1956 - Blossom Dearie

 

01 - 'Deed I Do
02 - Lover Man
03 - Everything I've Got
04 - Comment Allez Vous
05 - More Than You Know
06 - Thou Swell
07 - It Might as Well Be Spring
08 - Tout Doucement
09 - You for Me
10 - Now at Last
11 - I Hear Music
12 - Wait Till You See Her
13 - I Won't Dance
14 - A Fine Spring Morning
15 - They Say It's Spring
16 - Johnny One Note
17 - Blossom's Blues

MUSICA&SOM

1958 - Baptista Siqueira - Cangerê (José Siqueira, Alice Ribeiro)

 

Cantata em tupi. Música e letra de BAPTISTA SIQUEIRA
Para côro misto, orquestra sinfônica e soprano

Solista: ALICE RIBEIRO

Coral: Murillo de Carvalho - Regente: JOSÉ SIQUEIRA

"A palavra CANGERÊ foi registrada pela primeira vez no século XVI por Jean de Léry em sua famosa obra "Viagem à Terra do Brasil", quando trata da "religião dos selvagens". A obra de Jean de Léry é da mais alta significação para nosso país, seja no domínio histórico, etnológico ou musical: fornece têrmos, ritmos e até mesmo contos dos Tupinambás e Tamoios do tempo colonial, anteriores à chegada do elemento negro ao solo do Brasil. O viajante do século XVI que nos fornece tão precioso acervo intelectual é, entretanto, um simples missionário calvinista que viera ao Brasil ajudar Villegagnon na construção da malograda França Antártica.

Em 1956 foi iniciado o trabalho de composição da Cantata CANGERÊ, na base do sistema que o autor chamou de Pentamodalismo Nordestino, divulgado em obra especializada. O processo pentamodal se orienta em cinco escalas modais encontradas na temática popular do alto sertão, notadamente nos Estados da Paraíba, Ceará e Pernambuco. A forma estrutural das sete Catiras que compõem a Cantata CANGERÊ obedece ao corte da canção popular brasileira, incluindo-se, obrigatoriamente, duas temáticas contrastantes. O ambiente harmônico nasce das próprias escalas utilizadas na construção melódica. Os modos em que foram escritos os cantos sagrados, ou catiras, têm caráter místico determinado. Nascem daí grupos rítmicos que sintetizam o conjunto das circunstâncias que estão, por seu turno, ligados às celebrações rituais de povos silvícolas. É necessário frisar, todavia, que os ameríndios faziam seus festivais sagrados sob a direção de Caraibas, empregando, de preferência, coros e instrumentos suaves e não as buzinas estridentes que usavam nos momentos de combate ou nos poracés.

Nesta cantata o autor evoca certos motivos da Teogonia Tupi, na língua geral, através de dados obtidos nas distantes regiões do Brasil Central e instrumentos originais dos indígenas brasileiras, tais como: INKÉ (instrumento de invocação da Iara); IUXÉ (instrumento de invocação do caboclo Cachoreira); ARREMÊDO de Inambu e Jacutinga.

A tradição do CANGERÊ, como festa mágico-religiosa, foi assinalada entre remanescentes paracanãs do alto Tocantins, no início dêste século, segundo pesquisas fornecidas ao autor por seu discípulo Dr. Niedermeyer, de Goiânia."

MUSICA&SOM

BREAK ANCHOR

 

Break Anchor é uma banda de punk rock formada em 2011 pelo vocalista Jason Navarro (Suicide Machines). Complementam a banda: Kyle Green (guitarra/vocal), Cris Golan (baixo), e Dan Stover (bateria). O grupo faz um punk rock a moda dos anos 90 buscando influências em nomes como Operation Ivy, Crimpshire e Green Day. Após lançarem alguns singles, em 2015 sai seu primeiro e único álbum In a Van Down by the River, que figurou entre o top de melhores discos do ano em diversos sites.

 

 

 In a Van Down by the River (2015)

 

1 - First World Problems
2 - I'm Sorry
3 - Fell Apart
4 - Bang Bang
5 - West Alexandrine
6 - Gone
7 - Beyond Occupy
8 - 18 Winters
9 - Down and Out
10 - DTFWKWTME
11 - Acronyms
12 - Black Hearts and Blackouts
13 - 2,000 Miles
 

MUSICA&SOM

 

Ske "1000 Autunni" (2011)

 

Nos círculos vanguardistas, Paolo 'Ske' Botta é uma figura significativa. Organista da formação italiana RIO Yugen ; a pessoa que participou da criação do disco “This is What We Do” (2006) da animadora norte-americana French TV ; finalmente, um compositor que resolve problemas atípicos no âmbito do rock progressivo. O maestro demonstrou claramente este último aspecto no álbum de estreia de seu projeto solo Ske . Isto encantou a crítica, que declarou “1000 Autunni” o melhor álbum de 2011. Vamos tentar considerar imparcialmente os componentes do programa.

Botta conseguiu abordar o traçado do exótico jardim de flores de “outono” com o discernimento de um jardineiro experiente. Tendo concentrado em seu arsenal uma linha analógica de teclados (órgão Hammond, Mellotrons de diversas modificações, pianos elétricos, ARP, Farfisa e outras alegrias), o iniciador do evento convidou diversos convidados para cooperar. Entre eles estão colegas de Yugen ( Francesco Zago - guitarra, Maurizio Fasoli - piano, Mattia Signo - bateria, Enrica di Bastiano - harpa), membros da banda francesa de jazz-rock Camembert Pierre Vavryniak (baixo) e Fabrice Toussaint (idiofones, trompete , percussão), o sopro de sessão Valerio Cipollone , o flautista Nicholas Nicolopoulos ( Ciccada ), o famoso saxofonista-improvisador suíço Markus Stauss ( Spaltklang , Überfall , Ulterior Lux , Zauss , Finnegans Wake , Yugen , solo) e outras pessoas boas. Botta usou os recursos confiados com extrema sabedoria. Como resultado, temos uma sequência de faixas bem ordenada que merece um estudo cuidadoso.

Os artistas atacam rapidamente. A introdução de "Fraguglie" leva o ouvinte com pressa: "Hammond", clarinetes, sax, guitarra, seção rítmica, glockenspiel, vibrafone... Além disso, o esperado pandemônio não se observa. Pelo contrário, a peça caracteriza-se pela transparência sonora e, se preferir, pela graça de câmara em episódios desprovidos de pressão agressiva. A intriga de "Denti" é baseada em uma combinação de melancolia gótica sinfônico-prog no espírito do quarteto Island com toques retrô de vanguarda. Dotada de uma vocalização maravilhosa de Roberta Pagani, a coisinha "Carta e Burro" lembra uma versão mais animada das criações da britânica Karda Estra . O poder polifônico da arte italo dos anos setenta desperta na estrutura do filme de ação "Scrupoli", e a orientação de gênero de "Delta" é até tentadora de ser apelidada de termo artificial 'música de cinema'. Uma série de curtas-metragens espalhados pela paleta, “Scogli” foi projetado para refletir os interesses de câmara de Botta. E obras acadêmicas como “Sotto sotto” revelam nele um autor bastante ambicioso, enquanto a extravagância RIO de obras como “Múmia” é de natureza condicionalmente limítrofe. A complexa sala "La nefazia di Multatuli" é uma fusão maravilhosa do som de Canterbury à la National Health / Hatfield & the North com detalhes filarmônicos. O capítulo final de "Rassegnati" parece uma atração total, onde há lugar para estranhas partes vocais e instrumentais (síntese especulativa de humores: Henry Cow + conjunto "Horizon" ), fragmentos de uma missa de catedral, hard rock sinistro e expressivo pureza das linhas da câmara...

Resumindo: um mosaico extremamente interessante e habilmente composto, apresentando sob uma luz favorável a riqueza textural dos contornos da vanguarda progressista. Eu recomendo.

MUSICA&SOM

Caravan "For Girls Who Grow Plump in the Night" [plus 5 bonus tracks] (1973)

 

1972 marcou o processo de mudanças de pessoal nas fileiras da Caravana . O organista Dave Sinclair foi o primeiro a se apresentar . Substituindo-o rapidamente por Steve Miller , a banda de Canterbury criou o álbum "Waterloo Lily". Acabou não sendo ruim, embora não seja comparável em nível à obra-prima "Na Terra do Cinza e do Rosa". Então veio um momento de turbulência mental para o baixista/vocalista Richard Sinclair . Sentindo um forte apego aos pontos de referência do jazz, Rich ficou sobrecarregado com seu próprio papel no grupo. Uma explicação difícil ocorreu com o líder Pie Hastings (guitarra, voz), e ele relutantemente deixou seu velho amigo ir. Em 25 de junho de 1972, Caravan tocou com Genesis no Solihull Civic Hall, após o qual Sinclair e Miller deixaram a banda. Logicamente, o conjunto deveria ter se dissolvido. Mas não estava lá. Hastings, junto com o baterista Richard Coolan, convenceu o empresário Terry King a organizar audições para candidatos a baixista e tecladista. Stuart Evans e Derek Austin logo preencheram os cargos vagos . E a principal aquisição do Caravan foi o jovem violista/flautista Peter Geoffrey Richardson , aluno do Winchester College of Art, cujo estilo de tocar literalmente encantou Pye. O batismo de fogo dos recrutas ocorreu na França. Ao final da turnê, os músicos foram ao Chipping Norton Studios (Oxfordshire), onde começaram a ensaiar material inédito. Durante as sessões, Hastings decidiu romper com Austin. "A escrita de Derek foi fortemente influenciada pelo som de Hammond. O problema é que não parecia em nada com o nosso estilo." Como presente de despedida de Austin, eles herdaram a instrumental de 11 minutos "Derek's Long Thing" (o bônus final do disco). Depois houve turnês na Austrália e outra mudança de formação. Pye conseguiu trazer de volta Dave Sinclair + recrutar o superbaixista John G Perry . Como resultado,a Caravan implementou um de seus melhores programas.

Surpreendentemente, as dificuldades com a equipe não afetaram em nada o conteúdo do longo jogo. "For Girls Who Grow Plump in the Night" irradia felicidade. Quente, suave, como uma chuva lenta de junho. Alguma tensão ainda emerge na estrutura da introdução estendida "Memory Lain, Hugh / Headloss", mas as cordas de Richardson e o amplo acompanhamento de metais do octeto de trompas liderado pelo irmão de Pye, Jimmy Hastings , imbuem o impulso do rock seco com sabor polifônico. O travesso "Hoedown" brilha com ironia curativa, e o aspecto lírico prevalece no contorno da brilhante peça "Surprise, Surpise". Um estranho esboço sob o letreiro "C'thlu Thlu" demonstra exercícios interessantes com psicodelia. E mais uma vez o dom melódico do mentor faz-se sentir - desta vez acompanhado pela magnífica canção "The Dog, The Dog, He's at It Again" (Mr. Perry é a segunda voz aqui). O colorido panorama artístico de "Be Alright / Chance of a Lifetime" destaca a presença do violoncelo elétrico de Paul Buckmaster . O principal destaque do lançamento é o épico final "L'Auberge Du Sanglier / A Hunting We Shall Go / Pengola / Backwards / A Hunting Shall We Go (Reprise)" - um triunfo do pensamento progressista, apoiado por um poderoso arranjo orquestral de Martin Ford (maestro) e John Bell .

Resumindo: um ato brilhante, que foi o último grande sucesso do período das Caravanas dos anos setenta. Um item obrigatório para os fãs de 'Canterbury' e adeptos do progressivo vintage britânico. 

MUSICA&SOM

Wigwam "Being" (1974)

 

Longplay "Being" é um capítulo bastante estranho na biografia dos "Índios" - Suomi. Apesar do óbvio progresso ideológico e do orgulhoso status de “álbum do ano” nas paradas nacionais, o quarto filho não se tornou família de Jukka Gustafson (vocal, teclado) e Pekka Pohjola (baixo, violino, piano, sintetizador). Tendo-o trazido ao mundo, ambos decidiram deixar Wigwam . A partir de agora, Jim Pembroke (vocal, piano) tornou-se o dono da situação , dando novas diretrizes ao grupo. No entanto, essa é uma história completamente diferente. Não iremos além do quadro situacional e tentaremos avaliar objetivamente a ideia conjunta dos finlandeses.

O conceito de "Ser" deve bastante loucura à imaginação de Gustavson. Foi Yukka quem conseguiu preencher a textura luxuosa do musical progressivo com coisas absolutamente inimagináveis, como o Manifesto do Partido Comunista. E para não parecerem aos seus compatriotas rebeldes marginais, os líderes supremos do Wigwam coloriram a ação com elementos cosmogônicos, bizarras digressões lírico-fantásticas e teatro de vanguarda do absurdo cômico.

O parágrafo introdutório de “Proletarian” é tecido a partir de matéria psicodélica obscura, multiplicada por excursões de piano bastante tradicionais para o grupo. Fluindo sem pausa na minifaixa "Inspired Machine", a performance alegre de Gustavson and Co. adquire características de cabaré + pesado volume de sintetizador polifônico. No espaço do esboço "Petty-Bourgeois" Pembroke aceita a palavra do autor. Depois disso, ele transforma o enredo em um vaudeville total com máscaras vocais artísticas e generosos rolos de órgão. A composição do conjunto Gustavson / Pohjola "Orgulho da Biosfera" é caracterizada pela recitação sobre um fundo de teclado neobarroco (lembro-me de Focus com seu apelo ocasional aos motivos da antiguidade flamenga). O ato de matar carne progressiva leva 9 minutos e 11 segundos. É exatamente assim que dura o épico “Pedagogue” - uma curva jazzística pseudo-Canterbury, desenhada pela mão firme do maestro Yukka. No campo intrincadamente alinhado do afresco "Crisader", a equipe decola: o calor do Hammond, um piano empinado, uma seção rítmica amigável... A composição cativa com sua simbiose magistral de descuido e técnica de execução sofisticada . Talvez apenas os escandinavos sejam capazes disso. A peça sutil “Planetist” demonstra o gênio criativo do bigodudo e bem-humorado Pekka: há um violino e abundante acompanhamento de metais (há cerca de sete clarinetistas/saxofonistas/flautistas convidados) e uma parte auxiliar do mini-Moog diretamente de Pohjola. A obra motívica “Maestro Mercy”, escrita por Jim, brilha como um colar de balada e canção de ninar. Em seguida vem o hábil amálgama de fusão "Prophet", que em muitos aspectos antecipa a receita do Reino Unido (uma fusão educada de arte e jazz, embora sem intervenção de guitarra). A conclusão é o bravura finale de “Marvelry Skimmer”, onde, apesar das notas “cerimoniais”, transparecem notas sentimentais e melancólicas...

Resumindo: um passeio sonoro maravilhoso dos criadores de tendências do rock progressivo finlandês. Não aconselho nenhum fã retrô a ignorá-lo.

MUSICA&SOM

DISCOS QUE DEVE OUVIR - Milltown Brothers - Slinky 1991 (UK, Jangle Pop)

 

Milltown Brothers - Slinky 1991 (UK, Jangle Pop) Música: Milltown Brothers Local: Inglaterra Álbum: Slinky Música: 1991 Música: Jangle Pop Duração: 40:40 Tracks: 01. Apple Green (Matt Nelson, Simon Nelson) - 3:13 02. Here I Stand (Matt Nelson, Simon Nelson) - 3:37 03. Sally Ann (Matt Nelson) - 4:52 04. Which Way Should I Jump? (Matt Nelson, Simon Nelson) - 3:53 05. Nationality    (Matt Nelson) - 5:06 06. Never Come Down Again (Milltown Brothers) - 4:03 07. Something Cheap (Matt Nelson, Simon Nelson) - 2:50 08. Seems To Me (Milltown Brothers) - 4:19 09. Sandman (Matt Nelson) - 3:05 10. Real (Matt Nelson) - 5:42 Personnel: - Matt Nelson - vocals, guitar - Simon Nelson - guitar - Barney Williams - organ, piano - James Fraser - bass - Nian Brindle - drums + - Dave Meegan - producer MUSICA&SOM

Steve Tilston - An Acoustic Confusion (Rare Folk UK 1971)

 

Imagine caminhar por uma estrada rural isolada e tropeçar em um convidativo poço de natação (você sabe, como um de um antigo anúncio da Country Time Lemonade ou do The Andy Griffith Show) e pular esperando um alívio agradável do calor simples, mas em vez disso encontrar a água mais espessa, como se de alguma forma estivesse fazendo um balanço da sua própria essência; memorizando o que o afeta, o que faz com que você se lembre de uma pessoa ou incidente calorosamente, encaixando-se tão perfeitamente em seu subconsciente que inicialmente você não consegue entender o quão profundamente ele realmente capturou todas as coisas infinitesimais que compõem quem você é. 

Do que diabos estou falando, você pergunta? Bem, Steve Tilston faz exatamente isso em termos musicais com "An Acoustic Confusion". Gostei na primeira audição, mas levou quatro ou cinco audições até que a profundidade da conquista de Tilston se tornasse completamente evidente para mim. Como minha analogia de água espessa, essa música percorre seu coração e sua cabeça até que ambos tomem a medida completa um do outro e achem o ajuste estranhamente complementar. 

A faixa de abertura, "I Really Wanted You", é uma daquelas músicas que parecem tão em casa na sua mente que parece que você a conhece desde a infância. Talvez ela lance pequenos lampejos de luz sobre algumas memórias escondidas, mas o efeito é reconfortante. Em outro lugar, "It's Not My Place To Fail", apresenta os vocais lindamente justapostos de Tilston e Dave Evans, e o efeito geral é hipnotizante, como dois aspectos da mesma alma, simplesmente e honestamente, deixando você saber como ela é. "Train Song" mostra uma guitarra incrivelmente ágil e veloz de Tilston, onde, como ele coloca nas notas do encarte, sua guitarra "tenta imitar o ritmo de um trem em alta velocidade". Posso confirmar que sua tentativa é evocativamente bem-sucedida.  Instrumentalmente, o álbum está com segurança no reino da tradição folk simples, mas esta música é sutil, mas intrinsecamente diferente, dessa forma que Vashti Bunyan difere, digamos, do folk de Pete Seeger. Tilston é um guitarrista, vocalista e letrista surpreendentemente maduro e inventivo (ele tinha apenas vinte anos quando gravou isso) e a vibe está na mesma tradição de Nick Drake, Al Stewart e até mesmo Don McLean, sem realmente soar como nenhum deles. Sua voz é notavelmente completa e segura, forjando um caminho único todo seu. É por isso que comparações com outros músicos (como vários críticos tentaram) são úteis no caso de Tilston apenas como um ponto de partida. Realmente é inútil fazer comparações profundas com outros artistas. 

A aparente simplicidade dessas letras esconde uma profundidade de emoção que é muito mais do que a óbvia coleção de meras palavras. A poesia em si pode ser enganosamente simples, ao mesmo tempo em que contém mensagens muito mais profundas do que inicialmente assumido, e o efeito geral aqui, de violões, gaita ocasional, contrabaixo e violino, com vozes nítidas à frente, é um exemplo musical dessa verdade.  Os detalhes muito humanos nas palavras de Tilston, muitas vezes detalhando amor não correspondido, um relacionamento fracassado ou uma boa lembrança de infância, são completados e totalmente "poéticos" pela estrutura musical confortável.  Essa música é água espessa e, se você permitir, ela fará um balanço de você e, logo depois, você fará dela aquela estranha dança de natação entre música e ouvinte que é uma coisa rara e especial. Vire à esquerda na próxima bifurcação na estrada e, quando encontrar aquele pequeno lago plácido, mergulhe

♫♪  Guitar, Vocals – Dave Evans, Steve Tilston
♫♪  Violin – Pete Finch
♫♪  Harmonica, Vocals – Keith Warmington
♫♪  Bass [String Bass] – John Turner

01. I Really Wanted You  04:31
02. Simplicity  03:49
03. Time Has Shown Me Your Face  03:51
04. It's Not My Place To Fail  04:05
05. Train Time  03:39
06. Sleepy Time On Peel Street  03:51
07. Prospect Of Love  02:31
08. Green Toothed Gardener  03:29
09. Normandy Day  03:12
10. Rock & Roll Star  04:56

Bonus Tracks
11. Show A Little Kindness  05:00
12. The Price Of Love  04:17

Bee Gees - Odessa (Maybe Their Best Album UK 1969)

 

Os membros do grupo podem discordar por motivos pessoais, mas Odessa é facilmente o melhor e mais duradouro álbum dos Bee Gees da década de 1960. Foi também seu sucesso mais improvável, devido aos conflitos por trás de sua produção. 

O projeto começou como um álbum conceitual que se chamaria "Masterpeace" e depois "The American Opera", mas diferenças musicais entre Barry e Robin Gibb, que dividiriam o trio em dois, também forçaram o abandono do conceito subjacente. 

Em vez disso, tornou-se um LP duplo — em grande parte a mando de seu empresário e das gravadoras; curiosamente, dado que o grupo não planejava fazer algo tão ambicioso, Odessa é um dos talvez três álbuns duplos de toda a década (os outros sendo Blonde on Blonde e The Beatles) que não parecem forçados, e também serviu como o álbum mais densamente orquestrado do grupo.  No entanto, em meio aos sons de rock progressivo da faixa-título e baladas etéreas como "Melody Fair" e "Lamplight", havia músicas com sabor country como "Marlery Purt Drive" e o número bluegrass vagamente Dylanesco "Give Your Best", delicadas baladas pop como "First of May" (que se tornou o single do álbum) e números de rock estranhos e excêntricos como "Edison" (cuja introdução soa como os Bee Gees parodiando "White Room" do Cream) e "Whisper Whisper" (este último apresentando uma pausa de bateria, nada menos), intercalados com três instrumentais fortemente orquestrados.  Até mesmo os números aparentemente "menores", como "Suddenly", tinham ganchos cativantes e partes envolventes de violão acústico para carregá-los, todos reminiscentes dos cortes do álbum do Moody Blues da mesma época. Além disso, a faixa-título, com sua mistura de violão acústico, violoncelo solo e orquestra completa, era digna do Moody Blues em seu momento mais ousado.  A miríade de sons e texturas fez de Odessa o álbum mais complexo e desafiador da história do grupo, e se alguém aceita a noção dos Bee Gees como sucessores dos Beatles, então Odessa era sem dúvida o Sgt. Pepper's deles. O álbum foi originalmente embalado em uma capa de feltro vermelho com letras douradas na frente e atrás e uma elaborada pintura de fundo para o interior gatefold, o que o tornou um assunto de conversa. 

01. "Odessa (City on the Black Sea)"  07:33
02. "You'll Never See My Face Again"  04:16
03. "Black Diamond"  03:27
04. "Marley Purt Drive"  04:26
05. "Edison"  03:07
06. "Melody Fair"  03:48
07. "Suddenly" Maurice  02:29
08. "Whisper Whisper"  03:24
09. "Lamplight" Robin  04:47
10. "Sound of Love"  03:27
11. "Give Your Best"  03:26
12. "Seven Seas Symphony"  04:09
13. "With All Nations (International Anthem)"  01:46
14. "I Laugh in Your Face"  04:09
15. "Never Say Never Again"  03:28
16. "First of May"  02:50
17. "The British Opera"  03:17

Various Artist - Psychedelic Minds Vol.1 Underground US 1967-71

 

As bandas desta seleção representam o ponto de ebulição inovador do breve movimento mundial de rock psicodélico entre 1967-71.

Abra a imagem em uma nova janela para 100%

As bandas nesta seleção representam o ponto de ebulição inovador do movimento mundial de rock psicodélico de curta duração entre 1967-71, os anos em que o garage punk evoluiu para o heavy rock psicodélico com suas paisagens sonoras mais amplas e improvisações complexas. O Vol. 1 contém uma dúzia de músicas de 45 rpm de mensageiros psicodélicos perdidos (8 bandas dos EUA, uma da Alemanha, Peru e França).  Os grupos são Blackrock, Sound Machine, Yesterday´s Obsession, Mastermind, Sangre Mexicana, Bhagavad Gita, Protein Bros, Purple Canteen, Los Nuevos Shains, Blow Mind e o lado A e B do lendário Dirty Filthy Mud. Cerca de metade das músicas são inéditas e aparecem em qualidade de som impressionante e com pôster-livreto de 12 p.  Aproveite esta lição de 45 minutos como os alunos do Dr. Leary fariam: Ligue, Sintonize, Ouça novamente!  Esta série de compilações apresenta o ponto de ebulição dos sons psicodélicos underground internacionais entre 1967-71: os anos em que o punk de garagem evoluiu para o rock psicodélico pesado com suas paisagens sonoras mais amplas e improvisações complexas. O VOL. 1 contém uma dúzia de músicas de 45 rpm de mensageiros psicodélicos perdidos (8 bandas dos EUA e 1 de cada uma das seguintes: Alemanha, Peru e França). 

Dirty Filthy Mud (Faixa 11 + 12): 
De Oakland, Califórnia, essa banda gravou seu único 45 no Sierra Sound Labs em Berkeley. Foi lançado em uma capa de papelão grosso como os Frumious Bandersnatch e Country Joe and The Fish EP's (o que explica por que é frequentemente chamado de "EP"!). The Forest Of Black é uma das gravações mais descaradamente psicodélicas da cena dos anos 60 da Bay Area, com efeitos eletrônicos selvagens e letras drogadas que parecem ter sido inspiradas por Country Joe's Bass Strings. O 45 original se tornou muito caro e quase impossível de ser localizado a qualquer preço. 

01.Blackrock - Black Cloud Overhead (1969) - 3.36
02.Sound Machine - Woman (1971) - 3.52
03.Yesterday's Obsession - The Phycle (1968) - 3.11
04.Mastermind - Turn Of The Head (1969) - 3.31
05.Sangre Mexicana - Good Cause (1970) - 2.48
06.Bhagavad Gita - Long Hair Soulful (1968) - 5.45
07.Protein Bros - Drainpipe (1971) - 2.52
08.Purple Canteen - Brains In My Feet (1968) - 4.05
09.Los Nuevos Shains - Looking You (1971) - 3.37
10.Blow Mind - They´re Coming (1970) - 6.12
11.Dirty Filthy Mud - Morning Sun Flower (1967) - 2.40
12.Dirty Filthy Mud - The Forest of Black (1967) - 3.02

Bonus Tracks:
13.Catfish Knight And The Blue Express (1968) - Deathwise - 2.55
14.Changin' Tymes - Blue Music Box (1968) - 2.14
15.Mammoth - Mammoth (1970) - 3.29
16.Electric Prunes - Vox Wah Wah Spot - 01.03
17.Vox Wah Wah Promo Spot - 05.18
18.Thor's Hammer - My Life (UK 1967) - 02.21
19.The Evil I - Love Conquers All (1968) - 02.57
20.Mind Garage - Asphalt Mother (1968) - 05.11