Os 10 primeiros artistas que definiram o blues

 Ao longo das décadas, muitos artistas ajudaram a definir o gênero musical conhecido como blues . Cada um contribuiu para a música, por meio de suas habilidades instrumentais - geralmente no violão - ou talentos vocais. Suas primeiras gravações e apresentações influenciaram o impacto cultural do blues e as gerações de artistas que se seguiram. Se você é um fã de blues ou um novato na música e quer saber mais, aqui estão 10 artistas de blues que você deve conhecer:

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Bessie Smith (1894-1937)

Coleção Smith/Gado/Getty Images

Conhecida como "A Imperatriz do Blues", Bessie Smith foi a melhor e mais famosa cantora da década de 1920. Uma mulher forte e independente e uma vocalista poderosa que cantava nos estilos jazz e blues, Smith foi a cantora de maior sucesso comercial da época. Seus discos venderam dezenas de milhares, senão centenas de milhares, de cópias, um nível inédito para aqueles dias. Infelizmente, o interesse do público por cantores de blues e jazz diminuiu durante o início dos anos 1930 e Smith foi dispensado por sua gravadora.

Redescoberto pelo caçador de talentos da Columbia Records John Hammond, Smith gravou com o líder da banda Benny Goodman antes de morrer em um acidente de carro em 1937. O melhor material de Smith pode ser ouvido em " The Essential Bessie Smith ".

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Big Bill Bronzy (1893-1958)

Bettman/Getty Images

Talvez mais do que qualquer outro artista, Big Bill Broonzy trouxe o blues para Chicago e ajudou a definir o som da cidade. Nascido às margens do rio Mississippi, Broonzy mudou-se com seus pais para Chicago em 1920, pegou o violão e aprendeu a tocar com bluesmen mais velhos. Broonzy começou a gravar em meados da década de 1920 e, no início da década de 1930, era uma figura importante na cena do blues de Chicago, ao lado de talentos como Tampa Red e John Lee "Sonny Boy" Williamson.

Capaz de tocar no estilo vaudeville mais antigo (ragtime e hokum) e no estilo Chicago recém-desenvolvido, Broonzy era um vocalista suave, guitarrista talentoso e compositor prolífico. O melhor dos primeiros trabalhos de Broonzy pode ser encontrado em " The Young Big Bill Broonzy ", mas você não pode errar com qualquer coleção de suas músicas.

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Blind Lemon Jefferson (1897-1929)

Arquivo GAB/Redferns/Getty Images

Indiscutivelmente o pai fundador do blues do Texas, Blind Lemon Jefferson foi um dos artistas de maior sucesso comercial da década de 1920 e uma grande influência em jogadores mais jovens, incluindo Lightnin 'Hopkins e T-Bone Walker. Nascido cego, Jefferson aprendeu sozinho a tocar violão e era uma figura familiar nas ruas de Dallas, ganhando o suficiente para sustentar uma esposa e um filho. 

Embora a carreira de gravação de Jefferson tenha sido breve (1926-29), ele gravou mais de 100 canções, incluindo clássicos como "Matchbox Blues", "Black Snake Moan" e "See That My Grave Is Kept Clean". Jefferson continua sendo o favorito entre os músicos que apreciam o country blues simples do artista. Suas canções foram gravadas por Bob Dylan , Peter Case e John Hammond Jr. Os primeiros trabalhos cruciais de Jefferson foram reunidos em " King of the Country Blues ".

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Charley Patton (1887-1934)

Michael Ochs Archives/Stringer/Getty Images

A maior estrela do firmamento Delta dos anos 1920, Charley Patton era a atração de ingressos eletrônicos da região. Um artista carismático com um estilo chamativo, bordados talentosos e exibicionismo extravagante, ele inspirou uma legião de bluesmen e roqueiros, de Son House e Robert Johnson a Jimi Hendrix e Stevie Ray Vaughan. Patton viveu um estilo de vida cheio de bebidas e mulheres, e suas apresentações em festas caseiras, juke-junks e danças nas plantações tornaram-se lendárias. Sua voz alta, juntamente com um estilo de guitarra rítmico e percussivo, foi inovadora e projetada para entreter um público barulhento.

Patton começou a gravar no final de sua carreira, mas compensou o tempo perdido gravando 60 canções em menos de cinco anos, incluindo seu primeiro single mais vendido, "Pony Blues". Embora muitas das primeiras gravações de Patton sejam representadas apenas por 78s de qualidade inferior, " Founder of the Delta Blues " oferece uma coleção sólida de duas dúzias de faixas com qualidade de som variável.

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Leadbelly (1888-1949)

Michael Ochs Archives/Stringer/Getty Images

Nascido Huddie Ledbetter em Louisiana, a música e a vida tumultuada de Leadbelly tiveram um efeito profundo nos músicos de blues e folk. Como a maioria dos artistas de sua época, o repertório musical de Leadbelly se estendeu além do blues para incorporar ragtime, country, folk, padrões pop e gospel.

O temperamento de Leadbelly muitas vezes o colocava em apuros, no entanto, e depois de matar um homem no Texas, ele foi condenado à notória prisão estadual em Huntsville. Alguns anos depois de ser libertado antecipadamente, ele foi condenado por agressão e sentenciado a uma pena na Penitenciária de Angola, na Louisiana. Enquanto estava em Angola, Leadbelly conheceu e gravou para os musicólogos da Biblioteca do Congresso John e Alan Lomax.

Após sua libertação, Leadbelly continuou a se apresentar e gravar e acabou se mudando para a cidade de Nova York, onde encontrou o favor da cena folk da cidade liderada por Woody Guthrie e Pete Seeger. Após sua morte em 1949, as canções de Leadbelly, incluindo "Midnight Special", "Goodnight, Irene" e "The Rock Island Line" se tornaram sucessos de artistas tão diversos quanto os Weavers, Frank Sinatra , Johnny  Cash  e Ernest Tubb. A melhor aposta para o novo ouvinte é " Midnight Special ", que inclui várias das canções mais conhecidas de Leadbelly e performances incríveis capturadas em 1934 pelos Lomaxes.

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Lonnie Johnson (1899-1970)

Russel Lee/Wikimedia Commons

Em um campo de blues inicial que ostentava vários guitarristas inovadores, Lonnie Johnson era inigualável. Com um senso de melodia inigualável por músicos de antes da guerra, Johnson era igualmente capaz de nocautear blues sujos e frases fluidas de jazz, e ele inventou a prática de combinar passagens rítmicas e solos solo em uma única música. Johnson cresceu em Nova Orleans e seu talento foi infundido com a rica herança musical da cidade, mas após a epidemia de gripe de 1918 ele se mudou para St. Louis.

Assinando com a Okeh Records em 1925, Johnson gravou cerca de 130 canções ao longo de sete anos, incluindo vários duetos inovadores com Blind Willie Dunn (na verdade, guitarrista de jazz branco Eddie Lang). Durante este período, Johnson também gravou com a Duke Ellington Orchestra e  Louis Armstrong's  Hot Five. Após a Depressão, Johnson desembarcou em Chicago, gravando para Bluebird Records e King Records. Embora ele tenha conseguido poucos sucessos nas paradas por conta própria, as canções de Johnson e seu estilo de tocar influenciaram a lenda do blues Robert Johnson (sem parentesco) e o grande jazzista Charlie Christian, e as canções de Johnson foram gravadas por Elvis Presley e Jerry Lee  Lewis  . " Steppin' on the Blues " inclui várias das melhores gravações de Johnson da década de 1920.

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Robert Johnson (1911-1938)

Sociedade de Blues de Riverside

Graças à recontagem da história ao longo das décadas, muitos fãs conhecem a história de Robert Johnson supostamente fazendo um acordo com o diabo na encruzilhada fora de Clarksdale, Mississippi, para adquirir seus incríveis talentos. Embora nunca saibamos a verdade sobre o assunto, um fato permanece: Johnson é o artista fundamental do blues.

Como compositor, Johnson trouxe imagens brilhantes e emoção para suas letras, e muitas de suas canções, incluindo "Love in Vain" e "Sweet Home Chicago", tornaram-se padrões do blues. Mas Johnson também era um cantor poderoso e um guitarrista habilidoso; acrescente sua morte prematura e a aura de mistério que envolve sua vida e você tem um bluesman pronto para atrair uma geração de roqueiros influenciados pelo blues, incluindo Rolling Stones e Led Zeppelin . O melhor trabalho de Johnson pode ser ouvido em " King of the Delta Blues Singers ", o álbum de 1961 que influenciou todo o renascimento do blues da década.

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Son House (1902-1988)

Desconhecido/Wikimedia Commons

O grande Son House foi um inovador de seis cordas, vocalista assombroso e artista poderoso que incendiou o Delta durante as décadas de 1920 e 1930 com apresentações de terra arrasada e gravações atemporais. Ele era amigo e colega de Charley Patton, e os dois costumavam viajar juntos. Patton apresentou House a seus contatos na Paramount Records.

Os poucos 78s da gravadora Paramount de House permanecem entre as primeiras gravações de blues mais colecionáveis. Eles chamaram a atenção do musicólogo da Biblioteca do Congresso, Alan Lomax, que viajou para o Mississippi em 1941 para gravar House and friends.

House praticamente desapareceu em 1943, mas foi redescoberto por um trio de pesquisadores do blues em 1964 em Rochester, Nova York. Reensinou seus licks de guitarra característicos pelo fã e futuro fundador do Canned Heat, Al Wilson, House tornou-se parte do renascimento do folk-blues da década, tocando ao vivo no início dos anos 1970 e até voltando a gravar. Embora muitas das primeiras gravações de House permaneçam perdidas ou difíceis de encontrar, " Heroes of the Blues: The Very Best of Son House " inclui uma seleção diversificada de material dos anos 1930, 40 e 60.

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Tampa Red (1904-1981)

AllMusic.com

Conhecido durante as décadas de 1920 e 1930 como "The Guitar Wizard", Tampa Red desenvolveu um estilo único de slide-guitar que foi adotado e expandido por Robert Nighthawk, Chuck Berry e Duane Allman. Nascido em Smithville, Geórgia, como Hudson Whitaker, ele ganhou o apelido de "Tampa Red" por seu cabelo ruivo brilhante e educação na Flórida. Ele se mudou para Chicago em meados da década de 1920 e se juntou ao pianista "Georgia" Tom Dorsey para formar "The Hokum Boys", marcando um grande sucesso com a música "It's Tight Like That", popularizando o estilo obsceno de blues conhecido como "hokum". "

Quando Dorsey se voltou para a música gospel em 1930, Red continuou como artista solo, tocou com Big Bill Broonzy e ajudou imigrantes recentes do Delta em Chicago com comida, abrigo e reservas. Como muitos artistas de blues pré-guerra, Tampa Red viu sua carreira eclipsada por artistas mais jovens na década de 1950. " The Guitar Wizard " reúne o melhor dos primeiros lados do blues e hokum de Red, incluindo "It's Tight Like That" e "Turpentine Blues".

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Tommy Johnson (1896-1956)

Foto da Amazon

Alguns dizem que foi o subestimado Tommy Johnson que se encontrou com o diabo na encruzilhada em uma noite escura e tempestuosa, na esperança de fechar um acordo. Independentemente das origens do mito, Robert Johnson deve ter sido o melhor negociador dos dois músicos (não relacionados) porque Tommy Johnson tornou-se uma mera nota de rodapé no gênero blues, amado por fãs hardcore, mas relativamente desconhecido (mesmo depois que um personagem baseado em Johnson apareceu no filme de sucesso "O Brother, Where Art Thou?").

Com uma voz primitiva que podia subir de um uivo gutural a um falsete etéreo ao longo de uma música, Johnson possuía um estilo de tocar guitarra complexo e tecnicamente avançado que influenciou uma geração de bluesmen do Mississippi, incluindo Howlin 'Wolf e Robert Nighthawk. Johnson gravou brevemente, de 1928 a 1930, e " Complete Recorded Works " inclui toda a obra inovadora do artista. Johnson sofreu de alcoolismo agudo durante toda a sua vida adulta e morreu na obscuridade em 1956.

Kostnatění - Úpal (2023)

Úpal (2023)

Kostnatění

Kostnatění fica na fronteira entre noise rock e black metal técnico-dissonante. Este chocante choque estilístico serve como parteira para expressões de tradições folclóricas turcas e norte-africanas. Ao contrário de nossa imagem usual de folk metal, no entanto, Kostnatění renuncia a implantar um arsenal de instrumentação “tradicional” não-rock, articulando sua visão inteiramente por meio de uma densa variedade de linhas de guitarra distorcidas altamente abrasivas e entrelaçadas, demonstrando as assinaturas-chave e a orientação rítmica de não-rock. Tradições ocidentais em oposição a um estudo apenas do timbre.

Enquanto o EP anterior 'Oheň hoří tam, kde padl' se concentrava na música folclórica turca, trabalhando através de diferentes iterações de uma ideia por meio de riffcraft poderosamente incisivo e cantos vocais limpos, 'Úpal' leva as coisas em uma direção mais ampla e abstrata. Dito isto - e deixando de lado qualquer conversa sobre os costumes deste álbum - a apresentação imediata é inegavelmente mais esparsa, mais discreta, meditativa.

O tom da guitarra é agudo, minúsculo, angular, incorporando a clareza necessária para comunicar a interação contrapontística multifacetada que ocorre entre cada linha da guitarra enquanto elas se estendem pela música. Baterias aleatórias e à esquerda do centro são mantidas relativamente baixas na mixagem, evidenciando um som orgânico e modesto. Mas a distribuição imprevisível da ênfase da batida em cada compasso se integra perfeitamente ao fraseado das linhas da guitarra, criando uma experiência semelhante a assistir a um grande dispositivo mecânico, com cada uma de suas muitas engrenagens aparentemente trabalhando em um ciclo isolado, desconectado da mecânica que o envolve. isto. Mas o estudo persistente revela metaciclos emergentes, qualquer desordem revelada como mera ilusão, uma vez colocada em seu devido contexto dentro do todo.

Correr em conjunto com este processo de dispersão é uma ruminação de mente única. Muitos dos riffs diminuem no mesmo grupo de notas com uma persistência que beira o obsessivo. Isso cria um desconforto claustrofóbico. Uma experiência tão desgastante mentalmente quanto intelectualmente intrigante. Mas isso é compensado por temas melódicos (hesito em chamá-los de solos de guitarra) que se desenvolvem no nível macro, posando como uma bússola moral à qual o ouvinte deve se agarrar para sobreviver.

Kostnatění pretende estar preocupado com o calor e seus efeitos na psique humana. Além do corpo óbvio de tradições de subidas mais quentes que 'Úpal' se baseia, essa intenção conceitual é confirmada de forma mais impressionante por uma sensação de desorientação que permeia. Dissonância irregular, caminhos inesperados de desenvolvimento melódico novo, mudanças de ritmo chocantes e ênfase rítmica que não são vistas com frequência nas tradições “rockistas” ocidentais, todos percorrem um longo caminho para comunicar a sensação geral de tensão e desordem que se sente ao superaquecer. Os efeitos distorcidos que tem em nossa capacidade de racionalizar e processar pensamentos de maneira lógica. Toda a cronologia ordenada da mentalidade essencial na execução de tarefas básicas e no processamento de informações é jogada no ar, apenas para aterrissar fora de sequência, obrigando-nos a construir uma nova lógica sobre a antiga,

Com 'Úpal', Kostnatění reafirma sua posição como uma das vozes mais únicas dentro do metal extremo experimental, reunindo uma visão unificada clara que, no entanto, está repleta de bolsões ocultos de exploração.

bar italia - Tracey Denim (2023)

 

Tracey Denim (2023)

bar italia

Alguns registros podem ser vistos a quilômetros de distância e ouvidos ainda antes disso. O Tracey Denim do Bar Italia não é tão facilmente esperado. A estreia em uma grande gravadora deste trio londrino é vidrada na mística de uma lua nova, apenas visível em algumas lascas de hipnagogia lo-fi. Seu estilo de rock mais lento parece semelhante ao das lendas indie que vêm e vão, mas a abordagem dessa banda ao som é inerentemente atualizada para o público da era moderna, apelando para aqueles criados nas telas e acostumados a um certo nível de hiperatividade em seu consumo de mídia. . A essência da Tracey Denim é a essência de 2023.

O esqueleto geral de Tracey Denim é afetado por algum tipo de escoliose musical, dobrando a espinha dorsal de todas as quinze faixas, mas fazendo algo bonito de uma maneira não convencional ao longo do caminho. Guarda e enfermeira! estão bem posicionados nesta extensa aula de anatomia, desconstruindo várias articulações de shoegaze nervoso e reunindo-as novamente para os alunos mais novos do Bar Italia observarem e anotarem em seus dispositivos pessoais. Punkt interrompe o ritmo com sua própria reverberação forte de jangle agridoce, e Missus Morality levemente espana a multidão com o que pode ser facilmente considerado como o eixo estético do álbum.

Sim, eu comi tantos limões, sim, eu sou tão amargo oferece outra perspectiva borrada de filtro para as lentes da câmera invisível do Bar Italia, capturando os dois lados de um relacionamento que ocorre em duas mentes diferentes e muitos mundos separados. Esta melodia e sua sequência imediata, Changer, estão apaixonadas não pelas sensações do amor verdadeiro ou da identidade realizada, mas pelos meros conceitos. Com isso em mente, os esboços fantasmagóricos imaginados por canções como Clark e Maddington fazem todo o sentido. O Bar Italia está se aproximando de seu novo começo com todos os tipos de instrumentação de pele e ossos, mas cada peça é acompanhada por um constante elemento de surpresa. A narrativa emocional do doomscroll de Tracey Denim é um modelo não tão brilhante para uma nova geração.

Victory Over the Sun - Dance You Monster to My Soft Song! (2023)

Dance You Monster to My Soft Song! (2023)

Victory Over the Sun

Uma viagem absoluta de um álbum de metal; Victory Over the Sun refina o espectro de amplo alcance da vanguarda negra em uma mistura perfeita de explosões de black metal beat-down e uma variedade de sons diferentes, do pós-punk ao industrial, ao alternativo e até mesmo ao dance & funk - há um infinito poço de inovação a ser encontrado aqui, e tudo isso cai imaculadamente. Essa gama absolutamente absurda de criatividade fascinante é combinada com uma lista de faixas perfeitamente compacta e precisa e músicas que são quase implacáveis ​​em sua eficiência. Nunca parece que um drone dura muito tempo, um colapso se arrasta ou corta muito curto. Tudo parece organizado com um nível espetacular de meticulosidade. Ouvir este álbum é estupidamente impressionante com um momento de cair o queixo após o outro.

Nightmarer - Deformity Adrift (2023)

 

Deformity Adrift (2023)

Nightmarer

O excesso de death metal de qualidade continua a aumentar com esta miscelânea de quintetos de todos os lugares: Alemanha, Berlim, Tampa e Nova York. Mas, curiosidades geográficas à parte, isso é uma coisa enorme, considerando que é apenas o segundo álbum completo desde a formação, há 10 anos. 8 músicas impressionantemente curtas, com apenas duas ultrapassando a marca de 5 minutos, mas essa banda faz muito em pouco tempo. O estilo percussivo do stickmeister alemão Paul Siedel é cheio de tech-rolls laterais, mas ele também não tem medo de tocar uma batida direta a serviço da música. O vocalista John Collett obviamente estudou seu Immolation, já que seu estilo estrondoso lembra o trabalho espetacular de Ross Dolan, deslizando de forma impressionante sobre os treinos de riffs dissonantes de Keith Merrow e Simon Hawemann.

É revigorante que uma banda possa fazer um álbum no estilo DSO / Immolation e manter as músicas tão breves. “Brutalist Impersonator” é abastecido pelas paradas, começos e preenchimentos vertiginosos de Siedel, reforçados por gloriosos slo-chugs que florescem no meio da música. “Baptismal Tomb” dispara em blastbeats enlouquecidos, Collett explodindo sobre rabiscos dissonantes antes que a coisa toda desmorone em um ajuste jazzístico alguns minutos depois, como Siedel fez uma pausa para um gole de algo antes de voltar à vida para terminar a pista. A capa se parece muito comigo tentando fazer ioga (eu sou tão ruim nisso que o professor fica bem atrás de mim durante toda a aula: " Não, seu joelho vai aqui"… tão humilhante). De qualquer forma, este é um exercício de qualidade em brevidade tech-deth, e parece que Nick McMaster de Krallice se juntou à banda no baixo, como se ele não tivesse o suficiente para fazer um disco de mais de uma hora a cada seis meses.

Nightmarer: Chegando a uma cidade perto de você com convidados especiais Childcarer e Sliverwarer.

ROCK ART

 

Japanese Breakfast - Jubilee (2021)

Jubilee (2021)

Japanese Breakfast

“Depois de escrever dois discos e um livro sobre o luto, sinto-me muito pronta para abraçar o sentimento”, foi o que expressou a vocalista dos Japanese Breakfast, Michelle Zauner, numa recente entrevista sobre este disco. Fiquei instantaneamente fascinado com o que isso significava e exatamente como seria depois de uma carreira predominantemente feita por sua expressão íntima e incrível de tristeza em seus dois últimos álbuns - acontece que o resultado final é fiel às suas palavras, embora talvez um pouco menos tranquilo. Sinceramente, o álbum parece uma luta pela felicidade, ou talvez mais precisamente uma luta para sentir alguma coisa. O registro varia de celebrações semelhantes a desfiles a despedidas agridoces a relacionamentos abusivos desde a trágica morte de sua mãe, tudo reunido por uma enorme instrumentação consistente que nunca desiste de sua própria ambição.

Paprika, a faixa de abertura, parece uma celebração apoiada por sintetizadores brilhantes, vocais otimistas e metais tão grandes que poderiam ser de um desfile. É uma introdução perfeita para o álbum, apresentando a combinação de instrumentação grandiosa e única, composição inteligente e atitude chiclete. Be Sweet tem uma instrumentação igualmente enorme, mas a ênfase mais pesada na bateria acompanhada por sintetizadores muito mais doces faz com que pareça muito mais um hino de bem-estar. Mas o projeto não tem medo de se aventurar nas complexidades e sabores da felicidade - Kokomo, IN expressa a natureza agridoce de ser jovem apaixonado e esperar que eles voltem para você, “Assistindo você mostrar ao mundo as partes que eu caiu tanto para, Deus, eu gostaria que pudéssemos voltar lá, deixados sozinhos no meu quarto, eu sei que eles merecem você também”.

Somos lembrados de que o caminho para a felicidade é longo em “In Hell”, detalhando uma comparação da longa e difícil morte de sua mãe com a rapidez da morte de seu animal de estimação. É um tópico brutal e difícil encharcado por essa bateria otimista e linha de sintetizador - tornando difícil definir, mas se alguma coisa esse contraste parece uma luta pela felicidade - e a dificuldade de reconhecer e criar arte a partir da dor sem deixá-la abranger a totalidade da própria arte. A música é um tremendo esforço de Zauner e, embora por natureza soe como se fosse uma faixa de um de seus primeiros projetos centrados no luto; a faixa como um todo se encaixa perfeitamente aqui. Em uma nota menos brutal, mas igualmente comovente, “Táticas” mostra a mágoa de viver em um relacionamento abusivo ou que simplesmente não é bom para você. As cordas lentas e bonitas, os sintetizadores de sino e os vocais íntimos de Michelle quase fazem a faixa parecer uma balada - mas se é uma balada, é sobre uma das maiores, mais populosas e expansivas baladas que já ouvi. Apesar da abordagem de diferentes tópicos ao longo do álbum, uma coisa que todas as músicas aqui têm em comum é que todas parecem enormes.

Finalmente, o álbum termina com “Posing With Cars”, uma balada de guitarra que se desenvolve lentamente e se separa em duas partes – a primeira com Zauner cantando lentamente sobre seu amor por um parceiro, “E como você poderia conceber, este coração adolescente batendo forte, Quando todo o seu amor cresce cheio e firme por baixo”. A segunda parte é uma exibição instrumental de três minutos acompanhada de violão e cordas com tanto caráter que quase contam uma história em si. O solo de guitarra final é tão expressivo que realmente parece que nenhuma letra é necessária; é um pôr do sol, nostalgia e sensação de agridoce, tudo embrulhado com um laço. Embora seja uma reminiscência de algumas das outras faixas agridoces do álbum - este instrumental cria um empreendimento quase indescritível de felicidade,

O Jubileu acaba sendo muito mais do que apenas uma demonstração de sentimento, parece mais um campo de batalha entre a realidade das inevitáveis ​​tragédias da vida e o constante impulso que você tem que fazer para escolher a felicidade através delas - exibido pelo equilíbrio entre trágicos composições e instrumentais alegres e otimistas. Zauner parece estar desesperada neste álbum para sentir qualquer coisa, mas mais especificamente ela parece estar em uma jornada para a felicidade que ela deseja enquanto este álbum é uma combinação dos solavancos no caminho para isso, as complexidades de alcançá-lo, e as lutas para mantê-lo. Mas o que talvez seja mais surpreendente sobre este álbum é seu contexto no esquema maior da vida de Zauner; ser capaz de fazer um álbum que, pelo menos parcialmente, abandone a dor da tragédia avassaladora que ela experimentou em um esforço para obter pelo menos uma compreensão parcial da felicidade é incrivelmente corajoso e deve ter sido incrivelmente difícil. Este álbum é fácil de se apaixonar e apresenta locais de felicidade apenas acessíveis e retratáveis ​​por alguém que teve tanta dificuldade em chegar até eles.

Em seu terceiro álbum completo, Japanese Breakfast encontra seu fundamento nos lugares mais inesperados. Michelle Zauner surge como uma contadora de histórias rivalizando até mesmo com as mais pungentes do gênero, e cria uma trilha sonora de cura de uma forma que apenas os mais voluntariamente vulneráveis ​​poderiam.

Faixas favoritas: Paprika, Be Sweet, Kokomo IN, In Hell, Tactics, Posing for Cars

'Thick As a Brick' de Jethro Tull: LP conceitual ou paródia de um?

 

Quase cinco décadas depois, alguém ainda não entendeu. Quando se trata do seminal Thick as a Brick de Jethro Tull , podem ser os ouvintes que falham em ver sua natureza subjacente, pensando que é um marco de desenvolvimento para o rock progressivo, em vez de uma paródia de seus excessos. Por outro lado, pode ser o compositor e letrista do álbum, o vocalista do Tull, Ian Anderson, que, em sua tentativa de ajustar um gênero que considerava muito importante, não reconheceu que empregar arrogância poética elíptica como um envio de a arte que prospera no exagero, em última análise, é apenas pegar outra ferramenta do mesmo kit.

De qualquer maneira, Thick as a Brick provou ser um sucesso extraordinário que, ironicamente, é um dos poucos clássicos do prog que não soa como uma paródia hoje. Ambiciosa e meticulosa em partes iguais, é uma colagem produzida com inteligência cujos apelos permanecem intactos.

Era final de 1971 e Jethro Tull estava aproveitando o sucesso do Aqualung daquele ano , que alcançou a 7ª posição na parada de álbuns da Billboard . Como a força criativa motriz da banda, Anderson ficou perplexo com a reação ao quarto disco de seu grupo, que ele acreditava estar errado ao chamá-lo de "álbum conceitual" - para ele, qualquer linha direta era coincidência e as pessoas em busca de maior significado estavam lendo muito para ele.

Ouça “Tales of Your Life”, uma faixa de Thick As a Brick

O rock progressivo estava na moda e, na opinião de Anderson, bandas como Yes, Emerson. Lake, Palmer e Genesis estavam fazendo música cujas afetações beiravam a pretensão. Anderson decidiu responder àqueles que pensavam que Aqualung era um álbum conceitual, dando-lhes um disco real - e, no processo, satirizando a pomposidade de bandas que estavam fazendo feno com uma tarifa conceitual descomunal.

Jethro Tull em 1973 em sua turnê 'Thick As a Brick' (Foto de Heinrich Klaffs, da Wikipedia; usada com permissão)

Thick as a Brick é multimídia por volta da Idade da Pedra, música casada com um jornal. A capa do álbum foi impressa como um papel personalizado (e totalmente fictício) de 16 páginas, na edição de 7 de janeiro de 1972 do The St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser . Anderson dirigiu seus artigos tão pessoalmente quanto fez com o conteúdo do vinil, escrevendo a maioria com a ajuda do tecladista de Tull, John Evan, e do baixista Jeffrey Hammond. Seu principal recurso é a história do menino Gerald (Little Milton) Bostock, de oito anos, que, depois de usar linguagem imprópria na BBC Television, é despojado de um prêmio de poesia e declarado possuidor de uma “atitude extremamente prejudicial em relação à vida, seu Deus”. e País”. O poema inadequado, impresso na página 7, é a letra do álbum.

Ouça “You Curl Your Toes Toes in Fun/Childhood Heroes/Stabs Instrumental”

Embora divertido por seu conteúdo e relativa extravagância, o jornal é, em última análise, de menor importância para a experiência geral do disco. Concebido como canções individuais, mas entregue como um conjunto único de suítes com tecido conectivo entre eles, Thick as a Brick foi criado em duas semanas de gravação no final de 1971, durante as quais Anderson escreveu material entre as sessões, começando com as letras e depois desenvolvendo a música de acompanhamento, e a banda aprendia uma nova peça a cada dia, empilhada sobre o que havia trabalhado anteriormente. Embora o trabalho tenha sido feito em tempo real, o resultado final não é solto, talvez porque o processo tenha usado ainda mais tempo para overdubs e mixagens, onde claramente muito trabalho foi feito.

Jethro Tull em uma foto promocional de 1972. Ian Anderson está na frente e no centro

Lançado em 3 de março de 1972, o álbum traz duas faixas por necessidade: “Thick as a Brick (Part 1)” de um lado do vinil, e “Thick as a Brick (Part 2)” do outro (mesmo com o advento dos CDs , a divisão permaneceu no lugar - o que está feito está feito). Uma reedição do 40º aniversário do disco separou o todo em oito peças compostas por 13 seções totais, com títulos individuais que são úteis para discutir seções específicas.

O álbum apresenta “Really Don't Mind” com uma linha de violão descontraída, à qual Anderson aplica um vocal igualmente prático. Sua flauta levemente empinada logo afirma a identidade da banda, adornando um passeio de tendência folk ao lado de uma borda lírica ácida. Depois de três minutos razoavelmente tranquilos, o rock toma conta com “See There a Son is Born”. Frenética e propulsiva, é uma música com pressa de chegar onde quer chegar, com o órgão de Evan e os sotaques lamuriosos da guitarra de Martin Barre como combustível. Uma miscelânea de áudio, torna-se um banquete móvel quando o caloroso curativo elétrico de Barre migra da direita para a esquerda na mixagem pouco antes da marca das 4:30, um dos muitos truques e técnicas que a produção emprega para manter a atenção despertada e deslocada.

Ouça a primeira parte da faixa-título

A bateria de Barriemore Barlow faz um percurso semelhante pela paisagem sonora em “The Poet and the Painter”, um interlúdio que destaca o problema de parodiar algo que envolve o bombástico. Antes que peças de guitarra elétrica surjam de ambos os lados do aparelho de som para impulsionar uma brincadeira envolvente, Anderson oferece uma leitura maliciosa de letras ricas em imagens e, mesmo que seja uma sátira, certamente parece sério o suficiente. Se ele está brincando com os piores hábitos de outros artistas, ele também tira vantagem dos mesmos tropos, e não apenas neste disco. Sua poesia agressiva e mordaz revela uma obscuridade altamente pessoal e o tipo de intensidade crua servida por sua cadência autoritária, às vezes às custas do que pode ser pretendido como uma sátira borbulhante:

Nada disso quer dizer que o álbum não seja notavelmente audível. A cadência agradável da pulsação renascentista Fair-ready em "O que você faz quando o velho se foi?" é atraente e legal, com um fluxo instrumental aparado pela sempre agradável ostentação de Anderson das convenções do rock. “From the Upper Class” é um tipo diferente de sedução, uma virada assombrosa fundada em um gabarito irregular, onde os sotaques nada suaves do violino de Anderson aumentam a tensão sonora.

Ian Anderson em uma foto publicitária de 1972

O lado um fecha com a sequência de três partes de “You Curl Your Toes Toes in Fun/Childhood Heroes/Stabs Instrumental”, que percorre toda a gama de apelos do disco. Da suavidade sonhadora, ela muda com entusiasmo, saltando de uma textura instrumental para outra. Aqui há um xilofone, ali uma pitada de piano, com a flauta de Anderson fazendo um levantamento substancial enquanto marcha para frente. Uma pulsação coordenada de órgão, bateria e o baixo de Jeffrey Hammond adicionam força enquanto o instrumental chega ao fim dentro de uma mistura divertida, que começa seu fade e então empurra novamente no ouvido do ouvinte com uma nova explosão antes de evaporar enquanto seus últimos traços se misturam no som do vento.

O lado dois começa ali mesmo, com rajadas dando lugar a um toque de sino oco antes de explodir em “See There a Man is Born”. Misturando o formal e o frenético, é uma montagem precisa de sons que quebra em um solo de bateria de Barlow antes de dar lugar a uma textura arejada. Sua jornada pára e começa em todos os lugares, mas é coesa. “Clear White Circles” segue, seu pulso acústico fluindo salpicado com sotaques mais grossos e leves armadilhas de rock ao lado da recitação impassível de Anderson.

Ouça “Thick as a Brick (Pt 2)”

Qualquer discussão sobre o lugar do disco no programa é encerrada com "Legends and Believe in the Day", um híbrido artístico suave e contemplativo, rico em energia instrumental. Por trás dos gostos de “The Dawn Creation of the Kings/Começou, começou/Soft Venus, donzela solitária traz/O eterno, o eterno,” é um poema de tom feito para soar letrado, mas no final das contas se mostra mais valioso em como complementa a música.

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 6 de maio de 1972 da Record World

A pulsante “Tales of Your Life” é um redemoinho cuidadosamente construído, constantemente em movimento. Traços de cravo ao longo do caminho dão um tom terroso, enquanto algumas batidas de tímpanos restauram a atenção. As peças se fundem em um mecanismo que nunca soa desleixado ou aleatório, levando a um crescendo robusto e, para que a atenção do ouvinte não se desvie enquanto examina suas riquezas, o toque de um despertador está lá para puxá-lo de volta.

Envolvendo o conjunto com um retorno temático está “Reprise de heróis da infância”; o pivô para ele é abrupto, mantendo parte do acúmulo da seção anterior antes de girar em um centavo. Após um passo final no acelerador, há um resfriamento acústico, com Anderson em modo totalmente contemplativo, entregando a linha final do álbum (e título) com uma resignação consciente. O caminho para esse fechamento silencioso é típico da suíte - quando ela se esvazia em uma cama de cordas quase incidental para a qual não havia precedente no disco, é emblemática de uma abordagem para a qual não há limite real, onde uma paleta sonora estabelecida nunca impede a produção de escolher algo novo se for o certo para o momento.

Assista a um vídeo caseiro de “Thick As a Brick Part 2” tocada ao vivo em 1972

Dificilmente compatível com o rádio devido à sua estrutura, o álbum, no entanto, marcou o maior sucesso da banda nos Estados Unidos até aquele ponto. Em junho de 1972, passou duas semanas no topo da parada de álbuns da Billboard , o destaque de suas 46 semanas. No processo, garantiu a posição de Jethro Tull, transformando um golpe intencional no gênero na afirmação do ato como um rock progressivo básico, um resultado que seria ainda mais engraçado se todos pudessem concordar com a piada.

Assista Jethro Tull tocar “Thick As a Brick” ao vivo em Londres em 1977

[Para comemorar seus 50 anos, Thick As A Brick foi reproduzido em seu formato original, dentro de um jornal de 12 páginas. A edição em vinil, lançada em 29 de julho de 2022, é um master de meia velocidade do remix de 2012 de Steven Wilson. Além disso, a rara e cobiçada edição especial de colecionador em CD/DVD do 40º aniversário, esgotada por quase dez anos, também foi disponibilizada. A reedição chegou em 20 de janeiro de 2023.]