Equivocadamente citado com o nome de Mote e glosa em vários textos publicados em mídia impressa e digital, o primeiro álbum do cantor e compositor cearense Antonio Carlos Belchior (1946 – 2017) volta ao catálogo simultaneamente nos formatos de LP e CD, ambos com lançamento previsto para este mês de março de 2018. Intitulado tão somente Belchior, o álbum foi lançado originalmente em 1974 pela extinta gravadora Chantecler.
Fabricado em vinil de 180 gramas, o LP chega às lojas dentro da série Clássicos em vinil. Já o CD virá embalado na caixa Tudo outra vez, produzida por Renato Vieira com remasterizadas edições em CD dos seis álbuns do artista – Belchior (1974), Coração selvagem (1977), Todos os sentidos (1978), Belchior (1979), Objeto direto (1980) e Paraíso (1982) – que pertencem ao acervo da gravadora Warner Music.
Lançado sem repercussão na época, o primeiro álbum de Belchior apresentou a gravação original de Todo sujo de batom, música erroneamente grafada na capa original do álbum como Todo sujo de baton. Já a composição A palo seco tinha sido lançada por Belchior em obscuro compacto de 1973 enquanto Na hora do almoço tinha sido defendida em festival exibido em 1971 pela extinta TV Tupi.
O repertório do álbum Belchior inclui pérolas raras como Passeio, pescada pela cantora conterrânea Amelinha para o repertório do álbum De primeira grandeza – As canções de Belchior (2017), lançado em outubro do ano passado.
A1 - Mote E Glosa A2 - A Palo Seco A3 - Senhor Dono Da Casa A4 - Bebelo A5 - Máquina I B1 - Todo Sujo De Batom B2 - Passeio B3 - Rodagem B4 - Na Hora Do Almoço B5 - Cemitério B6 - Máquina II
Já está disponível na Internet o filme ANUNNAKI – Mensageiros do Vento, a primeira ópera rock em desenho animado do Brasil e do mundo, outra novidade que só podia mesmo acontecer na Bahia! O projeto, que foi selecionado no Edital de Música do Fundo de Cultura e patrocinado pela Secretaria de Cultura da Bahia, conta com o apoio do Athelier PHNX, da Servdonto do Massa Sonora Estúdio e da Staner Audioamérica.
A história do filme é inspirada nos estudos de Zecharia Sitchin e outros grandes pesquisadores da Suméria, a primeira civilização humana conhecida. As tabuletas sumérias, que só muito recentemente foram traduzidas, representam o mais antigo registro histórico conhecido, apresentando uma versão muito desafiadora sobre as origens da humanidade. A trilha sonora do filme é composta por 28 faixas, que contam a saga dos Anunnaki, palavra suméria que significa “aqueles que do céu para a terra vieram”. De acordo com as tabuletas, os Anunnaki vieram ao nosso planeta em busca de ouro, há muitos milhares de anos. E foi assim que incidentalmente criaram a raça humana, ao misturar os seus genes com os de uma primitiva espécie nativa.
O filme é dirigido por Fabrício Barretto, que também compôs todas as músicas da trilha sonora juntamente com seu irmão Fabio Shiva. Esta mesma dupla de compositores foi responsável por outra ópera rock marcante: o álbum VIDA – The Play of Change, da banda Imago Mortis, lançado internacionalmente e recentemente considerado pela Revista Roadie Crew um dos melhores discos de heavy metal já gravados no Brasil.
A banda Mensageiros do Vento é formada por Fabrício Barretto (voz e guitarra), Julio Caldas(guitarra), Fabio Shiva (baixo) e Thiago Andrade (bateria). Richard Meyer é o produtor artístico do projeto. A produção executiva é de Analu Franca. Muitas participações especiais de artistas convidados abrilhantam ainda mais a trilha sonora: Luciano Campos, Carlos Lopes, Tassio Bacelar, Kiko Souza, José Rios, Kekedy Lucie e Eneida Lima.
SINOPSE: ANUNNAKI - Mensageiros do Vento é uma Ópera Rock em desenho animado. A história é livremente inspirada nas traduções das antigas tabuletas de argila da Suméria, tidas por muitos como a primeira civilização humana. O filme conta a saga dos Anunnaki, “aqueles que do céu para a terra vieram”, tal como é contada nas tabuletas sumérias. Vindos de Nibiru, os Anunnaki buscam o ouro da Terra para solucionar o desequilíbrio na atmosfera de seu planeta natal. E assim criam a espécie humana, ao misturar seus genes a uma raça nativa, com o objetivo de obter trabalhadores para as minas de ouro. Então uma nova aproximação de Nibiru provoca um dilúvio que quase extermina a humanidade, que logo em seguida enfrenta outro grave perigo: disputas de poder entre os Anunnaki, culminando na deflagração de armas nucleares.
Na década de 70 houve muitas tentativas de fundir o flamenco com o rock. Grupos como Smash, Triana ou o próprio Camaron fizeram diversas gravações onde as duas culturas apertaram as mãos. Mas antes de tudo isto, em meados dos anos 60, dois pioneiros já o tinham tentado com pouco sucesso. Quero dizer, Sabicas e Joe Beck, eles gravaram um álbum que passou completamente despercebido.
Vale lembrar quem foram esses dois intrépidos músicos.
Sabicas (Agustín Castellón Campos) nasceu em 1912 em Pamplona. Quando ainda era criança, seus pais compraram-lhe um violão por 17 pesetas. Ele aprendeu sozinho a tocar e estreou no teatro Gayarre em juramento de bandeira. Por motivos familiares teve que se mudar para Madrid e aos 10 anos estreou-se no teatro Eldorado. Durante alguns anos foi fiel seguidor de Ramón Montoya, violonista flamenco e parente de sua mãe. Na década de 1930 trabalhou como acompanhante de Juan Valderrama, Estrellita Castro, Imperio Argentina e Antonio el de la Calzá, entre outros. Durante a guerra civil decidiu deixar a Espanha, fazendo uma extensa turnê com Carmen Amaya pela América do Sul e em 1940 deu o salto para os Estados Unidos, apresentando-se dois anos depois no Carnegie Hall de Nova York. Durante cinco anos fez diversas turnês pela América do Norte até se mudar para o México, onde se casou. Em 1955 Carmen Amaya o contratou para uma nova turnê pelos EUA, mudando-se definitivamente para Nova York. Colaborou extensivamente com Mario Escudero com quem gravou três discos e se dedicou a turnês por todo o continente. Sua produção musical é enorme, com mais de 40 álbuns de estúdio e inúmeros álbuns ao vivo. Em 1967 regressaria a Espanha para dar um concerto na IV Semana de Estudos Flamenco de Málaga e em 1982 Pamplona dedicar-lhe-ia o seu San Fermines. Na década de oitenta colaborou com Enrique Morente no álbum "Morente-Sabicas. Nova York / Granada". Em 1990 recebeu nova homenagem no Carnegie Hall, falecendo em abril daquele ano.
Joe Beck nasceu na Filadélfia em 1945, mudando-se para Manhattan, onde iniciou sua carreira musical. Aos 18 anos colaborou com Stan Getz e em 1967 gravou com Miles Davis. Um ano depois juntou-se à orquestra de Gil Evans. Seu primeiro álbum chegou em 69, "Nature boy" e depois chegariam quase trinta. Joe colaborou com Louis Armstrong, Duke Ellington, Buddy Rich, Woody Herman, Miles Davis, Maynard Ferguson, Howard Roberts, Tommy Tedesco, Larry. Coryell, John Abercrombie, Tom Scott, Jeremy Steig, Frank Sinatra, Gloria Gaynor e muitos mais. Ele morreu de câncer de pulmão em 2008.
Rock Encounter foi gravado nos estúdios A&R na 7ª Avenida de Nova York em 1966, embora demorasse quatro anos para chegar às lojas. Sabicas (guitarra flamenca) e Joe Beck (guitarra elétrica) foram acompanhados por Diego Castellón (guitarra, irmão de Sabicas), Tony Levin (baixo). Donal McDonald (bateria) e Warren Bernhardt (teclados).
O álbum começa com "Inca Song", árias de flamenco misturadas com melodias andinas que dão lugar a um solo frenético de Joe Beck e uma bateria diabólica de McDonald. “Joe's Tune”, entrada maravilhosa de Sabicas, que lindo o violão flamenco tocado por um gênio. Aos poucos o grupo entra de forma mais lenta que a música anterior e com maior integração. Nesta composição há uma verdadeira fusão. "Zapateando", o título é bastante descritivo, é um flamenco zapateado que dá lugar ao rock novamente com um Joe Beck no estilo rock psicodélico. Em “Zambra” novamente a integração do flamenco e do rock é bastante boa. Sabicas impressionantes. Palmas simples de flamenco é o que encontramos em “Palmas” de apenas 30 segundos. Em “Flamenco Rock” encontramos mais uma vez duas partes muito diferentes, o rock na parte inicial e final e o flamenco na parte central. "Bulerías" é a única que não é instrumental. Puramente flamenco com o cantor Domingo Alvarado. O álbum fecha com “Farruca” onde os dois gêneros se fundem muito bem.
Sabicas repudiou totalmente o álbum embora curiosamente tenha tentado novamente em 1971 com "A Alma do Flamenco e a Essência do Rock". Joe Beck também não ficou muito satisfeito e numa entrevista comentou que apesar da boa disposição de Sabicas a comunicação entre eles foi. bastante complicado.
O casal formado por Joel e Lynn Rapp montou uma floricultura na Melrose Avenue, em Los Angeles. Eles já haviam sido roteiristas de Hollywood e da Warner Bros ("Bewitched"), então trouxeram suas ideias particulares sobre como cuidar de plantas. Estes são tempos de filosofias hippies e primeiros passos na consciência ambiental. De tal forma que em sua loja Mãe Terra distribuíram um álbum na compra de uma planta. Com músicas que ajudaram no crescimento e na saúde do vegetal. Ou foi o que disseram. Curioso, porque posteriormente foi provado que é verdade.
Para isso, contataram Mort Garson, ex-aluno da Julliard, amigo e colaborador de Robert Moog e especialista em sintetizadores modulares. Seus são alguns artefatos interessantes de Moogexploitation: " Zodiac-Cosmic Sounds " (discutido nestas páginas), "Electronic Score of Hair", "Black Mass", "Ataraxia"......Ao longo dos anos, "Plantasia" tornou-se tornou-se uma peça de culto cobiçada, agora reeditada. O original (e a reedição) trazia um livreto com instruções e desenhos quase infantis para os “cuidados musicais” das plantas. Ao clicar nele, você experimenta imediatamente uma atmosfera onírica de ervas de outro mundo, com as primeiras notas de "Plantasia". Imagino que outras ervas não sobreviveram a essa música, e foram fumadas!!!
Som tipo Theremin e polifonia de primeira geração. Melodia cuidada e composição perfeitamente estruturada. Eugene L. Hamblin III é responsável pela engenharia eletrônica, destacando o som denso dos cascos de alto calibre de Garson. Eles soam irreais e maravilhosos, tudo fantasia para "Symphony for a Spider Plant". Muito próxima de Wendy Carlos em percepção de cores e ferramentas sintéticas. Não poderia faltar aquele ponto ingênuo tão necessário neste subgênero. E "Baby's Tears Blues" cumpre isso como uma audição fácil para elevadores luxuosos ou um lounge para funcionários "legais". Charmosamente bobo, mas a regressão é legal, mais anos 60 do que 70.
“Ode to an African Violet” traz infusões cibernéticas de Exotica em sua abordagem. Poderia ser algo dos alemães Harmonia do seu "De Luxe". O lado A termina com "Concerto para Philodendron e Pothos", que parte de premissas sinfónicas típicas de um Isao Tomita em "Snowflakes Are Dancing" de Debussy ou "Daphnis et Chloé" de Ravel.
De volta ao vinil e “Rhapsody in Green” tem um certo ar berlinense, dentro de seu peculiar muzak ambiente requintado para salas de espera (com vasos de flores). Imagino claramente a música de "Swingin' Spathiphyllums" pelos corredores da "seção Garden" de algumas lojas de departamentos, nos anos 70. Tem seu eco retrô emocionante, ouvido agora.
Um pouco de humor com “Você não precisa andar em uma Begônia”, que parece a trilha sonora de uma de José Luis López Vázquez dos anos 60. Outra deliciosa regressão kitsch.
Mais como James Bond, sugere 'Mellow Mood for Maidenhair'. Garson capta ambientes com sutileza e elegância, na difícil arte da maestria Modular, aquelas feras eletrônicas de natureza anárquica, que muitas vezes iam para seus bailes. Nem um pouco confiável.
Finalmente, "Music to Soothe the Savage Snake Plant" descreve uma melodia lasciva, mais típica de um programa da Playboy ou de um típico soft porn. Tudo com charme Moogexploitation de alto nível.
Mort Garson era um especialista nessas artes. E um certo cego louco por sintetizadores chamado Stevie Wonder, faria seu próprio "A Vida Secreta das Plantas" alguns anos depois......Por que seria?!!!
Grupo norueguês dos anos 70, o Junipher Greene estréia com o bom Friendship em 1971 (já em CD), seguido de Communication em 1973. Provavelmente com outros LPs publicados, a banda fecha carreira, em 82, com o mais new wave Forbudte Formiddagstoner.
1.Communication (12:02) 2.Standby (1:48) 3.Biscuit (4:11) 4.Sunlight (2:14) 5.Talk Is A Bird (4:10) 6.If You Can Hear The Bla (3:08) 7.Reflections (4:01) 8.Play On Stranger (3:21)
Banda progressiva francesa, com influencias e uma atmosfera reminescente do Relayer do Yes e da Mahavishnu, da época de Visions of Emerald Beyond, nesse album nos deparemos com otimos duelos entre a guitarra o sintetizador e o violino. A banda, tem um som ligeiramente mais agressivo quando comparado a bandas francesas contemporâneas como o Pulsar e Ange, com muita originalidade e personalidade. Neste segundo disco, o trabalho do violinista é maravilhoso, podemos dizer que ele "roubou a cena" pois toca com uma voracidade fenomenal. As guitarras são viscerais e o trabalho dos teclados mesclam características fusion e de progressivo sinfônico. As performance rítmicas são formidáveis.
1. Le Photographe Exorciste 2. Cazotte No 1 3. Le Voleur D'extase 4. Imaginez Le Temps 5. L'araignee-mal 6. Les Robots Debiles 7. Le Cimetiere De Plastique
Richard Aubert, violino. Andre Balzer, percussão. Christian Beya, guitarra. Alain Gozzo, bateria. Michel Taillet, teclados. Jean Luc Thillot, baixo.
John Birks Gillespie, conhecido como Dizzy Gillespie, (Cheraw, 21 de outubro de 1917 — Englewood, 6 de janeiro de 1993) foi um trompetista, líder de orquestra, cantor e compositor de jazz, sendo, a par de Charlie Parker, uma das maiores figuras no desenvolvimento do movimento bebop no jazz moderno.
Nascido na Carolina do Sul, Dizzy era um instrumentista virtuoso e um improvisador dotado. A juntar às suas capacidades instrumentais, os seus óculos, a sua forma de cantar e tocar (com as bochechas extremamente inchadas), o seu trompete recurvo e a sua personalidade alegre faziam dele uma pessoa especial, dando um aspecto humano àquilo que muitos, incluindo alguns dos seus criadores, classificavam como música assustadora.
Em relação à forma de tocar, Gillespie construiu a sua interpretação a partir do estilo "saxofónico" de Roy Eldridge indo depois muito além deste. As suas marcas pessoais eram o seu trompete (com a campânula inclinada 45º em vez de ser a direito) e as suas bochechas inchadas (tradicionalmente os trompetistas são ensinados a não fazer “bochechas”).
Para além do seu trabalho com Parker, Dizzy Gillespie conduziu pequenos agrupamentos e big bands e aparecia frequentemente como solista com a Norman Granz's Jazz at the Philharmonic. No início da sua carreira tocou com Cab Calloway, que o despediu por tocar “música chinesa”, a lendária big band de Billy Eckstine deu a estas harmonias atípicas uma melhor cobertura.
Nos anos 1940, Gillespie liderou o movimento da música afro-cubana, trazendo elementos latinos e africanos para o jazz, e até para a música pop, em particular a salsa. Das suas numerosas composições destacam-se os clássicos do jazz "Manteca", "A Night in Tunisia", "Birk's Works", e "Con Alma".
Dizzy Gillespie publicou a sua autobiografia em 1979, To Be or not to Bop (ISBN 0306802368), e seria vítima de um cancro no início de 1993, sendo sepultado no Flushing Cemetery em Queens, Nova Iorque.
Tem uma estrela com o seu nome na Calçada da Fama em Hollywood, número 7057 Hollywood Boulevard.
Campanha presidencial.
Em 1964, durante a campanha presidencial entre Lyndon Johnson e Barry Goldwater que ocupava as atenções do país, Gillespie lançou uma candidatura independente à Presidência dos Estados Unidos. Em tempos de conflitos raciais no país e Guerra do Vietnã, sua plataforma, apoiada por ativistas e amigos músicos, prometia oportunidade igual de empregos a negros e brancos e combate ao racismo. Sua intenção era chamar atenção para os problemas do país e ele anunciou que se eleito colocaria Miles Davis como chefe da CIA, Louis Armstrong como ministro da Agricultura, Duke Ellington como secretário de Estado e Malcolm X como procurador geral. Entre outras excentricidades, prometia também oficialmente trocar o nome da Casa Branca (White House) para Casa do Blues (Blues House)
O primeiro lançamento independente em CD do show completo do King Crimson em Frejus , gravado em 27 de agosto de 1982. Apresentando o inovador quarteto dos anos 1980 – Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin e Bill Bruford – tocando com energia e entusiasmo inigualáveis. Tirado das fitas originais de várias faixas de Robert Fripp e Brad Davis, o lançamento inclui uma apresentação adicional de The Sheltering Sky de Cap d'Agde (26 de agosto). Há uma sensação palpável de energia e entusiasmo do público capturada nas fitas neste show enquanto o King Crimson (compartilhando uma turnê europeia com os então companheiros de banda da gravadora Roxy Music) sobe ao palco em Fréjus, França, no final do verão de 1982. Com dois álbuns de material para aproveitar (Discipline, outubro de 1981 e Beat, junho de 1982)…
…& extensa turnê que já tinha visto a banda tocar shows no Reino Unido, Europa, EUA e Japão, os shows ao vivo – como frequentemente com King Crimson – tinham um dinamismo e um impacto que simplesmente não poderiam ser replicados em um estúdio de gravação. Adicione um par de instrumentais clássicos do KC, (Red & Larks' Tongues in Aspic Part Two), a essa mistura e todos os ingredientes estavam lá para uma performance muito especial.
Gravado inicialmente para um lançamento em vídeo, o áudio do show, inexplicavelmente, nunca foi lançado como um lançamento independente. Nem um álbum ao vivo da formação dos anos 1980 apareceu anteriormente em vinil. Sheltering Skies apresenta a performance completa do King Crimson em 2 LPs prensados em vinil de 200 gramas ou um CD único, ambos completados com a adição da gravação de 'The Sheltering Sky' do show da noite anterior em Cap d'Agde. O King Crimson dos anos 1980 tinha, em termos de apresentações em concertos/lançamentos de álbuns, menos de um ano quando este álbum foi gravado. As décadas coletivas de experiência dos músicos individuais são canalizadas através do entusiasmo e frescor da formação e da novidade do material para produzir uma gravação especial de show. Embora o material do King Crimson desse período esteja sempre em demanda, com a próxima turnê pelos Estados Unidos do Beat (Adrian Belew e Tony Levin, do King Crimson, acompanhados pelo guitarrista Steve Vai e pelo baterista do Tool, Danny Carey), tocando o material daquele período, há um interesse crescente em ouvir esse material como foi tocado originalmente.
1. Thela Hun Ginjeet (7:07) 2. Matte Kudasai (3:31) 3. Indiscipline (10:09) 4. Red (6:01) 5. Heartbeat (4:09) 6. The Sheltering Sky (10:41) 7. Elephant Talk (5:05) 8. Neal and Jack and Me (5:41) 9. Waiting Man (8:31) 10. Larks’ Tongues in Aspic Part II (7:14) 11. The Sheltering Sky (Live in Cap D’Agde) (9:30)
O Lotus é liderado pela proeza rítmica do percussionista Olaf Olsen (Fra Det Onde, Needlepoint). Olaf une forças com o baixista elétrico Chris Holm (Orions Belte, banda Sondre Lerches), bem como com o saxofonista alto dinamarquês Signe Emmeluth, radicado na Noruega. Finalizando a formação está o guitarrista elétrico Karl Bjorå, conhecido por suas criações sonoras únicas – como fazer sua guitarra oscilar como um sintetizador! Tirando impulso das diversas origens dos membros individuais em rock psicodélico, pop, jazz e música improvisada, o Lotus cria um som que transcende as fronteiras do gênero. “Synthbuljong”, seu álbum de estreia, captura brilhantemente a energia vibrante da banda. Gravado parcialmente durante um de seus shows eletrizantes em Bergen, o Lotus incorporou intencionalmente…
…a experiência ao vivo perfeitamente no álbum. Da energia crua de Coltrane-meets-Sonic Youth da faixa de abertura, à atmosfera serena e contemplativa de “Ballade”, o álbum leva o ouvinte a uma viagem. A sinergia colaborativa dos músicos se mistura perfeitamente na obra de dezessete minutos, “Synthgitar”, expandindo os limites da exploração sonora. O grupo explora uma história escandinava de jazz livre multicultural e poderoso, mas segue sua própria tangente contemporânea. Este é o tipo de música que exige rendição do ouvinte – apenas recoste-se e deixe o som orgânico e exuberante de Lotus tomar conta de você. Inclui notas de encarte de Audun Vinger.
O pianista, compositor e tecladista Tigran Hamasyan não é estranho ao ecletismo musical. Seu catálogo oferece álbuns complexos e intrincados que transcendem a maioria das fronteiras de gênero. Embora mais conhecido como pianista de jazz, é apenas uma dimensão de seu caráter musical. As várias tradições de música folclórica e sacra da Armênia fornecem inspiração para composições que cruzam jazz, folk, indie pop, clássico, prog e metal. Desde a década de 2010, ele tem colaborado com o cineasta Ruben Van Leer. Eles realizaram a experiência musical visual Shadow Theater em Paris e trabalharam em vários projetos de videoclipes juntos. The Bird of a Thousand Voices é outro. O trabalho composicional mais complexo de Hamasyan é baseado em um conto popular armênio sobre…
...a busca de um príncipe para encontrar o pássaro cuja canção cura aqueles amaldiçoados pela indiferença. O pianista começou este trabalho de mais de 90 minutos e 24 faixas em 2019, concluiu-o em 2023 e estreou-o no Holland Festival em junho de 2024. Sua colaboração com Van Leer se estende aqui a dois videoclipes cinematograficamente ambiciosos, um documentário e um jogo online interativo. Hamasyan também criou um site exclusivo para o lançamento. Ele é auxiliado pelo baterista/percussionista Nate Wood, o vocalista Areni Agbabian, o baixista Marc Karapetian, a cantora sueco-etíope Sofia Jernberg e o vocalista clássico Vahram Sarkissian. As escolhas de instrumentos de Hamasyan incluem uma série de sintetizadores analógicos e piano. Essas composições variam e frequentemente combinam prog metal pesado de sintetizadores e eletrônica ambiente, improvisação de jazz e pop etéreo com música folclórica armênia melódica como o fio que os une.
A abertura “The Kingdom” começa com sintetizadores transparentes (pense em Jan Bang) em padrões circulares, bateria blastbeat forte e a sublime soprano sem palavras de Agbabian guiada pelo baixo de Karapetian. Hamasyan parece estar tentando adaptar o prog metal sem usar guitarras. O single “The Curse” começa como uma balada folk no piano com baixo e bateria assobiando antes de explodir em prog estrondoso e então seguir para o misterioso corte de título, cheio de piano clássico econômico, sintetizadores atmosféricos e vocais tênues sem palavras. Hamasyan canta em várias faixas aqui, incluindo a balada íntima de piano “Areg's Calling”. “The Quest Begins” oferece uma introdução de piano e um padrão harmônico circular que lembra o trabalho do compositor modernista Edvard Mirzoyan. “Red, White and Black Worlds” é uma colisão questionadora entre prog, metal e improvisação de jazz, e “Prophecy of a Sacred” une folk e piano clássico de vanguarda antes que um coro de vozes etéreas sem palavras reivindique a vanguarda. Enquanto “The Well of Death and Resurrection” oferece uma base rítmica e harmônica complexa digna de Frank Zappa, a terceira da última faixa, “The Eternal Bird Sings and the Garden Blooms Again”, une prog, indie pop e síncope de jazz ao estilo ELP para enquadrar o vocal de Agbabian que transforma essas partes díspares em uma tela de beleza ressonante.
Apesar do ménage estilístico aqui, Hamasyan consegue realizar o trabalho mais coeso, focado e liberado em seu catálogo até o momento. Ele lançou muitas gravações excelentes — Red Hail , Mockroot e An Ancient Observer , entre elas — mas o impressionante e caleidoscópico Bird of a Thousand Voices se eleva acima delas
