As escolhas para os melhores álbuns de 1986, classificados de 1 a 12.
- Philip Glass: Songs From Liquid Days (US) *****
- Shub-Niggurath: Les morts vont vite (FR) ****½
- Univers Zero: Heatwave (UK) ****½
- Cassiber : Perfect Worlds (DE/UK) ****½
- David Sylvian: Gone To Earth (UK) ****
- Skeleton Crew: The Country Of Blinds (UK/US) ****
- News From Babel : Letters Home (UK) ****
- Thinking Plague: Moonsongs (US) ****
- Talk Talk: The Colour of Spring (UK) ****
- Peter Gabriel: So (UK) ****
- Lindsay Cooper: Music For Other Occasions (UK) ****
- Pat Metheny/Ornette Coleman : Song X (US) ****
1. Philip Glass: Songs From Liquid Days
Philip Glass (n.1937), de 85 anos , é hoje um dos poucos compositores vivos de música artística cujo nome provavelmente será reconhecido pelo consumidor casual de música pop. Glass alcançou esse status raro já no início dos anos 80, mas seu caminho para o sucesso foi longo.
Glass escreveu suas primeiras composições já na década de 60, mas começou a chamar a atenção por sua música escolar minimalista apenas na segunda metade da década de 70. Nos círculos da multidão cultural, o avanço final é provavelmente a ópera Einstein On The Beach, que estreou em 1976 .
Entre o grande público, Glass ganhou atenção um pouco mais tarde. Isto foi possível, por ex. o fato de que a música de Glass era uma espécie de alma gêmea do rock experimental em sua energia. A repetição abundante e a relativa simplicidade das harmonias utilizadas pelas composições também ofereciam um apelo diferente do que, por exemplo, a vanguarda da escola de Darmstadt, que estava na moda nos anos 60 e 70 nos círculos da música artística. ..
2. Shub-Niggurath: Les morts vont vite
Les morts vont vite é o segundo álbum de estúdio de Shub-Niggurath .
O rock progressivo mais sombrio geralmente vem da Bélgica por algum motivo, mas a música de Shub-Niggurath, fundada na França em 1982, é tão demonicamente opressiva e dura que às vezes até faz com que as atividades de malucos belgas como Univers Zero e Present soem como uma fogueira em uma escola.
Assim como o Univers Zero, Shub-Niggurath leva o nome da literatura de terror cósmico de HP Lovecraft (1890-1937). Na mitologia de Cthulhu criada por Lovecraft, Shub-Niggurath é um ser divino malévolo e pervertido, também conhecido pelo nome deliciosamente legal de Cabra Negra da Floresta com Mil Filhos.
Escrevi no início que Les morts vont vite (em finlandês: os mortos andam rápido) é o segundo álbum de estúdio de Shub-Niggurath, mas na verdade não é tão simples assim. A banda lançou um álbum homônimo já em 1982, mas foi lançado apenas como cassete C e tinha um mundo sonoro bastante áspero e primitivo. Não está claro se esse lançamento deve ser interpretado como o verdadeiro álbum de estreia de Shub-Niggurath ou apenas uma demo como é frequentemente apresentado...
3. Univers Zero: Heatwave
Heatwave é o quinto álbum de estúdio do Univers Zero .
No álbum anterior da banda belga fundada em 1974, Uzed, o baterista Daniel Denis compôs todas as músicas, mas com Heatwave a situação muda radicalmente. Não sei se a jaqueta de Denis estava vazia ou do que se tratava, mas o tecladista Andy Kirk , que fez um ótimo trabalho com Ceux du Dehors, voltou para a banda após uma pausa de vários anos, e 3/4 da música do Heatwave é escrito por ele.
Heatwave é o primeiro álbum do Univers Zero que soa claramente dos anos 80. Seu som é mais amplo e reduzido do que antes. A imagem sonora não é tão completa, tanto em termos de instrumentos como de notas. A música é mais minimalista e silenciosa do que antes. Também há mais repetição do que antes.
Com o aumento do uso de sintetizadores, a música também soa um pouco mais fria do que nos discos anteriores. Felizmente, os instrumentos de sopro de Dirk Descheemaeker e o violino de Patrick Hanappier também trazem tons mais orgânicos. A guitarra elétrica também faz um retorno há muito esperado à música do Univers Zero, e o doloroso longo solo de guitarra de Michael Delory em "The Funeral Plain" me lembra o guitarrista do Present, Roger Trigaux (que também é membro fundador do UZ).
A faixa-título de 8 minutos de Kirk e a música de encerramento do álbum "The Funeral Plain" são a espinha dorsal do álbum, mas "China Vox" de cinco minutos e "Bruit dans les Murs" de oito minutos entre elas também não são ruins.
No som resoluto de "The Funeral Plain", leves tons étnicos de algum lugar do Oriente Médio podem ser ouvidos. A música é levada pelos sintetizadores de som ameaçador e, ao lado deles, os ventiladores que trazem um pouco de calor (belo tema do clarinete!) e o barulho metálico e o barulho da bateria de Denis. "The Funeral Plain" é uma continuação natural da música de Ceux du Dehors , então se você gostou desse álbum, com certeza irá gostar desta ótima música também.
O "Chinavox" de Denis também contém tons étnicos vindos da Ásia e são canalizados especialmente com o clarinete de Descheemaeker. "Chinavox" é uma composição minimalista e maliciosamente lúdica. Você quase poderia imaginá-lo sendo exibido em um filme de Tim Burton . A música também me lembra Art Zoyd .
A segunda composição de Denis, "Bruit dans les Murs", é o item mais experimental do álbum. Começa com ruídos eletrônicos e logo é acompanhado por bateria metálica. Em algum lugar ao longe, uma voz masculina grita algo, o sintetizador estala e estala competindo com a bateria intensamente batida de Denis, que de repente fica em silêncio por um momento, e o clarinete de fanfarra e som quase solene de Descheemaeker ganha destaque. Perto do final, o sintetizador assume o controle do mencionado tema de fanfarra e a bateria toca intensamente ao fundo por um tempo, até que logo voltam a forjar um ritmo mecânico. O piano elétrico começa a tocar um ostinato que aumenta a tensão e finalmente a música fica estimulantemente intensa enquanto os sintetizadores gritam descontroladamente e Denis bate na bateria como se fosse o último dia.
O álbum termina com seu destaque absoluto, com mais de 20 minutos de duração (segunda composição mais longa do UZ), "The Funeral Plain". É uma composição que se desenvolve e cresce lentamente e pouco a pouco. "The Funeral Plain" começa primeiro com uma introdução sintética que lembra Tangerine Dream , seguida por uma longa e lenta seção de música de câmara.
Finalmente, mais ou menos na metade da composição, depois de algumas elevações menores, todo o inferno é liberado corretamente. "The Funeral Plain" se transforma em uma marcha sombria agressiva e irresistivelmente progressiva. A seção de marcha que começa aos 12 minutos é um dos momentos mais mágicos do Univers Zero; A bateria de Denis forja o frenesi de forma controlada ao lado do sintetizador otinato e do violino de Hanappier dançando ao redor do resto da música. A bateria frenética de Denis (Denis prova mais uma vez que ele é um dos bateristas mais difíceis do planeta!) A guitarra elétrica dolorosamente tocada por Delory ao fundo é uma coisa maravilhosa de se ouvir durante os últimos minutos da música.
“The Funeral Plain” é realmente de tirar o fôlego de ouvir e um dos momentos mais brilhantes da carreira do Univers Zero.
Os dois álbuns anteriores do Univers Zero são talvez os melhores álbuns da banda, e Heatwave não se compara a eles, mas ainda é um excelente álbum e um pequeno clássico de vanguarda absoluta.
Após Heatwave , o Univers Zero entrou em um longo hiato devido a problemas financeiros e conflitos internos dentro da banda. Durante o intervalo, Daniel Denis lançou dois álbuns solo bastante interessantes, Sirius And The Ghosts (1991) e Les Eaux Troubles (1993) e tocou no Art Zoyd até que finalmente em 1999 ele iniciou o Univers Zero com seu novo álbum The Hard Quest .
Melhores músicas: “Heatwave”, “The Funeral Plain”
4. Cassiber : Perfect Worlds
Perfect Worlds é o terceiro álbum de estúdio de Cassiber .
Cassiber, que lançou seu primeiro álbum pela Perfect Worlds em 1982, se reduz a um trio formado por Chris Cutler (bateria), Christop Anders (vocal, guitarra, teclado, saxofone) e Heiner Goebbels (teclado, guitarra). Alfred Harth , saxofonista da formação original, amante do free jazz, deixou a banda após o álbum Beauty & The Beast (1984) por sentir que a música da banda havia perdido a liberdade espontânea dos primeiros tempos.
O furioso saxofone de Alfred Harth foi uma parte central da música de Cassiber nos discos anteriores da banda, mas felizmente o guitarrista/tecladista Christian Anders substituiu Perfect Worlds com bastante competência em algumas ocasiões por seu saxofone tenor.
Ao lado do saxofone perdido, uma nova dimensão instrumental emerge de forma significativa. Com Perfect Worlds, Cassiber eleva o sintetizador a um papel muito mais central do que antes. No disco, Goebbels operou um sintetizador Ensonic Mirage capaz de amostragem digital. O aparelho custava menos de US$ 2.000, então era uma espécie de Fairlight CMI de pobre (que, dependendo do modelo, custava pelo menos dez vezes mais que o Mirage).
Não é de surpreender que Cassiber use seu novo brinquedo “erradamente”, com resultados maravilhosos. Em vez de usar o dispositivo para evocar efeitos luxuosos de seção de sopros no estilo de, digamos, Trevor Horn, Cassiber usa o dispositivo principalmente para reproduzir samples com sons agitados e distorcidos. Alguns desses sons abusados são de fato de origem orquestral, mas seu uso carece da beleza e da magnificência do mundo pop em todos os sentidos. Às vezes, os resultados finais soam como a falha eletrônica que surgiu nos anos 90. Em particular, “Prometheus”, que é poderosamente estimulante e avassalador, e “Sleep Armed”, que contém um solo de órgão completamente maluco, são bons exemplos deste setor.
Tal como acontece com os álbuns anteriores da banda , Perfect Worlds também alterna entre instrumentais abstratos e barulhentos e canções de vanguarda igualmente barulhentas, mas um pouco mais convencionalmente estruturadas. "Dust And Ashes" e "Sleep Armed" são sucessos absolutos no setor vocal.
"Dust And Ashes", que começa com a rápida explosão vocal de Andersen, é um dos destaques do álbum. O saxofone incontrolável de Andersen parece ser o arco de Cassiber na direção dos discos anteriores, pois o saxofone não é muito ouvido nas músicas seguintes.
Há também uma seção WTF total que é difícil de conectar a qualquer gênero ou convenção existente. Essa música é "Miracolo". "Miracolo" começa com vocais tribais tocados na fita, sobre os quais Andersen fala - e grita (especialmente divertido é a repetida exclamação "MIRACOLO!") com apenas um acompanhamento muito minimalista no fundo, consistindo de um suave vibrafone sintetizado, leve piano tocando e efeitos abafados de guitarra elétrica. Uma música muito estranha que faz você se perguntar se a banda está deliberadamente tentando irritar seus ouvintes. Provavelmente! Não funcionou para mim. Desculpe Cassiber, adorei cada momento!
Perfect Worlds pode não oferecer novas aberturas significativas ao repertório de Cassiber, embora o uso criativo do sintetizador traga algumas novas dimensões, mas como ninguém mais faz esse tipo de música, não considero isso nada problemático. O mundo pode facilmente acomodar algumas loucuras como Man Or Monkey , Beauty & Beast e Perfect Worlds .
Melhores músicas: "Dust And Ashes", "Crusoe's Landing", "Miracolo", "Prometheus", "Sleep Armed", "I Tried To Reach You"
5. David Sylvian: Gone To Earth
Gone To Earth é o terceiro álbum solo de David Sylvian .
Em 1984, com seu primeiro álbum solo Brilliant Trees , David Sylvian rompeu com sucesso com o pop japonês de sua banda anterior, no qual ele não acreditava mais. É claro que o Pop não ficou completamente de lado com Brilliant Trees , mas foi misturado com jazz inspirado em ECM de uma forma única e o resultado final foi um tipo completamente novo de híbrido de art rock.
Após sua estreia bem recebida, Sylvian lançou um EP instrumental ambiental Words With The Shaman junto com Jon Hassell, Holger Czukay ( Can ) e alguns outros músicos que já haviam estado no Brilliant Trees . Pouco depois, uma emissora de televisão japonesa quis fazer um documentário sobre Sylvian. Sylvian não ficou particularmente entusiasmada com a ideia, mas como o dinheiro era curto, ela concordou com o projeto, principalmente porque trazia a oportunidade de compor músicas para o projeto...
6. Skeleton Crew: The Country Of Blinds
The Country Of Blinds é o segundo álbum de estúdio do Skeleton Crew .
Dois multi-instrumentistas Fred Frith ( Henry Cow , Art Bears ) e Tom Cora ( Curlew ) lançaram o primeiro álbum do Skeleton Crew, Learn To Talk , em 1984. O conceito da banda era combinar duas "bandas de um homem só" em uma estranha orquestra de dois. músicos. Ambos os músicos tocavam vários instrumentos ao mesmo tempo e trocavam de papéis espontaneamente. Como esperado, o resultado final foi uma música bastante especial. E é claro que isso é um eufemismo e tanto!
Para The Country Of Blinds, Frith e Cora trouxeram a harpista de formação clássica Zeena Parkins . Parkins desertou para o rock experimental em 1984, quando se juntou ao News From Babel, liderado por Chris Cutler e Lindsay Cooper . Com The Country Of Blinds, Parkins toca bateria, órgão e gaita, além de uma harpa amplificada eletronicamente, então agora a banda contava com três multi-instrumentistas habilidosos.
Tal como o seu antecessor, a música de The Country Of Blinds, produzida por Tim Hodginson , é mais fácil de descrever como peculiar rock progressivo de vanguarda com uma atitude pós-punk. A música é tecnicamente muito complicada em alguns lugares no espírito do prog, mas tudo é realizado com uma atitude "hällä-määä" estrondosa, que por sua vez me lembra a estética punk. Este último aspecto também é enfatizado pelos vocais agressivos e às vezes muito estranhos de Frith.
The Country Of Blinds é uma música um pouco mais acessível que seu antecessor, e com a música The Border, quase se aproxima da música pop. Ela contém um refrão muito cativante e a estrutura da música também segue bem de perto o formato pop, mas a execução em si é típica da banda. Frith grita mais do que canta sua parte vocal, tudo é cercado por percussões barulhentas e estrondosas, e como solista o instrumento é principalmente um violino desafinado. Um arranjo completamente diferente de “The Border” poderia até ter atingido o potencial, mas uma versão tão sensata dificilmente poderia ter sido tão interessante quanto esta loucura emocionante.
Das demais músicas, pode-se dizer de maneira geral que por mais estranhos e atrevidos que sejam seus arranjos, no meio de toda a loucura, costumam surgir pequenas melodias deliciosas que evitam que a agitação se afunde em um perfeito momento de confusão .
A mensagem política não é tão proeminente nas letras desta vez, mas a sátira de Frith escorrendo, bastante cínica, mas ainda cheia de humanidade, mais uma vez alimenta impiedosamente o absurdo da vida humana sob as rodas do mundo capitalista moderno.
Skeleton Crew se separou depois de The Country Of Blinds , de acordo com Frith, porque a banda havia se tornado apenas mais uma banda de rock'n'roll entre outras. Esta afirmação diz que Frith tem uma visão um tanto melindrosa do que é o rock em geral ou, mais provavelmente, que ele é um grande humorista.
Em 2005, o selo ReR Megacorp de Cutler lançou The Country Of Blinds como um CD duplo junto com Learn To Talk . Existem seis faixas bônus relacionadas a The Country Of Blinds que são mais ou menos da mesma qualidade do material de seu álbum mãe. Portanto, uma compra altamente recomendada.
Melhores músicas: "The Country Of Blinds", "The Border", "The Hand That Bites", "You May Find A Bed"
7. News From Babel : Letters Home
Letters Home é o segundo álbum de estúdio do News From Babel .
News From Babel lançou seu primeiro álbum Sirens And Silences / Work Resumed On The Tower em 1984. Nesse álbum, a formação consistia em Chris Cutler (bateria), Lindsay Cooper (sopros, teclados), Zeena Parkins (harpa, acordeão) e Dagmar Krause (vocal). A composição de Letters Home é a mesma , mas Krause deixou a banda pouco antes das gravações. Krause ficou frustrado por não ter sido tratado como um verdadeiro membro da banda e não ter sido incluído na tomada de decisões, mas sua tarefa era apenas cantar as partes vocais compostas por Cooper e letras de Cutler.
Depois que Krause deixou a banda, o News From Babel começou a procurar um substituto. O cantor foi considerado, por ex. O vocalista italiano do Stormy Six, Umberto Fiori , mas no final decidiu-se usar vários vocalistas diferentes que aparecem no álbum como convidados. Um grupo bastante interessante de vocalistas foi atraído. O lendário personagem de Canterbury, Robert Wyatt, canta cinco músicas, a diretora de cinema Sally Potter, que colaborou muito com Cooper, duas músicas e o especialista em sons estranhos Phil Minton uma. Krause também foi persuadido a cantar uma música.
Desta vez a música é um pouco mais leve, mais acessível, não tão vanguardista. Mesmo assim, as composições de Cooper ainda são complexas e as letras irônicas de Cutler são políticas e sombrias. Então, afinal, o News From Babel não se tornou uma banda pop!
O som do Letters Home é muito peculiar. Nele, a música de câmara encontra o rock progressivo através do vaudeville do século XIX. A harpa e o acordeão de Parkins se chocam com a bateria selvagem e muitas vezes imprevisível de Cutler, e o toque virtuoso de fagote, saxofones e teclados de Cooper completa a imagem sonora. Desta vez, também está envolvido o baixista regular Bill Gilonis , conhecido da banda The Work .
Letters Home é um conjunto igualmente forte, mas os picos talvez não sejam tão brilhantes como no álbum anterior. Três músicas "Dragon At The Core", "Waited" e "Banknote" se destacam das demais. A direção lúdica e em constante mudança de "Dragon At The Core" é coroada pelos vocais melancólicos de Wyatt em suas partes serenas. Em "Waited", por outro lado, você ficará encantado com o riff bagunçado de fagote e os vocais rítmicos de Potter (Potter às vezes parece Krause!) e o solo de saxofone estranhamente lindo, mas ao mesmo tempo realmente assustador, em a parte do meio. A anticapitalista (é claro!) “Banknote” é a música mais rock do álbum, ou pelo menos tem a composição mais rápida do álbum e os vocais dramáticos de Phil Minton são divertidos de ouvir. A aceleração final da música também é muito fofa!
Infelizmente, Letters Home foi o último álbum do News From Babel. Chris Cutler se juntou ao Pere Ubu em 1987 e também continuou em sua outra banda, Cassiber . Lindsay Cooper continuou sua carreira solo e lentamente se moveu cada vez mais na direção da música artística. Zeena Parkins iniciou sua carreira solo em 1987 e mais tarde continuou sua colaboração com Fred Frith no Skeleton Crew e tocou em vários álbuns de Björk .
Melhores músicas: "Dragon At The Core", "Waited", "Banknote", "Moss"
8. Thinking Plague: Moonsongs
Moonsongs é o segundo álbum de estúdio do Thinking Plague
American Thinking Plague, formada em 1982, lançou seu poderoso álbum de estreia …A Thinking Plague dois anos depois. Nesse álbum, a banda mostrou que não é apenas um discípulo entusiasta de Henry Cow , mas ao mesmo tempo fortemente apegado à pós-nova onda e ao zeitgeist pós-punk.
Thinking Plague fez turnê com Sonic Youth , banda de noise rock que estava em ascensão na época, e a combinação realmente não soa muito estranha, porque Moonsongs até parece um álbum um pouco mais áspero e brutal que o primeiro. A música do Thinking Plague é certamente muito mais complexa que a do Sonic Youth, mas ambas as bandas compartilham os mesmos genes experimentais e não têm medo de um pouco de sujeira e sujeira em suas músicas.
O álbum começa com seu destaque de oito minutos, "Warheads". A feroz e acelerada “Warheads” combina partes instrumentais complexas e técnicas, batidas e redemoinhos de vanguarda e os vocais explosivos da vocalista Susanne Lewis . "Warheads" combina de uma maneira interessante episódios alegremente animados e atmosferas muito sobrepostas e totalmente ameaçadoras (o que é apropriado porque a letra é sobre armas nucleares). Mike Johnson toca guitarras muito legais e rápidas que me lembram Robert Fripp . “Warheads” soa deliciosamente assustador e dinâmico. Os sons têm uma sensação de espaço realmente bem-sucedida. Infelizmente, em termos de qualidade de som, Moonsongsas outras músicas não chegam ao mesmo nível.
O som da próxima música "Etude For Combo" é significativamente mais lo-fi. Ele combina um padrão de sintetizador rápido e cíclico com batidas muito sujas e bateria barulhenta. Você quase pode imaginar a banda sacudindo latas de lixo em algum beco sujo de uma cidade grande. A guitarra elétrica capta o padrão cíclico do sintetizador e o mundo sonoro fica ainda mais duro. Se houvesse um equivalente progressivo do rock de garagem, esse instrumental estranho seria o garage prog.
Com duração de apenas três minutos, “Collarless Fog That One Day Soon” é um instrumental abstrato e nebuloso que cria paisagens sonoras realmente legais, mas no final não se transforma em uma música adequada.
A penúltima faixa "Inside Out" é baseada em um fundo de sintetizador extremamente minimalista e nebuloso e na performance vocal séria e ligeiramente misteriosa de Lewis que parece estar tocando em algum lugar distante.
O álbum termina com "Moonsongs" de 16 minutos. Sua introdução percussiva cria em minha mente uma imagem de algum tipo de pesadelo steampunk, onde um enorme besouro semelhante a uma máquina sacode e zune pela paisagem enferrujada, destruindo tudo em seu caminho. A voz fina de Lewis traz a fragilidade humana para o meio do pesadelo mecânico, embora ele cante em um tom deliberadamente monótono. Na marca de três minutos, há um pequeno momento de atraso, após o qual tambores tribais iniciam um novo episódio onde Lewis grita desafiadoramente algumas vozes masculinas ao fundo. Um riff de guitarra repentino, mas um tanto arrastado, aparece aqui e ali no padrão tribal da bateria. A música desacelera e fica quieta novamente e a voz de Lewis volta cortada em samples intermitentes. O baixo de Drake estala e bate espirituosamente ao lado da voz mecânica de Lewis.O saxofone soprano divertido de Glenn Nitta traz inesperadamente uma atmosfera jazzística ligeiramente mais leve no meio do caos. Isso não dura muito, pois os tambores com som tribal voltam com um rugido ainda mais massivo e agressivo do que antes. A bateria termina e uma sequência tranquila segue com os vocais de Lewis, piano elétrico e zumbido misterioso. Desta curta secção abstracta, passamos para uma secção ameaçadora, onde Lewis dá massa a um som fatal, a bateria sacode imprevisivelmente num ritmo estranho e a guitarra eléctrica de Johnson dedilha atonalmente com um som enferrujado e estalado. No final, a composição fascinante, cheia de reviravoltas, desaparece com sons abstratos aleatórios.
Os melhores dias de Thinking Plague ainda estavam por vir, mas junto com o álbum de estreia ... A Thinking Plague, Moonsongs representa o melhor do turbulento pós-punk avant-prog.
Melhores músicas: "Warheads", "Etude for Combo", "Moonsongs"
9. Talk Talk: The Colour of Spring
Fundada em 1981, a banda britânica Talk Talk alcançou sucesso moderado com seus dois primeiros álbuns. A música dos álbuns The Party's Over (1982) e It's My Life (1984) poderia ser classificada principalmente como synth pop, e você poderia considerar a música do Japão e do Duran Duran como pontos de comparação . Porém , o vocalista da banda, vocalista/tecladista Mark Hollis (1955-2019), tinha objetivos maiores. Ele queria fazer arte sustentável em vez de pop nas paradas.
Hollis ouvia quase exclusivamente música artística e jazz há algum tempo. Nos discos favoritos de Hollis, os sintetizadores não tremiam e as baterias eletrônicas não estalavam, ao contrário dos discos anteriores do Talk Talk, e ele queria desesperadamente se livrar dessas rebeliões. Hollis chegou a declarar que tinha usado sintetizadores, em primeiro lugar, por razões puramente económicas e, em termos de música, seria melhor que tal absurdo nunca tivesse sido inventado.
Como os dois primeiros álbuns da banda aumentaram as ações do Talk Talk, a banda conseguiu fazer seu terceiro álbum com um orçamento maior do que antes. Isso abriu a oportunidade para Hollis fazer músicas mais ambiciosas com uma paleta de instrumentos ainda mais rica...
10. Peter Gabriel: So
O mesmo acontece com o quinto álbum de estúdio de Peter Gabriel .
Ao longo das décadas, nos acostumamos a pensar em Peter Gabriel como um superastro do art rock e uma espécie de chefe de estado do rock que assume uma posição de destaque em questões importantes na mídia. Mesmo em meados dos anos 80, porém, Gabriel era apenas um artista cult tocando rock experimental, apesar de já ter quase 20 anos no mundo da música.
Claro que Gabriel chamou muita atenção no Genesis, que ele já fundou , de quem é apaixonado por música. No entanto, o Genesis ainda era significativamente menos popular que seus rivais mais diretos Yes , Jethro Tull e Emerson Lake & Palmer em meados dos anos 70, quando deixou a banda . Sem falar no Pink Floyd .
A carreira solo de Gabriel também não decolou de forma explosiva no sentido comercial. E não é de admirar, porque especialmente o seu terceiro e quarto álbuns continham música muito experimental que era apenas remotamente disfarçada de pop rock. Apesar de alguns pequenos sucessos, Gabriel ficou preso em algum lugar na categoria de artistas de médio porte, percorrendo locais com alguns milhares de pessoas.
Então mudaria tudo isso permanentemente…
11. Lindsay Cooper: Music For Other Occasions
Música para outras ocasiões é o quarto álbum solo de Lindsay Cooper .
Depois de Henry Cow, Lindsay Cooper se concentrou em sua carreira solo, que começou em 1981 com o álbum Rags , principalmente na composição de "músicas utilitárias" de alta qualidade, como músicas para filmes. Embora a música de Cooper também tivesse um propósito fora de si mesma, ela também resiste bem a ser ouvida puramente como música.
Music For Other Ocasiões é uma coleção de composições inéditas de 1983-1985. As músicas coletadas no álbum já foram reproduzidas em filmes, espetáculos de teatro, séries de TV e apresentações de dança. Embora seus 16 curtas (21 se você ouvir a versão com músicas bônus de 1991) formem um todo surpreendentemente coerente, apesar de suas origens serem tão diversas. Porém, é justamente a brevidade das músicas que provoca uma certa fragmentação. As durações variam de um minuto a cinco, então muitas vezes acontece que quando você se emociona com um tema já é a vez da próxima música. Felizmente, a próxima música costuma sempre oferecer algo gostoso, então a dor não é grande.
As formações variam de música para música, mas o baterista Chris Cutler e o baixista/violoncelista Georgie Born , que compartilham um passado de Henry Cow com Cooper, surgem como personagens centrais. Claro, a instrumentação foi dominada principalmente pelo próprio Cooper, que não apenas toca virtuosamente seu instrumento número um, o fagote, mas também com um toque confiante, por ex. vários saxofones e teclados. O álbum também apresenta um número surpreendentemente grande de vocais e eles são interpretados por Sally Potter, Dagmar Krause , Maggie Nicols e Kate Westbrook . As atuações de Potter e Krause em particular são encantadoras. A instrumentação é complementada aqui e ali pela harpa de Zeena Parkins ,O violino de Vicky Aspinall e ocasionalmente alguns outros instrumentos também.
O estilo musical é familiar aos álbuns solo anteriores de Cooper. As composições de Cooper são mais uma vez uma mistura de nostalgia sépia, vanguarda ousada e diversão teatral. Há muita coisa acontecendo na música e ela está em constante movimento. Porém, as composições não estão totalmente carregadas e mesmo que algumas músicas sejam complicadas, são sempre bastante acessíveis.
O destaque absoluto do álbum é a poderosa canção de rock artístico "Speed Of Light", que poderia ter agradado até mesmo Henry Cow ao mesmo tempo. Embora talvez organizado de uma forma um pouco mais irregular. É realmente maravilhoso e envolvente de três minutos e meio de duração, impulsionado pela bateria contundente e rápida de Cutler e pelo baixo expressivo de Georgie Born. Cutler e Born formam um grupo rítmico muito compacto, mas ainda elástico. E a bateria de Cutler raramente foi gravada também! A música é coroada pela performance vocal espirituosa de Sally Potter.
Devido às suas origens mistas , Music For Other Ocasiões não é a experiência auditiva mais perfeita do mundo, mas os fãs da música de Cooper não devem perdê-la só porque é uma compilação.
Melhores músicas: "Speed Of Light", "Plate Dance", "Iceland The Long Dance", "They Moving In"
12. Pat Metheny/Ornette Coleman : Song X
Song X é o primeiro encontro de duas lendas do jazz, o guitarrista Pat Metheny e o saxofonista Ornette Coleman .
O saxofonista Ornette Coleman e o guitarrista Pat Metheny formam um casal estranho. Coleman (1930-2015) iniciou sua carreira já na década de 1950. Seu álbum de 1959, The Shape Of Jazz To Come, é considerado uma espécie de ponto de partida para o jazz de vanguarda, e o Free Jazz, que apareceu alguns anos depois , deu nome ao subgênero do jazz de forma livre. Então Coleman é um pioneiro de classe realmente difícil quando se trata de jazz angular e experimental. Meu favorito pessoal é a bela e controlada ficção científica de 1971 .
Metheny (nascido em 1954), 24 anos mais novo que Coleman, iniciou sua carreira em 1974 e rapidamente se tornou um dos músicos de jazz de maior sucesso de todos os tempos. Metheny liderou sua própria banda , Pat Metheny Group , e lançou vários discos em seu próprio nome. Estilisticamente, sua música geralmente é um jazz de fusão bastante suave. Um pouco suave demais para o meu gosto. Embora a música de Metheny, que ganhou um trilhão de prêmios Grammy, seja inegavelmente sofisticada e até mesmo virtuosa, muitas vezes ela também tem um sabor levemente adocicado e, na pior das hipóteses, eu gostaria até de chamá-la de música de elevador.
O álbum conjunto de Coleman e Metheny, Song X, por outro lado, é tudo menos música de elevador. Metheny admirava Coleman desde que ele era jovem e acredito que a colaboração foi ideia dele. O baixista Charles Hayden, que tocou muito com Coleman, também foi incluído , o mestre baterista Jack DeJohnette (que é meu favorito quando se trata de bateristas de jazz) e o filho de Ornette, Denardo Coleman , que também toca bateria e percussão, completa o quarteto. .
Gravado em apenas três dias, principalmente baseado em improvisação, o álbum é principalmente uma batida hiperativa com os cinco tocando no volume máximo constantemente. Isso é principalmente inspirador, mas também fica um pouco entorpecido ao longo de todo o álbum. Teriam sido necessários remansos para obter mais contraste. Felizmente, eles também são servidos aqui e ali. No entanto, vale a pena mencionar que embora a música seja principalmente selvagem e intensa, o saxofone de Coleman muitas vezes toca muito bem e ele às vezes consegue improvisar melodias realmente maravilhosas. A música X parece mais o show de Coleman porque, além da harmonia sähäka, seu telefone desempenha o papel principal. Metheny se contenta em ficar mais em segundo plano de vez em quando, claro, também solando.
A melhor das músicas mais calmas é a adorável “Mob Job”. Nele, Haden dedilha seu baixo sedutoramente no fundo da bela e lírica melodia do saxofone de Coleman, e no final, Coleman toca violino (Coleman toca violino em algumas músicas, bem como o saxofone) em uma seção maravilhosamente rouca e dedilhada. , enquanto Metheny dedilha levemente a guitarra elétrica com um som limpo.
As “Espécies Ameaçadas” de 13 minutos se destacam das demais na seção mais difícil. Ele contém um andamento realmente furioso e rápido de todo o grupo. Às vezes a música parece se transformar em uma nuvem de vespas furiosas que avança sem se importar com nada. No final, ouve-se um efeito de pingue-pongue eletrônico (acredito que tenham sido obra do Coleman mais jovem), o que me dá uma estranha associação com a atmosfera do final de "Karn Evil 9" do ELP .
Em 2005, Metheny foi curador de uma edição ampliada do 20º aniversário do álbum. Seis pequenas canções bônus foram adicionadas ao álbum, que foram gravadas durante as sessões originais de três dias. As músicas em questão foram originalmente deixadas de fora por questões de espaço (o CD ainda era um formato novo em 1986 e o vinil era usado). Estranhamente, as músicas extras colocadas logo no início do álbum são materiais de alta qualidade e de natureza um pouco mais direta do que aquelas que acabaram no álbum em primeiro lugar. A desvantagem das músicas adicionais é que com elas a música X, que originalmente tinha 48 minutos de duração, foi adicionadacresce para nada menos que 66 minutos, o que é um pouco demais para um set com música tão violenta ouvir de uma só vez. Mas vamos admitir que este é o chamado problema de primeiro mundo, você sempre pode começar a ouvi-lo a partir da música sete se quiser respeitar a cobertura original.
Song X cru e violento é o melhor disco que ouvi de Metheny e não fica muito atrás do top de Coleman. Definitivamente uma das joias mais brilhantes dos desdentados anos 80 em termos de jazz (também).
Melhores músicas: "Song X", "Mob Job", "Endangered Species"
