Os anos 90 ficaram famosos pela vibe GRUNGE, big bands saídas dos bares mais escuros de uma cidade fria de um longínquo estado norte-americano.
Paralelamente às camisas xadrez e jeans rasgados, algumas bandas faziam questão de mostrar sua própria versão moderna do rock. Um grande exemplo disso é essa banda, infelizmente eles ficaram famosos por uma balada e aparentemente que os moldou em um molde que não corresponde a quem eles realmente eram. Subvalorizada e esquecida, apesar de seu guitarrista ter um nome conhecido e merecido, a banda nunca foi considerada uma das grandes. A grande voz de Gary Cherone que chegou a estar nas fileiras (por pouco, muito pouco tempo) do Van Halen e uma base sólida, firme e muito apertada.
Depois de um segundo álbum avassalador e multi-platina viria, para o meu gosto e de muitos outros, o melhor trabalho da banda. III Sides of every story é uma obra separada em (como diz o título) três partes (a sua, a minha e a verdade). Três versões da mesma história (a sua, a minha e a verdade). A primeira parte é um Rock arrumado, afiado, limpo e sólido, a segunda parte é um pouco mais calma e por fim mostram o lado mais Prog da banda, uma longa faixa de vinte minutos que é composta por três músicas interligadas. Tem de tudo um pouco, um pouco de Hard, Funky, Progressive, um pouco de Heavy e um pouco de música clássica, muita nitidez e talento. Sim, eles tinham muito talento. Hoje e depois de editar com a banda o álbum Saudades de Rock em 2008, Nuno Bettencourt (um daqueles casos de grande guitarrista desvalorizado) colabora nas atuações ao vivo de Rihanna. Experimente, garanto que você não ficará desapontado.
Extreme (1992) III Sides of every story
I. Yours 01. Warheads 02. Rest In Peace 03. Politicalamity 04. Color Me Blind 05. Cupid's Dead
II. Mine 06. Seven Sundays 07. Tragic Comic 08. Our Father 09. Stop The World 10. God Isn't Dead?
III. ...and The Truth Everything Under The Sun 11. I. Rise n' Shine 12. II. Am I Ever Gonna Change? 13. III. Who Cares?
Músicos Gary Cherone: Vocal Nuno Bettencourt: Guitarra, Backing Vocals Pat Badger: Baixo, Backing Vocals Paul Geary: Bateria, Percussão
De acordo com a Wikipedia, a banda começou a gravar seu terceiro álbum em 1992. Sua aparição no Freddie Mercury Tribute Concert em abril de 1992 interrompeu as sessões de gravação, mas deu à banda um sucesso considerável e a chance de tocar com outras formações de rock de sucesso, como Def Leppard , Guns N' Roses, Metallica... III Sides to Every Story, um álbum complexo, eclético e ambicioso, foi lançado em 22 de setembro de 1992. As vendas não foram muito boas, apesar de registrar boa recepção da crítica. O vídeo do primeiro single, "Rest in Peace", foi inspirado em um curta do National Film Board of Canada chamado Neighbours. A banda foi processada, mas rapidamente absolvida pela Justiça. Voltando para fazer uma nova versão do videoclipe. O álbum continha temas notadamente cristãos, presumivelmente de Cherone, que observou em entrevistas que se interessa por pregadores evangélicos. Os singles seguintes foram "Tragic Comic" cujo videoclipe foi bastante engraçado e "Stop the World". A empresa esperava outra grande balada como "More than words", mas o grupo se recusou a repetir essa fórmula, e tentou renovar o som, sendo um de seus melhores álbuns apesar das vendas.
Lembro-me de ter ouvido este mesmo álbum pela primeira vez numa cassete marcada Frank Monito que deixou eu e o meu amigo Marco Antonio loucos, como o nome claramente não correspondia, demorei muito para ouvir mais desta banda, embora nunca foi fácil. obter algo deles. Frank Marino é conhecido por ter muita influência de Hendrix e eles sempre incluem um cover, nesse álbum tem uma versão incrível de Purple Haze.
Frank Marino & Mahogany Rush (1977) Ao Vivo
01. Introduction 02. The Answer 03. Dragonfly 04. I'm A King Bee 05. Excerpt From Back Door Man 06. A New Rock & Roll 07. Johnny B. Goode 08. Talkin' 'Bout A Feelin' 09. Excerpt From Who Do Ya Love 10. Electric Reflections Of War 11. The World Anthem 12. Purple Haze
Músicos Frank Marino (vocal, guitarra) Jimmy Ayoub (bateria) Paul Harwood (baixo)
Este power trio fortemente influenciado por Jimi Hendrix, composto pelo guitarrista canadense (Montreal) Frank Marino, o baixista Paul Harwood e o baterista Jim Ayoub. A banda lançou álbuns ao longo dos anos 70 e teve seu auge de popularidade nessa década, destacando-se por tocar em grandes encontros como California Jam II com bandas como Aerosmith, Ted Nugent ou Heart. A banda continuou com outros integrantes, como o guitarrista Vince Marino (irmão de Frank), mas sempre sob a liderança de Frank Marino.
“Lateralus” não seria um disco tão cult ou digno de estudo (e talvez suas teorias filosóficas, seu talento matemático ou o que ele traz oculto nunca teriam sido descobertos), se não fosse o fato de que acima de tudo é um álbum de grandes canções, um sucessor impecável daquele grande “Aenima” de 1996 que nos deixou a todos praticamente deslumbrados com tanta criatividade que emana, tanto a nível artístico e visual como a nível musical.
É o disco espiral de Fibonacci, que tem todo esse conceito matemático intrometido. Demorou para vir à tona, como sempre em sua história entre álbuns (e agora podemos até dar conta disso mais do que nunca), a banda demorou a montar essas composições. Entre os envolvimentos com a gravadora Volcano e os problemas e posterior demissão de seu empresário na época Tom Gardner (devido a disputas de direitos e dinheiro intrometido), e após o surgimento de A Perfect Circle e a incorporação de Maynard James Keenan em tal projeto , é que a banda se rearma e consegue um resultado inesperado para a história do metal alternativo, um álbum cheio de ideais, nuances, arte, misticismo e mistério, no qual conseguiram dar rédea solta a esse conceito de banda mais do que nunca "Como de outro planeta."
Mas o Tool sempre foi uma banda inquieta, tanto Jones, Carey quanto Chancellor não pararam de fazer música apesar de também estarem um tanto envolvidos em outros projetos e foi assim que a genialidade do álbum começou a surgir. Systema Encephale , originalmente pretendia ser chamado, e a banda teve que negar, junto com vazamentos falsos de música (e nome da faixa). Lembremos que estávamos em plena era dos programas de compartilhamento de música (Napster, Audiogalaxy, etc.) que nem sempre nos forneciam informações confiáveis sobre seus arquivos e mais de um "fake" tiramos dessas plataformas acreditando que era o nosso esperado álbum. .
Mas finalmente a banda anuncia esse “Lateralus”, uma espécie de mito e prática de como o ser humano pode encontrar a grandeza absorvendo o simples. Para os mais entendidos na área de Tool, saberão que se diz que as sílabas que MJK canta assim como a escala musical são designadas nesta sequência matemática desta espiral, que vai e vem, a sequência numérica que soma dois mais valores a partir de um, formando uma fórmula que tem sido utilizada para a construção de cidades, estudo do corpo humano, computação, videogames, etc. A música do álbum é uma das mais incríveis que já ouvimos, e embora essa relação matemática ainda seja um mito, as coincidências são grandes. A outra parte interessante é que, de acordo com essa sequência numérica, e colocando 13 como centro da espiral, se ouvirmos o álbum na ordem das faixas 6,7,5,8,4,9,13,1,12,2,11,3,10, pode ser melhor apreciado e as faixas se encaixam (claro, fazer o trabalho é bem verdade), mas não deixa de ser apenas mais uma brincadeira para dar ao álbum uma dose suficiente de misticismo. Uma história à parte é toda essa arte dirigida pelo maestro Alex Grey, que mistura essa psicodelia imersa na anatomia humana e também tem essas referências cósmicas que estão inseridas no álbum e que é um trabalho insistente na carreira desse peculiar artista.
Há um trabalho enorme e metódico em cada composição, com essa coisa que a banda adora, como incorporar sons estranhos e alienígenas. “Faaip de Oiad”, a última faixa do álbum (que significa “voz de Deus” em enoquiano/espanhol e com referências ocultistas e uma locução que realmente existia em um programa de rádio que recebia denúncias ufológicas). A voz que se ouve é desse personagem misterioso denunciando um plano de seres alienígenas para dominar a humanidade, que nunca se soube se realmente era ou não.
Tudo por trás da chicotada de riffs pesados e uma marcha sedutora e sinistra. "Ticks & leeches" foi tão brutal que deixou Keenan sem garganta após a gravação, esta sonata furiosa e despótica contra sanguessugas, parasitas, reivindicações pseudo-nazistas contra o povo explorador, que vive e respira às custas dos outros
Em “Schism” as progressões apaixonam, o baixo imenso do grande Justin Chancellor, em mais uma música mística e dark ao melhor estilo “Aenima”. “Parabol” e “Parabola” claramente andam de mãos dadas, com uma entrada onde Maynard praticamente se torna o mestre de cerimônia de algum tipo de culto oculto, falando sobre divindade, sobre não se sentir apenas parte de um corpo, “Esse corpo que me segura me lembra da minha própria mortalidade/abraçando este momento. lembrar. Somos eternos. / toda esta dor é uma ilusão» como se saíssem daquelas massas tão bizarras como as de Anton Lavey, para depois explodirem numa acumulação de potência e riffs enormes. Elas são as canções irmãs deste álbum espetacular.
A magia de “Lateralus” (o tema) reside muito neste conceito de espiral, mas como dissemos, este disco não seria tão especial se não tivesse uma música inimaginável. O que acontece no final da música é difícil de descrever, podemos ouvir sons graves ultra-sonantes, baixos experimentando potência tripla e aqueles riffs de partir o coração fazem dela uma das obras-primas do Tool, sem dúvida. 'Disposição' serve como relaxamento, dá vontade de ficar deitada por aí, uma droga musical. A mesma 'Reflexão' e sua percussão tribal e algo entre a meditação e essa forma de ser construída como se fosse para um ritual.
Foi o último grande trabalho do Tool, sem dúvida, um álbum que ainda soa totalmente incrível e que deixou muitos sem palavras na época. Ele foi um vencedor do Grammy e, claro, ele foi a banda no que poderia ter sido seu melhor momento. Levaríamos muitos anos para voltarmos a ouvir algo deles, mas a marca deixada por essa joia dificilmente seria superada com “10.000 Dias”.
Depois do sucesso do álbum “Diluvio”, das colaborações com Iván Ferreiro, Macaco e Rozalén, e da recente nomeação para sete categorias nos MIN Awards, as Tanxugueiras acabam de lançar um novo single.
“Aire” é o novo lançamento do trio galego, contando nesta ocasião com a produção de Lowlight, (C.Tangana, Israel B, Yung Beef), demonstrando mais uma vez a sua contínua exploração de novos desafios e possibilidades sonoras nas suas canções.
Nas palavras da banda, “Aire é uma música que fala sobre liberdade, ser e se reinventar. , em busca de uma evolução pessoal. Como sempre, nele reside uma mensagem fortalecedora onde todos são incentivados a levar o seu ser ao máximo de sua potência, e a brilhar sem medo de preconceitos ou do que os outros vão dizer”.
A dupla londrinaPanic Pocketacaba de lançar “Get Me”.
Um indie pop altamente contagiante que chega de Londres pela mão da dupla Sophie PeacockeNatalie Healey, amigas de infância e que encontram neste projecto musical forma de partilhar os seus segredos num ambiente sádico.
Ultrapassadas as dificuldades que surgiram durante a gravação de “Up”, os REM tornaram-se gradualmente um novo grupo, com uma forma de conceber a música muito diferente, se compararmos este álbum com o que tinham feito no passado.
“Reveal” foi uma verdadeira revelação para o REM, pois neste álbum combinaram aquele ar mais experimental, iniciado em “Up”, com o som clássico do início dos anos 90. A minha impressão é que este “Reveal” está algures entre “Out of Time” e “Up”, mas é também um grande exercício de criatividade levado a um nível bastante elevado.
Desde o início do álbum nos guiamos por uma base rítmica enriquecida com bateria e eletrônica que em nenhum momento diluem as melodias. Claro que não deixam de usar instrumentos acústicos, porque é assim que evocamos temas da década anterior ao lançamento. A participação de Stipe é mais uma vez fundamental, não só porque sua voz é uma característica de peso, mas também porque ele consegue fazer a composição de suas letras carregadas de maturidade, de muita introspecção, de emoção, sentindo uma viva proximidade nessas mensagens.
«The Lifting» é um resultado incrível, cheio de atmosferas, de efervescência. É um assunto com muitas lições. Dentro do álbum grandes canções como "I Been high" são descobertas, um meio-tempo muito delicado que joga perfeitamente com aquela mensagem de duplo sentido. Stipe em alto nível. "All the way to Reno" é suave, mas soa muito pop. Com “Dissapear” entramos num ambiente mais tenso, que nos remete no tempo e nos faz parar no “Green”. O fabuloso single " Imitation of life" é uma ótima faixa. A voz tão melancólica de Michael transmite pura emoção e indica o rumo que, nesse sentido, o álbum irá tomar. «Vou levar a chuva», pessoalmente, é a melhor música porque apela directamente à fibra do ouvinte com alguns versos incríveis .Das muitas canções que o REM fez para a vida, esta é mais uma a acrescentar a essa lista. Começa com a voz do Stipe no baixo, até chegar aquele start que exemplifica todo o fascínio que muitos de nós sentimos por esta banda. “Beachball” é um bom tema de encerramento, pois tem uma melodia fantástica. Uma música que não pode ser ignorada.
Pessoalmente, as sensações que "Revelar" deixa não foram tão elevadas desde o extraordinário " Automático para o povo " , e aquele " Up ", o trabalho anterior, havia deixado a fasquia alta. Mas o objetivo de Stipe e seus amigos em “Reveal” era lapidar sua história deixando entrar novas tecnologias para potencializar a criatividade da banda, sem esquecer o que foi feito nos anos 90. Porque em “Reveal” continuamos a notar inconformidades, daquelas que se desencadearam a todo o vapor na década anterior em cada um dos seus discos de estúdio. Não quero deixar de mencionar o tremendo papel da orquestração de estúdio. Não há música regular ou média neste álbum. “Reveal” é o equilíbrio que o REM precisava para mostrar, naquela época, que era o melhor grupo do mundo.
Ouvindo-o vezes sem conta nos últimos anos, concluo que se trata de um disco altamente desvalorizado, e que eleva o REM à categoria de fetiche das nossas adolescências, quando fechar a peça com um trinco foi para cada um de nós o melhor de todos os mundos.
Após o interessante “Kerplunk!” os californianos do Green Day resolveram fazer um dos melhores discos do chamado "neo-punk" que conhecemos. A influência deste álbum foi tamanha que gerou uma onda de bandas punk-pop com sons semelhantes, mas de qualidade muito inferior. Refiro-me ao álbum "Dookie", que é repleto de guitarras distorcidas e melodias cativantes que são a base de um trabalho fenomenal. A Reprise (Warner Music) conseguiu assinar o grupo e deu-lhes apoio essencial para entender o "evento" que "Dookie" significava. E a palavra sucesso não é exagero, pois estou falando de um disco de punk rock que vendeu 10 milhões de cópias só nos Estados Unidos, e cerca de 15 milhões no mundo todo, algo inédito para uma banda dessas características; este tremendo sucesso não é fácil de explicar, do ponto de vista musical, já que "Dookie" não é percebido como uma grande diferença de qualidade em comparação com outros bons lançamentos que foram na mesma época como "Mondo Bizarro" de Ramones, "The Gray Race" de Bad Religion, "And Out Come the Wolves" de Rancid ou o “Punk in Drublic” do NOFX, para citar alguns. Vamos ver se quebrando faixa por faixa a descobrimos:
O álbum começa com "Burnout", uma grande onda de punk, com a voz de Billie Joe como personagem principal e com a bateria dando uma boa seqüência de hits que dão ritmo à música; "Having A Blast" continua com uma dose de baixo que estava um pouco ausente da faixa de abertura, junto com um riff muito punk, mas também muito simples. Desta vez, Billie é ajudado por um coro de seus colegas e as contribuições do baterista são constantes. “Chump” continua, uma daquelas músicas que você escuta e percebe que é o Green Day de sempre; uma voz limpa de Billie Joe, uma guitarra cativante e cheia de química, com um solo de baixo de Mike que culmina com o bumbo e a introdução de “Longview”. Essa Intro monopoliza o tema, até as mudanças de compasso da guitarra são cheias de energia, de originalidade ao misturar tão bem a adrenalina do punk com um baixo calmo. Uma das melhores músicas do disco. Segue-se "Welcome To Paradise" que é outro pluck muito simples, com uma voz mais rebelde do vocalista mas que se faz acompanhar de refrões eficazes; ótimo trabalho de bateria puxando notas superaceleradas, o baixo é puro suporte e ajuda muito a guitarra a ganhar força; a faixa é versátil, pois em uma parte amolece para explodir novamente graças a um ótimo trabalho instrumental.
Continua “Pulling Teeth”, que é uma das músicas mais pop mostrando uma guitarra simples demais para o meu gosto, e não se nota um tremendo trabalho na bateria ou no baixo, perdendo a essência punk que gostávamos até então momento. "Basket Case" o grande hit do álbum. A voz de Billie Joe atinge notas muito boas e é ouvida muito limpa, enquanto a guitarra é muito mais complexa do que nas músicas anteriores. O trabalho de bateria é ótimo (arrisco dizer que é uma das melhores baterias em uma música neo punk, muito boa Tre Cool), uma música cheia de adrenalina.
"She" continua com um baixo brincalhão de Mike, usando uma direção semelhante a "Longview", mas com arranjos de guitarra e bateria mais complexos; Eu poderia dizer que ambos competem nessa faixa porque Billie Joe soa muito agressivo, mas o trabalho de Tre Cool ofusca isso. Continuamos com “Sassafras Roots”, uma música bastante arriscada, com uma conjunção muito boa entre bateria e baixo, enquanto a guitarra permanece em segundo plano e soa simples.
"When I Come Around" é outro hit do álbum. Guitarra, baixo protagonista e um tremendo trabalho de pratos, tudo sincronizado de forma formidável; a cereja do bolo fica por conta da voz de Billie Joe que, como em "Basket Case", tira notas muito boas. “Coming Clean” é bem mais simples que as faixas anteriores, o trabalho de guitarra e a bateria no final estão salvos. Com “Emenins Sleepns” beiram o hardcore e depois voltam ao seu som de base, e a uma voz mais produzida de Billie Joe, com mais efeito. “In The End” é punk à moda antiga: velocidade extrema e muita simplicidade; no final há um efetivo solo de baixo que fecha a música junto com a voz de Billie Joe. A última música é “FOD”, acústica no início mas que nos surpreende ao explodir com uma guitarra forte, talvez a melhor guitarra do álbum. Uma faixa escondida permanece, “All By Myself”, uma composição bastante rara de Tre Cool.
Grande álbum composto por 14 canções ramonero punk, eficazes, frescas, juvenis, com melodias e temas adolescentes, tornando-se da noite para o dia a nova bandeira do lado mais pop do punk.
Ed Sheeran acaba de editar o seu novo e arrebatador álbum, intitulado “-“ (Subtract), via Asylum/Atlantic.
Um álbum que revisita as raízes de Ed enquanto cantor/compositor, tendo sido escrito num cenário de luto e de esperança pessoal, “-“ (Subtract) apresenta uma das maiores estrelas do planeta no seu estado mais vulnerável e honesto. Em antecipação ao lançamento do álbum, Ed divulgou duas faixas, “Eyes Closed” e “Boat”.
“-“ é o resultado de um Ed Sheeran a ultrapassar os limites da sua própria arte musical, ao entregar as composições mais profundas da sua carreira até ao momento. Juntando-se a Aaron Dessner (The National) na composição e produção, que foram apresentados por uma amiga em comum, Taylor Swift, Ed e Aaron começaram a criar o álbum em Fevereiro do ano passado. Escrevendo mais de 30 canções durante um mês em estúdio, situado em Kent, no Reino Unido, as quatorze faixas do álbum surgem perfeitamente ligadas por uma produção requintada, que contempla desde texturas de tendência folk a arranjos orquestrais e de banda completa mais ousados.
