Esse disco não aparece com muita frequência, mas de vez em quando você encontra como um item caro em listas de psicodélico. Isso pode ser considerado uma designação errada, uma vez que o álbum de Joseph Longeria é mais puxado para o blues rock do que para o rock psicodélico tradicional. Podemos estar sendo muito exigentes aqui... Independente disso, ele é um grande guitarrista e o álbum vale o preço pedido.
Vamos ser honestos e admitir que não sabemos muito sobre esse cara. Diferentes fontes dizem que ele pode ser do Texas ou do Tennessee. O pouco que sabemos é tirado dos créditos do seu único álbum, então seja cético quanto às afirmações. Aparentemente, o produtor Steve Tyrell da A&R descobriu Longeria tocando em uma batalha de bandas de blues de Houston, Texas. Com o contrato assinado com a Scepter Records (uma escolha surpreendente, considerando a preferência da gravadora por artistas mais comerciais, como Dionne Warwick), o disco de estreia de Joseph, “Stoned Age Man”, foi gravado nos famosos American Studios de Memphis.
Foi produzido por Chips Moman, Mark James e Glen Spreen, e os dois últimos foram também creditados como coautores da maioria das nove faixas. Então, como é o álbum.
Como dito antes, a base do disco tem um clima de blues. Longeria não tem lá uma grande voz, mas seus rosnados sujos e a guitarra cortante complementam um ao outro, dando a faixas como “Trick Bag, sua adaptação de “The House of the Rising Sun” e a faixa título uma energia considerável. O conjunto também é interessante uma vez que Longeria escreve algumas das letras mais estranhas que já ouvimos – cheque a bizarra “I Ain’t Fattenin’ No More Frogs for Snakes” que a conduzida pela cítara “Cold Biscuits and Fish Heads”. Até onde sabemos, esse é a única gravação feita por Longeria. Alguém sabe o que aconteceu com ele?
Esse álbum é uma mistura fantástica de blues pesado, hard rock primitivo com claras influências psicodélicas. A voz rouca de Joseph é poderosa e selvagem. As faixas são excelentes. Tem uma versão de “House of the Rising Sun”. Dizem que Joseph “Long” Longeria, um fantástico guitarrista e cantor, foi descoberto por Steve Tyrell durante um daqueles duelos de guitarra (“Batalha das Guitarras de Blues”) que eram muito populares e atraíam multidões para os clubes de blues. Joseph não tinha medo de desafiar T. Bone Walker e B.B. King.
Essa banda, devido ao pouco sucesso e divulgação, se separou depois de seu único álbum. Glen Spreen, o tecladista, mais tarde tocou com Elvis Presley, Dan Fogelberg e Ian Matthews, enquanto Joseph desapareceu da cena musical. Essa joia esquecida merece ser descoberta, especialmente pelo fenômeno do blues selvagem com grande habilidade na guitarra e voz rouca.
…Poucos artistas zombam de qualquer fronteira entre o progressivo e o pós-punk de forma tão completa quanto o Slapp Happy . A união de Peter Blegvad, Anthony Moore e Dagmar Krause pode ter sido curta e comercialmente malsucedida, mas geraria uma união importante e esquecida entre as cenas underground britânicas e da Alemanha Ocidental, ao mesmo tempo em que foi pioneira em um som lúdico e experimental que ainda tem ressonâncias na música britânica por meio século. século depois. Em meados da década de 1960, a família dinamarquesa-americana Blegvad estava tão preocupada com o clima político de pesadelo dos EUA após o assassinato de Kennedy e a escalada do conflito no Vietnã que eles levantaram as varas do próspero Connecticut de meados do século e se mudaram para a sonolenta…
…Hertfordshire. Foi lá, na St Christopher School, em Letchworth, que pagava taxas, que Peter Blegvad formou uma banda com os aspirantes a músicos Anthony Moore e Neil Murray (que não aparece novamente nesta história, mas mais tarde tocaria baixo no Whitesnake e no Black Sabbath. ) A banda adolescente, com nomes variados como Slap Happy e Dum-Dums, seguiram caminhos separados, como as bandas adolescentes tendem a fazer. Depois de uma passagem por uma escola de arte britânica, Anthony Moore mudou-se para Hamburgo em 1970. Ao chegar, duas pessoas mudariam o rumo de sua vida criativa. Um deles era Dagmar Krause, natural de Hamburgo que já havia sido membro da banda de folk alternativo The City Preachers e gravou o excelente álbum de rock psicodélico de vanguarda ID Company em 1970 com a vocalista Inga Rumpf. Krause e Moore rapidamente se tornaram um casal.
O outro era Uwe Nettelbeck, um intelectual e crítico de esquerda alemão que começou a atuar como intermediário entre a gravadora PolyGram e a vanguarda da Alemanha Ocidental. Nettelbeck reuniu efetivamente os membros da Faust e, admiravelmente, convenceu a editora a financiar um novo estúdio para o grupo numa antiga escola na aldeia de Wümme, nos arredores de Bremen. Conhecer Nettelbeck foi um momento fortuito. Moore estava desenvolvendo um grande interesse em experimentos com gravadores, influenciado por compositores europeus de vanguarda como Stockhausen e Pierre Schaeffer, mas também por experimentalistas pop ingleses como George Martin e Joe Meek. Através de Nettelbeck, a Polygram gravou três álbuns do trabalho de Moore - Pieces From The Cloudland Ballroom de 1971 e os lançamentos de 1972 Secrets Of The Blue Bag e Reed Whistle And Sticks . “Foi o suficiente para a PolyGram levantar as mãos em desespero”, lembrou Moore em uma entrevista de 2022 ao site Perfect Sound Forever, “nesse ponto, Uwe me perguntou se eu não poderia fazer algo um pouco mais audível”.
Ele telefonou para seu velho amigo Peter Blegvad, que estava entediado, solitário e estudando em Exeter. Claro que ele queria embarcar no próximo avião para fazer um álbum de rock experimental. Sua chegada a Wümme cunhou o trio que adotaria o nome da antiga banda escolar de Peter e Anthony. “Peter, Dagmar e eu recebemos a oferta do estúdio e como éramos apenas um trio”, escreve Blegvad no encarte da nova reedição, “parecia uma escolha natural pedir a Faust para se tornar nossa seção rítmica”. Jean-Hervé Péron, o baixista, Gunther Wüsthof, o tecladista e saxofonista, e Zappi Diermaier, o baterista, tornaram-se, na verdade, a seção rítmica de Slapp Happy. O trabalho no projeto ocorreu entre maio e junho de 1972 – poucas semanas após a gravação do segundo álbum de Faust, So Far , no estúdio Wümme.
“Anthony e eu ainda estávamos tratando isso como uma piada, em parte defensivamente, para não nos fazermos de bobos”, explica Blegvad no encarte, “mas o que acontece quando você está trabalhando com amigos e tentando diverti-los? , para fazê-los rir com suas contribuições? Esse era o critério: se uma ideia – lírica ou musical – nos fizesse rir, nós tentaríamos.” Isso infundiu no álbum um espírito excêntrico e pop bem diferente do que Faust estava acostumado. Assim que a gravação começou, Dagmar Krause foi incentivado por Nettelbeck a gravar os vocais na maior parte das faixas, à medida que Nettelbeck se cansava das brincadeiras públicas de Blegvad e Moore.
“Os caras não levavam a sério o canto na época”, lembrou Krause em uma entrevista à Wire em 2016 , “ou não se levavam a sério e faziam intermináveis risadas e diversão, e Uwe não ia aceitar. ”
O valor desta decisão é comprovado na faixa de abertura 'Just A Conversation', único single do álbum. Blegvad havia escrito pouco mais do que um único verso dylanesco rimando “conversation” com “Grand Central Station”, mas uma improvisação de estúdio com os músicos do Faust de repente transformou-o em um treino de folk rock vibrante. Conversas distorcidas improvisadas são audíveis nos canais de áudio esquerdo e direito - aparentemente para enfatizar o tema de conversa da música - proporcionando à música um clima de excentricidade que a banda manteria ao longo do álbum.
A configuração padrão de Sort Of é um esboço pop de Beefheart. Às vezes isso é muito melhorado pelo efervescente e caótico sax free jazz, como em 'Paradise Express', e às vezes não, como no leve 'Tutankhamon'. No entanto, 'Mono Plane', de sete minutos, é uma obra-prima disso, onde a seção rítmica de Faust eleva a música muito além de sua dívida óbvia com 'Mirror Man' de Beefheart e se transforma em um avant-funk forte e forte.
Faust já havia soado primitivista e hipnótico como o Velvet Underground antes – principalmente em seu recentemente gravado “It’s a Rainy Day, Sunshine Girl” – mas nunca a versão mais bonita e melódica do grupo. 'Blue Flower', cantada por Dagmar Krause, é a última.
Ninguém ganha o primeiro prêmio pela imitação, mas 'Blue Flower' é uma versão inicial de um certo tipo de pastiche VU que se tornaria onipresente nos discos indie do Reino Unido cerca de quinze anos depois (e é de lamentar que mais pessoas tenham ouvido o disco indie de Mazzy Star). versão cover chata do que o original triunfante). Da mesma forma, um instrumental emocionante e desconexo construído sobre uma linha principal vibrante no estilo Shadows de alguma forma consegue prever a exuberância instável da guitarra da Postcard Records. Na triste 'Small Hands Of Stone', o arranjo mistura Canterbury com cabaré, e é a primeira sugestão gravada do interesse de Dagmar Krause pela música da era de Weimar e pelo trabalho de Brecht, Weill e Eisler. Isso se tornaria uma vocação da cantora ao longo de sua carreira.
Os ouvintes só podem fazer uma suposição sobre o que a experiência de trabalhar com Slapp Happy pode ter feito por Faust. Certamente, entre Sort Of , de 1972, e Faust IV , de 1973, há uma admissão audível de ideias pop, brilho e melodia que emergem em faixas agora reverenciadas como 'Jennifer' e 'The Sad Skinhead'. Estas não eram sombras particularmente audíveis nos dois primeiros discos de Faust. Embora Slapp Happy quase nunca seja considerado quando as pessoas escrevem sobre Fausto, ele faz parte da vida quente do grupo alemão entre 1971 e 1975, assim como a colaboração de Tony Conrad, Outside The Dream Syndicate .
Sort Of foi lançado com pouca agitação na Alemanha e no Reino Unido, mas a defesa do disco por Robert Wyatt os levou a assinar imediatamente com a Virgin. Eles gravaram outro álbum com a seção rítmica de Fausto, que a Virgin pediu que regravassem com outros músicos como Casablanca Moon de 1974 (a gravação de Fausto só apareceu em 1980 como Acnalbasac Noom ).
Nesse ponto, Slapp Happy estava cada vez mais próximo de seus colegas de gravadora, Henry Cow. Enquanto Slapp Happy era brincalhão e otimista, a música de Henry Cow era invernal, austera e muito mais dependente de compassos complexos. Essas distinções tornaram-se aparentes quando os dois grupos consumaram a fusão, um movimento que produziu dois álbuns em doze meses, mas que na verdade se tornou uma aquisição. Quando Blegvad e Moore decidiram caminhar, Krause ficou parado na Vaca. Isso acabou com o Slapp Happy em 1975, mas a apatia do público e a indiferença da gravadora levaram à separação de Henry Cow três anos depois, independentemente.
Então algo estranho aconteceu. As diferenças aparentemente intratáveis que surgiram no punk pareceram derreter depois de apenas três anos. Em 1979, a Virgin Records disse à NME : “Os XTC estão, se você quiser, seguindo a tradição de Henry Cow e Slapp Happy”. Essa é uma maneira engraçada de falar sobre artistas pelos quais a gravadora havia perdido o interesse há apenas três anos. Não parou por aí. Este Heat foi recomendado a Anthony Moore por David Cunningham dos Flying Lizards, que sabia que Moore conhecia os experimentos de loop de fita melhor do que quase qualquer pessoa em Londres. Anthony Moore co-produziu a estreia de This Heat em 1979.
Usando uma fita de 24 faixas preenchida com 24 sons individuais, Moore, Cunningham e os três membros do This Heat trocaram, desbotaram e deslocaram canais individuais em uma mesa de mixagem para produzir o que seria intitulado '24 Track Loop'. A experiência produziu um dos momentos mais emocionantes e inovadores de todo o cânone pós-punk, antecipando o ruído e o techno, ao mesmo tempo que permanece uma peça musical surpreendente nos dias de hoje. Depois disso, em uma sessão de Peel em 1993 e novamente em Middle Class Revolt de 1994 , The Fall fez um cover de 'War', uma composição de Blegvad-Moore gravada por Slapp Happy com Henry Cow. Smith se lembrou dela como sendo puramente uma faixa do Slapp Happy, o que significa que ele não conseguiu localizar sua cópia e supostamente teve que ditar o arranjo de memória para o grupo.
Slapp Happy pode não ter sido uma música particularmente futurista, mas os sons excêntricos e exploratórios em que eles foram pioneiros, usando ideias do folk rock e do free jazz, fazem de Sort Of um álbum extraordinariamente presciente. Nos últimos cinco anos, Black Country, New Road e Squid usaram uma colisão semelhante de ideias sonoras que ainda soam frescas, ao contrário de outros tropos mais esgotados. Slapp Happy reformaria esporadicamente – um show do ICA em 1983, uma ópera para o Channel 4 em 1991, duas noites com Faust no Cafe Oto em 2017 – e é um legado que se baseia em grande parte no Sort Of .
“Não sou a única pessoa que ouve esse álbum agora e o acha muito agradável”, conclui Peter Blegvad no encarte de 2023, “a maioria das faixas são tão exploratórias e alegres que há uma sensação divertida passando por elas. Estávamos trabalhando duro, mas era um trabalho não alienado. Estávamos nos divertindo.
Novo conjunto de carreira compilado pelo membro fundador do Guru Guru, Mani Neumeier, e colegas de banda. Totalmente remasterizado. Formado em 1968 pelo baterista, cantor e visionário Mani Neumeier, o Guru Guru é uma instituição há mais de cinco décadas. A sua própria marca de “acid rock”, muitas vezes rotulada como krautrock, desempenhou um papel importante na história musical, não apenas na sua Alemanha natal, mas em todo o mundo, especialmente nos EUA e no Japão. Com uma carreira musical contínua de 54 anos, mais de 40 álbuns, mais de uma centena de aparições em rádio e TV, eles já realizaram mais de 5.000 shows ao vivo até o momento. O que eles trouxeram para o palco nos anos 60 pode muito bem ter sido visto como chocante. Fundindo free jazz com rock'n'roll, Guru Guru experimentou…
…Ritmos e estilos asiáticos e africanos, incorporando-os em sua própria marca de rock cósmico psicodélico. Os músicos viviam sob o mesmo teto de uma comuna, consumiam drogas alucinógenas e compartilhavam regularmente suas opiniões políticas, lendo declarações durante as apresentações.
Seus shows ao vivo foram – e ainda são – experiências, com a banda surpreendendo o público, por exemplo quando lançaram galinhas vivas no respeitável Grugahalle em Essen, Alemanha. Até hoje, Mani Neumeier ainda canta sua música “Elektrolurch” fantasiado de salamandra. Além de serem pioneiros em seu próprio gênero musical, Guru Guru foi a primeira banda alemã a se apresentar no lendário show WDR Rockpalast em 1976, e desempenhou um papel principal no programa policial da TV alemã Tatort (alemão para cena do crime) no mesmo ano. Em 1972 realizaram um show memorável no festival de Germersheim (Alemanha) depois do Pink Floyd diante de um público de mais de 100.000 pessoas. Eles co-fundaram o festival anual Finkenbach (Odenwald, Alemanha) em 1977, juntamente com o corpo de bombeiros de Finkenbach, sendo atrações regulares até 2019.
…Apesar de inúmeras mudanças de formação, e mais de meio século após a criação da banda, hoje o Guru Guru ainda brilha com exuberância, tão vivo e ativo como sempre, realizando cerca de 40 shows ao vivo por ano. Em antecipação ao próximo álbum de estúdio da banda, a Repertoire Records está lançando The Three Faces of Guru Guru , uma caixa de 3 CDs, com 37 músicas, escolhidas a dedo por Mani Neumeier e seus colegas de banda, divididas nos capítulos “Rock”, “Space ” e “World”, apresentando o espectro musical desta icônica banda alemã.
Badfinger foi uma banda britânica de power pop, pop e rock considerada uma das mais promissoras bandas de rock do final dos anos 1960, fazendo parte da Apple (que apesar do fim dos Beatles ainda manteve-se na ativa). Experimentou o gosto do sucesso tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos, mais até do que muitas outras bandas ousaram sonhar. Até 1969 chamava-se The Iveys, bem como uma das canções do álbum lançado naquele ano.
Contaram com uma coleção expressiva de hits como Come And Get It (composta por Paul McCartney), No Matter What, Day After Day, Baby Blue, Without You, entre muitos outros mas, apesar de tudo isso, não conseguiram desfrutar do sucesso de seu trabalho, tendo uma história atribulada e até trágica. Após anos de turnês e inúmeros processos legais (que apenas serviram para enriquecer alguns advogados), os líderes criativos da banda - Pete Ham e Tom Evans - acabaram, em momentos distintos, cometendo suicídio.
Biografia.
Origens - The Iveys.
Pete Ham nasceu em 27 de Abril de 1947 na cidade portuária de Swansea, País de Gales, e era o mais novo de três filhos. Um jovem ativo, criativo, sua grande paixão, desde criança, sempre foi a música. Seu pai era um fã das "big bands" e seu irmão mais velho tocava trompete. Pete começou tocando gaita de boca, com apenas 4 anos, mas depois passou a tocar violão e guitarra, mostrando-se muito talentoso. Conseguiu seu primeiro violão em 1959 e já no início dos anos 60 fazia parte de um trio chamado The Panters que tocavam covers do grupo The Shadows (banda de apoio de Cliff Richards).
Posteriormente transformaram-se num quinteto, utilizando outros nomes como Wild Ones e Black Velvets. Os integrantes iam se sucedendo, até que chegou Ron Griffiths - nascido em 2 de outubro de 1946 - para o baixo, com fortes influências musicais do The Shadows e do The Ventures. O grupo, agora com o nome de The Iveys (numa alusão à canção Poison Ivy), foi em busca do sucesso. Em 1965, Mike Gibbins - nascido em 12 de março de 1949 - tornou-se o baterista da banda e elevou ainda mais o nível do grupo com seu estilo. No final desse ano, passaram a fazer shows de abertura para outros grupos como The Who, The Yardbirds e The Moody Blues, entre outros.
Em 1966, encontraram um novo empresário, chamado Bill Collins, e fixaram-se em Londres. Consta que foi Bill Collins quem encorajou os integrantes a escreverem suas próprias canções. Pete Ham mostrou ser o mais talentoso nesse sentido, enquanto que Ron Griffiths também arriscava algumas composições.
Em 1967, várias gravadoras tais como Decca (que já havia dispensado os Beatles), Pye e CBS manifestaram o desejo de contratá-los. Nesse mesmo ano, Dai Jenkins deixou a banda, sendo substituído por Tom Evans - nascido em 5 de junho de 1947. Evans já havia tocado com uma banda de R&B chamada Them Calderstones, muito influenciada pelo som da Motown.
Com seu estilo rock and roll e referências aos anos 50, conseguiram convencer Mal Evans (roadie dos Beatles) e Peter Asher (da dupla Peter And Gordon e produtor da Apple) a fazer um teste para o recém lançado selo Apple. Com isso, conseguiram chamar a atenção de ninguém menos do que Paul McCartney.
A história do Badfinger na Apple começou como um sonho, mas uma sequência de fatos infelizes motivados principalmente pela desorganização do selo, bem como pela inexperiência de Mal Evans como produtor e deles próprios como banda, acabou não rendendo o sucesso esperado. Lançaram um compacto (Maybe Tomorrow / And Her Daddy's a Millionaire) e um LP (Maybe Tomorrow) em 1968, que não provocou o impacto desejado na Inglaterra e nos EUA, embora tenha sido muito bem recebido em países como Holanda, Itália, Japão e Alemanha.
Paul McCartney então deu-lhes a canção Come And Get It, que deveria fazer parte do filme The Magic Christian (no Brasil, Um Beatle no Paraíso) estrelado por Peter Sellers e Ringo Starr. Essa canção acabou alcançando o 4º lugar na lista de vendagem da Grã-Bretanha, o que fez da banda, que ainda se intitulava Iveys, o grupo de maior sucesso a assinar com os Beatles. Entretanto, Ron Griffiths teve que deixar a banda, pois sua então namorada estava grávida. Surge o Badfinger.
No final de 1969, para evitar confusões com uma banda mais antiga, chamada The Ivy League, mudaram então o nome para Badfinger, inspirados no nome original da canção With A Little Help from My Friends dos Beatles, que iria se chamar Badfinger Boogie. John Lennon chegou a sugerir que se chamassem The Glass Onion And The Grand Prix, mas resolveram ficar como Badfinger mesmo.
Tom Evans assumiu o baixo, pois tentaram sem sucesso recrutar Hamish Stuart do Marmalade. Nesse meio tempo, chegou Joey Molland (do Gary Walker And The Rain) para ser guitarrista e estava finalmente formado o núcleo fixo da banda.
Com a nova formação, Pete Ham e Tom Evans mostraram-se ótimos compositores e passaram a oferecer ao mundo canções como Carry On Till Tomorrow, Rock Of All Ages, No Matter What, Day After Day. Molland também começou a compor e passaram para um estilo um pouco mais "pesado", agradando em cheio aos novos fãs. Chegaram a ser a banda genuinamente britânica a ter a melhor vendagem desde os Beatles.
Em 1970 gravaram o álbum No Dice, que incluía canções como o hit No Matter What (figurou entre as 10 mais em várias paradas do mundo inteiro), Midnight Caller (sucesso na voz de Tim Hardin), We're For The Dark, Believe Me e Without You, que se tornou mundialmente conhecida na voz de Harry Nilsson - ficou por 4 semanas em primeiro lugar nos Estados Unidos - e, posteriormente, foi regravada por artistas do calibre de Mariah Carey, Air Supply e Paul Anka.
Ainda em 1970, Stan Polley assumiu como empresário do grupo. Polley tinha muito mais experiência do que o empresário anterior Bill Collins. Apesar disso, a banda gostava muito de Collins e tentou fazer com que continuasse gerenciando parte dos negócios, mas Collins não aceitou.
Polley reorganizou as finanças da banda e supostamente estava garantindo o futuro deles mas, no final das contas, eles não viram a cor da "grana".
Nessa época a banda começou a viver com esposas, filhos e namoradas em uma casa, em comunidade, vivendo com uma mesada bem curta dada por Polley.
Segundo o empresário, o grosso do dinheiro seria investido em equipamentos e na divulgação da banda e isso justificava a curta mesada. Tom Evans, Joey e Mike fizeram severas críticas a Stan por isso. Porém, Pete Ham tinha total confiança em Polley e tudo ficou por isso mesmo
Também por essa época, em paralelo à realização de seus próprios discos e composições, Ham, Evans e Molland participaram também de vários trabalhos importantes como o single It Don´t Come Easy, de Ringo Starr, o álbum All Things Must Pass, de George Harrison e o Concerto para Bangladesh, além de trabalharem no álbum Imagine de John Lennon.
No final de 1971, gravaram o álbum Straight Up, que vendeu muito bem. Apesar disso, os produtores do disco - George Harrison e Todd Rundgren - e os próprios integrantes, especialmente Molland, acharam que não estava com o som característico da banda. Parecia mais o som do final dos Beatles, ou o material solo de George Harrison. Não que isso fosse ruim, mas eles queriam sua própria identidade. Além disso, a Apple passava por problemas internos e a falta de uma divulgação mais adequada fez esse, que era o terceiro álbum do Badfinger, não alcançasse tanto sucesso. Apesar disso, Day After Day (com direito a duelo de slide guitar entre Pete Ham e George Harrison) foi sucesso no mundo inteiro, chegando a ganhar o disco de ouro nos Estados Unidos. Tentando capitalizar em cima do sucesso de Day After Day, a Capitol lançou o single Baby Blue que chegou ao 14º lugar nas paradas americanas.
Stan Polley fez com que o Badfinger se entregasse a turnês cansativas e a intermináveis sessões de gravação, alegando que tudo aquilo faria bem para eles, mas não foi bem assim...
Em 1972, precisavam lançar um novo disco, e se propuseram a produzi-lo eles mesmos. Mas a Apple estava falindo e eles só conseguiram lançar o disco em 1973 (o último pela Apple), intitulado Ass. Nesse intervalo, Polley tentou assinar um contrato multimilionário com a Warner Bros., mas Allen Klein (que já havia roubado uma grana violenta dos Beatles) os pressionava, oferecendo um contrato bem menos vantajoso pela Apple. Essa briga prejudicou o disco e ele "não aconteceu", assim como o single Apple of my Eye (a despedida da gravadora por Pete Ham). Outro fator que atrapalhou foi o lançamento quase simultâneo de Badfinger (também conhecido como For Love or Money) pela Warner, fazendo com que os dois discos competissem entre si.
Em 1974, lançaram pela Warner Bros. aquele que é considerado o seu melhor disco, Wish You Were Here. Era uma volta triunfante do Badfinger, pois esse disco foi cuidadosamente gravado e produzido. Apesar disso, problemas com a Warner fizeram com que o disco fosse recolhido. Dificuldades financeiras começaram a aparecer, com milhares de dólares indo parar nas mãos de advogados e, desta vez, era Pete Ham que ameaçava deixar a banda.
Ainda em 1974, a banda passou a contar com mais um integrante, o tecladista Bob Jackson que ocupou o lugar de Pete durante o breve período em que ele esteve fora da banda. No fim do ano era a vez de Joey Molland deixar a banda.
Em dezembro, já com Bob Jackson como integrante no lugar de Molland, gravaram Head First. Pete Ham assumiu todas as guitarras e compôs duas pérolas para o disco: o hit em potencial Lay me Down e o pedido de desculpas para Molland, Keep Believing. Apesar de ser um disco muito bom, Head First acabou ficando nos arquivos por 25 anos.
Suicídio de Pete Ham.
Em 1975, apenas um ano após assinarem com a Warner, a relação entre a banda e a gravadora já estava se deteriorando. O contrato foi cancelado e Pete Ham, muito abalado com tudo o que aconteceu e sem perspectivas de melhorar, cometeu suicídio em 24 de abril, enforcando-se em sua própria casa. Com o músico foi encontrado um bilhete, onde ele pedia desculpas pela situação financeira desastrosa (um dia antes, Pete ficou sabendo que Stan Polley, o empresário do grupo, havia fugido com toda o dinheiro da banda) em que ele havia colocado os amigos e sua namorada.
Badfinger sem Pete Ham: Instabilidade e Atritos.
Tom e Bob montaram o The Dodgers e Joey estava com o seu Natural Gas (foi a banda de apoio de Peter Frampton).
Em 1979, a Elektra contratou Joey e Tom exigindo que eles utilizassem o nome Badfinger, independentemente da banda que eles viessem a montar. Lançaram o disco Airwaves que, apesar de canções como Lost Inside Your Love, Sail Away e Love is Gonna Come at Last, não foi bem nas paradas. Saíram em tournê com a ajuda de músicos como Tony Kaye (Yes), mas não conseguiram o sucesso esperado.
Em 1981, ainda com Kaye na banda, lançaram Say No More. Apesar de Hold On ter entrado no top 50, o disco não decolou e nem chegou a ser realizada uma tour para sua promoção. A instabilidade entre Molland e Evans apressou o final do 'novo' Badfinger. Fortes desentendimentos entre os dois amigos fizeram com que cada um montasse seu próprio Badfinger. Joey procurou o sindicato e conseguiu impedir Evans de usar o nome da banda que ele próprio havia criado.
Os dois se encontraram pouco tempo depois e novamente entraram em forte atrito, pois Evans alegou ter assumido diversos compromissos e de ter vários contratos assinados que exigiam que ele se apresentasse como Badfinger. Joey não deu atenção a Evans, porém mal sabia que aquela seria a última vez que iria ver ou conversar com o antigo amigo e companheiro de banda.
Em 19 de novembro de 1983 Tom Evans, em profundo estado de depressão, também cometeu suicídio, enforcando-se no quintal de sua casa.
Em 4 de outubro de 2005, Mike Gibbins morreu de causas naturais.
Ainda hoje, Joey Molland excursiona como Joey Molland's Badfinger mantendo viva a memória da banda.
Em Outubro de 2013 a banda voltou às paradas graças a utilização da música Baby Blue no ato final do último episódio da última temporada da série Breaking Bad, chegando a ocupar o 13º lugar no ranking da loja digital da Apple.
Ainda hoje, Joey Molland excursiona como Joey Molland's Badfinger mantendo viva a memória da banda.
Legado.
Trágico como possa parecer, o legado do Badfinger continua vivo até hoje, recrutando milhares de fãs por todo o mundo. Em 1990, foi lançado um álbum ao vivo Day After Day, gravado ainda em 1974. Em 1997, foram lançados um livro e um documentário (Without You: The Tragic History of Badfinger) contando a história da banda, sob a supervisão de Joey Molland. Também em 1997, foi lançado o CD BBC In Concert 72/73. Em 2000, finalmente, foi lançado o inédito álbum gravado em 1974, Head First.
Integrantes.
Última Formação.
Joey Molland (Vocais, Guitarra, Teclados, 1969-1984) Randy Anderson (Vocais, Guitarra, 1984) Bob Jackson (Vocais, Guitarra, Teclados, 1984) Al Wodtke (Vocais, Baixo, 1984) Mike Gibbins (Vocais, Bateria, Percussão, Teclados, 1984)
Ex - Integrantes.
David Jenkins (Vocais, Guitarra, 1965) Ron Griffiths (Vocais, Baixo, 1965-1969) Pete Ham (Vocal, Guitarra, Teclados, 1965-1975) Mike Gibbins (Vocais, Bateria, Percussão, 1965-1975) Tom Evans (Vocais, Guitarra, 1967-1981) Rob Stawinsky (Bateria, Turnê de 1972) Bob Jackson (Vocais, Teclados, 1974-1975) Joe Tansin (Vocais, Guitarra, 1978) Kenny Harck (Bateria, 1978) Bob Schell (Guitarra, 1979) Peter Clarke (Bateria, 1979) Ian Wallace (Bateria, 1979-1980) Tony Kaye (Teclados, 1979-1981) Rod Roach (Guitarra, 1980) Glen Sherba (Guitarra, 1980-1981) Richard Bryans (Bateria, 1980-1981)
É meio complicado falar dessa banda relativamente de curta carreira (infelizmente) mas que marcou o progressivo britânico com toda sua criatividade e instrumentação impecáveis durante os anos 70.
O Gryphon foi formado em 1973 por dois músicos multi instrumentistas (Richard Harvey e Brian Gulland), recém formados pela Royal Academy Of Music de Londres que se propunham a executar melodias em uma atmosfera baseada na música medieval, com influências renascentistas e barrocas mas executados de uma forma mais moderna, dando uma certa ênfase ao folk britânico da época.
Esse registro em particular, foi dividido em duas partes. A primeira*,consta uma apresentação feita na cidade de Boston no famoso King Biscuit Flower Hour em 11 de Dezembro de 1974. São apenas as três primeiras e belas faixas desse disco que ganham um certo destaque por suas lindas versões. Uma delas é a compacta versão de quase seis minutos da clássica Midnight Mushrumps, música esta que me fez apaixonar logo de cara pelo Gryphon. A segunda e bela faixa dá nome a esse raro bootleg.
A segunda parte** consta em uma apresentação da BBC feita em 1975 e contém apenas faixas do álbum Raindance que havia sido recém lançado nesse mesmo ano e segue uma linha mais diferenciada aos anteriores.
A qualidade não é impecável mas também não deixa a desejar em nenhum momento. Aos colecionadores é uma bela adição a qualquer acervo progressivo.
Infelizmente são poucas as pessoas que possuem certo conhecimento por essa excelente banda romana que foi pioneira para o estouro do progressivo italiano no fim dos anos 60.
Lançaram apenas esse registro intitulado por Uno que traz um som pra lá de obscuro mesclando um nervoso Hammond a pesadas guitarras conduzidas com maestria e demasiada técnica. O disco é um tanto pesado e conta com o forte e belo vocal de Angelo Giardinelli, líder da banda e visionário que almejava mudar o conceito do progressivo italiano da época fazendo com que seu som tentasse, de certa forma, se aproximar as raízes do funk americano dos anos 60. Sem sucesso...
Insisto em dizer, que esse registro é bastante interessante e que além de ótimas passagens de Hammond, possui também belos efeitos conduzidos por um potente sintetizador.
Assim como muitas bandas italianas independentes, o Panna Fredda participou de diversos festivais pela Itália e o selo Vedette decidiu então lançar este que seria seu único registro que não obteve sucesso de vendas fazendo com que a banda cessasse suas atividades no fim de 1971.
Trata-se de um registro com estilo único e diria que esse é mais um disco "lado B" vindo de terras italianas. Não sei se irá agradar a todos mas fica a dica de um disco meio diferente do habitual.
TRACKS:
1. La Paura 2. Un Re Senza Reame 3. Un Uomo 4. Scacco Al Re Lot 5. Il Vento, La Luna E Pulcini Blu 6. Waiting
Novo conjunto de carreira compilado pelo membro fundador do Guru Guru, Mani Neumeier, e colegas de banda. Totalmente remasterizado..jpg){kind=spacer}
