CRONICA - JOHNNY DIESEL & THE INJECTORS | Johnny Diesel & The Injectors (1989)

 

Johnny DIESEL, cujo nome verdadeiro é Mark Denis Lizotte, nasceu em 1966 nos EUA, em Massachusetts, mas emigrou com a família para a Austrália em 1971. Ainda muito jovem, juntou-se ao INNOCENT BYSTANDERS, um grupo de Power-Pop/Pub -Rock de Perth que lançou apenas um álbum. Depois de sair em 1986, ele se recuperou e fundou Johnny DIESEL & THE INJECTORS. 

Tendo tido a chance de fechar contrato com a Chrysalis, Johnny DIESEL & THE INJECTORS entraram em estúdio em agosto de 1988 e começaram a gravar seu primeiro álbum com o produtor Terry Manning. O álbum em questão, sem título, foi lançado em 6 de março de 1989.

Este álbum de Johnny DIESEL & THE INJECTORS é resolutamente orientado, embora às vezes semicerrando os olhos para o Hard Rock, até mesmo para o Heartland-Rock. É bom ressaltar também que o saxofone está muito presente neste disco. 5 singles foram retirados do álbum e 3 deles alcançaram o Top 10 australiano. “Don't Need Love”, lançado como scout em outubro de 1988, é formidável em sua eficácia com sua introdução forte de baixo/bateria, seguida por um saxofone e o aumento do poder das guitarras e especialmente seu refrão cativante tomado como acompanhamento. vocais. Além disso, este título surtiu efeito na época, pois ficou em 10º lugar na Austrália e 7º na Nova Zelândia. “Soul Revival”, uma explosão de Blues-Rock/Heartland-Rock, é igualmente potencialmente atingida com seu refrão ultra-unificador tomado em refrão, sua vivacidade e entusiasmo ilimitados que o tornam terrivelmente viciante e alcançou o número 9 nas paradas australianas. “Cry In Shame”, mid-tempo Blues-rock FM, teve um desempenho quase tão bom (10º) e é preciso dizer que seu lado hit fala a seu favor já que é habilmente construído com mais ênfase na melodia com suas guitarras mais claras, sua falsa aparência de balada. Com "Lookin' For Love", outro mid-tempo, Johnny Diesel e seus amigos se inclinam mais para o Hard Rock, juntando-se ao AC/DC, John MELLENCAMP e GEORGIA SATELLITES para um resultado mais delicioso graças à voz rouca e ao calor do líder do o grupo, com guitarras gordurosas e backing vocals que sustentam bem o refrão. Este título, só para constar, ficou em 28º lugar no Top Nacional de Singles. Por fim, “Since I Fell For You” é um cover de Lenny WELCH e Johnny DIESEL & THE INJECTORS fez uma versão respeitosa do original, bastante abafada, cintilante, com um toque romântico na pele e se mostra suficientemente convincente para te deixar quero descobrir o original (que data de 1963). Esta capa teve uma classificação mais modesta na Austrália, chegando ao número 79.

Quanto ao resto do álbum, Johnny Diesel e os seus amigos provam fortemente que estão perfeitamente no seu elemento neste estilo Blues-Rock e vários títulos estão aí para testemunhar isso: “Comin' Home”, uma composição terroir, raízes, é muito agradável, pega bem ao ouvido com esse bom equilíbrio entre melodias matizadas e descarga decibélica; “Fire Without A Flame” convence tanto com seus mais do que pronunciados toques retrô que cheiram à primeira metade dos anos 70, quanto com o belo contraste entre a voz rouca de Johnny Diesel e o revestimento melódico da música; “Get Ya Love”, uma composição com toques jazzísticos e soul, é bastante fácil de aceder e mantém-se, até porque o saxofone está muito presente no espaço sonoro; enquanto “Never Last” é um mid-tempo rastejante que agarra as entranhas com seus riffs ásperos, vocais quentes, um solo de saxofone vertiginoso e mergulha no coração das raízes do Blues, do Classic-Rock, antecipando um pouco o que fazemos no BLACK CORVOS logo depois. Quanto a “Thang II”, é um instrumental de Blues eléctrico baseado em guitarras que é apoiado por um baixo redondo e tenso, bem como um saxofone que intervém sabiamente, é também realçado por um solo de guitarra de tirar o fôlego, luminoso, emocional. exatamente como deveria (no gênero, é um modelo). Johnny DIESEL & THE INJECTORS também se envolveu com sucesso no Hard Rock, como evidenciado pela mid-tempo “Burn”, uma faixa com um ritmo metronômico a meio caminho entre AC/DC e Jimmy BARNES que tem um solo que leva as entranhas, um final bem ao vivo , e "Parisienne Hotel", uma peça groovy de Hard Rock com um ritmo binário que faz você bater os pés, tem um lado viciante com seus aromas picantes de blues, metais, um final festivo, livre e no qual a cantora está como se estivesse em um transe, habitado.

Este primeiro álbum de Johnny DIESEL & THE INJECTORS é um sucesso magistral e impecável. As composições são inspiradas, de qualidade, notavelmente trabalhadas, refinadas. E Johnny Diesel iluminou todo este álbum com sua voz rouca, quente e determinada, bem como com o lado apaixonado que o habita. Este álbum de Johnny DIESEL & THE INJECTORS foi um grande sucesso em 1989: ficou em 2º lugar na Austrália (com 31 semanas no álbum Top, incluindo 19 no Top 10) onde foi certificado 2 vezes platina, 7º mais vendido do ano no país; mas também 25º na Nova Zelândia, 75º no Canadá. Este álbum, para ser consumido sem moderação, é um daqueles tesouros do final dos anos 80 a serem redescobertos e traz as mais contundentes negações aos simplórios que resumem os anos 80 com Synth-Pop, cortes de cabelo extravagantes, Glam (e, casualmente, há muitos contra-exemplos desta década que os contradizem).

Tracklist:
1. Lookin’ For Love
2. Parisienne Hotel
3. Cry In Shame
4. Comin’ Home
5. Since I Fell For You
6. Don’t Need Love
7. Burn
8. Soul Revival
9. Fire Without A Flame
10. Get Ya Love
11. Never Last
12. Thang II

Formação:
Johnny Diesel (vocal, guitarra)
Johnny “Tatt” Dalzell (baixo)
Yak Sherrit (bateria)
Bernie Bremond (saxofone)

Rótulo : Crisálida

Produtor : Terry Manning

CRONICA - AMERICAN FLYER | Spirit Of A Woman (1977)

 

O primeiro álbum sem título do AMERICAN FLYER, lançado em 1976, não teve muito sucesso, como evidenciado por sua duração de 2 meses e meio na Billboard dos EUA. Não importa, os 4 músicos que fundaram o AMERICAN FLYER voltam ao estúdio para gravar um sucessor deste primeiro álbum.

Desta vez, o prestigiado George Martin não está ao seu lado. AMERICAN FLYER co-produziu seu segundo álbum com um certo Ken Friesen. Alguns artistas renomados como JD Souther e Linda Ronstadt vêm ajudar como convidados para a ocasião. O segundo álbum do AMERICAN FLYER foi intitulado  Spirit Of A Woman  e foi lançado em 1977.

Comparado ao álbum anterior, não há nenhuma grande evolução, nenhuma revolução musical particular; AMERICAN FLYER navega sempre entre o Country e o Soft-Rock e parece bastante afiado como evidenciado por “My Love Comes Alive”, uma composição imbuída de leveza, na continuidade do que o grupo havia feito de melhor no álbum anterior, “Spirit Of A Woman ", uma música cativante e de sucesso, mesmo com um ritmo alerta e revigorante para apoiar tudo, o mid-tempo" Flyer "com melodias arejadas e silenciosas apoiadas por vocais velados, algumas dicas jazzísticas, até mesmo" The Good Years ", uma composição bastante clássica em termos de forma e muito ancorado no seu tempo para uma representação simpática. Um pouco mais elaborada, "Victoria" começa como uma balada, depois muda para um mid-tempo mais rock que faz você bater os pés, é impulsionada por um refrão unificador, cheira aos anos 70 conquistadores e unificadores para se revelar como potencialmente hit. AMERICAN FLYER fica mais contundente na enérgica “Keep On Tryin'”, tingida de Pop-Rock/Classic-Rock com guitarras elétricas e acústicas blues que se chocam, coros que trazem um toque alegre, um solo de saxofone surpreendente, melodias que cheiram a terroir América que a tornam uma peça alegre e imparável. Ao mover o cursor em direção ao Country-Rock, o mid-tempo “Gamblin' Man”, soberbamente construído, é igualmente cativante, viciante e tem ótimos argumentos persuasivos com guitarras um pouco mais mordazes, coros femininos beirando o gospel em um refrão unificador. Quanto às 2 baladas que completam este álbum, “I'm Blowin' Away”, com toques Country, é requintada, bastante agradável com os seus coros femininos, bem como notas discretas de piano; enquanto “Dear Carmen” é o protótipo da balada vaporosa, soporífera apesar de alguns arranjos exóticos no meio.

No geral, este segundo álbum do AMERICAN FLYER é mais inspirado, um pouco mais variado que o seu antecessor. Os músicos aqui exploraram ainda mais o seu potencial, a alquimia que operava entre eles. Vários títulos são inclusive cortados para rádios de Classic-Rock. É uma pena que  Spirit Of A Woman  tenha se saído menos bem que o álbum anterior (171º lugar na parada da Billboard dos EUA em apenas 5 semanas de presença) porque, pessoalmente, considero-o o melhor álbum do AMERICAN FLYER, cuja aventura terminou em 1978.

Tracklist:
1. Spirit Of A Woman
2. Gamblin' Man
3. My Love Comes Alive
4. Victoria
5. Dear Carmen
6. I'm Blowin' Away
7. Flyer
8. The Good Years
9. Keep On Tryin'

Formação:
Craig Fuller (vocal, baixo, guitarra)
Eric Kaz (gaita, teclado)
Steve Katz (guitarra, vocal)
Doug Yule (vocal)
+
Whitey Glan (bateria)
Prakash John (baixo)
Linda Ronstadt (convidada)
JD Souther (convidado)

Gravadora : United Artists Records

Produtores: American Flyer e Ken Friesen

Steve Tibbtz – Yr (1980, LP, Usa)

Tracklist:
A1 Ur 5:45
A2 Here Come The Sphexes 3:41
A3 Ten Years 7:45
A4 One Day 3:59
B1 Three Primates 5:02
B2 You And It 7:18
B3 The Alien Lounge 3:36
B4 10 Yr. Dance 3:16

Musicians:
Bass – Robert Hughes
Bongos, Percussion, Bells – Tim Weinhold
Congas, Drums, Bell Tree, Agogô, Cowbell, Maracas, Surdo, Glockenspiel, Percussion, Performer, Surbahar – Marc Anderson
Guitar, Keyboards, Mandolin, Dobro, Sitar, Kalimba, Percussion – Steve Tibbetts

Tabla – Marcus Wise (A1 to A4), Steve Cochrane (B1 to B4)

Terutsugu Hirayama – Castle Of Noi (1983, LP, Japan)

Tracklist:

A1 序奏とメインタイトル = Opening And Maintitle 1:54
A2 ミスティック・ワールド = Mystic World 4:42
A3 ネルフェルティ = Nelfelti 1:37
A4 少年と兵隊 = A Boy And A Cat Soldier 2:51
A5 情景 = The Scene 7:02
テレス・ファラス・マリス = Teles Pharas Maris (7:12)
B1a テレス・ファラス・マリス (Teles Pharas Maris)
B1b 森の中の戦い (The Battle In The Wood)
ノイの城 = Castle Of Noi (10:53)
B2a ノイの城 (Castle Of Noi)
B2b おかしな住人たち (Odd People)
B2c 別れ (Parting)
B2d 回想〜グランド・フィナーレ (Memories~Grand Finale)

Musicians:
Band [Teru's Symphonia], Bass – 笹井りゅうじ
Band [Teru's Symphonia], Drums, Percussion – 西田竜一
Band [Teru's Symphonia], Guitar, Synthesizer, Voice, Composed By, Author [Original Story By], Directed By, Producer – 平山照継
Band [Teru's Symphonia], Piano, Organ, Synthesizer – 仙波基
Band [Teru's Symphonia], Voice – 下町香織
Directed By – Hiroshi Takami
Performer – テルズ・シンフォニア, 平山照継

Duo Ouro Negro ‎– Carolina (EP 1968)

 

MUSICA&SOM

Duo Ouro Negro ‎– Carolina (EP Columbia ‎– SLEM 2301, 1968).

Género: Pop, Folk.

Disco considerado raro.

Com uma das mais bonitas e artísticas capas de um EP de Música Popular Portuguesa, o disco inclui uma das melhores versões do Duo Ouro Negro, "Carolina", um original de Chico Buarque.

A biografia deste Duo já se encontra inserida neste blogue.

Faixas/Tracklist:

A1 - Carolina (Orq. dirigida por Lyrio Panicali) (Chico Buarque De Hollanda)

A2 - Garota (José Mário, Raúl Aires Peres)

B1 - Timpanas (Orquestra dirigida por Joaquim Luís Gomes) (Frederico De Freitas, Júlio Dantas)

B2 – Katéria (Condução de Thilo Krasmann) (Raúl Aires Peres)

Duo Ouro Negro ‎– Comboio Mala De Benguela (Single 1984)

 

MUSICA&SOM

Duo Ouro Negro ‎– Comboio Mala De Benguela (Single EMI ‎– 1775057, 1984).

Arranjos e Direcção de Orquestra e Coro por Mike Sergeant.

Género: Folk

O Duo Ouro Negro foi um grupo musical formado em Angola por Milo Mac Mahon e Raúl Indipwo, em 1956, à data uma das províncias portuguesas e que esteve em actividade desde a sua formação até 1985.

Começaram por se chamar "Ouro Negro". O projecto centrava-se especialmente no folclore angolano de várias etnias e dialetos.

Em Angola, em 1961, pouco antes de eclodir a guerra, entra para o grupo José Alves Monteiro, passando a trio. Nesta nova formação gravam 5 discos, voltando mais tarde à sua formação anterior, ou seja, um Duo. 

O grupo termina em 1985 com a morte de Milo, em 4 de abril desse ano. Raul faleceu no dia 4 de junho de 2006.

A biografia do Duo Ouro Negro já se encontra inserida neste blogue.

Faixas/Tracklist:

A1 Comboio Mala De Benguela (Raul Indipwo) 

B1 N'Zambi (Milo Mac Mahon, Vum Vum)

Gravação efectuada nos estúdios da Valentim de Carvalho/Paço D’Arcos.

SUI GENERIS - CONFESIONES DE INVIERNO

 

Posso não ser capaz de entender o idioma, mas os vocais são realmente maravilhosos. A música em si é muito animada e absolutamente tentadora. De vez em quando você se depara com um daqueles álbuns onde tudo é perfeito, mas você não consegue exatamente dar-lhe a honra da classificação mais alta... este é um deles. Álbum realmente maravilhoso.

Divine
Este álbum é muito divino e parece bastante íntimo com o piano e o violão. Acredito que seja um dos ápices da carreira de Charly e contém tantos clássicos da Sui Generis.

Segunda obra de Sui Generis que se debruça sobre as hóstias florais do progressivo e consegue conceber uma verdadeira manifestação “sinfo-poética” que penetra profundamente nas suas letras e na sua elaborada manifestação de ARTE; Aqui podemos apreciar um maior compromisso estrutural e orquestral, a banda aventura-se noutros campos e alarga o seu leque de influências, a visão é alargada adicionando uma quota de ecletismo e canções férteis com conotações mais estilizadas, uma Fada, um Cisne atinge o mais alto apresentações dentro das águas do Rock Sinfônico, enquanto as evocações mais ligadas ao Folk pastoral nos deslumbram,  a segunda-feira volta a nos lembrar dos eflúvios quentes da Vida, enquanto o Rock&Roll mais divertido e irreverente vem com Mr. ; O álbum é consagrado com o encerramento mais poético e dramático de todo o álbum Tribulations, Lamentos Y Ocaso De Un Tonto Rey Imaginario, O No. Não há dúvida de que estamos perante uma obra que atinge um ponto de maturidade primorosa, onde a maquinação se transforma numa nova explosão de vitalidade sonora e onde a dupla adquire um peso enorme com a sua proposta, "o germe" chegou a terras remotas e o Novo propostas e experimentações estão à flor da pele, as bandas começaram a absorver as influências contraculturais da Europa e o progressismo foi surgindo, a Sui Generis iniciou um caminho rumo a esses movimentos e aproximou-se das novas posições que vinham da Europa. Este foi o prelúdio de seu trabalho mais progressista e controverso.

Enquanto  o inverno da minha vida continuava, a música não parava e Sui Generis foi um “recinto” desse caminho difícil e por isso tornou-se fundamental, não tanto como Almendra poderia fazer MAS isto fez parte de um processo de saudades e sonhos. A certa altura da vida e através de amigos da vizinhança descobri o seu universo e foi uma janela para novos sons, trova, folk e posturas de uma certa delicadeza que surgiram em mim, foram tempos de Almendra, de Gieco, de Sui Generis, de Silvio, do Facundo, do Jara, de tantos outros que plantaram um sorriso no coração, pois a certa altura este álbum tem um valor especial, talvez não seja um que marcou tanto mas estava lá e isso é de agradecimento. Winter Confessions é um álbum que enche a alma, que pinta o seu quarto e que o leva ao mais doce reflexo da vida, é um álbum muito enriquecedor e emocionante. Dentro da sua reflexão sobre as passagens da vida a pessoa quebra e diante de tal pôr do sol também se perde. As impressões que tenho deste álbum são muito elevadas, comparado com Vida ele está na vanguarda da criatividade e consegue ser uma manifestação muito poética, MUITO SENSÍVEL e embora apresente certos penhascos - não é um álbum redondo, Sr. O Small Semblance of an American Type Family, ao quebrar o sentimento da sessão, consegue mais do que cumprir sua missão, tornando-se assim mais um grande emblema do Rock clássico argentino. Até nos vermos novamente.    

Minidados:
*Depois do sucesso de Vida e com uma série de apresentações ao vivo, García e Mestre retornaram aos estúdios RCA Víctor e Phonalex para gravar Confesiones de Invierno, agora com total apoio e confiança da Talent Microfón, a maior gravadora argentina daqueles anos; a produção de Jorge Álvarez, o grande produtor daqueles anos; e o apoio de gravação de Billy Bond, uma das grandes figuras do rock daqueles anos.

*Em outubro foi lançado o segundo álbum Sui Generis: Winter Confessions. A capa trazia uma imagem sincera da dupla feita pelo designer Juan Orestes Gatti. A capa, quando desdobrada, mostrava algumas fotos (dos músicos e colaboradores) tiradas nas florestas de Ezeiza pelo fotógrafo Jorge Fisbein. O vinil veio com a ficha técnica e letras das músicas.

*O LP foi apresentado em 7 de outubro de 1973 no Opera Theatre.

01. Cuando ya me empiece a quedar solo
02. Bienvenidos al tren
03. Un hada, un cisne
04. Confesiones de invierno
05. Rasguña las piedras
06. Lunes otra vez
07. Aprendizaje
08. Mr. Jones, o pequeña semblanza de una familia tipo americana
09. Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no

Molho Negro - Não É Nada Disso Que Você Pensou [2017]

 

MUSICA&SOM

O tempo e a maturidade são os maiores inimigos do rock. É difícil envelhecer num ramo movido às crises existenciais que precedem a vida adulta. Como me disse certa vez um conhecido rockstar brasileiro: "eu comecei a me achar meio ridículo cantando sobre temas 'juvenis' com apartamento, grana no banco e carro na garagem".

Mesmo sem grana, sem apartamento e sem as toalhas brancas no camarim o Molho Negro, já neste segundo disco, coloca em xeque a sua perspectiva artística e a sua visão de mundo. E deu um passo necessário para seguir em frente sem se tornar uma caricatura de si mesmo. A angústia e a raiva continuam, mas surgem de outros questionamentos e percorrem novos caminhos. Sai a preocupação de pegar uma menina na festinha ou de estar em dia com "as novas bandas da moda" e entra o choque absoluto de viver em um país brutal e desigual, em um tempo e espaço marcados por egoísmo, violência, consumismo e darwinismo social.

É como se Travis Bickle, o angustiado motorista de Taxi Driver, largasse o carro no acostamento e saísse para comprar uma guitarra na loja de penhores mais próxima. Se Travis era um termômetro emocional para os problemas da Nova Iorque dos anos 1970, o Molho Negro cumpre a mesma função no Brasil de 2017. O choque e o poder de observação são os mesmos. Não trancado em um táxi com uma arma na mão, mas em um estúdio caseiro gravando um track de guitarra.

Mas o rock, esse estilo gregário por natureza, se apresenta aqui como uma saída e não como um fim. Essa possibilidade de redenção pessoal e de construção coletiva muitas vezes atrapalhada pela noção, em voga no momento, de que a música pop é escapismo adolescente e não pode ser tratada como nada mais que isso. Pelo contrário. "Não é nada disso que você pensou" sugere que é possível essa conciliação. "Classe Média Loser", "SUV", "Mainstream" e "Ansioso, Deprimido, Entediado" são alguns dos mini-manifestos surgidos dessa capacidade de observar a

realidade de um país cada vez mais sombrio e sem perspectivas.

A mudança é temática e também sonora. Uma engenharia de som adulta e obscura, que tangencia o clima de tensão social que dá o tom dessa nova fase do Molho Negro. O recado é direto: a violência nos espreita e viver é um perigo. Mas tempos perigosos podem ser, também combustível para a criatividade. A relevância está em saber o que tem que ser queimado.

Bebeco Garcia - Confidencial [2003]

 

MUSICA&SOM

1 - Sorte no Amor
2 - Pra Mais de Mil Alto-Falantes
3 - Você Ainda É Um Misério
4 - Mexe Rebola
5 - Eu Sei Que Você Sabe
6 - Pra Ela
7 - Pouco Importa
8 - Hotel Virtual
9 - Vitória
10 - Acredita em Mim

OBJECTIVO – Out of darkness (2009)

 

Se você está acostumado a ler este blog, deve ter notado que todas as entradas de álbuns são principalmente dos anos setenta, e na verdade o objetivo que me propus quando comecei foi justamente esse, divulgar a coleção de vinis que tenho de aquele tempo, uma forma de fazer perdurar no tempo, aqueles volumes que tantas horas de felicidade me deram e continuam a me dar. Mas claro que 2009, como aqui diz, está longe do anterior... bem, deixem-me explicar, é uma compilação de singles publicados por esta banda portuguesa entre 1969 e 1972, altura em que desapareceu. Nunca lançaram um long play, mas lançaram muitos singles em 45 rpm, o que levou uma pequena editora portuguesa a compilá-los num long play e a lançá-los ao público em formato vinil, e parece que um dos seus propósitos é editar antigas jóias do rock progressivo esquecidas no seu país, basta ver como se chama o rótulo: "Pérolas Progressivas Portuguesas"

É mais uma prova de tantos grupos progressistas que tiveram uma existência invisível aos grandes meios de comunicação, mas que deixaram uma marca profunda em muitas pessoas, graças à qualidade da sua música, que embora não tenham conseguido ultrapassar a barreira que protege a internacionalização sucesso, Eles mostram que o rock progressivo de primeira classe não foi feito apenas nas Ilhas Britânicas, longe disso, mas isso é como tudo, há sempre uns que triunfam sobre os outros e a história é escrita pelo vencedor. Ao contrário do que normalmente acontece, neste caso, a compilação dos vinis de 7 polegadas começa no final, ou seja, o último que foi publicado é o primeiro a aparecer, continuando no sentido inverso até fechar com os singles de estreia. Nesse curto período de 3 anos que durou a sua existência, a evolução musical é notável.

Acabaram fazendo rock progressivo com base de blues muito marcada, temas extensos e faixas instrumentais altamente trabalhadas, gerando cadências em loop. O que fica evidente é o ganho de agressividade, principalmente com o hammond, que é onipresente, criando uma parede musical sólida criando tensão, lembrando os clássicos do prog britânico incluídos na bolsa do heavy progressivo, a guitarra carrega na época um som intenso e interessante solos com um poder mais solvente. Em sua primeira e possivelmente melhor peça, que dá título à compilação, ouve-se o violão relembrando bons momentos ao estilo de Gilmour, nos acordes e na forma de atacar as cordas. A produção é um pouco mais aparente, embora em todos os casos seja frágil, o orçamento não deveria ter sido o seu forte e pode-se dizer que os arranjos nem sequer existem.

Quando recuamos no tempo, o estilo varia, num sentido que implica mais simplicidade e mais harmonia nas vozes, prevalecendo em alguns casos sobre a improvisação instrumental, o que não acontece nas fases posteriores. A diversidade de influências que levam em conta no seu trabalho é surpreendente. Denota a quantidade de música que consumiram e aproveitaram. Progressivo e psicodelia se destacam em cortes como "Music", lado B de "Out of dark", música com estilo semelhante porém mais feliz e com mais ritmo, guitarra funky e wah wah abundante, em que o baixo é o protagonista com uma frase retumbante. Continuamos dando passos para trás e nos deparamos com Glory em 1971, um trabalho mais curto e com uma busca por harmonias claras no som, e mais lírico, menos contundente portanto e com guitarras suaves que lembram MOODY BLUES num plano melódico, com a surpresa que na reta final nos oferecem um fragmento de evangelho!......, quem ia dizer. Como lado B encontramos Keep your love alive, outra boa canção dos portugueses, muito curiosa pelo seu ritmo amigável e contagiante, com uma estrutura de alma ao fundo, em que a percussão e o piano são os instrumentos que acompanham a voz, muito em linha com o otimismo que desperta. Um ano antes, em 1970 e fechando a primeira parte do Long Play, fomos mais uma vez surpreendidos pelo leque de possibilidades destas pessoas. É assim que nos despedimos, poderia ter sido uma música leve, pop descafeinado, música quente para envolver a voz suave e sugestiva com um órgão repetindo as notas simples ao fundo.

O outro lado abre com uma dark The dance of death, que inclui passagens da autêntica psicodelia do momento, um corte que poderia ser conceitual por si só. Um lugar no céu é o primeiro de 4 títulos incluídos em um mini-LP de 1969, seus primórdios onde mostram um aspecto tímido voltado ainda mais para o pop do que para o rock, uma sonoridade muito próxima daquela desenvolvida pela maioria das bandas do meados da década de 1960. década de 1960 na Inglaterra, brevidade, simplicidade na composição, refrões e rimas claras, À beira da morte com batida pronunciada, onde o baixo é brutal e a atmosfera se torna psicodélica. O corte estilo Beatle eu conheço, construído com guitarras rítmicas, pequenos solos e acompanhando a melodia apoiada no baixo arrasador da era Beat. E para dar o toque final a esta antologia está Gin blues, uma peça que nos seus primeiros grooves nos leva ao sucesso de Question and the Mysterians, 96 lágrimas nos registos limpos e simples do teclado.

Reconhece-se que se não fosse o trabalho de pequenas editoras como esta, certamente não conseguiríamos aceder a obras ou álbuns de bandas, fora dos círculos do mundo anglo-saxónico, como é o caso neste caso. E o que podemos dizer dos países do antigo bloco soviético, quantos deles desapareceriam na mesma velocidade com que outros surgiram. Esperemos que alguém siga os passos destes senhores e se concentre na arqueologia rupestre nos seus países de origem.

Temas

A1 Out Of Darkness

A2 Music

A3 Glory

A4 Keep Your Love Alive

A5 This Is How We Say Goodbye

B1 The Dance Of Death

B2 A Place In The Sky

B3 At Death's Door

B4 I Know That

B5 Gin Blues

B6 The Dance Of Death