1982 Dave Grusin – Dave Grusin And The N.Y./L.A. Dream Band

Dave Grusin And The NY/LA Dream Band é um álbum ao vivo gravado no Budokan, Tóquio, Japão com The Dream Band e The Dream Orchestra (compreendendo The NHK Strings e The Tokyo Brass Ensemble). No Japão, foi lançado como “Live At Budokan”.

 

Tracks

1 Shuffle City (Don Grusin) 4:24
2 Count Down (Lee Ritenour) 8:01
3 Serengetti Walk (Dave Grusin, Harvey Mason Sr, Louis Johnson) 6:16
4 Theme From ‘The Champ’ “What Matters Most” (Alan Bergman, Marilyn Bergman, Dave Grusin) 3:01
5 Number 8 (Don Grusin) 4:30
6 Three Days Of The Condor (Dave Grusin) 4:00
7 Summer Sketches ’82 (Dave Grusin) 14:18

Musicians

Bass	Anthony Jackson
Double Bass	Anthony Jackson
Drums	Steve Gadd
Guitar	Lee Ritenour
Guitar	Eric Gale
Acoustic Guitar	Lee Ritenour
Electric Piano	Don Grusin
Keyboards	Dave Grusin
Keyboards	Don Grusin
Piano	Dave Grusin
Rhodes	Dave Grusin
Rhodes	Don Grusin
Vocoder	Dave Grusin
Flugelhorn	Tiger Okoshi
Flute	George Young
Sax (Alto)	George Young
Sax (Soprano)	George Young
Sax (Tenor)	George Young
Trumpet	Tiger Okoshi
Percussion	Lee Ritenour
Percussion	Rubens Bassini

Orchestra

The Dream Orchestra

Brass	The Tokyo Brass Ensemble
Strings	The NHK Strings

Liner Notes

Producer – Dave Grusin & Lary Rosen
Arranged By – Dave Grusin
Arranged By (Additional) – Andy Marsala
Mastered By – Ted Jensen
Mixed By – Larry Rosen & Dave Grusin
Mixed By (Assistant) – Ollie Cotton
Recorded By – Larry Rosen & Ollie Cotton
Recorded By (Assistant) – Larry Gates

Art Direction – Andy Baltimore
Design – Mo Ström, Bob Heimall
Lettering – Michael Manoogian
Photography – Joe Marvullo, Yashuhisa Yoneda

Mastered At Sterling Sound
Mixed At A & R Studios, NY
Recorded At The Budokan, Tokyo, Japan
Phonographic Copyright GRP Records Inc
Copyright GRP Records Inc

王若琳[Joanna Wang] - Hotel la Rut (2024)

Hotel la Rut (2024)

王若琳[Joanna Wang]

Passando por novos lançamentos que 2024 também deu lugar, ninguém poderia se preparar para ser jogado no equivalente a uma obra de arte de colagem em forma musical, no entanto, meu cérebro curioso viu esta capa de álbum muito chamativa e muito descolada e sabia que eu tinha que dar uma olhada. Honestamente, estou feliz por ter feito isso, porque este é certamente um dos discos mais divertidos que este ano tem a oferecer.

Joanna Wang é uma artista pop taiwanesa, começando sua carreira em 2008 com o convenientemente intitulado Start From Here. Desde então, ela lentamente progrediu suas sensibilidades artísticas em uma direção interessante, pelo menos é o que parece. O único outro álbum que ouvi dela é House of Bullies, que também é muito divertido, então isso é principalmente baseado no que RYM diz. Dito isso, ela deve ter realmente ido a alguma exposição de arte surreal que ela realmente gostou ao criar este álbum, pois é realmente algo selvagem!

Vamos jogar um jogo de bebida. Tome uma dose toda vez que um gênero completamente novo aparecer. Na verdade, pensando bem, esqueça, você provavelmente teria uma intoxicação alcoólica na faixa 14. Brincadeira, mas realmente esse álbum tem tantas mudanças de gênero que eu sinto como se tivesse acabado de entrar em um álbum completamente novo a cada vez. Isso não é uma crítica ao disco, veja bem, porque o que está aqui é realmente algo impressionante na maioria das vezes. Obviamente, você obtém mais músicas com raízes pop aqui, especialmente com as durações mais curtas, mas também obtém geek rock estilo They Might Be Giants, cabaré, um método de estilo cantor e compositor para tudo isso, algumas partes divertidas de vários estilos de rock progressivo e pop, jazz vocal, mixagens de zolo e power pop patetas e muito mais que listar tudo tornaria este parágrafo mais longo do que qualquer uma das minhas outras análises.

Você ficaria surpreso, provavelmente tanto quanto eu quando ouvi este álbum pela primeira vez, sobre o quão espetacular tudo se encaixa. Com as durações mais curtas das músicas, você obtém uma boa dose de tudo que Joanna queria colocar neste desenho animado de um disco. Eu absolutamente amo o que ela usa aqui, evidentemente, e acho que cada música mostrada aqui pode ser minha favorita de todos os tempos, se eu for totalmente honesto. Talvez algumas sejam um pouco mais fracas do que outras, mas acho que com o quão eclética essa coisa toda é, você não pode errar com nada que esse álbum jogue em seu caminho.

Agora, enquanto escrevo esta análise, minhas faixas favoritas são He's Given Us the Freedom to Do What's Right, Tina's Hausu e Strange Beast.

He's Given Us the Freedom to Do What's Right parece uma faixa clássica de rock progressivo, embora com um charme quase Oingo Boingo em tudo. Eu amo o trabalho do teclado aqui, especialmente porque quase parece algo saído da cena prog italiana. As letras parecem quase uma mistura de elementos do Yes e ELP. Muito estranho e psicodélico, mas com uma sensibilidade que o torna estranhamente compreensível. Eu amo isso.

Tina's Hausu é uma cena de desenho animado. Tipo, a introdução da música me dá vibrações de Ed, Edd, 'N Eddy. Além disso, eu realmente gosto mais de músicas com tema de Halloween, então esse tipo de música foi imediatamente para mim. Honestamente, parece que o Cardiacs fez uma música com tema de Halloween e foi regravada pelo The Cardigans. Se isso não te deixa intrigado, não tenho ideia do que te dizer.

Por último, Strange Beast, a música mais longa que esse disco tem a oferecer, com quatro minutos de duração. Acho que isso me leva a algumas críticas sobre esse álbum, pois eu queria que as músicas aqui fossem um pouco mais longas. Não estou realmente pedindo suítes enormes de 10 minutos em cada faixa, pois até eu acho isso muito excessivo, mas talvez aumente a maioria delas em mais um minuto. Talvez esse minuto extra possa torná-las ainda melhores? O que temos agora ainda é realmente incrível, mas eles parecem muito mais como doces do tamanho de um lanche no posto de gasolina do que as barras de chocolate king size que eu desejo mais. Dito isso, Strange Beast é muito legal! É outra faixa de rock mais progressivo deste disco, mas eles realmente vão a todo vapor. A abertura tranquila, quase folclórica, que tece através de um espectro emocional de uma tristeza silenciosa que lentamente entra em um solo de teclado atmosférico, que poderia até desafiar os grandes como Richard Wright. Ele volta aos elementos mais suaves introduzidos, mas em vez de levar a outro solo de teclado, Joanna verifica uma marca em uma lista de tarefas progressivas e faz um solo de guitarra absolutamente matador. Quando ouvi essa música pela primeira vez, minha mente ficou impressionada. Eu estava tão acostumado com as faixas rápidas de antes que essa música mais lenta e carregada honestamente me abalou profundamente. Essa música por si só me fez debater se deveria ou não chamar esse disco de obra-prima. Eu decidi que não, mas verdade seja dita, foi por pouco.

Honestamente falando, esse disco é incrível na maioria das facetas. Este, e Mannequin do Kyros, parece como mais música pop deveria ser, embora com suas próprias opiniões sobre tal ideia. Mannequin explorou mais o lado mais longo e experimental da moeda pop, enquanto Hotel La Rut é o oposto, explorando o lado mais rápido e viciante. Ambos fazem um trabalho incrível, e acho que ambos ocupam um lugar especial no meu coração em sua música incrível e divertida. Hotel La Rut é um álbum que eu não poderia recomendar mais! Se você gosta de grupos como Cardiacs, They Might Be Giants, Oingo Boingo e Alvvays, você certamente gostará muito deste. Caramba, eu diria para dar uma chance a este, não importa o que você goste, já que é uma experiência e tanto.

Melhores faixas: He's Given Us the Freedom to Do What's Right, Tina's Hausu, Strange Beast

Pior faixa: The Wish I

Mabe Fratti - Sentir que no sabes (2024)

Sentir que no sabes (2024)

Mabe Fratti

Este álbum é anfitrião de uma linhagem incrivelmente distinta de pop artístico que combina neoclássico, jazz e ambiente para criar um som pensativo e amadeirado. É o clássico Mabe Fratti, exceto que desta vez é um pouco mais estrutural e encorpado em vez de suas coisas usuais orientadas para a paisagem sonora, e eu acho que essa é uma mudança que realmente compensa. Você ainda tem a atmosfera avassaladora em faixas como 'Angel nuevo', mas também há faixas como 'Márgen de índice' que genuinamente parecem versões despojadas de canções pop cativantes. O contraste entre sua voz melódica e o violoncelo rangente, muitas vezes atonal, ajuda o disco a oscilar a linha entre acessível e experimental, e eu realmente acredito que ela está a caminho de rivalizar com os grandes em seu gênero, como Kate Bush ou Joanna Newsom. Eu gosto especialmente da presença aumentada de elementos eletrônicos: aquele vocoder assustador e rosnado que ocorre por toda parte é um som realmente impressionante.

Antoine - Je Reprends La Route Demain (LP 1967)

 

MUSICA&SOM

Antoine - Je Reprends La Route Demain (LP Disques Vogue ‎– CLD 707 30, 1967).

Produção de "Tonton" Serge Goron.

Pierre Antoine Muraccioli, mais conhecido simplesmente por Antoine (Tamatave, 4 de junho de 1944) é um cantor francês, de origem corsa. 

Tornou-se famoso em 1966, quando lançou o seu 45s “Les Élucubrations d'Antoine”.

Mantém-se em actividade.

A biografia do cantor já se encontra inserida neste blogue.

Faixas/Tracklist:

A1 Je Reprends La Route Demain 3:20

A2 Juste Quelques Flocons Qui Tombent 2:55

A3 Arretez De Me Parler De Faire L'amour 3:00

A4 Retour A Andersen (Inimaginable) 3:25

A5 C'est Un Mal, L'amour Existe 3:10

A6 Je L'appelle Canelle 2:45

B1 Le Sexe De Dieu 6:25

B2 Moi, Je Veux Faire La Guerre 2:30

B3 Mon Prince Et Ma Princesse 2:40

B4 Amour Passe 5:25

B5 Chanson Pour L'auvergnat 4:00

Intervenientes:

Orquestra conduzida por: François Renoult, Jean Daniel Mercier

Segunda guitarra – François Renoult

Guitarra, Harmónica, Piano, Voz – Antoine

Autores: Antoine (faixas/tracks: A1 a B4), G. Brassens (faixa/track: B5)

CRONICA - BLACK COUNTRY COMMUNION | V (2024)

 

Demorou um pouco para termos este quinto álbum do Black Country Communion. No entanto, o grupo não se separou como entre Afterglow e BCCIV , mas as agendas muito ocupadas de Joe Bonamassa e Glenn Hughes, bem como a crise do COVID-19, prolongaram um pouco o prazo esperado. Na minha opinião, existem duas categorias em supergrupos. Aqueles que lançam um primeiro (ou mesmo segundo) álbum incrível não têm mais nada a dizer ou explodem por causa de egos exagerados. Ou aqueles cujo início decepciona um pouco diante do pedigree dos participantes, mas, se perseverarem, podem liberar pequenas joias ao atingirem a maturidade. O Black Country Communion entra na minha opinião no segundo, e lançou com o BCCIV um álbum finalmente digno do seu talento. De repente, a curiosidade veio à tona: o grupo repetiria o sucesso do anterior ou, pelo contrário, cairia no Hard Rock vintage bastante versátil dos três primeiros. Bem, tenho o prazer de informar que valeu a pena esperar por V.

Se "Enlighten" apresenta os pontos fortes do grupo (um riff cativante de Bonamassa, a voz dourada de Hughes, os teclados cativantes de Sherinian, o golpe de lenhador de Bonham) para um Hard Rock mid-tempo eficaz, é realmente o seguinte título que nos mostra que a BCC não pretende fazer muito déjà vu. Assim o funky Hard Rock “Stay Free”, com o seu clavinete e os seus coros Soul, vê o quarteto a entrar em águas onde ainda não os encontrámos juntos, e de uma forma muito bonita. A paquidérmica, mas ainda assim melódica, “Red Sun” demonstra que levar o seu tempo em vez de lançar um álbum por ano é mais adequado para o grupo refinar suas composições. 

Depois de “Restless”, uma balada bluesey que atinge o alvo, “Letting Go” e “Skyway” oferecem Hard Rock puro e vigoroso, mas nada convencional. Por outro lado, “You're Not Alone” produz sons mais épicos com algumas dicas funky como bônus. Aumentamos ainda mais o aspecto épico para um “Love And Faith” com óbvias referências Zeppelinianas que é uma oportunidade para Bonamassa ficar atrás do microfone. O grupo também bate forte em uma emocionante e cativante “Too Far Gone” carregada por um Hughes em grande forma. Terminamos com “The Open Road”, uma pequena joia muitas vezes do Hard Funk que nos convida a sonhar que esta estrada também continua no futuro.

É, portanto, uma excelente safra para Black Country Communion. Oferecendo composições cativantes, caprichadas e que se destacam dos muitos chavões encontrados hoje, V pode ser considerado um álbum entre os mais recomendados nas discografias dos quatro músicos. E certamente um dos sucessos musicais deste ano de 2024!

Títulos:
1. Enlighten
2. Stay Free
3. Red Sun
4. Restless
5. Letting Go
6. Skyway
7. You’re Not Alone
8. Love And Faith
9. Too Far Gone
10. The Open Road

Músicos:
Glenn Hughes: vocais, baixo
Joe Bonamassa: guitarra, vocais
Derek Sherinian: teclados
Jason Bonham: bateria

Produção: Kevin Shirley

CRONICA - ARGENT | Argent (1970)

 

Para muitas pessoas, o nome ARGENT está associado ao título "God Gave Rock n' Roll To You" que foi regravado pelo KISS no início dos anos 90 com letras um tanto modificadas (e com algum sucesso nas paradas europeias). Porém, MONEY não se trata apenas desse título, foi muito mais que isso. Este grupo inglês foi formado em 1969 sob a liderança do tecladista e pianista Rod Argent, após a dissolução do THE ZOMBIES. Ele foi então acompanhado pelo baixista Jim Rodford, outro ex-ZOMBIES, depois pelo vocalista/guitarrista Russ Ballard (que teria uma carreira solo respeitável e se tornaria um compositor prolífico e respeitado) e pelo baterista Robert Henrit.

Depois que a formação do ARGENT foi montada, os músicos entraram em estúdio e elaboraram seu álbum de estreia sem perder tempo. O álbum em questão, sem título, foi lançado em 1970 pela Epic. O trabalho de composição foi dividido entre Rod Argent e Russ Ballard.

Além do trabalho de composição, Rod Argent e Russ Ballard também compartilham os vocais neste primeiro álbum do ARGENT: Rod Argent está atrás do microfone em 4 faixas e Russ Ballard em 6. Ou seja, esses 2 músicos se estabelecem como as cabeças pensantes do grupo. Este álbum homônimo talvez não tenha sido feito para agradar a todos os aficionados do Hard Rock porque realmente não se inclina para essa tendência. Não, é mais entre Pop-Rock, Rock Progressivo e Psicodelia. Em relação às 4 faixas cantadas por Rod Argent, “Like Honey” é uma composição de Pop Rock Progressivo com geometria variável que alterna entre momentos de Rock melódico e passagens acústicas, também se distingue pelas mudanças de direção, além de coros muito presentes. “Dance In The Smoke” é a composição mais longa do disco com 6'23 no relógio e, oscilando entre Pop Psychedelia e Rock Progressivo, revela-se envolvente, leva-o numa viagem, caracterizada por um solo de guitarra estridente, soberbo texturas de guitarra e órgão e se mostra viciante e irresistível. Aparentemente menos emocionante, “The Feeling's Inside” é uma composição Pop Rock salva pela presença de um órgão, que também introduz os procedimentos com uma introdução solene. De natureza psicadélica, “Freefall” é uma composição bastante musculada, rítmica, cheia de vivacidade com coros aéreos, canto contido em contraste, bem como um solo de teclado no meio das hostilidades que permite ao conjunto ficar bem em pé.

Quanto aos outros títulos cantados por Russ Ballard, que são em número de 6, “Liar”, focado em melodias grossas e viciantes, um ritmo que faz bater os pés, sem esquecer um refrão repetido de forma encantatória, e “Schoolgirl” , com seu clima despreocupado mas ainda com um pé nos anos 60, com seu canto leve e suave, seu refrão unificador, estão profundamente imersos no Pop-Rock. Embora mantendo-se fundamentalmente Pop, “Be Free” inclina-se para o Rock Progressivo e destaca-se pelas suas melodias refinadas que acariciam o ouvido, uma secção rítmica que revigora o todo, guitarras mais cortantes no final e apoiadas por um órgão para um resultado muito agradável. Mergulhando de bom grado nas águas da psicodelia, "Lonely Hard Road" também ainda tem um pé nos anos 60, vê o piano e o rogue coexistirem harmoniosamente, os coros de soul respondem ao vocalista e são carregados por um final um tanto desconexo; enquanto “Stepping Stone” é uma composição bastante bem trabalhada, com melodias encantadoras, cada instrumento é bem destacado pela produção e o ritmo groovy e rastejante energiza bem a coisa toda. Por fim, “Bring You Joy” é uma balada de piano abafada, refinada, carregada de emoção, sem embelezamentos que é marcada por uma bela performance vocal de Russ Ballard e é uma daquelas baladas dos anos 70 que merece ser reabilitada.

No geral, este primeiro álbum do ARGENT é bastante interessante com sua parcela de composições refinadas, elegantes e bem polidas. Ao mesmo tempo, destaca a alquimia entre Rod Argent e Russ Ballard. ARGENT revelou ali um potencial muito interessante, principalmente porque os músicos mostraram que eram talentosos. Então, é claro, o álbum e os 2 singles dele extraídos (“Liar” e “Schoolgirl”) falharam nas paradas, mas isso não importava: um primeiro marco havia acabado de ser estabelecido e ARGENT estava tomando forma. para o futuro…

Tracklist:
1. Like Honey
2. Liar
3. Be Free
4. Schoolgirl
5. Dance In The Smoke
6. Lonely Hard Road
7. The Feeling’s Inside
8. Freefall
9. Stepping Stone
10. Bring You Joy

Formação:
Russ Ballard (vocal, guitarra, piano)
Rod Argent (órgão, piano)
Jim Rodford (baixo)
Robert Henrit (bateria)

Rótulo : Épico

Produtores : Chris Argent e Chris White

CRONICA - PESKY GEE | Exclamation Mark (1969)

 

Uma das obscuras formações anglo-saxônicas que surgiram em 1966 em Leicester, 100 km ao norte de Londres. Reúne a cantora Kay Garret, o guitarrista Jim Gannon, o baixista Bob Bond, o baterista Clive Box, a organista Jess Taylor, o saxofonista Clive Jones e o cantor Kip Trevor. O combo se chama Pesky Gee, retirado de um instrumental do grupo Brodley Hoo que incluía Jim Gannon.

Começando no nicho do rhythm & blues, o septette foi notado pela gravadora Pye Records e gravou Exclamation Mark em uma noite nas lojas em 1969.

Composto por 9 músicas, este álbum é composto apenas por covers (Vanilla Fudge, Janis Joplin, Steppenwolf, Jethro Tull, Electric Flag, John Patton, Donovan, Family, The Fairytale…). Porém, alguns são perfeitamente readaptados dando a impressão de serem composições de Pesky Gee. No final obtemos um Lp de soul rock psicadélico com aromas progressivos onde se destacam o órgão À procura, este sax que se inclina para o jazz e esta guitarra que faz incursões pesadas. Um bom compromisso entre Colosseum e Deep Purple Mk1 com Kay Garret e Kip Trevor compartilhando os vocais.

Começamos com uma das atrações do disco, “Outro País” distribuída em 7 minutos. Título feito de síncopes e contratempos, que alterna tempos e climas. Passamos do ritmo e do blues ao sinfônico com esse órgão ingênuo, o estilo sombrio do saxofone e os toques exóticos e até blues das seis cordas elétricas enquanto os vocais de Kip Trevor tentam se afirmar.

O outro destaque fica por conta dos 8 minutos de “Season Of The Witch”, um blues cósmico, stoner, melódico e rastejante. A voz arrastada e nervosa de Kay Garret tenta se aproximar de Janis Joplin, Grace Slick ou mesmo de Aretha Franklin.

De resto encontramos a comovente “Where Is My Mind ”  , a balada romântica “Piece of My Heart”, a dramática e galopante “A Place Of Heartbreak” e a épica “Peace of Mind”.

No meio estão dois instrumentais, “Pigs Foots” e “Dharma For One” com um registro pesado de rhythm & blues sem muita pretensão.

O caso termina com “Born To Be Wild”, onde as intervenções delirantes do sax talvez tenham inspirado Peter Hammill a reorientar musicalmente o seu Gerador Van Der Graaf.

Em suma, mesmo que devamos concordar que tudo isto envelheceu mal, não oferecendo nada de novo no final dos anos setenta, o resultado ainda é bom.

Enquanto o grupo gravava uma demo para um segundo álbum, Kay Garret deixou Pesky Gee para ser esquecido. Desanimados, os membros restantes continuam a aventura sob o nome de Viúva Negra.

Títulos:
1. Another Country   
2. Pigs Foots  
3. Season Of The Witch       
4. A Place Of Heartbreak     
5. Where Is My Mind?         
6. Piece Of My Heart
7. Dharma For One   
8. Peace Of Mind      
9. Born To Be Wild

Músicos:
Kay Garret, Kip Trevor: vocais
Clive Jones: saxofone
Jim Gannon: guitarra
Zoot Taylor: órgão
Bob Bond: baixo
Clive Box: bateria

Produção: Pesky Gee

Franco Battiato – Messa Arcaica (1994, CD, Italy)

Milva – E Dintorni (1982, LP, Italy)

MILVA | MILVA E DINTORNI

Ricordi 1982

Lato 1
1. ALEXANDER PLATZ

(F. Battiato, A. Cohen, G. Pio)
2. L'AEROPLANO
(F. Battiato, G. Pio)
3. POGGIBONSI
(F. Battiato, G. Pio)
4. NON SONO BUTTERFLY
(F. Battiato, G. Pio)

Lato 2
1. TEMPI MODERNI
(F. Battiato, G. Pio)
2. A COSA PENSI
(F. Battiato, Gallerani, G. Pio)
3. LE DONNE
(F. Battiato, G. Pio)
4. LA PASSIONE SECONDO MILVA
(F. Battiato, G. Pio)
5. IN SILENZIO
(F. Battiato, G. Pio)

Filippo Destrieri: tastiere
Paolo Donnarumma: basso
Flaviano Cuffari: batteria
Alberto Radius: chitarra

Giusto Pio: scrittura e direzione archi
Madrigalisti di Milano: coro

Arrangiamenti: Franco Battiato e Giusto Pio

Prodotto da Franco Battiato
Collaborazione artistica: Alberto Radius
Registrato presso lo "Studio Radius" di Milano
Ingegnere del suono: Enzo "Titti" Denna
Transfer: Marco Inzadi
Coordinamento: Sergio Poggi
Copertina: Francesco Messina
Foto: Elisabetta Catalano
Cieli: Pietro Cattaruzzi

Etichetta: RICORDI
Catalogo: SMRL 6286
Data di pubblicazione: 1982
Distribuito da Dischi Ricordi S.p.A.