山岡晃 [Akira Yamaoka] - Silent Hill 2 (2001)

Silent Hill 2 (2001)

山岡晃 [Akira Yamaoka]

Silent Hill 2 Original Soundtrack é o que o nome sugere: a trilha sonora oficial deste aclamado jogo de terror. Seu gênero é bastante variado, mas geralmente gira em torno de ambiente, trip hop ou industrial de alguma espécie. Enquanto isso, as músicas-tema são rock instrumental. O álbum contém quase todas as músicas melódicas reconhecíveis do jogo, junto com um toque ocasional de música de terror para criar contraste.

Vamos falar sobre o próprio Silent Hill 2. O jogo é estrelado por James Sunderland, um homem bastante comum que está em busca de seu amor, Mary, na cidade de Silent Hill. Mas em algum lugar no caminho ele é forçado a examinar atentamente seus próprios recantos interiores. (E ele não gosta muito do que encontra lá.)

Silent Hill 2 é um jogo com luz e escuridão - desespero e esperança, amor e ódio. A música também alterna entre esses dois extremos com bastante frequência. O terror tende a seguir momentos calmos e serenos, e basta dizer que muitas das músicas aqui SÃO, em última análise, lindas de uma forma que deveria ser um pouco inesperada em uma obra de terror.

Silent Hill 2 também é um jogo sobre o real e o irreal. (?) Pegue faixas como "White Noiz", "A World of Madness" ou "The Day of Night" com sua silenciosa perplexidade existencial. A sensação suave, sonhadora e surreal de não saber se deve confiar nos próprios sentidos. Ele pode ser encontrado frequentemente na trilha sonora e torna as coisas muito mais intrigantes.

Além disso, Yamaoka realmente acertou em cheio no que diz respeito às músicas-tema. Silent Hill costumava ser o lugar especial de James e Mary, e “Theme of Laura” definitivamente tem uma aura adequada de saudade e nostalgia de cortar o coração, embora não seja isento de um pequeno indício de perigo. Pode até ser perfeito no que diz respeito às músicas-tema dos videogames. "Promise" e "Love Psalm" continuam na mesma linha, enquanto "Angel's Thanatos" é apenas uma música feia de hard rock sem nada a perder; é a conclusão lógica de alguns dos temas mais sombrios expressos no jogo.

Yamaoka fez uma edição pesada no ambiente de terror do jogo e misturou e combinou pedaços de vários níveis para criar uma pequena miscelânea de terror nauseante e dissonante. Embora neste álbum haja apenas cerca de 12 minutos dedicados ao ambiente de terror, e o resto é música "normal", tornando-o muito mais agradável de experimentar em comparação com a primeira trilha sonora de Silent Hill, por exemplo.

A música apresenta muitos sons de sintetizador assustadores e bem escolhidos e paisagens sonoras ambientais inteligentes. Lembro-me de ter me inspirado nele quando era adolescente apenas graças aos seus sons incomuns e legais. Eu li em uma entrevista que Akira Yamaoka tem uma tendência a gravar qualquer som antigo de batidas ou chocalhos que encontrar em sua garagem para usar como percussão ou efeitos especiais em suas músicas, e isso definitivamente dá a algumas músicas uma vibração bastante original. . Sem mencionar alguma credibilidade DIY.

No geral, acho que essa trilha sonora é uma boa seleção de boas músicas de um bom jogo. É um pouco complicado para ouvir todos os dias ou casualmente devido à sua natureza eclética e às vezes horrível. Mas não deve ser subestimado o quão interessante e expressivo é parte do material aqui. Pontos de bônus pela nostalgia também!

Pink Floyd - Atom Heart Mother (1970)

Atom Heart Mother (1970)

Pink Floyd

Em 1970, o Pink Floyd mal escrevia mais música. Os membros da banda começaram a se separar assim que Gilmour entrou. Eles ainda estavam se recuperando da perda de Syd Barrett , seu principal compositor até sua saída em 1968, e estavam quase completamente sem inspiração. Tanto Roger Waters quanto David Gilmour declararam que este é um dos piores álbuns que já escreveram e, ainda assim, para alguns obstinados como eu, este é um dos melhores. Essa divisão e ódio pelo período provam que o Pink Floyd estava em uma situação muito sombria...

Mas Atom Heart Mother estava à frente de seu tempo. As gravações de ruído e de campo entram em conflito com o progressivo sinfônico e a balada folk. Os críticos reclamaram que Atom Heart Mother não é uma obra muito concentrada, mas acredito que o oposto seja verdadeiro. Atom Heart Mother parece uma tentativa séria de todos na banda de escrever música de verdade. Enquanto Ummagumma se envolveu excessivamente em seu conceito e The Piper at the Gates of Dawn e A Saucerful of Secrets às vezes eram comicamente indiferentes, Atom Heart Mother às vezes lança um olhar de aço. O álbum é conceitualmente fraturado, claro, mas pastoral e dramático em abundância.

A primeira faixa, a suíte "Atom Heart Mother", foi parcialmente escrita pelo Pink Floyd. Seu conceito original foi expandido e orquestrado pelo co-escritorRon Geesin . Faz um uso maravilhoso de uma seção completa de metais e coro, destacando o lado orquestral do Pink Floyd que viria a seguir nos anos posteriores. É uma faixa lenta: com quase 24 minutos é um osso duro de roer para novos fãs, mas como as melhores faixas paralelas, vale a pena o investimento.

Atom Heart Mother continua em três faixas escritas por membros individuais da banda: "If", "Summer '68" e "Fat Old Sun"; escrito por Waters, Wright e Gilmour, respectivamente. Cada música investiga o som pop em desenvolvimento pelo qual o Floyd ficou conhecido, prenunciando Richard Wright.e as contribuições de Gilmour dos anos 80 para o barítono acinzentado de Floyd e Waters que compuseram algumas das músicas mais icônicas da banda. "If" é provavelmente a música mais direta do álbum. É uma bela balada folk que destaca os vocais de Waters e sua excelente capacidade de composição. Foram essas mesmas habilidades que também resultaram em “Mother”, “Pigs on the Wing” e “Us and Them”.

“Summer '68” é minha música favorita do Pink Floyd de todos os tempos, eu acho. Uma das poucas músicas a citar Richard Wright como o único compositor e o único nos vocais principais, suas estruturas progressivas são leves e divertidas. A música muda de direção várias vezes, de uma balada suave para uma música pop emocionante e apaixonada, e depois para a intensa ponte da seção de metais. Este é o mais quente,

"Fat Old Sun" é uma composição de Gilmour liderada por letras. Começa com um violão com Gilmour cantando por cima, e termina com um solo de guitarra, bateria estrondosa e tudo mais. É terno e emocionante, talvez um pouco lânguido comparado ao que Gilmour escreveria nos próximos anos.

"Alan's Psychedelic Breakfast" só foi tocado ao vivo uma vez, e a banda até tomou café da manhã durante ela. Essa música apresenta o uso extensivo de gravações de campo e samples: uma pessoa falando, itens sendo embaralhados, uma torneira pingando. É dividido em três partes, todas instrumentais, com muito overdubbing. Na verdade, na última seção, o piano de Wright foi dobrado três vezes apenas para obter o efeito necessário. Dada a concisão das músicas que a precedem, "Alan's Psychedelic Breakfast" se arrasta um pouco em algumas partes, mas raramente a banda foi capturada de forma tão divertida.

Atom Heart Mother é algo especial. Quando a banda estava em uma situação difícil, o cabo de guerra de trinta anos entre Waters e Gilmour apenas começando, eles escreveram um álbum de músicas pop, cada um demonstrando suas habilidades únicas e pessoais de composição de forma concisa e séria. Tem o melodrama que viria em The Wall , o rock groovy de Dark Side of the Moon e Meddle , mas ainda mantendo toda a psicodelia de The Piper at the Gates of Dawn , talvez até concentrando-a um pouco para o ouvinte comum.

EDITAR 06/09/2019: Esta crítica já tem 9 anos e acho que vale a pena notar que minha cópia de Atom Heart Mother foi o único vinil do Pink Floyd que valeu a pena ser enviado para Portland quando me mudei. Meu coração sabe o que quer.

underscores - Wallsocket (2023)

Wallsocket (2023)

underscores

Wallsocket , segundo disco de estúdio de Underscores , é um amplo álbum conceitual que detalha uma pequena cidade no meio de Michigan, servindo como uma reflexão sobre como crescer na zona rural dos Estados Unidos. Saindo do single principal Cops and Robbers , um ARG que acompanha o lançamento ajudou a expandir o conjunto de 'Wallsocket, MI' por meio de sites, caças ao tesouro e muito mais que mostraram a propensão da artista para a construção de mundos - algo que esteve presente em sua discografia por anos, embora nunca levado à escala em que pode ser visto aqui.

Continuando de onde o fishmonger e o Fearmonger pararam, o som deste álbum é definido por uma mistura de influências, refletindo verdadeiramente a cena 'hiperpop' em queunderscores fez seu nome pela primeira vez através dos primeiros lançamentos de EPs e de seu portfólio ao lado de seis impalas . Riffs e melodias vocais no estilo Avril Lavigne são intercalados com Folk e Slowcore estilo Sufjan Stevens , New Rave semelhante a Yeah Yeah Yeahs , sintetizadores que lembram Kesha , além de qualquer outro dos milhões de cortes pop do início de 2010 que recebem uma homenagem por toda parte. a lista de faixas.

Esse caldeirão de influências não é novidade para April - é algo que poderia ter sido notado em toda a sua discografia por ser um dos pilares do movimento que trouxe os sublinhados para o primeiro plano . No entanto, Wallsocketé, como um todo, muito mais expansivo, não apenas nos arranjos mais densos, mas também de onde vem. Tons de guitarra embutidos em Country e Americana ilustram o fundo country do álbum, com uma sensação geral dançante na produção existente para preencher uma lacuna e modernizar o som hibridizado, trazendo elementos do pseudônimo Milkfish de April .

Isso não quer dizer que Wallsocket não saiba quando se acalmar. O single Você nem sabe quem eu sou , junto com vários cortes do álbum, emprega um trabalho de guitarra etéreo e mais lento para permitir que os vocais de April brilhem na mixagem, com as letras também chegando ao primeiro plano ao construir a paisagem da cidade. ' YDEKWIA', especificamente, faz um uso realmente criativo de samples em seu fundo, com a voz de um locutor DDR sendo repetida de uma forma que complementa o ambiente e os temas da música, contribuindo para que o single seja tão contundente quanto é. A faixa do álbum 'Duhhhhhhhhhhhhhhhhhhh' faz algo semelhante com sua estrutura e ajuda a levar a música ao limite.

"Conceitualmente, Wallsocket amplia o mix de DJ de 2022 dos sublinhados, The Story of S*nny " . Ambas existem como retratos surreais da cultura americana - canções abordam a religião, as forças armadas, a exclusão social - enquanto a personagem “S*nny” se desenvolve desde aquela aparição inicial até se tornar uma das personagens principais do álbum, ao lado de “Mara” e, até certo ponto, em menor grau, “Old Money Bitch”, doúnico de mesmo nome . Não é difícil perder os conceitos de cada música - o trabalho lírico parece ser feito para que você possa acompanhar sem ficar excessivamente absorvido pela tradição, ao mesmo tempo que não prejudica o álbum conceitual como um todo. Temas de alienação e solidão podem ser intercalados no arco da história, mas também refletem a declaração original apresentada por sublinhados como anúncio do álbum, onde ela fala sobre ficar na pequena cidade enquanto tira um ano de folga, observando os moradores locais e acreditando que “todo mundo é um personagem assim”.

Embora seja difícil destacar faixas individuais - a qualidade do álbum não diminui ao longo da tracklist e as composições ecléticas fazem com que cada música tenha algo novo - também é impossível não dar uma segunda olhada em 'Uncanny long arm 's ' , uma colaboração com Jane Remover . Talvez a música mais esperada antes do lançamento do álbum, April e Jane trabalhando juntas cimentam dois dos artistas indie mais promissores do momento, ao fornecerem uma música emocionante, culminando em um refrão barulhento e uma segunda metade que é uma versão da música favorita dos fãs. "'peixaria' cortou a viagem de campo de Kinko em 2006 " . As carreiras de ambos estão interligadas, com influências, origens, colaborações semelhantes e também o fato de queTeen Week , Frailty e Census Designated foram lançados na mesma época que os projetos de sublinhados . 'Espantosos braços longos' é, sem dúvida, um momento. E é ótimo, por sinal.

Outras contribuições vêm de galinheiros emergentes ! , que aparece no épico de sete minutos 'Geez louise' , uma das faixas mais difundidas com sua fusão de pop punk, guitarras country, electro-pop e outros. Embora possa demorar um pouco para agradar o ouvinte, a música é uma adição valiosa ao enredo e o recurso da galinha é uma amostra de qualidade do que eles podem fazer. Colaborador de sublinhados frequentes Gabby starttambém aparece, fornecendo um verso cheio de personalidade ao hino bombástico de um single que é Locals (Girls like us) .

Onde 'Cops and robbers' foi uma lufada de ar fresco com seus tons Noise Pop sendo usados ​​para criar uma narrativa única sobre fraude, 'Johnny johnny johnny' mistura um som dançante com letras angustiantes. 'Shoot to Kill, Kill Your Darlings' é uma das muitas músicas de construção lenta, optando por questionar a decisão de se juntar ao exército, com um outro que é expandido pela próxima música ' Horror Movie Soundtrack' , que soa tão assustador quanto o título pode indicar. Wallsocket é cercado por uma camada de mística e abstração nas letras, e'Seventyseven Dog Years' continua esta tendência, com as três faixas finais sendo um dos trechos mais íntimos e comoventes do álbum. Isso resulta no comovente outro 'Good Luck Final Girl' , uma verdadeira música semelhante aos créditos de um filme, com uma melodia de refrão que permanece com o ouvinte por horas após a primeira audição.

Experimentar o crescimento de uma artista independente como sublinhados leva a vê-la amadurecer, musicalmente e liricamente. As decisões tomadas na produção e desenvolvimento temático de Wallsocket não teriam sido tomadas em seu trabalho anterior, e o resultado final desses movimentos é uma coleção de músicas muito mais concisa e impressionante do que qualquer coisa que April já fez antes. Wallsocket protegesublinha o seu lugar como pedra angular da nova onda da Indietronica, concretizando o potencial que demonstrou desde o início da era da 'peixaria' .

KEN mode - Void (2023)

Void (2023)

KEN mode

Deus é esse álbum incrível. Ele completa perfeitamente NULL e facilmente tem potencial para ser meu álbum favorito do modo KEN, embora seja muito cedo para dizer com certeza. Este disco mostra a banda adotando uma abordagem muito mais voltada para a atmosfera e com um toque pós-metal, resultando em um disco maravilhosamente variado, mas ainda assim extremamente conciso.

O álbum abre com “The Shrike”, uma faixa bastante clássica no modo KEN com riffs barulhentos e dissonantes, vocais ferozes distorcidos e um refrão surpreendentemente cativante. “Painless” os vê indo em uma direção mais 2-steppy, metalcore com um colapso doentio (a maioria deseja que você nunca estivesse aqui!!) enquanto ainda permanece perto de suas raízes.

"These Wires" é o primeiro grande desvio do álbum, interrompendo a velocidade furiosa para um banger pós-metal lento, atmosférico e emocional. Os gritos de Jesse nos refrões parecem verdadeiramente angustiados, e o piano e o violoncelo são majestosos. “We’re Small Enough” segue uma linha semelhante, trazendo alguns sintetizadores góticos para a mixagem.

"I Cannot" é mais uma fera lamacenta e violenta. Os riffs são alguns dos melhores do álbum, e esta é a primeira incursão do disco no no wave e no metal de vanguarda, território que foi mais explorado no NULL do ano passado . "A Reluctance of Being" dá continuidade às vibrações vanguardistas, combinando-as também com riffs mais atmosféricos. O final lembra a ponte de “Uma Carta de Amor” da melhor maneira possível.

'He Was a Good Man, He Was a Taxpayer' é mais uma obra-prima atmosférica com toque gótico, com um feedback monótono brilhante e super legal e uma linha de baixo incrível.

"Not Today, Old Friend" os vê se afastando totalmente do metal e do hardcore para uma abordagem pós-rock pessoal, única e perturbadora, e uma música que se destaca muito distintamente do resto de seu catálogo.

Em suma, este álbum é absolutamente estelar e, na minha opinião, só fica melhor quando você trata NULL & VOID como um álbum duplo - a fúria industrial e sem onda do NULL se funde perfeitamente com a atmosfera decepcionante e esmagadora deste disco. . 100% recomendado para qualquer fã de músicas anteriores do modo KEN ou de rock com ruído atmosférico.

Oneohtrix Point Never - R Plus Seven (2013)

R Plus Seven (2013)

Oneohtrix Point Never

De vez em quando algo acontece. Um evento. É praticamente invisível, a menos que seja auxiliado por uma ressonância magnética funcional, eletroencefalograma ou tecnologia semelhante de imagem cerebral. É completamente neural. É o evento - cada vez mais raro nos dias de hoje - em que ouvir uma peça musical incita um tumulto no espaço logo atrás dos meus olhos. Nestes eventos tenho o prazer de ser banhado por pensamentos e visitar salas que nem sabia que existiam, vivenciando construções, contextos e contrastes que antes não imaginava. Às vezes, serão dezenas deles ao mesmo tempo. É um sentimento que pode ser explicado como pensamento divergente e pensamento convergente acontecendo simultaneamente. Partindo de um ponto de partida para muitas soluções criativas diferentes, ao mesmo tempo em que essas soluções ou ideias iniciais se transformam em outras,

É necessária uma música especialmente envolvente para obter esse efeito. Scott Walker tem sido muito bom em evocá-lo nos últimos álbuns, Aphex Twin sempre foi um fiel devido às suas intermináveis ​​explorações polirritmelódicas, assim como muitos outros artistas talentosos que tiveram a gentileza de nos oferecer suas idéias. E agora eu colocaria R Plus Sevennesse grupo. Não há muito aqui que eu possa entender enquanto aponto descontroladamente para outro disco, ou mesmo uma analogia extra-musical. Este disco vive livremente por si só, ocupando um espaço e emitindo um som que usa muitos tropos familiares, mas apenas para abrir portas para esses outros lugares extravagantes. As pessoas podem se deixar levar pelas qualidades do vaporware e pelas predefinições MIDI, mas essas são simplesmente portas. Meu amigo disse muito bem: "Trata-se de plasticidade, do que está por trás de cada um desses sons, do que eles oferecem."

Às vezes, ouvir pode se tornar exaustivo simplesmente pelo esforço quantitativo que exige. Cada música é organizada de forma tão ampla. Acho que muitas pessoas ficarão confusas ou acharão seu conjunto de sons bagunçado, descuidado. Você pode escolher como quiser, mas "Zebra" é um ótimo ponto para inspeção: batidas house gaguejadas e arpejadas dando lugar a coros compactados dando lugar a teclados digitalizados brilhantes dando lugar a um período de graça sustentada, aqueles coros e ambiente e teclas esmagadas em um frenesi, então brevemente autorizado a encontrar ar - isso é luz, isso é o paraíso, isso são mil ideias apresentadas de uma vez e depois devolvidas por causa do ar fresco, pinballs imaculados. Ou alguma outra coisa? No meio de todos esses 'grandes' movimentos, a faixa é preenchida com pequenos pedaços de polimento que são informados por seus sons, bem como pelo tratamento deles - alto-falantes giratórios, sinos, um milhão de pequenos preenchimentos. E estou impressionado com tudo isso, nenhum deles está fora do lugar. Você tem a sensação de que nada disso foi acidental, que é o oposto de desleixo. Foco extremo. Este homem passou a vida inteira descobrindo como esses sons ficam próximos uns dos outros e então conseguiu perceber isso. Incrível.

Vou dizer isso porque acho que é verdadeiro, emocionante e, caramba, divertido: esta é a integração de todos os sons e ideias que o Sr. Lopatin gentilmente, quase envergonhado, e certamente enigmaticamente, emprestou ao mundo. Sintetizadores calmantes, vocais que são desencarnados e copiados centenas de vezes, os sons da vida cotidiana - café sendo servido, um carrinho de compras batendo contra a parede, cantos de pássaros - tomados e reapresentados como seu eu superdigitalizado. Paul Morley certa vez descreveu uma cidade feita de música, uma cidade para a qual Kylie Minogue corre com Kraftwerk, Pete Rock, John Cage, Can, Autechre e todas as outras entidades musicais seguindo de perto. Era uma cidade brilhante e altamente detalhada, com rodovias elevadas e edifícios transparentes, todos se movendo propositalmente e inquietos. O céu é cinza azulado aqui; não temos certeza se está prestes a chover ou se as coisas estão claras agora. Esta cidade tem Oneohtrix Point Never como prefeito, inspecionando meticulosamente os call centers corporativos quanto à precisão de sua música de espera.

Stevie Wonder - Songs in the Key of Life (1976)

Songs in the Key of Life (1976)

Stevie Wonder

Quase duas horas de perfeição que transborda personalidade e fusão de gêneros. Este é o culminar da corrida insana de Stevie Wonder ao longo do início de meados dos anos 70, e isto pode razoavelmente ser chamado de sua “magnum opus” apenas por causa de quão grandioso e ambicioso este álbum é.

É difícil colocar em palavras o quão bom é este álbum, mas vou tentar o meu melhor. 105 minutos, cobrindo praticamente todos os gêneros que Stevie poderia razoavelmente encaixar em sua caixa de ferramentas, da psicodelia ao rock progressivo, do jazz à influência do Oriente Médio, há algo para todos. Apesar de ser tão longo, este não é o mesmo que alguns outros álbuns duplos notáveis ​​​​ao longo da história, como o "Álbum Branco" dos Beatles, onde alguém pode se sentir inclinado a escolher as músicas que deseja ouvir, essencialmente fazendo um "LP Único". "dos seus favoritos. Songs in the Key of Life mantém composições, produção e performances de altíssima qualidade desde o início até a conclusão e, embora obviamente haja certos destaques e músicas que prefiro a outras, a experiência geral deste álbum e o fluxo que as faixas apresentam podem ser sua maior força, e isso é algo que você certamente não pode dizer sobre quase todos os outros projetos tão robustos quanto este. É por isso que concordo plenamente com Elton John quando ele disse que fica sempre maravilhado depois de ouvir este álbum. O talento bruto, a mentalidade perfeccionista e o sentimento musical de Stevie nunca foram tão aparentes quanto em Songs.

Algumas pessoas podem preferir Innervisions, seja porque é mais fácil de ouvir por ter um terço da duração deste álbum (risos), ou porque acreditam que ele tem uma lista geral de músicas de melhor qualidade, com a qual eu concordo. No entanto, este álbum representa o auge de Stevie, e também representa não apenas sua própria obra-prima, mas talvez até mesmo a obra-prima do RnB como um todo. Há uma razão pela qual tantos músicos/artistas famosos fazem referência a este álbum como sendo uma grande influência para eles – é uma obra-prima.

Isso é o mais breve que eu poderia ser sem dissecar cada música deste álbum... o que levaria horas. Resumindo, este álbum é uma obra-prima impecável durante todo o seu tempo de execução, e se você ainda não deu uma olhada, faça-o.

10/10...obviamente.

Músicas favoritas: Sir Duke, I Wish, I Am Singing, As, Another Star

Músicas menos favoritas: Village Ghetto Land ou All Day Sucker, talvez? As piores músicas desse álbum ainda são tipo 8/10 haha