito simples, literal e poderoso.
Desde já vos digo que ter recebido despertou em mim muita curiosidade porque sempre fui fascinado pela cultura escandinava e pelas línguas nórdicas, mas realmente não estava preparado para o que ia ouvir. Dito isso, deixe-me guiá-lo por cada uma das histórias, mas não antes de pedir que você use essa imaginação sonhadora e livre que sei que você tem.
Sem dar muitos detalhes até aqui, vou dizer uma coisa: que estreia solo impressionante este Keyboard Wizard fará este ano com um álbum tremendo.
Tudo começa com a nossa primeira história intitulada "Rytter av Dommedag", cuja tradução para o espanhol seria "O Cavaleiro do Juízo Final" e nos conta a história do Rei Rakne, nos tempos de Ragnarök (a batalha que fará com que o fim do mundo e onde o universo também será destruído). E se falamos de vikings e governantes bárbaros, tudo tem que ser épico, certo? É. E de longe.
O Rakne King está enterrado entre dois cavalos outrora brancos, seu sono mortal interrompido pelos sons de bumbos, mellotrons e sintetizadores incitando-o a emergir do lago onde está seu túmulo. Irritado, ele se levanta e de um momento para o outro um frenético órgão Hammond entra em ação para uma progressão de notas que, juntamente com coros de fundo, exemplificam a vivacidade com que monta seu cavalo para galopar, enquanto invoca os deuses Antigos para que juntos eles causam problemas no mundo dos homens e então se torna uma espécie de cavaleiro do apocalipse. São os teclados analógicos e o mellotron que carregam principalmente o tema musical principal que se repetirá ao longo de toda a peça. De repente uma calma... e é aí que se ouve a voz de Frøislie, bem melodicamente, narra a aventura do Rei espectral. O fato de o idioma ser norueguês não impede o ouvinte de apreciá-lo, pois a essa altura ele já estará hipnotizado com o que ouve e ficará encantado com algumas belas notas vindas do que soa como um piano Rhodes, e depois pelos sintetizadores e o presunto. É logo a seguir que surge o primeiro fraseado de baixo eNikolai Hængsle ( Elefante9, Needlepoint, Bigbang ) acompanhará Frøislie ao longo desta jornada com alguns belos baixos: um Rickenbacker 4003 e um Fender telecaster, Precision e Jazz, todos mais do que à altura e com um belo som de outrora. As mudanças rítmicas tornam-se cascatas de notas vindas do baixo e essas progressões nos teclados. Pouco antes do meio da música há um refúgio de paz com um belo piano e seção de órgão antes de tudo explodir novamente em novas cascatas de notas de todos os instrumentos mencionados e uma pitada de outro instrumento muito elegante do qual falarei mais adiante. .
No final deste primeiro capítulo, os teclados e tambores voltam ao tema principal e novamente acompanhados por aqueles coros hipnotizantes, conduzem-nos novamente num crescendo até ao túmulo de Rakne, que entre um órgão épico e tambores, ouve novamente a voz de Frøislie chamando-o de volta ao túmulo.
Não seria justo escolher um instrumento como o que mais brilha, mas o Hammond é a estrela dessa primeira história, seu som é tão clássico no prog dos anos 70 que é impossível não amar se você como esta maravilhosa década do gênero. Há muitas mudanças rítmicas ao longo da música, o que é totalmente esperado, dada a duração da música, que é de quase 17 minutos ( e ainda assim cada uma delas é fantástica ).
A segunda história é "Et sted under himmelhvelvet" , traduzida como "Em algum lugar sob o firmamento". Essa música foi escolhida como single e dura quase 7 minutos. É tudo uma ode às bandas progressivas italianas, uma homenagem em muitos sentidos. A influência de bandas como Banco del Mutual Soccors o é perceptível . O próprio Lars comenta sobre essa música: “É possivelmente ambientado em um jardim renascentista perto de Florença ou Arcádia. Mas, em princípio, pode ser em qualquer lugar que seja bom estar. É em parte sobre viajar para um lugar e sentir como se já tivesse estado lá antes, apenas para descobrir que você tinha ancestrais que viveram lá há muito tempo."A esta altura, já estou convencido de que este homem é músico, poeta e contador de histórias, capaz de produzir um estado de devaneio com o que compõe, canta e narra, porque faz tudo ao mesmo tempo.
Sei que você tem ouvido muita música renascentista e medieval e adoraria perguntar a você quais bandas ouvir também. E, se estivéssemos na Idade Média, garanto-vos que este homem seria um bardo. E se voltarmos aos tempos de seus ancestrais vikings, não tenho dúvidas de que comporiam os grandes feitos de heróis que seriam conhecidos por centenas e centenas de anos. É tão mágico o que ele faz com esta segunda história. “Et sted under himmelhvelvet” abre com aquele instrumento chique que ouvimos em filmes de época e também em algumas bandas Prog da velha escola: um cravo e é acompanhado por um belo mellotron que soa como uma doce flauta. Aqui faço um parêntese para acrescentar que, se não fosse pelo meu conhecimento de sueco, não teria entendido parte da letra, mas para seu deleite trago o que diz o sonhador desta história: "Na sombra eu me deito debaixo da
árvore e eu sonho com tudo e nada
da costa sinto o cheiro da água salgada o sol também esquenta bem aqui embaixo do firmamento”
E depois disso, voltam os teclados analógicos, o órgão, o mellotron e a bateria. O cravo estará presente ao longo da música.
"No jardim eu vagueio entre as plantas e a sebe que cresce até o céu
estátuas antigas da época em que o mundo era exuberante
seu eco ainda faz sentido e chuta forte” Mais uma vez o baixo faz sua aparição novamente com um fraseado cativante e rebelde que me faz bandana. Juntamente com os teclados analógicos eles se tornam uma dupla dinâmica antes que o Hammond e o Mellotron tragam uma calmaria que faz o sonhador sentir que não é a primeira vez que está naquele lugar, onde quer que seja. “Talvez estejamos aqui há muito tempo? tudo parece tão familiar e familiar
nossas raízes são como estradas que levam de volta ao lugar que se sente bem sob o firmamento.” A música vai diminuindo aos poucos e o sonho mágico termina. O ouvinte estará sonhando acordado quando esta bela canção terminar.
A terceira história “ Jærtegn ” , traduzida como “Milestones” já começa. Um marco é um poste de pedra ou qualquer sinal cravado no solo que marca o limite de um território, e o título imediatamente faz sentido. Abre com órgão, baixo e bateria muito ritmados, tanto que marca perfeitamente o som de uma carruagem sendo conduzida em alta velocidade. Quem está nela está fugindo de um eclipse solar, suas vozes angustiadas indicam que estão com medo... e é nessa fuga que a tragédia ocorre e a carruagem vira em meio a sombrios acordes de Hammond e rufos de bumbo, resultando na morte daqueles a bordo, anunciado por um cravo fúnebre. A voz de Frøislie conta como os mortos se tornam fantasmas condenados a vagar o resto dos dias pelas florestas escuras e desoladas. Sintetizadores soam agudos como lamentos fantasmagóricos,
A última e a quarta história poderiam ser menos sombrias. Poderia, mas não é. Este último capítulo é “Naturens Katedral”, traduzida como “The Cathedral of Nature”, que é definitivamente a mais sombria do álbum. Hipnótico e com influências do Black Metal norueguês. Que delícia. Começa dramaticamente com que instrumento existe nas igrejas? Exatamente: o órgão. Um Hammond intenso, alguns segundos de silêncio e algumas notas graves no baixo e a voz de Lars que canta com um peso agonizante. O protagonista está diante de uma catedral na natureza: uma montanha alta e nevada, entorpecida de frio, em uma terra selvagem onde só existe solidão e a vida é tudo menos fácil. Enquanto ele toma coragem para caminhar na montanha ou em seus arredores, todos os instrumentos soam em uma bela melodia e os coros lhe dão coragem para continuar em um ritmo constante, o baixo soa tão ritmado que nos dá uma boa impressão do firmeza de seus passos. . Tudo fica muito calmo por alguns minutos e desconfio que em algum momento a escuridão se fecha sobre nosso solitário protagonista e não demora muito para que, de um momento para o outro, após algumas notas no piano, alguns ecos são ouvidos com as percussões e um belo Tremoloa ou pequena harpa fazem uma progressão junto com o cravo e por alguns segundos soa com influência flamenca. Mas algo aconteceu na montanha e aqueles ecos voltaram de repente, agora mais fortes, algo está vindo e é uma avalanche de notas frenéticas do órgão, bateria, baixo e sintetizadores. Sua voz agora é ouvida apavorada para escapar da neve que vem perseguindo-o e ameaçando sua vida. Tudo soa sombrio, dramático, carregado, pesado e fatal, as notas tão sinistras e a natureza tão cruel que não param e caem com toda a sua força esmagadora.
Estou nos últimos três minutos e meio e não quero que esse recorde acabe. Mas Lars sabe disso com certeza, e nessa parte final ele me dá uma surpresa fabulosa, totalmente inesperada: sons jazzísticos e super progressivos na bateria e no baixo. Pessoalmente, este autor está convencido de que, se Deus existe, ele deve ouvir jazz. E talvez seja esse mesmo deus que ajuda nosso protagonista a fugir de um destino trágico, entre viradas de bateria e frases de baixo enquanto os teclados tocam todos no mesmo ritmo. A Catedral despede-se de nós com as últimas e deliciosas notas robustas do órgão para um final muito discreto e quase abrupto.
Quero enfatizar que a produção é de uma qualidade impressionante. Lars cuidou tanto do aspecto orgânico que evitou ao máximo o uso de autotune e muita tecnologia, então como resultado disso tem cordas quebradas, erros, muito improviso e trechos que foram gravados em um único take . Como você já leu: muitos teclados analógicos, cravo, mellotron, MiniMoog e órgão Hammond. A obra foi pintada à mão pelo próprio Froislie, que já me parece 'um caso de fofura' como diríamos no meu país, ou um 'homem de muitos talentos'.
Mas que álbum complexo e majestoso.Posso garantir que será uma das joias progressivas do ano.Qualquer seguidor desta página que queira ouvir um artista que homenageia o progressivo dos anos 70 com maestria e criatividadetemouvir este álbum por tudo o que ele representa e isso é algo que já não ouvimos muito: a espontaneidade e a imaginação com que um artista se pode manter criativo para estimular a criatividade dos seus ouvintes e influenciá-los de uma forma natural, sem muitas pretensões técnicas, apenas música bonita e orgânica.Se você quer ouvir algo que vai te fazer redefinir o que você pensa do prog antigo e colocar um sorriso no rosto, “Fire Fortellinger” é perfeito para você que intencionalmente e inadvertidamente sucumbe ao encanto de sua sagacidade e me diga. obrigado.
Para fãs de:Gentle Giant, Tusmørke, Wobbler, Rosenbach Museum, Ayreon, Banco, ELP e Deep Purple.
