Grupo de música experimental fundado em 1969 por Jorge Lima Barreto, com a colaboração de Luís Carlos, Rui Reininho e Dom Lino. Gravaram apenas um disco, lançado em 1976 pela Alvorada e que terá reedição muito limutada, em 1997, pela Movieplay. Anar Band foi basicamente um projecto quase a solo de Jorge Lima Barreto (fundador dos Telectu), músico que já vinha realizando diversas intervenções na área do jazz, música experimental, vídeo arte e arte-performance desde os finais dos anos sessenta. Este músico, graduado em Historia da Arte e doutorado em Musicologia e Teoria Comunicação Social, escreveu vários livros e produziu vários programas de rádio. Anar Band foi um grupo laboratorial de improvisações, na estética do free-jazz e electroacoustica. O seu primeiro e únco trabalho discográfico, produzido e gravado em 1976, foi o percursor nacional de música improvisada. Trata-se de uma verdadeira viagem ao interior do domínio da mente, alimentado pelas tendências do jazz rock e da electrónica. O uso do sintetizador ARP Odyssey faz-nos recordar que a partir deste tipo de música até ao rock progressivo poderá faltar apenas um pequeno passo. Trata-se ainda de um trabalho essencial que irá agradar a todos os apreciadores de Asmus Tiechens, Conrad Schnitzler ou até mesmo dos Nurse With Wound.
DISCOGRAFIA
ANAR BAND [LP, Alvorada, 1976]
ANAR BAND/JORGE LIMA BARRETO [CD, Fábrica de Sons, 1996]
COMPILAÇÕES
ANTOLOGIA DA MÚSICA ELECTRÓNICA PORTUGUESA[CD. Plancton Music, 2004]
O caos para moscas geralmente está contido em latas de Raid, mas para Grian Chatten, o vocalista do Fontaines que agora também segue carreira solo, ele vem na forma de lembranças íntimas. Recordações de looks de verão e baixos bem manejados balançam em Chaos for the Fly, uma peça de estreia exigente e histórica para o homem que está saindo de um querido grupo indie. Ele conhece a partitura e a planta firmemente em The Score, a tempestuosa e sincera faixa de abertura de Chatten que guia os ouvintes através de sua oferta de nove faixas. Conhecer a aparência é o jogo que Chatten joga e ele o mapeia confortavelmente. A acústica crescente e a sinceridade fresca que flui através desta peça são tão convidativas quanto o esperado para um compositor com muito a provar.
Fazer isso em Chaos for the Fly, as adaptações feitas para seções de cordas que não parecem esperançosas nem sinistras, dá a Chatten a chance de trabalhar seu estilo em um mundo distante da banda. Há lampejos de material do álbum Skinty Fia. Last Time Every Time Forever flerta com ela antes de trazer backing vocals e uma ternura acústica oscilante para Fairlies. Chatten está sozinho trazendo de volta a fé e a esperança do material acústico nos locais modernos onde Mumford and Sons e The Lumineers tentaram enterrá-lo. Agarrar-se aos tons vibrantes da serendipidade acústica cautelosa lança uma nova luz sobre as experiências de Chatten e as notas de salas lotadas e sentimentos vazios. Ele logo explode, a gravidade de cordas violentas e ternura acústica inclinada em sua cabeça, como se Nick Cave e Warren Ellis estivessem em desacordo no palco.
Do barroco e vistoso Bob's Casino à consideração corajosa e arrogante que o precede, Chaos for the Fly tem um tom confiante. Chatten tem um tema em mente, e é revigorante se sentir realizado em uma jornada mais longa do que o ninho escalonado e muitas vezes pouco recompensador de singles e peças sobressalentes que fizeram mais do que alguns lançamentos este ano. Chaos for the Fly sente-se dedicado a uma narrativa, uma delicadeza que se espalha por toda a sua obra. Medos desequilibrados em All Of The People transmitem uma desconfiança de partir o coração de quase todo mundo, mas flui muito bem sobre um estilo de piano pesado condizente com essa abordagem mais suave e semelhante a um cantor. Chatten faz questão de convidar os ouvintes para as partes íntimas que deslizam com um nível chocante de honestidade, como East Coast Bed oferece.
Se Chatten espera trabalhar em torno de seus pensamentos e preocupações, ele o faz intimamente e com sucesso com uma peça de estréia tempestuosa. Ele já ganhou suas estrelas e listras com a longevidade em Fontaines DC, mas Chaos for the Fly excede em muito os esforços da banda até agora. Este é, como o álbum mais próximo Season For Pain ecoa, um período de sofrimento. Mas com a gaita suave, mas segura na faixa anterior, I Am So Far, o lirismo e a inteligência de um tremendo escritor e as imposições de esperança e terror em igual medida, vem um dos álbuns mais honestos da última década. . Puro e aberto a seus ouvintes, não pedindo reciprocidade de significado e mensagem, mas acolhendo-o mesmo assim. Esta não é a estação do amor, e mesmo que o sol exploda, borbulhando os desejos de quem está ouvindo,
Por onde diabos você começa ao tentar escrever sobre um espírito elíptico e incansavelmente criativo como Julie Byrne? Como você pode possivelmentecapturar a essência de sua música milagrosamente não afetada sem recorrer a descritores desgastados e potencialmente redutores como 'dolorosamente melancólico' ou 'suavemente místico' ou 'assustadoramente etéreo'...? Eu realmente não sei. Basta dizer que, ao escrever sobre certos artistas, as palavras às vezes parecem tão sutis e sutis quanto lançar um bloco de brisa pela janela de um quarto para despertar alguém do sono. Assim é com Julie Byrne, uma cantora e compositora cuja suave carícia de voz e guitarra dedilhado característica ainda parecem desafiar a categorização fácil. Um músico cujo caminho espiritual introspectivo parece tanto mundano quanto, ao mesmo tempo, não particularmente deste mundo. Sim, Julie Byrne contém multidões. Para uma porcentagem relativamente pequena da população, ao que parece, esse é odestino inevitável . A vida raramente é simples ou alegre para esses tipos complexos e questionadores. Felizmente, alguns (como Byrne) também sentem um forte desejo motivacional de transformar essa mesma complexidade e sensibilidade de sentimento em ouro artístico fascinante.
Eu tenho esperado pacientemente por esta continuação do esforço inovador de Byrne em 2017, Not Even Happiness - silenciosamente determinado a abster-se de ouvir seus três singles de pré-lançamento ('Summer Glass', 'The Greater Wings', 'Moonless') em favor de eventualmente absorver The Greater Wingsem sua totalidade de 10 faixas. Para saboreá-lo como a experiência de audição sequencial de um álbum inteiro que seu autor pretendia. Essa determinação valeu a pena. Ouvir este disco pela primeira vez durante as primeiras horas de uma noite friamente fria, mas sedutoramente iluminada pela lua no Hemisfério Sul provou ser uma maneira encantadora de abrir mão de trinta e oito minutos de sono. Muito desse disco meditativo, ambiente e elegantemente construído se preocupa com a intensa dor vivida por Byrne após a perda de seu querido amigo e colaborador musical de longa data Eric Littmann, que morreu repentinamente, em 2021, aos 31 anos de idade. , The Greater Wings examina com sensibilidade o que é ser despojado. Ser deixado para trás, em estado de choque, entorpecidamente escolhendo as peças. No entanto, trata-se também de finalmente encontrar uma maneira de reunir forças para brilhar mais, sem perder de vista o profundo impacto da perda insubstituível. Diante disso, é silenciosamente agradável relatar que The Greater Wings pode ser o disco que mais afirma a vida que ouvi até agora em 2023. É simplesmente lindo . Imbuído de luz, calor e ternura melancólica.
Não sou remotamente religioso. Nem mesmo particularmente espiritual em qualquer sentido estabelecido da palavra. E ainda. Há algo sobre The Greater Wings, alguma qualidade indefinível, que me compele a querer sentar-me sozinho em alguma capelinha arcaica em algum lugar da França rural na hora dourada antes do anoitecer - cercado apenas pela luz bruxuleante de velas - para melhor permitir a majestade deste material para permear totalmente o meu ser. Voz, piano, harpa, sintetizadores e guitarra se reunindo - então reverberando suavemente em paredes rígidas que desmoronam lentamente e vitrais incandescentes. Se por acaso você se deparar comigo lá (em Bousieyas, ou Saint-Pierre-Bois, ou talvez em algum lugar ao sul de Toulouse), por favor, deixe-me em paz. Não perturbe meu devaneio acompanhado por Julie Byrnes. Merci!, antecipadamente <3
Os White Stripes eram incrivelmente brilhantes. Este é apenas o segundo álbum deles que eu ouço, mas parece que estou indo um pouco contra a opinião pública, ou pelo menos a opinião pública do pessoal do RYM, porque o único outro álbum que ouvi deles, seu autointitulado estréia, foi e ainda é o meu favorito dos dois.
Não me interpretem mal, este é um álbum incrível. The White Stripes, e mais particularmente Jack White, que certamente pode ser considerado um gênio da música moderna sem medo de exageros, nessa época estavam nas listas A, aparecendo em capas de revistas e tendo contato com fama e fortuna. . O que acontece com muitas bandas quando isso acontece é que elas começam a ter menos tempo para sentar e escrever e trabalhar em novas coisas boas e mais tempo para cheirar coca e festejar o tempo todo. De Stijl foi um sucesso comercial e de crítica. Festivais ao redor do mundo queriam reservá-los e o The White Stripes simplesmente conseguiu entrar no Olimpo da indústria do rock and roll moderno.
Ainda assim, os dois brancos sempre estiveram meio distantes disso. A própria capa mostra isso. Todos os fotógrafos os cercam, e eles parecem encurralados, alienados e nem fugindo deles nem posando para eles. Esta é uma banda que se preocupa em fazer música, curtir a fama, mas nunca se esquecer de si. Eles eram uma ilha, mesmo ao vivo, tocando sua música sem músicos de apoio - com Jack White batendo sua guitarra ou piano, e ajustando o estilo da música para as qualidades infantis de bateria de Meg White, que pode não ser o baterista de um baterista. , mas que com certeza tem seu apelo junto ao público musical e que com certeza contribui muito para o apelo da banda.
Agora, este álbum inclui sucessos como 'Hotel Yorba' e o enorme 'Fell In Love With a Girl', uma música que teve aquele vídeo da MTV filmado por Michel Gondry do Eternal Sunshine of the Spottless Mind que filmou um vídeo de lego que tem tornou-se algo que ganhou um status de cultura pop. Ambas são ótimas canções que vêm diretamente das canções anteriores do White Stripes, mas também adicionam um elemento que é mais pop do que o primeiro álbum de som bruto e que provavelmente foi iniciado em seu esforço anterior, De Stijl.
Aquele blues imprevisivelmente cru com um tempo inconsistente e excêntrico sobre o qual giram as reflexões e interpretações de White sobre o gênero ainda está lá. O álbum começa com Dead Leaves and the Dirty Ground que para mim representa o padrão de blues de Jack White, aquele que Jack White deve estar tão acostumado a tocar que serve como o projeto perfeito para qualquer música em seus estágios iniciais. Este mesmo projeto é repetido esporadicamente algumas faixas depois em I'm Finding it Harder to Be Gentleman com piano adicionado, mas letras menos sensatas. Esse sentimento cru retorna com força em canções como Expecting e a maravilhosa I Think I Smell a Rat, que é quase violenta e tem uma sensação meio 'perigosa', com um riff do tipo guitarra de surf de Dick Dale no meio, e uma aura que não estaria fora de lugar no primeiro álbum de sucesso. The Union Forever é uma música interessante, mas eu tenho problemas com a quebra no meio - é um pouco onde o White Stripes se torna grotesco e, infelizmente, um pouco precioso demais. Este é o tipo errado de excentricidade que também é usado na bateria de menos de um minuto e na faixa vocal Little Room, que é simplesmente uma distração e não é necessária.
Para mim, também é estranho ouvir The Same Boy You've Always Known e Now Mary - eles não soam muito notáveis, assim como nenhuma música, mas creep soou notável em Pablo Honey do Radiohead. Por que mencionar o Radiohead na crítica de um álbum do White Stripes, você pergunta? Bem, apenas ouça essas músicas em particular. Eles soam exatamente como as coisas de Yorke naquele álbum, desde os sons da guitarra até a voz de Jack White. Isso não faz nada para o White Blood Cells, e embora White pareça atingir todas as notas certas e soe quase como um menino de coro em algumas partes, o que mostra um lado vulnerável que é bastante raro, mas bem-vindo em um álbum do White Stripes, não é tão marcante como quando ele canta com a voz que é sua marca registrada, com todas as suas imperfeições, sacanagens e traços de garra que completam o som da banda.
Por outro lado, a delicada faixa influenciada por McCartney, We're Going to Be Friend, é brilhante em sua simplicidade e suavidade - é definitivamente um dos destaques do álbum, embora você não pense assim, por causa de sua natureza tranquila.
O álbum também traz Meg White nos vocais na faixa comum que encerra o álbum - This Protector - que não é After Hours do Velvet Underground cantada por Moe Tucker no final de seu álbum autointitulado. Mas o álbum como um todo é uma grande experiência de rhythm and blues, e os White Stripes ainda mantêm os elementos que os tornaram tão atraentes e interessantes nos álbuns anteriores. Para um público mais amplo, ainda mais atraente. As coisas só iriam melhorar para eles, dali em diante seriam os maiores nomes do rock and roll por aí, e até hoje é uma pena que eles se separaram, pois ninguém conseguiu preencher esse vazio ainda. Mas ainda assim, neste álbum, eles fizeram a coisa certa; em vez de se concentrar em como eles eram bons, eles começaram a pensar em toda aquela fama trazendo novos tipos de poder, amor e traição junto com ela,
Por volta de 1969, o produtor musical Norman Dayron - recém-saído da produção do álbum multigeracional Fathers & Sons de Muddy Waters e seus discípulos mais jovens - encontrou Eric Clapton, que pode ter estado nos bastidores de um show de Al Kooper/Mike Bloomfield, ou talvez foi um show do Blind Faith. Ninguém parece se lembrar com certeza. Em qualquer caso, Dayron aproveitou a oportunidade para perguntar a Clapton se ele gostaria de gravar um álbum com o mestre do bluesman Howlin 'Wolf.
Será que ele?!! Será que ele nunca! Mas essa era uma proposição legítima? Depois de confirmar que Dayron era um produtor da Chess Records e que a oferta era realmente legítima, os arranjos foram feitos pela Chess Records. Howlin' Wolf — nascido Chester Burnett em 10 de junho de 1910, em White Station, Mississipi — viria para Londres. Clapton estava muito animado, mas concordou com uma condição: que o guitarrista de longa data de Howlin' Wolf, Hubert Sumlin, também estivesse envolvido. Houve alguma hesitação inicial no Chess em relação às despesas de voar com dois jogadores de Chicago O'Hare para Heathrow. Mas eventualmente eles concordaram.
De 2 a 10 de maio de 1970, no Olympic Studios de Londres - casa das sessões dos Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix e David Bowie, entre outros - a casa estava agitando com Howlin' Wolf e a realeza britânica do rock. Clapton foi escalado para tocar guitarra solo em cada uma das 20 canções, algumas sendo tomadas alternativas) com Sumlin na guitarra base. Felizmente, Clapton cedeu a Sumlin ao estabelecer os ritmos das músicas, embora o trabalho rítmico de Sumlin domine “Do the Do”. E em “The Red Rooster”, Clapton acena não apenas para Sumlin, que tocou no original de Wolf de 1961, mas também para Keith Richards e o humor de guitarra de Mick Taylor.
Na maioria das faixas, a seção rítmica dos Rolling Stones foi incluída: Bill Wyman, baixo; e Charlie Watts, bateria, com Klaus Voormann no baixo em uma música (cinco se contarmos as faixas bônus que viram a luz do dia na reedição expandida de 2003), e Ringo Starr na bateria em uma faixa do álbum original (mais três reeditar faixas bônus). Quando Voormann lançou o riff de baixo que definiu a música em “I Ain't Superstitious”, Wyman tocou o cowbell. E ainda outro Rolling Stone (embora não seja um membro oficial da banda), Ian Stewart, tocou piano em “Rockin 'Daddy”.
As sessões de Londres não foram a primeira vez que os Stones encontraram Wolf. Os britânicos trouxeram o americano para o programa de TV Shindig em 1965
Curiosamente, Howlin 'Wolf, que tocou guitarra base e seus golpes graves característicos na gaita, não tocou muito de sua marca registrada gaita nas sessões de Londres . Em vez disso, Dayron trouxe Jeffrey Carp, estudante de 21 anos da Universidade de Chicago, um prodígio que havia tocado com Waters em Fathers & Sons (um precursor conceitual da série London Sessions do Chess ), John Lee Hooker, Earl Hooker, Sam Lay , Chuck Berry, Tracy Nelson e até o Soulful Strings.
A presença de Carp permitiu que a gaita, ouvida entre frases vocais em gravações vintage de Wolf, tocasse direto nos versos. Um revisor do Edmonton Journal do Canadá observou que "o falecido Jeffrey Carp forneceu bolas de fogo de pontuação musical por meio de seus tiros alucinantes na gaita". O produtor Dayron, em uma entrevista ao San Francisco Examiner em 1976 , chamou-o de "o talento mais importante com quem já trabalhei". Ele era um músico de boa-fé (ouça sua sinergia tocando na composição “Poor Boy” de Bo Weevil Jackson), e alguns achavam que ele havia superado seu mentor Little Walter. Claramente, ele estava indo a lugares. Infelizmente, Carp viveu apenas 24 anos, afogando-se dois anos depois das Sessões de Londres durante as férias no Caribe no dia de Ano Novo de 1973.
Não se engane: o London Howlin' Wolf Sessions não foi gravado inteiramente no London's Olympic Studios. De volta a Chicago, as sessões foram aumentadas no Chess 'Ter-Mar Studios com o antigo pianista de blues de Chicago Lafayette Leake no piano e o ágil guitarrista de jazz Phil Upchurch no baixo. Uma seção de metais contendo Jordan Sandke, trompete; Dennis Lansing, saxofone tenor; e Joe Miller, saxofone barítono - parte da banda chamada 43rdStreet Snipers - foi adicionado. E enquanto a maioria dos ouvintes provavelmente assumiu que ele fez parte das sessões básicas de Londres, a lenda do teclado britânico Steve Winwood (Traffic, Blind Faith) fez overdub de piano e órgão em cinco faixas durante uma turnê nos Estados Unidos. as sessões de Chicago para ter seu nome estampado no painel frontal do álbum.
Embora alguém pudesse se referir ao clássico trabalho de guitarra de Clapton e ao trabalho de teclado de Winwood como “estilizado” (pense em “After Midnight” ou “Arc of a Diver”), eles estavam atentos para servir à estrela e suas canções. Em certos pontos, é impossível distinguir entre Clapton e Sumlin (além de Clapton tocando a maioria dos solos) e entre Winwood e o pianista de blues de primeira geração de Chicago, Leake. John Simon, um produtor popular no final dos anos 60 (Leonard Cohen, The Band, Blood, Sweat & Tears, Janis Joplin) toca piano em 'Who's Been Talkin'.”
Quanto ao Lobo, ele não poderia errar. O ano de 1970 o encontrou com voz, ânimo e energia excelentes, capaz de gemer, rosnar, rosnar, rugir e berrar como fazia desde suas primeiras sessões no Sun Studio em 1951. Houve canções do London Sessions nas quais ele se destacou mais do que outras ? ? Absolutamente. “Worried About My Baby”, na qual Wolf tocou sua própria gaita, vem à mente. (Existem duas versões adicionais de “Worried About My Baby” na reedição expandida, a mais intrigante das quais apresenta Wolf, Clapton e Wyman, sem baterista.)
E o groove de “Wang Dang Doodle” de Willie Dixon e, na reedição expandida, “Killing Floor”, vêm à mente. The Wolf guardou alguns de seus melhores uivos para o clássico escrito por Willie Dixon, que fecha o LP original, lançado em agosto de 1971.
Wolf toca sua própria guitarra em “I Want to Have a Word With You”, presumivelmente uma música então nova, já que não aparece em suas discografias anteriores, seus vocais marcados por uma entrega incomumente espacial. Ele é apoiado por Voormann e Starr.
Marshall Chess, filho do fundador da Chess Records, Leonard Chess e embaixador da gravadora de blues vintage para a geração do rock, e mais tarde presidente da Rolling Stones Records, lembra: “Eu estava em transição de deixar a Chess para os Rolling Stones. Eu estava em Londres e parei no estúdio. Lembro-me de Wolf sentado em uma cadeira com uma expressão amarga no rosto. Fui até ele e perguntei: 'E aí?' Ele me disse que não estava se sentindo muito bem e que ficaria feliz em voltar para casa. Ele disse que as sessões estavam indo bem e que Eric Clapton com certeza tocava guitarra. Ele também me disse que Eric havia lhe dado uma vara de pescar muito boa.
“Fiquei feliz em ver Hubert lá e tive um bom tempo social no estúdio”, acrescentou Chess. “Também me lembro de ouvir o álbum depois que todos os overdubs foram concluídos em Chicago e de gostar do que ouvi.”
Brian Setzer, vocalista e guitarrista dos Stray Cats, nasceu em 1959, o ano em que muitas das estrelas do rock 'n' roll de primeira geração foram aparentemente arrancadas da consciência pública. Elvis Presley foi enviado para o exterior, Buddy Holly embarcou em sua última viagem de avião, Little Richard tornou-se um evangelista, Chuck Berry foi preso - logo depois para ser jogado na prisão - e Eddie Cochran estava, sem saber, concluindo sua vida e carreira. Felizmente, apesar de sua queda, a vasta influência do subgênero mais tarde apelidado de rockabilly perseverou, descobrindo seu lugar dentro do novo rock 'n' roll de cada geração subsequente, moldando a música que estava apenas começando a emergir dos Beatles e muitos outros .
Mas não foi até o início dos anos 1980 que o próprio rockabilly seria revivido em grande estilo - por um trio de Long Island.
Inicialmente impactado pelas guitarras rítmicas enraizadas em vários dos primeiros discos dos Beatles, Setzer começou a tocar guitarra aos 8 anos na esperança de imitar com sucesso a música de seus ídolos. Não foi até que seu pai o informou que sua amada música dos Beatles "Honey Don't" era na verdade um número de Carl Perkins que Setzer começou a mergulhar no passado generoso do rockabilly, reconhecendo os pioneiros da música dos anos 1950 que se tornariam um sucesso. pilar influente em sua vida.
Na época em que Setzer começou o ensino médio, o disco havia estourado nos Estados Unidos, tornando sua admiração pelo rockabilly uma característica única de se possuir. Assim que começou a tocar em clubes, usando um topete exagerado, jaqueta de couro e camisas de boliche, recebeu uma reação mista do público. Muitos celebraram as melodias reminiscentes e a aparência nostálgica de Setzer, enquanto outros sentiram que ele estava escandalosamente desatualizado e desajeitadamente atrasado. Independentemente das opiniões dos espectadores, Setzer permaneceu fiel à sua intenção. Eventualmente, sua estética atraiu dois músicos esperançosos, amigos do irmão de Setzer, que se tornaram ávidos fãs e apoiadores desse surpreendente, mas intrigante renascimento do rockabilly.
Jim McDonnell, baterista, e Leon Drucker, baixista vertical - chamando a si mesmos de Lee Rocker e Slim Jim Phantom, respectivamente - eram amigos íntimos e companheiros de banda antes de se juntarem a Setzer no palco. Uma vez que vagas importantes dentro da banda de Setzer se tornaram disponíveis, Phantom e Rocker não perderam tempo em garantir suas posições. Em 1979, o trio adotou oficialmente seu nome icônico, Stray Cats , e começaram a se apresentar juntos em sua cidade natal, Massapequa, Long Island. Infelizmente, apesar de adquirir os estágios iniciais de um fandom, os Stray Cats não podiam competir com a popularidade da discoteca e da adversidade dos clubes de rock locais com sua estética distintamente dos anos 1950.
The Stray Cats (de sua página no FacebooK
Depois de receber uma dica do amigo, bartender, roqueiro britânico da velha guarda e futuro empresário Tony Bidgood de que os fãs de rock britânico iriam apoiar esse autêntico rockabilly, os Stray Cats compraram passagens só de ida para Londres. Curiosamente, o rockabilly parecia nunca ter morrido de verdade no Reino Unido. Bill Haley, Gene Vincent e muitos outros roqueiros dos anos 1950 haviam feito turnês com sucesso por toda a Inglaterra muito além do que era considerado seu auge americano. Essa admiração pelo som e pela aparência dos músicos de rockabilly, especialmente aqueles preparados para criar músicas novas, forneceu aos Stray Cats uma base de fãs entusiasmada desde o momento em que suas botas atingiram a calçada britânica.
Logo após seu primeiro show na Inglaterra, os Stray Cats assinaram com a Arista Records, um acordo que permitiria que suas músicas fossem lançadas em todos os países, exceto nos Estados Unidos. O próximo grande passo na caminhada dos Stray Cats para o estrelato foi conhecer o músico e notável especialista em rockabilly Dave Edmunds. Edmunds abordou os Stray Cats como um produtor e colaborador esperançoso, cuja intenção era garantir que seu som e identidade musical permanecessem intactos. Intrigados com a proposta e preparados para gravar, os Stray Cats, sob a orientação de Edmunds, lançaram seu álbum de estreia autointitulado em fevereiro de 1981.
Alcançando a posição # 6 na parada de álbuns do Reino Unido, Stray Cats solidificou o que a banda vinha tentando provar desde o início dos anos 1970, que a música rockabilly era extremamente legal, impressionantemente inovadora e eternamente atemporal. Stray Cats foi uma representação precisa da emoção ao vivo da banda, concedendo ao público mais jovem a rara oportunidade de um vislumbre autêntico do passado, ao mesmo tempo em que levava a geração mais velha em uma viagem nostálgica.
Stray Cats produziu três sucessos no top 40 do Reino Unido, incluindo o primeiro single da banda, “Runaway Boys”, impulsionado por um contrabaixo forte, ancorado por uma bateria fortemente aterrada e vestido com licks de guitarra vibrantes. Com letras que remontam aos dias incompreendidos da adolescência, “Runaway Boys” forneceu aos ouvintes a capacidade de transportar para um tempo mais simples e despreocupado. "Runaway Boys" atingiria a 9ª posição nas paradas do Reino Unido e é considerada uma das canções de assinatura dos Stray Cats.
Considerada pelo Hall da Fama do Rock and Roll como uma das 500 canções que moldaram o rock 'n' roll, "Rock This Town", o segundo single de Stray Cats , acelerou a popularidade da banda e elevou seu status como um genuíno neo-rockabilly banda. O single alcançou a 9ª posição nas paradas do Reino Unido. Liricamente, a música fala da frustração inicial que a banda enfrentou ao tentar promover o rockabilly em uma época em que a discoteca reinava. Transformando luta em triunfo, “Rock This Town” provou que o rock 'n' roll é um gênero dançante e animado que era, e é, totalmente digno de uma jukebox.
O terceiro e último sucesso de Stray Cats foi o aveludado suave e ultra-cativante “Stray Cat Strut”. Em contraste com “Rock This Town”, “Stray Cat Strut” suavizou a batida característica do trio, mas permaneceu fiel ao seu tom de volta ao básico. Fornecendo um comentário cômico sobre o nome único da banda, “Stray Cat Strut” aludiu ao comportamento atrevido e senso de diversão da banda. Alcançando o 11º lugar nas paradas do Reino Unido, “Stray Cat Strut” encerrou o primeiro álbum dos Stray Cats, fornecendo a eles um terceiro single que inevitavelmente ajudaria em seu eventual sucesso nos Estados Unidos.
Após o lançamento de seu segundo álbum de menor sucesso comercial, Gonna Ball , os Stray Cats voltaram para sua terra natal e assinaram um contrato com a EMI America Records. A gravadora montou Built for Speed, que incluía seis das músicas mais populares de Stray Cats . Agora equipados com a receita perfeita de material e sólida experiência de performance ao vivo, bem como copiosa reprodução de vídeo - graças em grande parte ao seu visual único e apelo visual - na nascente rede a cabo MTV, os Stray Cats se tornaram uma sensação nos Estados Unidos. também. Eles desencadearam um renascimento do rockabilly em grande escala não apenas nos Estados Unidos, mas em vários países ao redor do mundo.
Ganhando elogios de nomes como Robert Plant e Rolling Stones, Stray Cats confirmou o que a banda sempre soube ser verdade, que o rockabilly era relevante, viciante e totalmente digno de um renascimento dos anos 1980.
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