MUSICA&SOM

domingo, 2 de junho de 2024

CANTORES FRANCESES (Tahiti 80)

Tahiti 80

Tahiti 80 é uma banda francesa de indie pop de Rouen . O grupo foi fundado em 1992 por Xavier Boyer, Pedro Resende, Médéric Gontier e Sylvain Marchand.

História

O cantor e guitarrista Boyer e o baixista Resende formaram o combo pop ainda estudantes da Universidade de Rouen . Tomando o nome de uma camiseta de souvenir dada ao pai de Boyer em 1980, a dupla recrutou o guitarrista Mederic Gontier e, com a adição do baterista Sylvain Marchand, um ano depois, a formação estava completa. O quarteto lançou um EP autoproduzido e autofinanciado, "20 Minutes", que resultou na assinatura de um contrato com o selo francês Atmospheriques.

Em 1998, a banda voou para Nova York para gravar seu primeiro álbum Puzzle com Andy Chase . Apresentando contribuições de Eric Matthews e Adam Schlesinger , Puzzle foi mixado na Suécia por Tore Johansson . ^[1] A Puzzle recebeu a certificação de ouro da RIAJ em dezembro de 2000. ^[2] O selo americano do Tahiti 80, Minty Fresh , lançou um mini LP chamado Extra Pieces , que incluía lados B, remixes e outras raridades.

Em 2001, a banda se reuniu com Andy Chase para gravar um álbum seguinte mais experimental, Wallpaper for the Soul . As sessões aconteceram em Rouen , Nova Iorque , Étretat , Londres . e Portland, Oregon . O álbum foi mixado por Tony Lash e arranjado por Richard Anthony Hewson . Wallpaper for the Soul foi lançado em 2002 e recebeu críticas positivas.

Em seguida, Xavier Boyer selecionou músicas para uma compilação chamada "A Piece of Gold" em nome da banda. Apresentando Todd Rundgren , Small Faces e Donald Byrd , foi lançado apenas no Japão.

Para seu terceiro álbum, de 2003 a 2004, o Tahiti 80 passou vários meses em seu próprio estúdio de gravação, o Tahitilab. As músicas foram em sua maioria improvisadas e escritas em estúdio, e colaboraram com Neal Pogue e Serban Ghenea. A cantora britânica Linda Lewis também apareceu como artista convidada em "Your Love Shines". "Better Days Will Come" foi apresentado no primeiro episódio da quarta temporada de Smallville em setembro de 2004.

Em 2007, a banda se transferiu para o Barclay e em 2008, retornou ao Tahitilab para gravar Activity Center . Foi descrito pela crítica como um álbum de volta ao básico, com um som mais cru e um estilo de produção rock. A bateria foi posteriormente tocada por Julien Barbagallo com percussão de Raphael Leger.

Durante o inverno e início da primavera de 2010, o Tahiti 80 gravou seu quinto álbum, The Past, The Present & The Possible . ^[3] O álbum foi lançado no início de 2011. ^[4] Em 2012, Barbagallo deixou o Tahiti 80 para se juntar ao Tame Impala , com o multi-instrumentista Hadrien Grange do grupo pop parisiense Dorian Pimpernel substituindo-o. ^[5] Em 2014, Tahiti 80 lançou Ballroom , seu sexto álbum que foi coproduzido por Richard Swift . ^[5]

Banda

Xavier Boyer: vocais, guitarras, baixo, teclados, piano
Médéric Gontier: guitarra, voz, teclado
Sylvain Marchand: bateria, percussão, teclados, piano
Pedro Resende: baixo, programação, teclados, percussão, voz
Raphaël Léger: bateria, percussão, teclados, voz
Hadrien Grange: teclados, percussão, vocais (2012-presente)

Ex-membros

Julien Barbagallo: bateria, percussão, teclado, voz (2008-2012)

Discografia

Albums

1999 Puzzle
2002 Wallpaper for the Soul
2005 Fosbury
2008 Activity Center
2011 The Past, the Present & the Possible
2014 Ballroom
2018 The Sunshine Beat Vol. 1
2022 Here With You

Parecido com

Fotos

Faixas mais ouvidas

Classificação	Reproduzir	Favorita	Nome da faixa	Ouvintes
1	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Heartbeat	65 ouvintes
2	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Big Day	63
3	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Hurts	63
4	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Easy	47
5	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Lost In The Sound	44
6	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Crush!	43
7	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	1000 Times	28
8	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Open Book	18
9	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Crush	15
10	Reproduzir faixa	Marcar esta faixa como preferida	Yellow Butterfly	14

Álbuns

Puzzle
64.949 ouvintes
2000 · 12 faixas
Fosbury
53.483 ouvintes
1 Jan 2004 · 14 faixas
Wallpaper For The Soul
47.598 ouvintes
19 Set 2002 · 14 faixas

sábado, 1 de junho de 2024

Em 31 de Maio de 1982, o LP Sunnyboys “Individuals” estreou nas paradas australianas

Em 31 de Maio de 1982, o LP Sunnyboys “Individuals” estreou nas paradas australianas (31 de maio).

A icônica banda australiana gravou o seu segundo álbum "Individuals" no Mandrill Studios, na Nova Zelândia, com o produtor e o pub rock australiano Lobby Loyde, no meio da sua pesada agenda de turnês.

"Individuals" finalmente alcançou o #23, e o primeiro single do álbum "You Need a Friend" alcançou o #38.

Sunnyboys só recentemente parou de se apresentar ao vivo, depois de um ressurgimento tardio da carreira...

Neste dia, em 1976, os Runaways lançaram o single "Cherry Bomb" (1 de junho)

Suzi Quatro abriu o caminho, depois os Fugitivos entraram em cena...

Eles eram uma banda que foi montada porque não havia bandas jovens de sucesso só de mulheres na época que realmente tocavam todos os seus instrumentos.

E estes adolescentes podiam mesmo jogar.

Joan Jett e Lita Ford continuaram a forjar carreiras de sucesso como artistas solo respeitados, cimentando o fato de que The Runaways não era apenas um ato de novidade.

O legado deles na música continua vivo em todas as garotas que pegam guitarra, microfone, baixo ou baquetas e querem balançar forte e alto...

Desbravadores...

A canção foi exposta a uma nova geração em 2014, quando foi apresentada no filme "Guardians of the Galaxy" da Marvel Studios.

Acompanhada por Dave Grohl, Joan Jett cantou esta música no Rock and Roll Hall of Fame quando foi introduzida em 2015...

Neste dia, em 1974, o single "Rebel Rebel" de David Bowie estreou na Billboard Hot 100 dos EUA em #85 (1 de junho)

O primeiro single do álbum "Diamond Dogs" foi um estripador, e com ele, Bowie nos deu um dos riffs mais memoráveis do rock.

Originalmente planejado no final de 1973 como parte de um musical abortado do Ziggy Stardust, foi o seu primeiro sucesso desde 1969 a não contar com o lendário guitarrista Mick Ronson, com Bowie tocando guitarra ele mesmo nesta e quase todas as outras faixas de "Diamond Dogs".

“Rebel Rebel” foi para #2 na Irlanda, #5 no Reino Unido, #6 na Bélgica, #7 na Finlândia, #8 na Holanda, #9 na Noruega, #12 na França, #19 na Nova Zelândia, #28 na Austrália, #30 no Canadá, #33 na Alemanha e um baixo #64 nos EUA.

Panda Bear – Buoys (2019)

Noah Lennox é um caso curioso. Nos dias que correm, o músico de Baltimore parece interessado em despir as roupagens que fizeram com que se pudesse afirmar no mundo, não apenas a solo como também a bordo do projeto Animal Collective. Less is more é a ideia que agora parece estar no centro dos seus meandros criativos. E nós, um pouco descrentes em cenários de justaposições de sons, ritmos e outros ingredientes afins por vezes a tender para a inocuidade, batemos palmas e sorrimos ao constatarmos que a criatividade pode trilhar outros caminhos. Por isso saudamos Buoys. Saudamos a vitória da simplicidade, do bom gosto, das melodias que conseguem colar-se aos ouvidos com enorme facilidade, de tão bonitas e apelativas. Talvez seja do sol de Lisboa e dos ares do Tejo. Sim, porque Buoys é um disco feito da luz do início do dia e de alguns salpicos de água.

Buoys tem um início fortíssimo. As cinco primeiras faixas são de enorme beleza, delicadeza, emotivas como poucas no já interessante legado de Panda Bear. Os efeitos de água que vão pontuando “Dolphin” (gotas que marcam uma cadência que não nos sai do ouvido com facilidade e que vão ajudando a conferir ao título a credibilidade pretendida) conseguem produzir uma certa dolência em que sabe bem permanecer. E porque o que é aquoso tende a fluir, entramos nas canções seguintes (pois desta vez, mais do que em qualquer outra ocasião, é de canções que falamos) em perfeita harmonia com as anteriores, sem súbitas alterações e sem ruturas. Parecem ter sido feitas para permanecerem ligadas umas à outras. São quase um único organismo, e as “pinceladas de modernidade” a que Noah Lennox há muito nos habituou, são aqui bastante esbatidas (pequenas porções aquosas, como dissemos, mas também cirúrgicos raios laser, por exemplo), dando-se, assim, mais espaço às melodias simples, não se sentindo o incómodo que as camadas de som empilhadas umas nas outras muitas vezes provocam, privilegiando-se agora sons de guitarras acústicas (mesmo que, eventualmente, computadorizados) e a voz sempre muito presente de Lennox. Buoys tem uma luminosidade muito própria, primordial, idêntica ao fulgor crescente do nascer do dia.

Se as novidades são algumas (a chilena Dj Lizz e o português Dino D’ Santiago participam no álbum), as manipulações da voz têm igualmente lugar nesse processo de renovação. Estão, as vozes, mais in your face do que alguma vez estiveram, tendo em conta a discografia do músico. Por isso não há como não nos maravilharmos com “Cranked”, “Token”, “I Know I Don’t Know” ou “Master”, por exemplo. São perfeitos exemplares de simplicidade melódica e rítmica. São virais, e por isso mesmo também bastante contagiantes.

Buoys é, como se perceberá logo numa primeira e menos atenta audição, um autêntico striptease. Noah Lennox decidiu ver-se livre dos seus estratagemas antigos, das roupagens sobrepostas, das generosas fatias de sons que inundavam os seus trabalhos anteriores. Uma vez experimentada esta nova direção no rumo que pretendeu dar à sua obra discográfica, não valerá a pena apostar no que poderá vir a fazer num futuro próximo. Lennox não gosta de se repetir, como ele próprio já confessou inúmeras vezes, mas o interessante é também perceber que a identidade sonora a que nos foi habituando ao longo dos anos, ainda se mantém completamente percetível. E assim, por tudo isto, Buoys é um dos mais refrescantes discos deste início de 2019.

Sharon Van Etten – Remind Me Tomorrow (2019)

Entre o último disco e o novo, Sharon Van Etten fez uma data de coisas: foi actriz, voltou à faculdade, cantou nos discos de vários amigos e foi mãe pela primeira vez. No regresso às suas próprias canções, mudou a forma mas manteve o conteúdo. Canta as mesmas dores de amor, mas agora em ambientes electrónicos bem mais escuros.

Quando estreou o primeiro single, “Comeback Kid”, e anunciou que o novo disco seria mais electrónico, pensámos que o álbum ia ser apontado à pista de dança. E esse single até se presta a isso, mas além dessa só há mais uma ou outra canção que remete para esse ambiente.

Afinal, embora tenha mudado, não mudou assim tanto. Sharon Van Etten continua a ser a cantautora que conhecemos desde 2009, quando se estreou com Because I Was In Love. Continua a cantar as suas dores de amor – agora mais dores de crescimento – continua a vasculhar as mesmas gavetas interiores de onde sempre vieram as suas canções. Continua a parecer frágil com voz forte. Mudou apenas o embrulho das canções. Na raiz, continuam a ser relatos íntimos, sussurrados ao ouvido, que sobreviveriam bem apenas com viola ou piano.

Mas agora, a meio dia trintas, com um filho nos braços e com outros quatro discos na bagagem, não quis repetir as receitas do passado. Mas também não deu uma volta de 180 graus.

Desde Are We There (2014), Sharon não esteve parada. Voltou à Universidade para estudar Psicologia; foi à televisão, como actriz na série The OA e como intérprete em Twin Peaks; compôs uma banda sonora e cantou em discos de amigos, como os Spoon, Lee Ranaldo ou Marissa Nadler. E, no final de 2017, foi mãe pela primeira vez.

Várias mudanças a acontecer na vida da autora, que quis continuar a pisar novos territórios quando foi altura de fazer um novo álbum de originais.

Embora alguns dos novos elementos deste novo disco já estivessem presentes no anterior – de forma mais ligeira – em Remind Me Tomorrow quis mergulhar a fundo em novos ambientes. As canções de sempre e o tom confessional estão agora assentes numa cama electrónica de sintetizadores graves que criam uma atmosfera bem mais negra, nocturna, assombrada.

Quando se falou em electrónica, ao início, podia pensar-se em acelerar as batidas-por-minuto mas, excepção a duas ou três músicas, o ritmo mantém-se em lume brando. Está só mais intenso. E muito por culpa de John Congleton, produtor escolhido para ajudar a criar este universo, onde as canções deixam de ser frágeis e ganham uma robustez maior do que nos quatro álbuns anteriores de Sharon Van Etten.

Remind Me Tomorrow é um disco bastante nocturno. “Comeback Kid” e “Seventeen” (que pede um dueto com Bruce Springsteen), podem ser bem ouvidas debaixo da bola de espelhos, mas as restantes oito músicas soam melhor se forem ouvidas à noite, sim, mas sozinho no quarto, enquanto Sharon remexe as entranhas dos lugares mais abandonados dentro de nós próprios, onde raramente queremos ir. Mas depois aquela voz quente torna-se boa companhia e fica menos doloroso esse exercício.

Remind Me Tomorrow não é, certamente, o melhor álbum de Sharon Van Etten mas é um disco bastante sólido, com algumas canções exímias e que revela a coragem de mudar. Saudemos isso.

Jessica Pratt – Quiet Signs (2019)

No seu terceiro registo de longa duração, a americaníssima Jessica Pratt aproveita para ajeitar a coroa que permanece assente na sua cabeleira loira que a define como rainha inquestionável de um universo sonoro que só pode ser encontrado dentro dos seus discos.

Sim, são todas iguais. Mais coisa, menos coisa. Mas as nove canções que compõe o terceiro álbum da californiana Jessica Pratt não servem para serem tocadas a sós, mas sim como gotas de água que enchem o copo de um folk líquido e fantasmagórico que só lhe pretence a si. Habitualmente curto – Quiet Signs, lançado a 8 de fevereiro através da costumeira Drag City – não chega sequer à meta da meia-hora, mas ao longo dos vinte e sete minutos que o fazem, Jessica Pratt faz questão de sublinhar que é dona de um mundo só seu para o qual nos convida calorosamente a entrar.

Não há mal nenhum em Quiet Signs ser todo praticamente a mesma cantiga morosa que rasteja sem grandes pressas do início ao fim do disco: talvez seja mais evidente aqui do que em esforços do passado, como o homónimo de estreia Jessica Pratt, de 2012, ou On Your Own Love Again – sem dúvida o seu pico artístico – de 2015. O problema dissolve-se na aparente intenção de nos transportar para uma atmosfera lânguida e morna, como quando nos perdemos a namorar com as órbitas uma lareira que crepita na sala de estar. Não importa distinguir canções quando estas se abatem umas como gotas de água que formam um rio que segue o seu caminho com calma de desaguar no mar. Desde a sua nascente que Pratt nos dá pistas que será uma viagem sem grandes desvios: afinal de contas, as notas do piano de “Opening Night” não tardam a converter-se nas cordas da guitarra de “As The World Turns”, na qual somos postos imediatamente diante do domínio absoluto da voz de Pratt, inquestionavelmente um dos seus maiores trunfos – aveludada e alienígena, soa a um estranho instrumento de sopro que se perdeu nos manuscritos de uma idade média de livro. Em “Fare Thee Well”, novo capítulo, nova personagem: além do gentil toque do orgão (tocado pela própria) que sussurra ao de fundo, a despedida é feita pelo cano de uma flauta transversal que nos relembra momentaneamente mais Pernambuco do que Califórnia. Mas não nos iludamos: Quiet Signs é decididamente americano, um americanismo bucólico paralisado na natureza morta das palavras de Whitman e, agora, recuperado pelo timbre anasalado de Pratt, que deixa deslizar dos lábios deixas de vaga contemplação poética como “he’s the lovelorn colors of / somewhat halpless in his touch / he’s the undiscovered night, a parting line”, recuperadas do refrão do single “Poly Blue”. O destaque deve também incidir sobre momentos como o dedilhado quimérico de “Crossing”, ou a meiguice melódica de “Aeroplane”, na qual nos despedimos da voz élfica de Pratt durante sabe deus quanto mais tempo.

E assim nos deixa Jessica Pratt: furtiva, surge do meio de nenhures com mais um disco que só podia ter sido feito por ela, sem dar grandes sinais de quando voltará a surgir dos arbustos: resta-nos ficar à coca, de binóculos na mão, à espera de mais uma visão do bicho raro. Porque Jessica Pratt é-o, e por isso é que se pode dar ao luxo de fazer um disco que alguém de ouvidos mais irrequietos vá acusar como “uma grande seca” ou “todo igual”: o todo igual de Pratt não é igual a mais nenhum disco que tenha o que vá ser lançado este ano ou nos próximos, por isso, há que apreciá-lo. É graças à voz de Pratt, uma daquelas vozes que brotam da garganta de alguém quase como por acidente de mil em mil anos (“um anjo que foi expulso do Céu por ter sido apanhado a fumar cigarros”, descreveram-me uma vez, e a frase continha tanta beleza e genialidade que nem me atrevo a tirar-lhe as aspas que a acusam imediatamente como de outro), à sua estranha forma de jogar o jogo da língua inglesa e ao talento de produção de Al Carson, que consegue fazer com que os discos contenham dentro de si o ar parado de uma sala de estar, que é um tesouro. Por isso, há que saber olhar pela janela e gostar da vista, porque, mesmo que os campos verdejantes e as vacas a pastar nunca mudem grande coisa, amanhã cedinho chegamos à cidade e não há nada assim por esses lados.

The Beach Boys – 20/20 (1969)

Em 1969 os Beach Boys precisavam de dar uma resposta à crítica, após sucessivos fracassos. A solução passou por lançar 20/20, um projeto que procurou reencontrar sonoridades do passado, de modo a recentrar a banda californiana na rota da popularidade.

Lançado no dia 10 de fevereiro de 1969, o LP 20/20 da banda californiana Beach Boys, surgiu como uma resposta da banda ao descontentamento que o lançamento de Friends, um ano antes, havia gerado no seio da crítica.

O tempo passou, porém, e, eventualmente, acabou por ser justo em relação ao álbum que o grupo lançou em 1968. Hoje, todos reconhecem valor ao projeto Friends. Será, talvez, um dos trabalhos mais calmos e atmosféricos dos Beach Boys. Nele, podemos encontrar, com uma maior frequência e regularidade, as melodias e os processos instrumentais, quentes, veranis e sensíveis, que todos associam à banda em cheque.

No entanto, no final da década de 60, a banda dos irmãos Wilson estava, de certo modo, debaixo de fogo. Os «rankings» não lhes eram, de todo, favoráveis. Era necessário remar contra a maré; era necessária uma resposta eficaz, que fosse facilmente aceite pela crítica.

Logo após Friends, os Beach Boys, sob a forma de single, lançam “Do It Again” (a mesma canção que iniciará o álbum 20/20). O objetivo era simples: a banda sabia que para ser, de novo, «bem recebida» teria de voltar às frequências que, no início da sua existência, lhe deram tanto reconhecimento e atenção. Era, pois, necessário criar algo que juntasse, numa só canção, o verão, o sol, o calor, as ondas, as praias, as raparigas, no fundo… a Califórnia.

Desde 1964, aquando do lançamento de Summer Days (And Summer Nights), que os Beach Boys não se referiam, nas suas produções, a temas desta família lexical. O que é facto é que a jogada resultou: «Do It Again» recolocou a banda nos topos das tabelas.

Facilmente conseguimos perceber que 20/20, mais do que um trabalho musical e artístico, é – foi, aliás – uma forma que a banda da costa oeste dos Estados Unidos arranjou para subir no ranking da popularidade. O disco em análise não é mais do que um conjunto de canções que a companhia discográfica (a Capitol Records) achou por bem agregar de modo a reunir, de novo, a atenção da crítica. Também nos dias de hoje, conseguimos reunir a sensibilidade suficiente para compreender que, nesta fase da vida da banda, era desonesto pedir-lhe um trabalho original, pensado, idealizado e construído de raiz, até porque, durante o processo de gravação do mesmo, Brian Wilson (o génio Brian Wilson) esteve muitas vezes indisponível devido a questões médicas. Mas nem por isso deixa de ser um bom trabalho, produzido por uma das mais importantes bandas da história da música pop.

Agora que dissecamos o «background» do álbum, vale a pena desconstruí-lo, faixa a faixa.

A primeira canção é, então, a já referida «Do It Again». Elétrica, contagiante, assim a podemos descrever. Cumpre o seu propósito principal, pois faz jus ao portefólio inicial da banda. Duvido que haja um ouvinte que, ao ouvir a canção, não idealize um dia de calor num verão eterno, que dá vida às raparigas bonitas, cujas curvas são reflexo da guitarra elétrica que recorta os dois minutos e vinte segundos que constroem a faixa.

«I Can Hear Music» é a canção que se segue. É uma balada de amor adolescente, revestida por uma lírica explícita, que revela que o autor «ouve música» de tão forte que é o amor que o mesmo sente pela sua amante. Já todos tivemos nessa situação. Musicalmente em si, cumpre referir o coro e as harmonias vocais que sustentam a mesma canção. Para além do mais, vê-se ainda necessário referir que se trata de uma criação da banda The Ronettes; foi ideia de Carl Wilson interpretar a canção.

«Blue Birds Over The Mountain» é a faixa número três do álbum. Não é, porém, também um original da banda, visto ser da autoria de Ersel Hickey. A mesma situação se passará a com a faixa número 8: «Time To Get Alone», que, quando surge, não havia sido pensada para ser interpretada pelos Beach Boys, mas sim pelo grupo Redwood – depois Three Dog Night – (que por volta de 1967 ia contando com a ajuda de Brian Wilson).

Cumpre referir os trombones em «Be With Me». A profundidade, e consequente sentimento, da canção deve-se, em muito, à utilização não só do instrumento referido, como também de outros instrumentos de sopro.

Seguem-se as faixas «All I Want To Do» e «The Nearest Faraway Place». A primeira pode ser entendida como um regresso a um rock n’roll do passado; as guitarras e a bateria dominam esta faixa. Já a segunda deve ser vista como um «interlúdio», que é alicerçado por notas de piano, leves e sensíveis. Da mesma forma que, em Pet Sounds (1966), associamos a «Let’s Go Away For Awhile» a uma atmosfera idílica e livre, também podemos fazer o mesmo com «The Nearest Faraway Place», que acaba por constituir um dos momentos mais bonitos (e, talvez, mais originais) do projeto. Importante será referir que se trata de uma criação de Bruce Johnston, ajudado, na parte dos arranjos de cordas, por Van McCoy.

A faixa número oito surge após Brian Wilson ter «seguido», mais uma vez, uma sugestão de Al Jardine – que, sensivelmente três anos antes, havia sido fundamental para o surgimento de “Sloop John B”. Assim, Brian, numa das suas ofertas ao projeto, decide produzir uma versão «sua» de «Cotton Fields», originalmente da autoria de Huddie Ledbetter.

Ao chegar à análise da décima faixa, convém relembrar a proximidade que Charles Manson manteve no final da década de 60 com os Beach Boys, por influência de Dennis Wilson. Charles Manson foi o fundador e o líder de um grupo de culto que no final dos anos sessenta cometeu vários assassinatos, sendo o mais «conhecido» o que vitimou a atriz Sharon Tate, então mulher de Roman Polanski.

Dennis e Charles, ainda que por um breve período, travaram uma amizade em muito inspirada pela criação musical. Os dois chegaram a escrever juntos e a criar e a compor juntos. Desse trabalho «conjunto» surge a música «Cease To Exit», assinada por Charles Manson. Dennis, baseado na criação de Charles, alterou o título da canção para «Never Learn Not To Love», para depois incluí-la na posição número 10 de 20/20. Contudo, a sua relação de amizade com Charles Manson havia chegado ao fim nesse momento, sendo agora pública a «ira» de Manson por não ter sido devidamente creditado pelos Beach Boys.

As duas últimas produções do LP são conhecidas já de tempos passados. Tanto «Our Prayer» como «Cabinessence» figuram no álbum inacabado que a banda, mais uma vez sob o cunho pessoal de Brian Wilson, planeara lançar em 1967. Mas comentamos as tragédias noutra altura. Hoje, sabe-se que Brian Wilson, por ainda estar, talvez, ressentido com o falhanço de Smile, recusou a integração dos dois temas referidos em 20/20.

Em 31/05/1974: UFO lança o álbum Phenomenon

Phenomenon é o terceiro álbum de estúdio da banda de rock inglesa UFO, lançado em maio de 1974. Foi o primeiro álbum da banda com a participação do guitarrista Michael Schenker, que substituiu Mick Bolton. Phenomenon, foi a estreia do UFO pela grande gravadora Chrysalis Records e o primeiro a ser lançado nos EUA. Com a chegada do ex-guitarrista do Scorpions, Michael Schenker, o Phenomenon viu o UFO deixar para trás o som de space rock baseado em blues e fazer a transição para um som de hard rock mais direto.

Foi produzido pelo baixista Leo Lyons, do grupo de rock inglês Ten Years After. Todas as faixas foram gravadas no Morgan Studios em Londres. O design original da capa e as fotos foram da Hipgnosis.

A banda britânica de heavy metal Iron Maiden lançou uma versão cover de "Doctor Doctor" como lado b do single " Lord of the Flies " em 1995. Eles também a incluíram em sua coleção de box set Eddie's Archive de 2002.

Lista de faixas:

Todas as faixas foram escritas por

Michael Schenker e Phil Mogg.

Lado um:

1. "Too Young to Know": 3:10

2. "Crystal Light": 3:47

3. "Doctor Doctor": 4:10

4. "Space Child": 4:01

5. "Rock Bottom": 6:32

Lado dois:

6. "Oh My": 2:28

7. "Time on My Hands": 4:10

8. "Built for Comfort": 3:01

9. "Lipstick Traces" (instrumental): 2:20

10. "Queen of the Deep": 5:49

Faixas bônus de relançamento do CD de 2007:

11. "Sixteen" (demo): 3:48

12. "Oh My" (demo): 4:12

13. "Give Her the Gun" (single A-side): 3:58

14. "Sweet Little Thing"

(B-side "Give Her the Gun"): 3:51

15. "Sixteen" (previously unreleased): 3:55

16. "Doctor Doctor" (live 6 June 1974): 4:24

Pessoal UFO:

Phil Mogg – vocais

Andy Parker – bateria

Pete Way – baixo

Michael Schenker – guitarra

Pessoal adicional

Bernie Marsden – guitarra nas faixas 11 e 12

Em 01/06/1978: Blue Öyster Cult grava o álbum Some Enchanted Evening

Some Enchanted Evening é o segundo álbum ao vivo da banda americana de hard rock Blue Öyster Cult, lançado em setembro de 1978. É o álbum mais vendido do Blue Öyster Cult, tendo vendido dois milhões de cópias, incluindo mais de um milhão nos Estados Unidos. As sete faixas do álbum foram gravadas em vários locais nos Estados Unidos e na Inglaterra.

O álbum foi relançado em CD no início de 2007 pela Legacy Recordings e incluiu sete faixas bônus inéditas gravadas em vários locais dos EUA, juntamente com um DVD intitulado Some OTHEREnchanted Evening, que apresentava uma performance inédita gravada em vídeo no

Capital Center. em Largo, Maryland, em 14 de julho de 1978.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "R.U. Ready 2 Rock" : 5:29

2. "E.T.I. (Extra Terrestrial Intelligence)" : 5:04

3. "Astronomy" : 8:18

Lado dois:

4. "Kick Out the Jams" (MC5 cover) : 3:03

5. "Godzilla" : 4:10

6. "(Don't Fear) The Reaper" : 5:51

7. "We Gotta Get Out of This Place"

(The Animals cover) : 4:09.

Faixas bônus do relançamento do CD de 2007:

8. "ME 262" : 3:24

9. "Harvester of Eyes" : 4:35

10. "Hot Rails to Hell" : 5:01

11. "This Ain't the Summer of Love" : 2:48

12. "5 Guitars" : 8:34

13. "Born to Be Wild" (Steppenwolf cover) : 6:30

14. "We Gotta Get Out of This Place"

(alternate version): 4:36

Comprimento total: 71:32.

Pessoal Blue Öyster Cult:

Eric Bloom – vocais principais nas faixas 1-5, 7-9, 11, 13-14, stun guitar, teclados

Donald "Buck Dharma" Roeser – guitarra, vocais nas faixas 6

Allen Lanier – teclados, guitarra, mixagem

Joe Bouchard – baixo, vocais na faixa 10

Albert Bouchard – bateria, guitarra, backing vocals.