CRONICA STEVE EARLE | Exit 0 (1987)

 

O álbum de estreia de Steve EARLE,  Guitar Town , causou uma grande impressão quando foi lançado em 1986 e alcançou um pequeno sucesso. Suas qualidades como compositor atingiram a marca e muitos fãs de Country-Rock e Heartland-rock esperam que ele confirme com o próximo álbum.

Steve EARLE, lançado em boas faixas, está trabalhando em seu segundo álbum. Este, que é intitulado  Exit 0 , finalmente dorme em 18 de maio de 1987. O álbum é, no entanto, creditado sob o nome de Steve EARLE & THE DUKES (THE DUKES é o nome da banda de apoio que apoia o cantor/guitarrista/compositor ). O nativo da Virgínia escreveu e co-escreveu todo o material deste álbum, que foi produzido por Tony Brown, Emory Gordy Jr. e Richard Bennett.

Como o álbum anterior,  Exit 0 a América profunda cheira bem. Vários títulos são particularmente a este respeito: é o caso de "Nowhere Road", uma composição Country-Rock elegante, apurada com suculentas melodias que surge na banda sonora do filme "Black Dog", é viciante, contagiante ao ponto de tem o potencial de um hino, de "Sweet Little '66", uma música Country bem terrosa, com um carácter rural que te vai levar para longe, muito longe das grandes metrópoles com a sua atmosfera sufocante, que se torna cativante graças à presença de um piano que ilumina o todo ou mesmo "I Ain't Ever Satisfied", uma composição de Heartland-Rock ao mesmo tempo viva e melódica, bem arranjada (um piano discreto, mas eficaz, em particular), raízes na perfeição, dotado de um refrão fácil de lembrar, de coros que chegam a apoiar efetivamente o cantor no final e que tem tudo de hino imparável para a classe trabalhadora. No estilo Heartland-Rock, Steve EARLE é como um peixe na água e sua eficiência não esmorece em nenhum momento, seja em "San Antonio Girl", composição na linha de Bruce SPRINGSTEEN, John MELLENCAMP bem feito, inspirado, embelezado pela presença de palmas, um bom refrão ou em "I Love You Too Much", composição inspirada na famosa "Not Fade Away" de Buddy HOLLY que se destaca pela propensão a bater os pés, as suas guitarras acústicas muito presentes e suas letras leves (como Steve EARLE tem várias cordas em seu arco). O cantor/compositor/guitarrista está se reposicionando de forma mais decidida no estilo Country, até Country-Rock através de títulos como "Angry Young Man, uma peça carregada por uma introdução na gaita, desenhada de cima pelas qualidades de compositor e contador de histórias de Mr. Earle, o mais Rock "The Rain Came Down", um título bem escrito, bem construído, ligeiramente imbuído de tristeza e bastante envolvente , e a jovial e colorida "The Week Of Living Dangerously", impulsionada por um piano extrovertido (que solo deslumbrante!), que se revela contagiante, potencialmente hinário. As baladas country são bastante dignas de interesse como evidenciado por "No. 29", uma música refinada, sem enfeites e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk. , mas bem construído, nunca caindo em lágrimas. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. arrancado do topo pelas qualidades de compositor e contador de histórias de Mr. Earle, o mais Rock "The Rain Came Down", um título bem escrito, bem construído, ligeiramente imbuído de tristeza e bastante envolvente, e o jovial e colorido "The Week Of Living Dangerously”, impulsionado por um piano extrovertido (que solo deslumbrante!), que se revela contagiante, potencialmente hinário. As baladas country são bastante dignas de interesse como evidenciado por "No. 29", uma música refinada, sem enfeites e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk. , mas bem construído, nunca caindo em lágrimas. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. arrancado do topo pelas qualidades de compositor e contador de histórias de Mr. Earle, o mais Rock "The Rain Came Down", um título bem escrito, bem construído, ligeiramente imbuído de tristeza e bastante envolvente, e o jovial e colorido "The Week Of Living Dangerously”, impulsionado por um piano extrovertido (que solo deslumbrante!), que se revela contagiante, potencialmente hinário. As baladas country são bastante dignas de interesse como evidenciado por "No. 29", uma música refinada, sem enfeites e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk. , mas bem construído, nunca caindo em lágrimas. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. ligeiramente triste e bastante envolvente, e a jovial e colorida "The Week Of Living Dangerously", impulsionada por um piano extrovertido (que solo deslumbrante!), que se revela contagiante, potencialmente hinário. As baladas country são bastante dignas de interesse como evidenciado por "No. 29", uma música refinada, sem enfeites e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk. , mas bem construído, nunca caindo em lágrimas. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. ligeiramente triste e bastante envolvente, e a jovial e colorida "The Week Of Living Dangerously", impulsionada por um piano extrovertido (que solo deslumbrante!), que se revela contagiante, potencialmente hinário. As baladas country são bastante dignas de interesse como evidenciado por "No. 29", uma música refinada, sem enfeites e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk. , mas bem construído, nunca caindo em lágrimas. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. sem adornos e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk, mas bem construída, nunca caindo no choro. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável. sem adornos e, em suma, calmante, ou ainda "It's All Up To You", bastante clássica no movimento Country/Folk, mas bem construída, nunca caindo no choro. Nestes 2 casos, a performance vocal de Steve EARLE é impecável.

Em suma,  Exit 0  é um álbum de sucesso em geral, quase tão bom quanto seu antecessor. As composições são sem artifícios, notavelmente vestidas e inspiradas. Quanto à voz de Steve EARLE, ela transporta, como seu senso de composição voadora. Pouco depois de seu lançamento, alcançou a posição 90 no American Top Album, que ocupou por 14 semanas (e, aliás, 36º no Canadá, onde foi ouro). Com pouca cobertura da mídia, Steve EARLE consegue aos poucos deixar sua marca e se destacar junto a uma parcela do público americano que cada vez mais conhece esse artista.

Tracklist:
1. Nowhere Road
2. Sweet Little '66
3. No. 29
4. Angry Young Man
5. San Antonio Girl
6. The Rain Came Down
7. I Ain't Ever Satisfied
8. The Week Of Living Dangerously
9. I Love You Too Much
10. It’s All Up To You

Formação:
Steve Earle (vocal, guitarra, gaita)
Bucky Baxter (guitarra de aço)
Mike McAdam (guitarra)
Reno King (baixo)
Harry Stinson (bateria)
Ken Moore (sintetizadores, órgão)
+
Richard Bennett (guitarra)
John Jarvis ( piano)
Emory Gordy Jr. (bandolim)
K-Meaux Boudin (acordeão)

Marcador : MCA

Produtores : Tony Brown, Emory Gordy Jr. e Richard Bennett

Revisão: "Interference" de Anubis Gate, os dinamarqueses entregaram uma joia de heavy metal progressivo para este ano

 

"Interference" é o nono álbum de estúdio da Anubis Gate, banda de metal progressivo da Dinamarca. Foi lançado em 2 de junho de 2023 digitalmente, em serviços de streaming e em CD em quantidades limitadas. Já em agosto de 2021 novas canções originais foram escritas e gravadas. Finalmente, mais de sessenta minutos de metal progressivo estavam prontos para lançamento, mas devido a vários problemas externos à banda, foi adiado. Por esse motivo, o título para isso não foi uma escolha aleatória. A vida parece atrapalhar às vezes, como realmente aconteceu com este álbum. A crise da pandemia adiou mais de uma vez, assim como a morte de Jesper M. Jensen. Tais eventos geralmente contribuem para o processo criativo, e isso não foi exceção. Além disso, A gravadora anterior de Anubis Gates começou a existir, então ao longo do caminho havia até dúvidas sobre se "Interference" algum dia veria a luz do dia. Felizmente, um novo contrato foi assinado com a Dutch No Rust Records em janeiro deste ano para materializar este novo material. Produzido e mixado por Kim Olesen, masterizado por Jacob Hansen.

“Emergence” começa com força total, impondo a sonoridade global que vamos ouvir. Entre frases poderosas, o refrão que conduz com ainda mais intensidade é rapidamente apresentado. Um virtuoso solo de guitarra nos reconecta para nos levar ao final com riffs mais pesados.

“Ignorance is Bliss” demora alguns segundos para começar, e o baixo vai abrindo caminho até chegarmos à voz. Num halo de mistério, os primeiros versos mergulham-nos em versos profundos e rítmicos. No entanto, todo o conjunto surge agressivamente para nos atingir imediatamente. Entre passagens que descem, as nuances se entrelaçam de forma articulada e bem processada. Também inevitavelmente, podemos nos encontrar com um solo envolvente e estrondoso. “Number Stations” nos intercepta repentinamente após um áudio estranho referindo-se a determinados números. O andamento vai mudando de repente e os cortes são cada vez mais seguidos, vão imprimindo o estilo. Parece se tornar uma jornada infinita, mas sua conclusão gradual nos conecta quase perfeitamente com“The Phoenix” , onde mudamos um pouco o gênero. Existem algumas mudanças de modo para variar, embora o volume não caia. Com alguns refrões vigorosos e uma interpretação magistral, essa faixa cumpre seu propósito de mudar um pouco a paisagem. Agora, no meio dessa jornada, "Equations" começa com alguns gritos, riffs mais pesados ​​e um grande solo de sintetizador. É uma massa voraz de distorção que consegue invadir a mente em sua totalidade e agitar o pulso com muita energia.

“Dissonance Consonance” faz jus ao nome, e entre dissonâncias consonantais, emerge entre texturas suspensas. A voz é acrescentada com algumas notas e algumas frases melódicas, embora as letras mais imponentes façam o seu trabalho com naturalidade. Com solavancos ambientais bem selecionados, há espaços para atacar novamente e retomar os versos mais uma vez. “The Intergalactic Dream of Stardom” nos reintroduz em uma órbita furtiva para começar, e mais uma vez sobe ao nível em que estávamos, e no qual parece, não descer de lá. Múltiplos cortes apertados, levam-nos a um ataque massivo de 32ª notas entre compassos de amálgama atingindo eufonias verdadeiramente inspiradas. "Mundo de Barro"ele ganha velocidade com mais personalidade, quase inatingível com a habilidade do baterista magistralmente montado com o baixo. A voz aguda, acima, dá-lhe o impulso necessário para nos distrair do fim irrevogável que está a poucos minutos.

Uma poderosa distração mental, mas que nos transporta ligeiramente para “Interference”, a faixa que dá nome a este magnânimo trabalho. Uma voz feminina hipnótica nos aproxima de uma guitarra ritmada e um baixo com alguns efeitos, enquanto a percussão se exibe em um groove solvente. Aqui conseguem criar uma atmosfera que ganha outra cor, no entanto, a interpretação continua a ser forte, rica e contundente. Com variantes de todos os tipos, rítmicas e harmônicas, a polifonia desempenha seu papel mais notável. Assim, chegamos a “Absense” a última música que fecha com certo fôlego, mas com a mesma habilidade e maestria em cada um de seus instrumentos. Um trabalho vocal muito melódico, para completar o ciclo de magia exibido. 

Com ótimas críticas, encontramos o que poderia ser um dos melhores trabalhos feitos até agora por este grupo. Uma cascata de criatividade é percebida ao longo de cada composição, além disso, eles tiveram tempo de sobra para ajustar o que fosse necessário. Não há dúvida de que algo assim poderia ser tão bem recebido em todo o mundo e transcender as fronteiras da Europa. Estilisticamente, podemos encontrar um conglomerado do heavy metal clássico dos anos oitenta, uma atmosfera épica dos anos noventa e o dark progressivo desta era atual. Podemos adicionar algumas doses de melancolia, emoções vastas e uma certa sensibilidade melódica ao criar. Climas sinuosos se interpõem entre riffs extremamente densos, acompanhados de um baixo pesado, e uma bateria ritmada com autoridade e insanidade.

Crítica: "Deny Humanity" de Delta, obra que consolidou a grande banda chilena de metal progressivo

 

Em 2010, Delta continuou sua jornada musical com o lançamento de "Deny Humanity". Este álbum conceitual abordou a questão da tecnologia e a perda da humanidade na sociedade moderna. Com este trabalho a banda buscava um crescimento significativo, consolidando ainda mais sua carreira.

Delta experimentó un cambio en su alineación con la incorporación de Marcos Sánchez en el bajo, mientras mantenía a su personal clásico con Benjamín Lechuga en las guitarras eléctricas, Nicolás Quinteros en los teclados y segundas voces, Felipe del Valle en las voces y Andrés Rojas en a bateria. 

Com um total de onze músicas, "Deny Humanity" foi o primeiro passo da banda em uma nova década em busca de evolução. 

A primeira música, "Fatal Error", nos leva a um mundo distópico cheio de mistério e tensão. Como introdução, esta faixa estabelece o tom e o conceito do álbum onde vocais robóticos, com um tom frio e mecânico, geram uma carga de antecipação à medida que a faixa avança.

"Over & Over Again" libera poderosamente a tensão acumulada. Desde os primeiros acordes, Delta aumenta a aposta e oferece uma energia distinta e intensa que captura imediatamente a atenção do ouvinte. Com guitarras incisivas, teclados frenéticos e um arranjo sinfônico que arredonda o tema, a banda consegue criar um grande começo. O som familiar de Delta está presente, mas com uma intensidade renovada que se faz sentir ao longo da música.

A melodia de "Revolution" habilmente se entrelaça com a força e intensidade avassaladoras da banda, mantendo as revoluções a todo vapor. Os ritmos frenéticos somados aos refrões de guerra dão um ar de hino à terceira faixa.

"Desire Within", a quarta faixa do álbum, reflete a ânsia de Delta em explorar novas nuances em sua música. Desde os primeiros segundos, somos recebidos com percussões tribais que criam uma atmosfera cativante. Esta incorporação de elementos tribais é uma reviravolta que demonstra a versatilidade e criatividade do quinteto. 

Continua “Doors Keep Spinning”, destacada pela presença marcante do baixo que norteia a canção em várias passagens. O baixo estabelece um ritmo sólido que se torna o esteio da composição. À medida que a música avança, elementos de teclado acelerados e refrões poderosos são adicionados, criando camadas adicionais de textura e dinamismo.

As influências mais extremas da banda se refletem em “Perfect Insanity” que traz a faceta mais metal do Delta com um riff incansável que conduz a música junto com um refrão de vozes guturais. Tanto musical como liricamente “Perfect Insanity” é um dos destaques do terceiro álbum da banda, não é por acaso que na letra desta sexta música encontramos a referência que dá nome ao álbum. 

“Fragile” desacelera o ritmo em uma faixa conduzida por uma melodia suave e comovente que acompanha letras profundas que exploram os pensamentos e sentimentos que surgem quando percebemos o quão frágil é a existência e como nossas escolhas podem ter consequências duradouras.

A instrumental “2702” é outra questão, Delta aventura-se a fundir ritmos folclóricos da cueca que os ligam às suas raízes. A composição de Benjamín Lechuga funciona e torna-se um elemento enriquecedor do disco. 

"Virtual Life" conta com a colaboração da vocalista chilena Consuelo Schuster. Para uma música com mais de uma década de lançamento, ela aborda um tema mais atual do que nunca: a crescente dependência do ser humano em relação à tecnologia. Nesta música, Delta nos convida a refletir sobre os efeitos e implicações de viver imerso em uma vida virtual.

“God or Science” continua a desenvolver o conceito do álbum, questionando os limites dos avanços científicos e o papel que desempenham na procura da omnipotência, quase como se quisessem ser deuses. A música desta canção caracteriza-se por ser emocional, com uma combinação de refrões evocativos e arranjos de sons computadorizados que contrastam entre si.

Consuelo Schuster colabora novamente na música que fecha o álbum, "The Human Touch". A banda se aventura a explorar sonoridades inéditas em sua trajetória. A letra de "The Human Touch" é um chamado para nos reconectarmos com a humanidade que perdemos em meio à nossa dependência tecnológica e nosso ritmo acelerado de vida.

Em seu quarto álbum, a Delta encarou o desafio de evoluir sua proposta musical. Embora seu som tradicional já esteja estabelecido, a banda reconhece a necessidade de adicionar novos elementos à sua fórmula para se manter atual e atual. O resultado é um álbum que se destaca por contribuições notáveis, que lhe conferem uma marca própria.

Ao longo do álbum é possível perceber elementos musicais e líricos que demonstram a evolução da Delta. A experimentação de novos estilos e sonoridades mostra a vontade da banda de expandir seus horizontes e explorar novas formas de expressão. À medida que a banda se consolidava, os desafios eram maiores, três anos depois eles iriam piorar com “The End of Philosophy”. 

Resenha: "Puerta Al Infinito" de Marco Montero, o compositor costarriquenho traz um material de sons lo-fi, batidas eletrônicas e ambient

 

"Puerta al Infinito" é o segundo álbum do guitarrista costa-riquenho Marco Montero. Foi lançado em 16 de outubro de 2022 e pode ser considerado um álbum de compilação que inclui singles, demos, remasterizações e material inédito. 

O álbum abre com a música "Vaso de Cristal" , uma pequena introdução de alguns minutos que dá o tom do álbum desde o início: sons lo-fi, batidas eletrônicas e quase nos últimos 30 segundos a guitarra de Marco , preenchendo com algumas notas melódicas e acompanhando perfeitamente para começar a construir essa atmosfera de serenidade que continua ao longo de todo o álbum.  A segunda música, “Lime Tea”, é a faixa mais curta de todas, mas é uma demonstração perfeita da habilidade musical do guitarrista que só é adornada com algumas batidas eletrônicas antes de continuar com “ Pacific”.uma música cheia de notas suaves que dão a sensação de tranquilidade, muito harmoniosa, perfeita para ouvir sentado em algum lugar esperando o pôr do sol, é perfeito para relaxar apenas com o som do violão.

Com a quarta música "Coral" as batidas reaparecem e é uma música muito interessante que oferece um belo PRS acústico que satura os ouvidos do ouvinte com uma composição mais elaborada, conseguindo uma música muito ritmada com um som sólido, com tons flamencos. . Parece-me uma faixa que você pode ouvir em um álbum de um dos meus artistas eletrônicos favoritos, “Boards of Canada”. Um dos meus assuntos favoritos, sem dúvida.

Deixo-vos com o link do vídeo para que possam apreciar o Marco com aquele lindo preto acetinado PRS Tonare:

"Inconsistências" marca quase metade do álbum e a guitarra elétrica retorna. Os efeitos usados, assim como as notas e as batidas fazem com que soe como um ótimo loop e uma das faixas mais eletrônicas também, que termina com um pouco de ruído ambiente que mais parece um carro de partida. Então tudo contrasta com a próxima música. "Magrelo"é a fusão perfeita que equilibra todo o álbum, não só porque tem todos os elementos que você já ouviu antes: batidas e ruído ambiente, mas porque é a bela interação de duas guitarras. Abrindo com um violão para continuar com a guitarra elétrica e é feita uma dinâmica onde ambos se unem de forma delicada e é então quando ele está apenas se acostumando com o som que se ouve o som de alguns pratos de bateria, para fechar naquele caminho . "Variedade"é o próximo tema e é dominado pela guitarra elétrica. Parece que a segunda parte do álbum foi marcada por um domínio mais trap do que lo-fi. Nesta música em particular me faz pensar que seu nome deriva da 'tensão' das cordas ao atingir aquelas notas altas que são intercaladas com sons ambientes e um efeito interessante no pedal.

“Noches Largas” é talvez a música com a aura mais misteriosa pelos efeitos utilizados, pelos sons de trap e pelas notas de guitarra elétrica que se entrelaçam naquele mistério que parece uma noite sem dormir e embora pareça que ao mesmo tempo que avança e as notas se repetem, provocando a sensação de que em algum momento haverá um crescendo, na verdade não 'descola' e que justamente consegue honrar seu nome: é como uma longa noite em que você não consegue dormir e pois Mais do que você tenta, sua mente continua girando em pensamentos que você não pode controlar.  Essa mesma angústia e cansaço nos levam ao próximo tópico com "Transmutação"que para mim é um dos melhores. Quase abrindo com algumas notas fluidas, mais intensas e sensuais na guitarra elétrica e é então que Marco mostra mais uma vez suas habilidades como guitarrista, mas também há uma agradável surpresa: uma espécie de refrão, e embora o que dizem seja ininteligível , eu gosto de como soa. É nessa música que posso apreciar o talento desse menino e como ele tem o carisma de guitarristas como Steve Vai, daqueles que você não precisa ver para saber o quanto curte seu instrumento.

A penúltima música de "El Gángster" é uma música que eu já tinha ouvido antes, mas não da mesma forma, esta é sua versão trap, enquanto a que pode ser ouvida em seu terceiro álbum " New Adventures”, que também revi anteriormente. Este bad boy mantém a linha que a segunda metade do álbum oferece ao preservar uma composição mais complexa e 'dark', no entanto parece-me que as batidas e sons de trap desviam a atenção da guitarra e embora não seja de forma alguma inferior qualidade da versão, prefiro a versão com bateria e baixo de “New Adventures”.  “Sigilo” vem fechar o álbum e se destaca por ser a que mais tem sons de trap, pelo menos na primeira metade da música, porque depois evolui para um som mais lo-fi e aquele som característico do Marco violão, capaz de transmitir paz.

Em suma, "Puerta al Infinito" é um convite ao ouvinte a entregar-se à incerteza dos nossos medos, aqueles que nos perseguem mesmo antes de dormir e que nos enchem de angústia os pensamentos, mas que oferecem o remédio perfeito para preencher os seus ouvidos para músicas que podem reduzir o volume de sua mente cansada e, em vez disso, proporcionar um relaxamento e refúgio onde você pode se divertir com lo-fi, trap e guitarra neo soul. Se procuras um álbum instrumental que te ofereça um equilíbrio entre algo diferente, algo que te relaxe, que te dê tranquilidade e que também tenha composições elegantes, esta obra de Marco Montero é para ti. Não perca a oportunidade de ouvi-lo.

Créditos:
Guitarras: Marco Montero
Produzido por Marco Montero
Escrito por Marco Montero
Mixagem e Masterização: Marco Montero
Engenheiro de Gravação: Marco Montero
Arte do Álbum: Marco Montero

Resenha do álbum: HEALTH – VOL. 4 :: SLAVES OF FEAR

 

Os noise rockers de Los Angeles, HEALTH, estão de volta com seu quarto álbum de estúdio, VOL. 4 ::.SLAVES OF FEAR

TUDO PERTENCE NAS CAPITAIS, ESSE É O DECRETO DA SAÚDE. Bem, pelo menos é para os títulos das faixas… e o nome da banda. De acordo com a banda, todos concordaram que seu nome deveria ser uma palavra comum e comumente usada - depois de verificar uma longa lista, HEALTH era o único nome de banda disponível. No entanto, seu som está longe da mediocridade de seu nome. Não sendo a banda mais prolífica, este lançamento é o mais recente desde a formação em 2005. Tendo chegado à fama com sua faixa original sendo usada como elemento 'remixado' em "Crimewave" do Crystal Castles, e mais tarde criou a trilha sonora do vídeo jogo Max Payne 3 .

Considerando a escala do som que irrompe; batendo e agitando desde a faixa de abertura “PSYCHONAUT”, você seria perdoado por pensar que HEALTH era o trabalho de um grupo enorme. No entanto, não é uma versão robótica do STOMP! Nem é o contrário, um lobo solitário como, digamos, Savant ou Skrillex forçando um computador a recriar esses sons. São apenas três moradores de Los Angeles e muita engenharia inteligente.

Carregado com reverberação poética e atraso para os vocais, “PSYCHONAUT” mantém as guitarras estridentes e uma bateria dominadora que se desenvolve gradualmente à medida que conduz perfeitamente a “FEEL NOTHING”. Agora, considerando que ouvi recentemente Amo , o novo lançamento de Bring Me The Horizon (fique à vontade para conferir a resenhatambém se você estiver inclinado). Eu quase tive uma dupla impressão devido à semelhança nos vocais entre as duas bandas. Porém, sonoramente, não poderia haver mais diferença. Where Bring Me The Horizon tem sua presença crua e angustiante, e a moderou ao longo dos anos, mantendo apenas um toque de sua raiva; SAÚDE são enganosos. Apelidado de noise rock, você seria perdoado por pensar que é apenas uma cacofonia de instrumentos e sons jogados uns contra os outros. No entanto, para fazer 'barulho; soar tão bem, você tem que saber o que está fazendo.

À medida que “BLACK STATIC” começa a funcionar, o controle que esse trio ligeiramente insano tem sobre seu som é aparente. Apenas da perspectiva deste crítico, eu não ouvi habilidades de bateria tão evidentes desde a última vez que me sentei para ouvir um álbum do Meshuggah - francamente, apenas ouvir faz meus braços parecerem cansados. Os vocais são francamente assustadores. Poético, mas monótono em meio a seus próprios efeitos de reverberação e a força absoluta do sintetizador, guitarra e bateria avassaladora.

“LOSS DELUXE” fica perto do epicentro do álbum, e neste ponto, meu cartão do banco está fora e pagando ingressos para o próximo show da banda em Londres em meio a sua turnê européia. Não digo isso de brincadeira, mas estou tão impressionado com o trabalho até agora que tenho que ver como isso soa ao vivo. O mais impressionante do HEALTH, entretanto, não é o domínio do instrumento ou a produção do som; é o quão bem eles se conhecem como uma banda. Há um enorme senso de identidade com esse trio – cada faixa é inconfundivelmente deles.

Baseando-se em uma vibração mais industrial, “THE MESSAGE” soa como um trabalho do qual até mesmo Trent Reznor, do Nine Inch Nails, ficaria extremamente orgulhoso. Com um enorme trabalho de bateria estrondosa, guitarras que soam apenas como um eco de seu som natural e vocais que foram discretamente autoajustados - é assim que a maioria das faixas industriais gostaria que soassem. “WRONG BAG” é outra faixa nessa linha – com um som pelo qual Marilyn Manson em sua Era de Ouro do Grotesco teria dado seus dentes. “STRANGE DAYS (1999)” no final deste ruidoso rolo compressor de um álbum é um candidato à melhor faixa do álbum – um feito de fato em um trabalho desta qualidade. Com um riff de guitarra distinto e quase cativante, esta faixa é sinistra, veloz e gigantesca. Com o conjunto certo de fones de ouvido ou alto-falantes, soa absolutamente fenomenal.

Mesmo que o som do 'noise rock' não lhe agrade, se a ideia de guitarras caóticas, bateria estrondosa e loucura geral não lhe agradam; Eu gostaria que você ouvisse este álbum. É produzido com maestria, coisas poderosas. Ele nunca terá nomes como Radio 1 ou uma parada pop, mas está longe de ser 'ruído' - definitivamente está se tornando um dos meus melhores álbuns do ano.

ROCK ART