Brent Amaker And The Rodeo - Discografia

Brent Amaker And The Rodeo (2007)

01 - You're No Good

02 - I've Got a Little Hillbilly in Me

03 - Sissy New Age Cowboy

04 - Reno

05 - Bring Me the Whiskey

06 - I Guess You Wanna Die

07 - Cold Front

08 - Get the Hell Out

09 - You Call Me the Devil

10 - Babe

Download

Senha: dixie

Howdy Do! (2008)

01 - Welcome to the Rodeo

02 - I'm the Man Who Writes the Country Hits

03 - They Make Cowboys in Montana

04 - When Love Gets to a Man

05 - Howdy Do

06 - Walkin' in My Sleep

07 - Girls Are Good

08 - You Ain't Savin' Me

09 - Tell a Friend the Truth

10 - My Cheatin' Wife

11 - Knock You Out

12 - This is the Gun

13 - Outro

Download

Senha: dixie

Please Stand By (2010)

01 - Johnny's Theme

02 - Man In Charge

03 - Break My Broken Heart

04 - Saddle Up

05 - U.S.A

06 - Garden Of Love

07 - Hammer Hits The Nail

08 - Talk Talk Talk Talk Talk

09 - Good To Be On Top Of The World

10 - Blood Dripping Blood

11 - Doomed

12 - Outro

Download

Senha: dixie

DISCOS QUE DEVE OUVIR - Breathless - Breathless 1985 (Belgium, Heavy Metal)

 

Breathless - Breathless 1985 (Belgium, Heavy Metal) Исполнитель: Breathless Откуда: Belgium Альбом: Breathless Год выхода: 1985 Жанр: Heavy Metal Длительность: 34:04 Формат: MP3 CBR 320 (Vinyl Rip) Размер архива: 81 МБ (с 3% на восстановление) Одноальбомники из Генка. Tracks: Songs written by Breathless. 01. Nobody's Perfect - 6:12 02. Hell's Fever - 3:50 03. Lost Tales Of Reality - 4:04 04. Bring Me Back Home - 3:29 05. Breathless - 3:30 06. The Night Crusader - 4:19 07. Devil's Seed On Her Body - 4:41 08. On The Wings Of The Dragon - 3:12 09. Reno - 0:47 Personnel: - Pascal "Geddy" Remans - vocals - Ragos "Lacky" Apostolos - guitar - Dirk "Speedy" Norek - guitar - Stanis Czyczyck - bass - Antonio "Animal" Tredici - drums + - Pino Guarraci, Breathless - producers MUSICA&SOM

Baba Scholae "69" (1969/2012)

As ideias medianas sobre o progresso do final dos anos 60 limitam-se geralmente a pontos comuns. Uma profusão de imaginação, um toque comovente de ingenuidade com cálculos composicionais incríveis, um avanço sonoro em áreas até então desconhecidas... Os fundadores são os britânicos. Grandes - eles são. Lendas - ... (a resposta é óbvia). E se você olhar para o outro lado do Canal da Mancha, para seus vizinhos? Algo interessante estava acontecendo lá também. Mas poucos suspeitavam do que estava acontecendo.

1967 год, Париж. Двадцатилетний студент колледжа изящных искусств Жан-Ив Лаба де Росси (помните зеленовласого синтезиста Мистера Фрога с дебютной пластинки Todd Rundgren's Utopia? Вот это он и есть!) формирует ансамбль Baba Scholae. Четкая стратегия у новичков отсутствует. Главное, чтобы было интересно. Слухи о подпольных репетициях загадочных парней с левого берега Сены циркулируют в молодежной среде. Baba Scholae попадают в поле зрения свежеиспеченных охотников за талантами. Далее – концерты в лондонском клубе Marquee (предел мечтаний!), знакомство с маститым продюсером Томми Уэбером и – совершенно кошмарное ЧП перед серьезным выступлением. Из арендованного французами автомобиля крадут все инструменты. Правда, сердобольные коллеги по сцене делятся с ними последним, но положения сие не спасает: после блестящего live-сета Traffic художественные потуги Baba Scholae (арсенальные средства-то не родные!) воспринимаются блекло. Ситуация критическая, у ряда лиц не выдерживают нервы. Группа распадается, однако по прошествии времени неугомонный маэстро Лаба реанимирует детище в новом составе (при участии профессиональных сейшнменов из Ливерпуля и Лондона). Следует запись лонгплея на студии IBC Sound Recording, мастер-ленты уже на руках довольных членов проекта... И вновь невезение: не хватает финансов для изготовления тиража. В итоге безымянная программа всплывет лишь через сорок лет, чтобы потомки сумели оценить по достоинству экстравагантную разносторонность Baba Scholae.

Quinze faixas com duração total de 47 minutos, som polido e arquitetura em mosaico de conteúdo. Os artistas são convincentes em todas as formas, seja nas letras melódicas (“1984 – Melancolia Street”), na fusão medieval (“Half Day”), no blues abstrato de vanguarda (“Will Meant Ciment”) ou no folk pop melodioso (“Julius” ). A falta de perspectiva conceitual e estilística é, sem dúvida, vantajosa para nossos heróis. Onde mais eles poderiam tecer um nó criativo uma vinheta pastoral (“La chasse au serpent a la flûte”), ritmo de rock acordeal (“Go Down Sunset”), psicodelia “ácida” (“Telegram”), pandeiro com voz rouca e forte? (“Song My (My Lai)”), beat stew (“Keep It “Rythmique”) e pastelão teatral (“Just Like George” – referência fundamental para as brincadeiras da brilhante banda Taal )? -experimentos barrocos ("Ela é uma índia em menor"), piruetas proto-progressivas quase jazzísticas ("Song for a New Connection") e estranhezas cósmicas de natureza chocante ("L'œil du maître")... Iguarias ? Sem dúvida. Mesmo que sejam enlatados, mas ainda assim seu sabor ácido é capaz de saciar a fome espiritual dos verdadeiros conhecedores do gênero.

Resumindo: um incrível artefato sonoro, perdido no espelho de décadas e ainda assim revelado em seu próprio esplendor ao ouvinte do século XXI. Eu não recomendo ignorá-lo.

MUSICA&SOM

Lars Danielsson "Liberetto II" (2014)

 

“Liberetto é uma invenção minha. Na ópera existe o termo “libretto”. Mas resolvi acrescentar outro “e” - para uma analogia clara com o disco “Libera me”. nomes dos álbuns e uma referência indireta é delineada a um glossário musical clássico" ( Lars Danielsson ).

O disco "Liberetto", lançado em 2012, foi considerado bem concluído. É pouco provável que o compositor, extremamente ocupado com projetos, pensasse então numa continuação. No entanto, as estrelas estavam dispostas a dar uma segunda vida à aliança criativa de sucesso. Rostos já conhecidos foram reunidos sucessivamente nos estúdios da Suécia e da Noruega: o nobre contrabaixista Lars, o pianista Tigran Hamasyan , o guitarrista John Parricelli e o baterista Magnus Öström . O principal conselho de Danielsson aos colegas: não pensem no que estão jogando. Estilos que se danem! O principal é começar a trabalhar com o coração aberto, calor emocional e sem travamento instrumental. Porque música sem alma não é nada. O senso coletivo de beleza acabou se tornando a base sobre a qual cresceu um edifício sonoro harmonioso, com muitos detalhes arquitetônicos elegantes e achados ornamentais genuínos.

...A melodia do número de câmara "Grace" cai como uma gota de piano. A magia é adicionada por passagens acústicas do famoso guitarrista Dominic Miller e partes tonificantes de trompete de Matthias Eick . Leveza de som + melancolia de design = fala calma, sincera, sem palavras. A participação nele é um tipo especial de felicidade. Porém, o mesmo pode ser dito do esboço ritmicamente consistente "Passacaglia", onde o código neoclássico é lido com clareza. Reflexiva, como um passeio de outono, a peça “Miniatura” é iluminada pelos chamados aveludados do violoncelo. O lirismo sentimental característico do feiticeiro nórdico Lars pode ser discernido tanto no ritmo bastante rápido do estudo “Africa” quanto na arte sutil da faixa “I Tima”, cuja profundidade estética não é perturbada nem mesmo pelo timbre agudo do instrumentos de vento. O diálogo jazzístico comedido entre trompete e baixo é a essência da construção de “II Blå” - uma obra que não é puramente tradicional nem inteiramente original. O tríptico convencional termina com a fase “III Violeta” – uma variação do tema da esperança iluminada (ou, dito de outra forma, do sonho). O humor da obra absolutamente sem graça "Canção Sueca" concentra-se no fundo: o autor, neste caso, é um homem de sangue sulista, o armênio Tigran. A orientação escandinava da tela é reduzida ao mínimo. E o sabor exótico é proporcionado pelos solos de guitarra de Parricelli, imitando a melodia selvagem de uma zurna. O langor oriental emana da passagem descontraída de “Eilat”, imbuída da voz e percussão de Zohar Fresco , amigo de longa data do mentor. A fantasia conjunta de Danielsson e Hamasyan sob o signo sonhador “Vista da Macieira” é repleta de charme impressionista. A busca persistente pela verdade na névoa instável do amanhecer é expressa através do estilo narrativo cambaleante de “A Verdade”. A viagem pelos limites da mente é coroada pela mística pastoral "Beautiful Darkness" com a vocalização reverente de Cecilia Norby , fiel companheira de vida de Lars.

Resumindo: um caleidoscópio sonoro único que combina paixão com profundidade filosófica, ilusória com a veracidade de um gesto e a leveza do espírito com o peso da carne. Eu não recomendo ignorá-lo.

MUSICA&SOM

Noëtra "Definitivement bleus..." (1978-1982, 2000)

 

Os lançamentos de arquivo têm seu próprio charme. Um material que tem potencial sólido no início geralmente se torna “mais saboroso” e mais fino com o passar dos anos. O legado do projeto francês Noëtra é justamente o caso em que o fator tempo ajuda o ouvinte a amadurecer para uma percepção plena das experiências não triviais do autor. A desconfiança do guitarrista/compositor Jean Lapouge , aliada às críticas reservadas de seus colegas, não lhe permitiu desenvolver-se ao máximo no final da década de 1970. Embora os pré-requisitos estivessem presentes. A originalidade das ideias de Lapuja foi muito apreciada pelo vocalista do cult ensemble Magma, Klaus Blaskwitz . E o chefe da ECM Records, Manfred Eicher, estava muito interessado no lado experimental das atividades de Noëtra . No entanto, os próximos anos oitenta enterraram as esperanças de Jean quanto à publicação oficial de suas próprias obras. O habitat habitual estava desmoronando diante de nossos olhos. A música intelectual mergulhou na clandestinidade e não houve menção de um renascimento no futuro próximo. A equipe se dispersou lentamente. Quanto ao mentor, ele estava constantemente vagando de uma ilha de arte para outra, no fundo de sua alma acalentando a esperança de reviver sua amada ideia. O primeiro passo no caminho da reencarnação foi a coletânea "Neuf Songes", lançada em junho de 1992. Nos oito anos seguintes, Lapouge se envolveu ativamente em uma carreira solo. Turnês intermináveis ​​exigiam um enorme gasto de energia e não conseguíamos fazer mais nada. E só no alvorecer do Milénio, movido por um forte sentimento de nostalgia, o mestre decidiu: tinha chegado a hora da restauração. Foi então que os filmes, esquecidos por todos, surgiram dos esconderijos de Chronos...

A seleção "Définitivement bleus..." é intransigente. Não há flerte com o público, nem apelo a modelos pop superficiais. Todas as doze faixas do programa estão seladas com o selo da consideração. Veja o número de abertura "Mésopotamie", por exemplo. A trajetória do jazz de câmara é ricamente colorida com trompas, e a seção rítmica não enfraquece sua posição nem por um segundo. Além disso, a própria guitarra de Lapouge, juntamente com outros instrumentos, fornece polifonia em perspectiva e não está de forma alguma ansiosa para assumir a liderança. Os ensaios são caracterizados pelo destaque estilístico. Os acentos em alguns lugares soam distintos (por exemplo, “Qui est-il qui parle ainsi?” - uma clara homenagem a Igor Stravinsky ), e em outros eles são francamente de natureza limítrofe (por exemplo, a síntese do rock fusion/prog e o esteticismo de câmara na estrutura de “Agréments parfaitement” bleus (III)" é extremamente harmonioso; não há aqui nenhum vestígio de confronto de gênero conflitante). Certas coisas indicam indiretamente as preferências de Monsieur Jean, sua paixão pelos cálculos construtivos da Orquestra Mahavishnu ("Alpha du Centaure", "Venise") ou excursões de jazz-rock no espírito dos grupos escandinavos de meados dos anos setenta ("Tintamarre "). Mas as peças finais (“Ephémère”, “Forfanterie”, “Printemps noir (final)”), datadas de 1981-1982, demonstram a notável evolução composicional do maestro, a aquisição de maturidade profissional, aliada à individualidade da sua caligrafia. Esta aplicação excepcionalmente poderosa para o futuro, infelizmente, não encontrou aplicação adequada. No entanto, devemos agradecer a Lapouge por esse tipo de avanço. Pois tais feitos criativos constituem a essência do progresso.

Resumindo: um magnífico panorama artístico, pensado para os fãs do jazz de câmara, do rock de vanguarda, etc. Altamente recomendado.

MUSICA&SOM

Jean-Luc Ponty "Enigmatic Ocean" (1977)

 

Na extensa lista mundial de fusão, o LP Enigmatic Ocean é uma vaca sagrada tanto quanto os clássicos do rock progressivo "Close to the Edge", "Thick as a Brick" e "Selling England by the Pound". A comparação é bastante arbitrária, mas creio que a essência é clara. No entanto, seria melhor começar a história com generalidades. Por exemplo, pelos sinais característicos dos tempos. Para Jean-Luc Ponty, meados da década de 1970, aparentemente, serviu como uma época de realização de esperanças. O contrato americano prometia oportunidades fabulosas para o maestro francês. E não perdeu a oportunidade de aproveitar os benefícios proporcionados. "Upon the Wings of Music" (1975), "Aurora" (1976), "Imaginary Voyage" (1977) foram criados quase de uma só vez. Ponty, sem diminuir o ritmo, produziu discos magníficos. E a cada novo programa ele aumentava sua audiência. Pois a tecnologia sofisticada não interferia no voo melódico do pensamento. As partes instrumentais transcendentais foram desenhadas de forma lúdica, com entusiasmo dândi e, o mais importante, foram distinguidas pelo espírito de aventureirismo. Sendo um estrategista experiente, Jean-Luc não fez diferença entre o solista e o grupo que o acompanhava. Afinal, o resultado consistiu em muitos fatores. Por isso, o virtuoso violinista abordou a formação do conjunto com especial cuidado. E o disco “Enigmatic Ocean” confirmou mais uma vez o acerto da tática escolhida.

Os melhores dos melhores trabalharam no projeto: os guitarristas Allan Holdsworth e Daryl Sturmer , o organista Allan Zavod , o baixista Ralph Armstrong e o baterista/percussionista Steve Smith . Graças a eles, a jornada conceitual de Monsieur Ponty adquiriu o sabor distinto de uma obra-prima. Se a forte introdução “Abertura” ainda evoca associações com o estilo da falecida Orquestra Mahavishnu , que é próxima do nosso artista , então o percurso é pintado em tons texturizados únicos. A poderosa fusão orquestral de funk “The Trans-Love Express” não agradará apenas aos puritanos: cordas excelentes, ritmo flexível e, claro, impulso – tenaz, imprudente, carregado de energia verdadeiramente masculina. A faixa “Mirage”, com seu sabor oriental discreto e padrão de violino inventivamente construído, traz uma dose de prudência exótica à narrativa; Quer dizer, Jean-Luc tem muita imaginação! O título quadriga é tecido a partir de uma variedade de pinturas de humor. O prólogo do sintetizador de órgãos é responsável pela reflexão. Na segunda fase do sono prolongado, reinam motivos assertivos e amantes da liberdade. O conjunto demonstra habilidade excepcional, sem esquecer as rápidas colisões na trama. As "lacunas" de Holdsworth discutem com o líder "violectra" no terceiro setor do reator sonoro. O número da reportagem "Enigmatic Ocean, Part IV" descreve a história em um grosso oval polifônico; brilho sonoro moderado, multiplicado pela harmonia da linguagem musical. O afresco “Nostalgic Lady” é bom, onde Armstrong usa um baixo fretless e Jean-Luc muda para o piano. O apogeu da colagem esquemática é a trilogia “A Luta da Tartaruga pelo Mar”. Os “tocadores de cordas” aqui são tradicionalmente incomparáveis. Mas o que Ralph faz no baixo no segmento final do tríptico deve ser ouvido: não pode ser expresso em palavras.

Para resumir: um lindo ato temático de fusão progressiva, personificado por verdadeiros ases. Eu não recomendo ignorá-lo.

MUSICA&SOM

Farout "Further Out" (1979)

 

Durante o tempo que lhes foi concedido (1977-1982), os membros do sexteto Farout da cidade de Lappeenranta conseguiram fazer pelo menos duas coisas importantes: tornar-se a melhor formação progressiva da primavera de 1978 e gravar um LP completo no estúdio Helsinki Birdland. Os caras tiveram muita sorte com seu engenheiro de som: o forte profissional Dan Tigersted não fez diferença entre estreantes e mestres. Aderindo a princípios verdadeiramente democráticos, ele criou um ambiente confortável para os recém-chegados trabalharem e, durante cinco dias, registrou conscientemente o que estava acontecendo em equipamentos de 8 pistas. Outro elemento importante do processo deve ser reconhecida a participação do tocador de metais Pekka Pöyri nas sessões . Até sua morte prematura em 1980, o luminar da cena escandinava colaborou com o lendário Tasavallan Presidentti , a banda de Jukka Tolonen e o compositor cult/multiplayer Pekka Pohjola . É claro que esse homenzinho experiente não teria se tornado acompanhante de ninguém. Isso significa que o interesse pessoal entrou em jogo. Vamos tentar avaliar o quão boas e originais são as composições instrumentais de Farout .

O emaranhado estilístico do álbum "Further Out" combina uma variedade de influências musicais. O modelo de fusão prioritária, adotado pelos gigantes nórdicos do nível Wigwam , caiu na sombra da era sintética que se aproximava. O que se reflete nas partes de teclado ( Ike Kallio – Yamaha CS-80, órgão Hammond, micro-Moog; Ismo Homanen – piano Fender Rhodes, sintetizador de cordas, micro-Moog) e no padrão rítmico do baterista/percussionista Lauri Valjakki . Assim, o número de abertura "Nassau Boogie", além da execução brilhante dos guitarristas Ari Erkko , Jarmo Nikku e do baixo convexo de Yuni Limingoya, inclui uma linha de bateria um tanto superficial (mas de forma alguma "plástica"). Porém, a primeira impressão nem sempre é a mais correta. E a confirmação disso é a peça “Daybreak” - um jazz-rock de fluxo suave, focado exclusivamente em passagens de piano elétrico e toques de saxofone do maestro Peyri. O cativante programa funk de "Muppet Dance" também poderia ser apreciado por Jukka Tolonen , cujo estilo característico aparentemente inspirou este episódio. O esboço do título está repleto da ductilidade sombria característica do folclore finlandês, no entanto, em termos de atributos externos temos um corte transversal complexo de arte-jazz, implementado com bom gosto e estrita adesão aos cânones do subgénero. Porém, Farout não está acostumado a refletir por muito tempo. E com mais uma miniatura, “Walrus Jump” demonstra um impulso imprudente, embelezado com monogramas de violão. A intrincada fusão funk de “Do It” mantém-se graças à presença convidada do veterano Pekka, que solos com um entusiasmo condizente com a ocasião. Uma tentativa de combinar artificialmente uma apresentação disco frívola com um som de Canterbury, curiosamente, acaba por ser uma vantagem estável no âmbito da composição de “Four to Two”. E o convencional “strobe-jazz” denominado “Tidy” atende plenamente às exigências da época. A narrativa termina com o rebuscado e ainda assim curioso filme “Brainwash (...Uhh!)”, que fortalece a posição do modernismo fusion. Para “sobremesa” há uma seleção de faixas demo captadas pela galera da virada. de 1978-1979 em casa e de algum valor no contexto da história privada de Farout .

Resumindo: rock progressivo agradável e lúdico, sem pretensões de seriedade, atraente tanto na forma quanto no conteúdo. Em termos de alívio de problemas urgentes, esta é a solução. Eu aconselho você a participar.

MUSICA&SOM

Graham Gouldman - Heart Full of Songs Live! - 2013

 

Graham Gouldman & Friends
Heart Full of Songs Live!
Unknown dates and venues, 2013

Graham Gouldman , mais conhecido como membro da maravilhosa banda 10cc , se estabeleceu como um compositor de sucesso muito antes de seu envolvimento com o 10cc . Embora suas primeiras bandas não tenham obtido muito sucesso ( The Mockingbirds , The Mindbenders ), em meados dos anos 60 ele escreveu uma série de canções de sucesso para outras bandas, incluindo The Yardbirds ('For Your Love', 'Heart Full of Soul' , 'Evil Hearted You'), The Hollies ('Look Through Any Window', 'Bus Stop'), Herman's Hermits ('Listen People', 'No Milk Today') e Wayne Fontana ('Pamela, Pamela'). Em 1969, Gouldman assinou um acordo para escrever canções pop chiclete para as produções Super K, o que foi um 'ponto baixo criativo' para ele, mas acabou convencendo os produtores de que ele e seus amigos músicos poderiam tocar e gravar todas as suas canções por um preço muito mais barato. do que trazer músicos de fora, e foi o que fizeram. Isso reuniu Gouldman com Eric Stewart , Kevin Godley e Lol Creme (com quem ele havia trabalhado anteriormente em várias bandas) para produzir um grande número de músicas pop em um curto período de tempo, sob muitos nomes de bandas diferentes, no Strawberry Studios. , e eventualmente os levou a se tornarem 10cc , em 1972, com um contrato de gravação próprio. E, claro, 10cc teve muito sucesso, com recordes de sucesso e aclamação da crítica nos anos seguintes. Mas em 1976, Godley e Creme deixaram o grupo, com Gouldman e Stewart continuando nas 10cc até 1983. Gouldman então se juntou a Andrew Gold para formar o Wax em 1984 e lançou três álbuns nos anos seguintes. Então, em 1991, a formação original do 10cc se reuniu brevemente em uma semi-reunião (Godley e Creme eram basicamente convidados em um álbum de Gouldman-Stewart) com artistas convidados adicionais (como Jeff Porcaro e David Paich do Toto , Dr. John e Andrew Gold ) para o álbum de 'retorno' 10cc ...Enquanto isso (1992). Embora Godley e Creme tenham estado envolvidos apenas por um curto período, Gouldman e Stewart mantiveram as 10ccindo para uma turnê subsequente e outro novo álbum em 1995, que foi o último álbum creditado a 10cc. Depois disso, Gouldman se separou de Stewart, mas continuou a fazer turnês esporádicas com uma versão 'touring' de 10cc intermitente nos anos seguintes. Gouldman lançou álbuns solo em 2000 ( And Another Thing ) e 2012 ( Love and Work ). O conceito dos shows acústicos 'Heart Full of Songs' surgiu da forte resposta do público de uma seção acústica no meio dos shows de 10cc. Então, em 2013, Gouldman, junto com os atuais companheiros de banda de 10cc, Rick Fenn, Mick Wilson e Mike Stevens, fizeram uma série de shows acústicos com músicas de todos os estágios da carreira de Gouldman, desde seus primeiros dias de composição até os anos de 10cc, até seu trabalho solo mais recente. A gravação apresentada aqui foi gravada profissionalmente por Gouldman e sua equipe, mas nunca foi lançada comercialmente. Foi vendido por um curto período nos shows do HFOS em 2014, mas não está disponível de nenhuma forma há vários anos. Peguei isso no agora extinto site Willard's Wormholes , e a única razão pela qual não o publiquei anteriormente é que não tinha certeza se poderia ser considerado um lançamento oficial ou não. No entanto, o fato de não estar disponível em nenhum meio comercial ou listado em qualquer lugar como um lançamento oficial, incluindo o próprio site de Gouldman, presumo que não há problema em compartilhá-lo. Se não, tenho certeza que descobrirei muito rapidamente. O show em si é um evento encantador, a voz de Gouldman ainda é forte e clara, e os arranjos acústicos trazem um som leve e refrescante a essas muitas músicas boas e familiares, e serve como uma celebração maravilhosa e uma retrospectiva da carreira de Gouldman. Altamente recomendado. Gouldman foi incluído no Hall da Fama dos Compositores em 2014, e isso serve como um excelente currículo para suas credenciais de compositor. Gouldman anunciou recentemente uma nova turnê Heart Full of Songs no Reino Unido este ano (começando em março de 2020), bem como um novo álbum solo, Modesty Forbids , a ser lançado ao mesmo tempo.    

Tracklist:
01. Pamela, Pamela
02. Heart Full of Soul
03. Good Morning Judge
04. No Milk Today
05. Sunburn
06. Love's Not for Me (Rene's Song)
07. The Halls of Rock'n Roll
08. Look Through Any Window
09. Daylight
10. Bus Stop
11. Dancing Days
12. Building A Bridge To Your Heart
13. I'm Not in Love
14. Ariella
15. Ready To Go Home
16. The Things We Do for Love
17. Memory Lane
18. For Your Love
19. Donna
20. Dreadlock Holiday

Graham Gouldman - vocals, guitar, bass
Rick Fenn - vocals, guitar
Mick Wilson - vocals, gutitar, percussion, ukelele
Mike Stevens - keyboards, accordian, sax, penny whistle

MUSICA&SOM

10cc - 1975-11-26 - Santa Monica Civic Center, Santa Monica

 

10cc
1975-11-26
Santa Monica Civic Center, Santa Monica, 

Ouvir o show acústico de Graham Gouldman naturalmente me fez querer ouvir alguns 10cc e sua versão original, única, às vezes bizarra e às vezes maluca na música pop dos anos 70. Não há muitas gravações ao vivo não oficiais de alta qualidade dos primeiros dias da banda, mas esta é provavelmente a melhor que existe. É um show completo da American Tour de 1975, em apoio ao seu álbum inovador, The Original Soundtrack (1975), seu terceiro LP oficial. Embora a banda tenha alcançado sucesso anterior no Reino Unido com seus dois primeiros álbuns, 10cc (1973) e Partituras (1974), não foi até Original Soundtrack e seu hit, 'I'm Not in Love' que eles marcaram o Gráficos dos EUA. Assim, a turnê de 1975 foi a primeira como banda principal nos Estados Unidos. O conjunto trazia músicas de seus dois álbuns mais recentes, bem como uma prévia de uma música ("Art For Art's Sake") de seu próximo álbum, How Dare You (1976), que seria o último álbum a incluir os membros originais Godley e Creme. Aproveite este visual de 1975 em 10cc.

Nota: Este programa foi amplamente distribuído com a data de 11 de novembro de 1975, mas isso não está correto. A verificação pelas programações da turnê e vários sites de fãs de 10cc mostra que a data correta é 26 de novembro. (A banda começou seus shows na Costa Oeste em 13/11 em Vancouver, e nas 2 semanas seguintes seguiram pela costa, passando por Washington, Oregon , e Norte da Califórnia, antes do encontro no Sul da Califórnia em Santa Monica no dia 26). 

Tracklist:
01. Introduction (1:31)
02. Silly Love (4:34)
03. Flying Junk (3:54)
04. Interlude (1:39)
05. Baron Samedi (8:56)
06. Old Wild Men (5:11)
07. Interlude – 1 (2:21)
08. The Sacro-Iliac (2:45)
09. Interlude – 2 (0:49)
10. Somewhere In Hollywood (7:08)
11. Interlude – 3 (1:02)
12. Donna (3:37)
13. Interlude – 4 (0:56)
14. Ships Don’t Disappear in the Night (Do They) (5:18)
15. I’m Not In Love (6:34)
16. Interlude – 5 (1:31)
17. The Film of My Love (6:01)
18. Interlude – 6 (1:52)
19. Art For Art’s Sake (6:39)
20. Interlude – 7 (1:01)
21. The Worst Band In the World (3:34)
22. Neanderthal Man (1:27)
23. The Wall Street Shuffle (5:20)
24. Rubber Bullets (12:11)
25. Une Nuit a Paris, Pt- 1 One Night in Paris Pt- 2 The Same Night in Paris (10:33)

Eric Stewart - vocals, guitars, keyboards;
Graham Gouldman - vocals, bass, guitars;
Lol Crème - vocals, guitars, pinao, gizmo;
Kevin Godley - vocals, drums, percussion;
Paul Burgess - drums, percussion

MUSICA&SOM

The Honeydrippers - Volume One E.P (1984)

Originalmente formado em Worcestershire por Robert Plant, o Honeydrippers também era composto pelo ex-membro do Led Zeppelin, Jimmy Page; Jeff Beck (um ex-membro do Yardbirds como Page); amigo próximo Robbie Blunt e outros.

A banda lançou apenas uma gravação, um EP de 12 "intitulado 'The Honeydrippers: Volume One', em 12 de novembro de 1984. Eles se apresentaram em um show na Keele University em 1981. The Honeydrippers alcançou a posição número 3 no início de 1985 na Billboard Hot 100 com um remake da música "Sea of ​​Love" de Phil Phillips, e atingiu o número 25 com "Rockin' at Midnight", originalmente uma gravação de Roy Brown e uma reescrita do

sucesso do EP "Good Rockin' Tonight With the 12 ". , Plant afirmou que um álbum completo seria gravado, mas nunca foi. A banda apareceu no Saturday Night Live em 15 de dezembro de 1984, apresentando "Rockin' at Midnight" e "Santa Claus Is Back in Town". A banda contava com Brian Setzer e George Wadenius na guitarra, Tom Barney no baixo, Paul Shaffer no piano, Buddy Williams na bateria, Michael Brecker, Lou Marini e Ronnie Cuber nos saxofones, Jon Faddis no trompete e Tom Malone no trombone. Em dezembro de 2006, Plant realizou um show beneficente na Prefeitura de Kidderminster sob o título 'The Return of the Honeydrippers' para arrecadar dinheiro para seu vizinho Jackie Jennings, que estava em tratamento para um tumor cerebral. [extraído de live.wdrv.com ]

The Honeydrippers - Saturday Night Live

"Revisitando o dia em que Robert Plant estreou os Honeydrippers"

Depois de chegar ao topo da montanha, onde você pode ir para fazer um acompanhamento? Essa é a pergunta que os membros sobreviventes do Led Zeppelin tiveram que se perguntar quando se separaram após a morte do baterista John Bonham em 1980. Depois de se tornarem a maior banda do mundo, definindo o estrelato do rock exagerado, o que fazer a seguir? ?

Por um minuto, parecia que a linha de frente da banda poderia se fundir com a seção rítmica de outra banda icônica dos anos 70 que havia chegado a uma bifurcação na estrada. Jimmy Page estava se aproximando do baixista Chris Squire e do baterista Alan White do Yes em uma banda provisoriamente chamada de XYZ (para Ex-Yes e Zeppelin, é claro) – e ele queria que Robert Plant se juntasse a eles.

O vocalista leonino, no entanto, acabou por hesitar. Teria sido fácil para Plant passar do Zeppelin para outro grande e chamativo grupo de roqueiros de arena, mas o cantor passaria grande parte de sua carreira pós-Zep desprezando as expectativas em todas as oportunidades. E essa prática começou em 1981, quando Plant montou os Honeydrippers.

Bem, esses não eram os Honeydrippers que a maior parte do mundo conheceria através do álbum Honeydrippers Vol. 1, que continha dois sucessos no Top 40. Esse grupo de estrelas – que contava com Plant, Page, Jeff Beck, Paul Shaffer e outros pesos pesados ​​– surgiu a pedido do chefe da Atlantic Records, Ahmet Ertegun, que assistiu a um show do grupo de curta duração e consideravelmente menos repleto de estrelas. Escalação de 1981.

Recuperando-se da morte de seu amigo de longa data Bonham, com quem tocou na Band of Joy antes do Led Zeppelin, Plant procurou um lugar de conforto, tanto musicalmente quanto pessoalmente. Para escapar do seu passado recente, ele perseguiu um passado mais distante, quase mitológico. Ele começou a se reunir com músicos que conhecia desde que era um estudante, frequentando os clubes de blues de Midlands, e juntos eles começaram a tocar o tipo de músicas antigas de rock & roll/R&B que Plant adorava quando era criança.

Em vez de invadir o palco em meio a longos solos e músicas épicas, Plant começou a dançar no estilo jump blues e ritmos de rockabilly dos anos 50, e se divertiu muito fazendo isso. Ele primeiro trouxe os guitarristas Robbie Blunt (ex-Bronco e Silverhead) e Andy Silvester (ex-Chicken Shack e Savoy Brown) para sua casa na fazenda Jennings, seguido no devido tempo pelo baixista Jim Hickman, o baterista Kevin O'Neill, tocador de gaita Ricky Cool e o saxofonista Keith Evans.

O homem que se tornou um avatar de tudo o que era grandioso na cena rock dos anos 70 estava agora envolvido em uma reviravolta chocante. Ironicamente, Plant se livrou dos grilhões psicológicos da última década ao retornar ao mesmo poço da música americana pós-Segunda Guerra Mundial que inspirou o Led Zeppelin, mas em vez de amplificar esses sons até uma estatura gigantesca, ele e seus Honeydrippers – cujo nome surgiu do apelido do bluesman Roosevelt Sykes ou da música e banda de apoio do astro do R&B dos anos 40 Joe Liggins, dependendo de quem você perguntar - preso às dimensões sonoras originais do material.

Plant e seus amigos criaram um repertório enraizado que abrangia não apenas brincadeiras de rockabilly como “She She Little Sheila” de Gene Vincent, “Your True Love” de Carl Perkins e o clássico de Elvis Presley “Little Sister”, mas também canções de R&B da velha escola. como “I Need Your Loving” de Don Gardner e Dee Dee Ford, batidas de blues como “I Can't Be Satisfied” de Muddy Waters e “Sugar Coated Love” de Lazy Lester, e até mesmo o padrão de swing ocidental “Deep in the Heart of Texas .” E quando chegou a hora de pegar a estrada, o modus operandi dos Honeydrippers era tão enxuto quanto seu som.

Começando na Universidade Keele, em Staffordshire, em 3 de março, ou em um bar em Stourbridge, em 9 de março, dependendo da fonte, os Honeydrippers atingiram uma série de pequenos locais, incluindo pubs, faculdades e pequenos clubes, cada show sem publicidade – e todos bem livres de Londres, nas Midlands ou em pontos ao norte. Não foi apenas porque eles subiram ao palco com seus amplificadores empilhados em engradados de cerveja, em total contraste com o comboio de caminhões que transportava o equipamento do Led Zeppelin, ou porque as extravagâncias descomunais do hard rock de Zep foram substituídas pelos dois e um -Wham-bam de meio minuto de músicas clássicas de blues e rock 'n' roll. Ocorreu uma alteração mais simbólica, mas igualmente marcante.

Até os cabelos longos e encaracolados de Plant (sem dúvida um dos cabelos mais lendários da história do rock) foram destruídos. É verdade que ele não estava usando um corte à escovinha ou um estilo New Wave espetado, mas as mudanças radicais que ele estava instituindo para deixar o passado para trás claramente se estendiam até seu estilista. E no rock 'n' roll, claro, a imagem conta tanto quanto qualquer outra coisa – talvez até mais.

A vida útil dos Honeydrippers originais seria breve. Em 1982, Plant (com Robbie Blunt ao seu lado) retornaria ao rock mainstream com seu primeiro álbum solo, Pictures at Eleven, mas o precedente havia sido estabelecido para o tipo de movimentos mercuriais que Plant continuaria a fazer ao longo de sua carreira. . Desde sua colaboração com Alison Krauss até suas repetidas recusas em se reunir com Jimmy Page e John Paul Jones, ninguém jamais acusaria Robert Plant de descansar sobre os louros [Artigo retirado de  ultimateclassicrock.com ]

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil imaculado, comprado no mesmo dia em que ouvi Sea Of Love sendo tocado na minha estação de rádio local 3XY em dezembro de 1984. Se não fosse pela publicidade no rádio, eu provavelmente não saberia quem era o Honeydrippers foi a associação com Robert Plant, já que a capa do álbum não contém créditos ou detalhes da banda. Escusado será dizer que fiquei surpreso com o caminho musical que Plant escolheu para seguir após o Zeppelin, mas ainda gostei imensamente do EP.

A arte completa do álbum, tanto em vinil quanto em CD, está incluída junto com digitalizações de rótulos e capas alternativas.

Tracklist:

I Get A Thrill 2:39

Sea Of Love 3:03

I Got A Woman 2:58

Young Boy Blues 3:30

Rockin' At Midnight 5:57

Os Honeydrippers eram:

Vocais principais - Robert Plant

Baixo – Wayne Pedziwiatr

Bateria – Dave Weckl

Guitarra - Jeff Beck (faixas: 3, 5), Jimmy Page (faixas: 1, 2), Robbie Blunt?

Piano – Paul Shaffer

Guitarra Base – Nile Rodgers

Saxofone – Keith Evans (faixas: 5)

MUSICA&SOM