sexta-feira, 13 de setembro de 2024

CRONICA - JOHN McLAUGHLIN | My Goal’s Beyond (1971)

 

Após a publicação de Devotion em 1970, John McLaughlin não parou. Participou do segundo álbum Lifetime do baterista Tony Williams, produziu um disco conjunto de free jazz com o saxofonista John Surman, o contrabaixista Dave Holland, o pianista Karl Berger e o baterista Stu Martin (Where Fortune Smiles na ECM), participou de sessões de A Tribute To Johnson Jack e Live Evil de Miles Davis serão lançados em breve.

Em janeiro de 1971, ele lançou seu terceiro trabalho solo , My Goal's Beyond, nas lojas em março seguinte em nome do selo Douglas. Abandonando seu violão elétrico de seis cordas, ele se cercou do contrabaixista Charlie Haden, do violinista Jerry Goodman, do saxofonista/flautista Dave Liebman e de sua esposa Eve McLaughlin no tanpura (um instrumento de cordas hindu do qual emergem zumbidos contínuos). ), além dos desertores Miles Davis, do baterista Billy Cobham e do percussionista Airto Moreira. Obviamente, o guitarrista inglês está reorientando a sua música. Longe do delírio psíquico para um heavy metal jazz rock em Devotion , este nos leva pelos caminhos de Katmandu em plena busca espiritual, por uma fusão de jazz com aromas de música progressiva e world music. Isso provavelmente foi sob a influência do Guru Sri Chinmoy, que renomeou John McLaughlin Mahavishnu, que significa criador na língua hindu (aliás, ele também batizou sua esposa chamando-a de Mahalakshmi).

Abre com os 7 minutos de “Peace 1” com este tanpura transcendental, rapidamente acompanhado pelo contrabaixo e pela percussão. As melodias do violão começam. Mas as estrelas serão esta flauta sonhadora e jovial e também este violino cativante com palavras ciganas para um título que nos cativa, que nos convida a um transe interestelar.

Os zumbidos do tanpura sempre presentes, “Peace 2” com 12 minutos de duração convida-nos a alçar voo com este encantador saxofone que nos leva até à estratosfera, este sedutor violino que nos transporta para o alto do céu.

O segundo lado será composto por peças mais curtas, onde John McLaughlin muitas vezes se verá sozinho mostrando-nos que se sente confortável com o violão. Ele nos coloca em clima outonal com o excelente cover de “Goodbye Pork Pie Hat” de Charles Mingus. Ele demonstra grande destreza no vertiginoso “Something Spiritual”. Alterna doçura e drama em “Hearts and Flowers” ​​de Theodore Moses Tobani. “Follow Your Heart” leva-nos a uma Espanha galopante e com uma atmosfera turbulenta. “Waltz for Bill Evans” de Chick Corea é mais relaxante e sentimental assim como “Follow Your Heart” que se segue. “Song for My Mother” vem com uma turbulência fascinante. Terminamos este percurso com a tranquila “Blue in Green” de Bill Evans.

Sentindo-se enganado pelo produtor Alan Douglas, John McLaughlin deixou a gravadora deste último. Ao trazer Jerry Goodman e Billy Cobham a bordo, ele assinou com a Columbia, formando a Orquestra Mahavishnu.

Títulos:
1. Peace One
2. Peace Two
3. Goodbye Pork-Pie Hat
4. Something Spiritual
5. Hearts & Flowers
6. Phillip Lane
7. Waltz For Bill Evans
8. Follow Your Heart
9. Song For My Mother
10. Blue In Green

Músicos:
John McLaughlin: Guitarra
Charlie Haden: Baixo
Billy Cobham: Bateria
Dave Liebman: Saxofone, Flauta
Airto Moreira: Percussão
Badal Roy: Tabla
Mahalakshmi: Tanpura
Jerry Goodman: Violino

Produzido por: John McLaughlin



quinta-feira, 12 de setembro de 2024

ROCK ART


 

Em 12/09/1980: David Bowie lança o álbum Scary Monsters

Em 12/09/1980: David Bowie lança o álbum Scary Monsters
Scary Monsters é o décimo quarto álbum de estúdio do cantor e ator inglês David Bowie.
Foi lançado em 12 de setembro de 1980 pela gravadora RCA Records.
Nos três anos anteriores, Bowie obteve enorme sucesso artístico com a " Trilogia de Berlim ", que consistia em Low, "Heroes" e Lodger (1977 -1979). No entanto, a trilogia provou ser menos bem sucedida comercialmente.
Em 1980, vários artistas que David Bowie havia inspirado com a trilogia estavam superando-o comercialmente, levando-o a desejar um som mais comercial para seu próximo disco.
O primeiro single do álbum, " Ashes to Ashes ", revisitou o personagem do Major Tom de
" Space Oddity " foi promovido com videoclipe inventivo. Após o lançamento, Scary Monsters recebeu elogios da crítica e comercial; alcançou o primeiro lugar no Reino Unido enquanto restaurava a posição comercial de David Bowie nos EUA, chegando ao número 12.
Scary Monsters mais tarde seria referido pelos comentaristas como o "último grande álbum" de Bowie e uma referência para lançamentos subsequentes. Foi o último álbum de estúdio de Bowie para a RCA e marcou a colaboração final entre Bowie e Visconti por mais de 20 anos. Várias publicações o consideraram um dos maiores álbuns de todos os tempos.
Scary Monsters foi reeditado várias vezes e foi remasterizado em 2017 como parte do box A New Career in a New Town (1977–1982).
Em 2013, a NME classificou Scary Monsters na posição 381 na lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos. Em 2018, a Pitchfork colocou-o na posição 53 em sua lista revisada dos 200 melhores álbuns da década de 1980. Em 2020, a Rolling Stone colocou-o na posição 443 em sua revisão dos 500 maiores álbuns de todos os tempos. O álbum foi relançado cinco vezes até o momento em CD. Foi lançado pela primeira vez em CD pela RCA em meados da década de 1980. Um segundo lançamento em CD, em 1992 pela gravadora Rykodisc e EMI, continha quatro faixas bônus. Um lançamento em CD de 1999 pela gravadora EMI/Virgin, sem faixas bônus, apresentou som remasterizado digitalmente de 24 bits. Scary Monsters foi relançado em 2003 pela EMI como um Super Audio CD, novamente sem faixas bônus.
Em 2017, o álbum foi remasterizado para o box set A New Career in a New Town (1977–1982) lançado pela Parlophone. Foi lançado em CD, vinil e formatos digitais, ambos como parte desta compilação e separadamente no ano seguinte.
Lista de faixas:
Todas as músicas escritas por David Bowie.
Lado um:
1. "It's No Game (No. 1)" : 4:20
2. "Up the Hill Backwards" : 3:15
3. "Scary Monsters (And Super Creeps)" : 5:12
4. "Ashes to Ashes" : 4:25
5. "Fashion" : 4:49
Lado dois:
1. "Teenage Wildlife" : 6:56
2. "Scream Like a Baby" : 3:35
3. "Kingdom Come" : 3:45
4. "Because You're Young" : 4:54
5. "It's No Game (No. 2)" : 4:22.
Pessoal:
David Bowie - vocais, sintetizadores, melotron, piano elétrico, piano, sintetizador, efeitos sonoros, backing vocals, saxofone
Dennis Davis - bateria
George Murray - baixo
Carlos Alomar - guitarras solo e base
Chuck Hammer - sintetizador de guitarra
(em "Ashes to Ashes" e "Teenage Wildlife")
Robert Fripp - guitarra principal (em "Fashion", "It's No Game", "Scary Monsters (And Super Creeps)", "Kingdom Come", "Up the Hill Backwards" e "Teenage Wildlife")
Roy Bittan - piano (em "Ashes to Ashes", "Teenage Wildlife" e "Up the Hill Backwards")
Andy Clark - sintetizador (em "Fashion", "Scream Like a Baby", "Ashes to Ashes" e "Because You're Young")
Pete Townshend - guitarra
(em "because You're Young")
Tony Visconti - violão (em "Scary Monsters (And Super Creeps)" e "Up the Hill Backwards"), vocais de apoio
Lynn Maitland - vocais de apoio
Chris Porter - vocais de apoio
Michi Hirota - voz (em "It's No Game (No. 1)").


 



Em 12/09/1984: Talking Heads lança o álbum Stop Making Sense

Em 12/09/1984: Talking Heads lança o álbum Stop Making Sense.
Stop Making Sense é um álbum ao vivo da banda de rock americana Talking Heads, trilha sonora do filme Stop Making Sense.
Foi lançado em setembro de 1984 e traz nove faixas do filme, ainda com tratamento edição. O álbum passou mais de dois anos na parada Billboard 200. Foi o primeiro álbum deles a ser distribuído pela EMI fora da América do Norte. As edições limitadas da versão original em LP apresentavam livro ilustrado colorido enrolado na capa do álbum; as versões padrão tinham muitas das fotos (impressas preto e branco) e legendas na capa interna do álbum.
O lançamento em CD inclui livro colorido, mas reorganiza o layout para adequar às dimensões de um livreto de CD quadrado (em comparação com forma retangular orientada verticalmente do livro do LP). Em 1999, um relançamento de 16 faixas com conteúdo e som semelhantes aos do filme coincidiu com o 15º aniversário das filmagens do concerto.
Uma edição expandida do 40º aniversário foi lançada pela Rhino Records em agosto de 2023, marcando o primeiro lançamento oficial da gravação completa do show, junto com um relançamento teatral do filme porA24.
Um álbum tributo, Everyone's Getting Involved: A Tribute to Talking Heads' Stop Making Sense, foi lançado pela A24 Music em 17 de maio de 2024, artistas como Paramore, Miley Cyrus, Lorde, The National, Girl In Red, Blondshell e BadBadNotGood.
Stop Making Sense foi classificado número.345 na lista da Rolling Stone dos 500 melhores álbuns de todos os tempos. Em 2000, foi eleito número 394 no All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin. Em 2012, a Slant Magazine listou em 61 em sua lista de "Melhores Álbuns da década de 1980".
Lista de faixas:
Todas as canções escritas por David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison, Tina Weymouth.
Lado um:
1. "Psycho Killer" – 4:28
2. "Swamp" – 3:50 (LP) 4:28 (cassette, CD)
3. "Slippery People" – 3:35 (LP)
4:13 (different mix; cassette, CD)
4. "Burning Down the House" – 4:14
5. "Girlfriend Is Better" – 3:32 (LP)
5:07 (cassette, CD)
Lado dois:
6. "Once in a Lifetime" – 4:34
(LP) 5:34 (cassette, CD)
7. "What a Day That Was" – 5:08 (LP)
6:30 (cassette, CD)
8. "Life During Wartime" – 4:52 (LP)
5:52 (cassette, CD)
9. "Take Me to the River" – 6:00.
Pessoal:
David Byrne - guitarra, voz
Chris Frantz - bateria, voz
Jerry Harrison - guitarra, teclado, voz
Tina Weymouth – baixo, baixo sintetizado, guitarra, voz
Pessoal adicional
Bernie Worrell – teclados
Alex Weir – guitarra, voz
Steve Scales – percussão
Ednah Holt – vocais de apoio
Lynn Mabry – vocais de apoio.



Em 12/09/1975: Pink Floyd lança o álbum Wish You Were Here

Em 12/09/1975: Pink Floyd lança o álbum Wish You Were Here
Wish You Were Here é o nono álbum de estúdio da banda de rock inglesa Pink Floyd.
Foi lançado em 12 de setembro de 1975 pela gravadora Harvest Records e pela Columbia Records. Baseado em material composto pelo Pink Floyd enquanto se apresentava na Europa, Wish You Were Here foi gravado em sessões ao longo de 1975 no EMI Studios (agora Abbey Road Studios) em Londres. Certificado ouro no Reino Unido e nos EUA em seu lançamento e liderou as paradas em vários países europeus. Em 2004, havia vendido cerca de 13 milhões de cópias em todo o mundo. Inicialmente, recebeu críticas mistas; e acharam sua música pouco inspiradora e inferior ao trabalho anterior do Pink Floyd. Posteriormente foi aclamado como um dos maiores álbuns de todos os tempos, aparecendo em várias listas, incluindo a dos 500 maiores álbuns da Rolling Stone.
Citado pelo tecladista, Richard Wright, e pelo guitarrista, David Gilmour, o seu álbum favorito do Pink Floyd. Wish You Were Here foi incluído como parte do box set Shine On, e três anos depois a Columbia Records lançou um CD remasterizado atualizado, 17 segundos a mais que as remasterizações da EMI de 1994, com duração de 44:28. Em 2016, o vinil de 180g foi relançado no próprio selo da banda, Pink Floyd Records (com distribuição pela Warner Music
e Sony Music), desta vez remasterizado por James Guthrie, Joel Plante e Bernie Grundman.
Lista de faixas:
Todas as letras escritas por Roger Waters.
Lado A:
1. "Shine On You Crazy Diamond"
(Parts I–V) : 13:32
2. "Welcome to the Machine" : 7:28
Comprimento total: 21:00
Lado B:
1. "Have a Cigar" (featuring Roy Harper) : 5:08
2. "Wish You Were Here" : 5:35
3. "Shine On You Crazy Diamond"
(Parts VI–IX) : 12:28
Comprimento total: 23:11.
Lançamentos em cassetes da 1ª, 2ª, 3ª e
4ª edições da Columbia Records
Lado Um:
1. "Shine On You Crazy Diamond: Part I;
Part II; Part III; Part IV; Part V" : 13:32
2. "Welcome To The Machine" : 7:28
Comprimento total: 21:00
Lado dois:
1. "Have A Cigar" : 5:08
2. "Wish You Were Here" : 5:35
3. "Shine On You Crazy Diamond: Part VI;
Part VII; Part VIII; Part IX" : 12:28
Comprimento total: 23:11.
Pessoal Pink Floyd:
David Gilmour - vocais, guitarras,
pedal steel guitar, EMS Synthi AKS, baixo adicional, gaita de vidro, efeitos de fita
Roger Waters - voz, baixo, EMS VCS 3, guitarra adicional, gaita de vidro, efeitos de fita
Nick Mason - bateria, percussão, tímpano, pratos, efeitos de fita
Richard Wright - órgão Hammond, conjunto de cordas ARP, Minimoog, piano Steinway, EMS VCS 3, Hohner Clavinet D6, piano elétrico Wurlitzer EP-200, piano Rhodes, gaita de vidro, vocais de apoio
Músicos adicionais:
Dick Parry - tenor e barítono saxofone em
“Shine On You Crazy Diamond”
Roy Harper - vocal principal em "Have a Cigar"
Venetta Fields - vocais de apoio
Carlena Williams - vocais de apoio.




Em 12/09/1975: George Harrison lança a canção " You "

Em 12/09/1975: George Harrison lança a canção " You "
You é uma canção do músico inglês George Harrison, lançada como faixa de abertura de seu álbum Extra Texture (Read All About It) de 1975. Foi também o primeiro single do álbum, tornando-se hit top 20 na América e alcançou a 9ª posição no Canadá. Uma parte instrumental de 45 segundos, intitulada " A Bit More of You ", também aparece no Extra Texture, abrindo o lado dois do formato LP original.
George Harrison escreveu "You" em 1970 como uma canção para Ronnie Spector, ex- Ronettes, e esposa do co-produtor de George Harrison, All Things Must Pass, Phil Spector.
A composição reflete a admiração de Harrison pelo soul / R&B americano dos anos 1960, particularmente pela Motown. Em fevereiro de 1971, Ronnie Spector gravou "You" em Londres para um álbum solo proposto pela gravadora Apple dos Beatles, e a gravação permaneceu sem edição.
Quatro anos depois, George Harrison voltou a essa faixa de apoio enquanto fazia seu último álbum pela Apple Records, em Los Angeles.
A gravação lançada apresenta contribuições de 1971 de Leon Russell, Jim Gordon e outros, instrumentação e vocais adicionais dobrados em 1975, notavelmente uma série de solos de saxofone de Jim Horn. No lançamento foi bem recebida pela maioria dos críticos que a viram como retorno à boa forma de George Harrison após sua decepcionante turnê norte-americana de 1974 e o acompanhamento Álbum Dark Horse. Dave Marsh, Rolling Stone, considerou-o o melhor trabalho de Harrison desde seu hit de 1970-71, " My Sweet Lord "; o autor Ian Inglis descreve "You" como "uma música pop quase perfeita". A Capitol Records incluiu "You" como um dos seis sucessos solo de Harrison, ao lado de composições suas tocadas com The Beatles, na compilação de 1976 The Best of George Harrison. Pela primeira vez desde o lançamento do CD de estreia de Extra Texture no início dos anos 90, "You" foi remasterizado, junto com o álbum pai, parte das reedições Apple Years de 2014 de Harrison.



Em 12/09/1966: The Mamas & the Papas lança o álbum The Mamas & the Papas The Mamas & the Papas é o segundo álbum

Em 12/09/1966: The Mamas & the Papas lança o álbum The Mamas & the Papas
The Mamas & the Papas é o segundo álbum
de estúdio auto-intitulado do grupo americano de folk rock The Mamas and the Papas.
Foi lançado em setembro de 1966.
O álbum alcançou o número 4 na parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA e o número 24 no Reino Unido. O primeiro single, "I Saw Her Again", alcançou o número 5 na parada Billboard Hot 100 dos EUA e o número 11 no UK Singles Chart. " Words of Love " foi lançado como o segundo single nos EUA chegando ao número 5. No Reino Unido, foi lançado como um lado A duplo com " Dancing in the Street " (um cover do hit de 1964 de Martha and the Vandellas) e alcançou o número 47 no Reino Unido. Foi lançado em CD pela primeira vez em 1988 e também aparece na íntegra em All the Leaves Are Brown, compilação retrospectiva
dos primeiros quatro álbuns da banda, com as versões individuais de "I Saw Her Again" e
" Palavras de amor".
Lista da trilha original:
Todas as canções de John Phillips.
Lado um:
1. "No Salt on Her Tail" - 2:35
2. "Trip, Stumble and Fall" - 2:35
3. "Dancing Bear" - 4:08
4. "Words of Love" - 2:13
5. "My Heart Stood Still" - 1:43
6. "Dancing in the Street" - 3:00
Lado dois:
7. "I Saw Her Again" - 2:50
8. "Strange Young Girls" - 2:45
9. "I Can't Wait" - 2:40
10. "Even If I Could" - 2:40
11. "That Kind of Girl" - 2:20
12. "Once Was a Time I Thought" - 0:58.
Pessoal:
Denny Doherty - vocais
Cass Elliot - vocais
John Phillips - voz, guitarra
Michelle Phillips - vocais
Jill Gibson - vocais
Hal Blaine - bateria
Larry Knechtel - órgão, piano
Joe Osborn - baixo
"Doctor" Eric Hord - guitarra
Tommy Tedesco - guitarra
PF Sloan - guitarra
Peter Pilafian - violino elétrico
Ray Manzarek - órgão, piano em "No Salt on Her Tail".


 

The Mamas & the Papas foi um grupo vocal de folk rock que gravou e se apresentou de 1965 a 1968.

The Mamas & the Papas foi um grupo vocal de folk rock que gravou e se apresentou de 1965
a 1968. O grupo foi uma força definidora na cena musical da contracultura dos anos 1960. Formado em Los Angeles, o grupo era formado pelos americanos John Phillips, Cass Elliot, e Michelle Phillips, e o canadense Denny Doherty.
Seu som era baseado em harmonias vocais arranjadas por John Phillips, o compositor, músico e líder do grupo, que adaptou o folk ao novo estilo de batida do início dos anos 1960.
O The Mamas & The Papas foi uma das únicas bandas norte-americanas a conseguir manter
o sucesso e a par de poder competir com a Invasão Britânica.
O grupo gravou e se apresentou de 1965 a 1968, lançando cinco álbuns e legou dez sucessos entre os compactos mais vendidos.
The Mamas & the Papas lançou cinco álbuns de estúdio e 17 singles em quatro anos, seis dos quais chegaram ao top 10 da Billboard, e vendeu cerca de 40 milhões de discos em todo o mundo.
The Mamas & the Papas foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame em 1998, por suas contribuições para a indústria da música, no Vocal Group Hall of Fame em 2000 e no Hit Parade Hall of Fame em 2009.
Cass Elliot e Michelle Phillips, como "the Mamas", foram ficou em 21º lugar na lista da rede VH1 das 100 Maiores Mulheres do Rock. A banda se reuniu brevemente para gravar o álbum People Like Us em 1971, mas havia parado de fazer turnês e apresentações naquela época. Alguns de seus singles mais populares incluem " California Dreamin' ",
" Monday, Monday " e " Dedicated to the One I Love ". Ainda em 1967, após uma discussão com John Phillips, Mama Cass abandonou o grupo e só se uniu ao grupo no ano seguinte, para gravação do que seria o último álbum,
em 1968. Pelo menos durante alguns anos, quando por exigência contratual (uma das cláusulas), houve um breve retorno durante 1971/1972 e o lançamento de mais um disco, o quinto na trajetória. Lembrando que, o quarto álbum do grupo atingiu o décimo quinto lugar nas paradas, conseguiu notório sucesso com "Dream a Little Dream of Me", que foi creditado como sendo gravado por Mama Cass with The Mamas and The Papas, sendo cantada apenas por ela. Em 1971, a gravadora do grupo exigiu
a gravação de mais um disco, People Like Us, que pode ser considerado um breve retorno ou um "quase" retorno do grupo.
Origem Los Angeles, Califórnia
Gêneros: Folk rock, Rock psicodélico,
Sunshine pop.
anos ativos: 1965–1968, 1971, único em 1998
Gravadoras: Dunhill • RCA Victor.
Integrantes:
Denny Doherty, Cass Elliot, John Phillips, Michelle Phillips, Jill Gibson,
Mackenzie Phillips, Elaine MacFarlane,
Scott MacKenzie, Laurie Beebe, Deb Lyons,
Lisa Brescia, Barry MacGuire, Janelle Sadler, Chrissy Faith, Dave Baker, Mark Williamson.
Discografia:
Álbuns de estúdio:
If You Can Believe Your Eyes and Ears (1966)
The Mamas & the Papas (1966)
The Mamas & The Papas Deliver (1967)
The Papas & the Mamas (1968)
People Like Us (1971).



The Modern Lovers foi uma banda de rock americana liderada por Jonathan Richman nas décadas de 1970 e 1980


The Modern Lovers foi uma banda de rock americana liderada por Jonathan Richman nas décadas de 1970 e 1980. A formação original existiu de 1970 a 1974, mas as suas gravações não foram lançadas até 1976 ou mais tarde. The Modern Lovers foi inicialmente composto por Jonathan Richman, Ernie Brooks (baixo) com David Robinson (bateria, mais tarde do The Cars), Jerry Harrison (teclados, mais tarde do Talking Heads).
O som do The Modern Lovers deveu muito à influência do Velvet Underground e dos The Stooges, e agora é às vezes classificado como " proto-punk ". Apontou o caminho para grande parte do punk rock, new wave, rock alternativo e indie das décadas posteriores. Único álbum, o homônimo The Modern Lovers, continha as canções idiossincráticas sobre estranheza no namoro, crescer em Massachusetts, amor pela vida e os EUA. Após nove meses em Nova York e viagem à Europa e Israel, Jonathan Richman voltou para sua cidade natal, Boston. Com seu amigo de infância, o guitarrista John Felice, ele organizou uma banda inspirada nos Velvets. Eles rapidamente recrutaram David Robinson (bateria) e Rolfe Anderson (baixo), e foram batizados de "The Modern Lovers". Tocaram seu primeiro show, apoiando a banda de Andy Paley, os Sidewinders, em setembro de 1970, apenas um mês após o retorno de Richman. Nessa época, o repertório já incluía canções famosas de Richman como " Roadrunner ", "She Cracked" e "Hospital". O caráter único de Richman foi imediatamente aparente; usava cabelo curto e frequentemente se apresentava usando paletó e gravata, e frequentemente improvisava novas letras e monólogos.
No início de 1971, Anderson e Felice partiram; foram substituídos pelo baixista estudante de Harvard Ernie Brooks e pelo tecladista Jerry Harrison, completando a formação clássica do Modern Lovers. A nova configuração se tornou muito popular na área de Boston e, no outono de 1971, o boca a boca entusiasmado levou à primeira exposição do Modern Lovers a grande gravadora quando Stuart Love, da Warner Bros. Records, contatou e organizou primeira sessão multifaixa da banda no Intermedia Studio em Boston. A demo produzida a partir da sessão
e as apresentações ao vivo do grupo geraram mais atenção da indústria, incluindo ótimas críticas da crítica Lillian Roxon, e logo a A&M Records também se interessou pela banda.
Em abril de 1972, os Modern Lovers viajaram para Los Angeles, onde fizeram duas sessões de demonstração: a primeira foi produzida por John Cale, Velvet Underground, para a Warner Bros., enquanto a segunda foi produzida por Allan Mason para a A&M.
As sessões foram usadas mais tarde no álbum de estréia. Enquanto estavam na Califórnia, a banda também se apresentou ao vivo, e um show no Long Branch Saloon em Berkeley foi mais tarde lançado como um álbum ao vivo.
O produtor Kim Fowley cortejou a banda, viajando para Boston para produzir algumas demos de baixa qualidade em junho de 1972. Felice voltou ao grupo por alguns meses após sua formatura, e a banda se mudou para viver em Cohasset, Massachusetts.
Após o fracasso em concluir álbum de estreia, a Warner Brothers retirou seu apoio ao The Modern Lovers, e Robinson deixou a banda. Eles continuaram a se apresentar ao vivo por alguns meses com o baterista Bob Turner, mas Jonathan Richman cada vez menos disposto
a tocar suas músicas antigas (embora ainda não lançadas), como "Roadrunner", e após um desentendimento entre ele e Jerry Harrison sobre o estilo musical, o The Modern Lovers
se separou em fevereiro de 1974. Apesar da separação prematura da banda original, muitos dos membros encontraram um considerável sucesso em outros lugares: o membro fundador John Felice formou o The Real Kids, Jerry Harrison mais tarde se juntou ao Talking Heads, David Robinson foi cofundador do The Cars e Ernie Brooks mais tarde trabalharia com David Johansen, Arthur Russell, Elliott Murphy e Gary Lucas.
No início de 1976, Jonathan Richman montou uma nova versão do The Modern Lovers, com Leroy Radcliffe (guitarra), Greg 'Curly' Keranen (baixo) e o retorno de David Robinson (bateria). Keranen já havia tocado com The Rubinoos, e Radcliffe com Woody's Truckstop.
Eles gravaram o álbum Jonathan Richman & The Modern Lovers (1976), mas Robinson saiu novamente depois que Richman persistiu em reduzir o tamanho e o volume de sua bateria, e foi substituído por D. Sharpe. A banda gravou
o álbum Rock 'n' Roll com o Modern Lovers (1977) e excursionou até Gregg Keranen sair para ir para a faculdade e ser substituído por Asa Brebner, que tocou nos álbuns The Modern Lovers Live (1978) e Back in Your Life (1979). David "D." Sharpe morreu em 1987 aos 39 anos. Em 1980, Jonathan Richman formou novamente novo Modern Lovers, com Keranen, o baterista Michael Guardabascio e as backing vocals Ellie Marshall e Beth Harrington.
Eles gravaram o álbum Jonathan Sings! em 1981/82, mas ele não foi lançado até 1983.
O grupo fez uma turnê para promover o álbum, frequentemente considerado um dos melhores de Jonathan Richman, mas se separou depois que Keranen saiu novamente em 1984.
A formação final do The Modern Lovers, com Andy Paley, Brennan Totten e inicialmente Asa Brebner novamente, excursionou gravou entre 1985 e 1988. Richman finalmente aposentou o nome The Modern Lovers após álbum Modern Lovers 8. Jonathan Richman continua a se apresentar, geralmente solo e preferindo instrumentos acústicos, e atualmente não tem planos de empreender outro grupo como sua banda original. Um álbum tributo consistindo principalmente de canções do Modern Lovers, If I Were a Richman: a Tribute to the Music of Jonathan Richman, foi lançado pela Wampus Multimedia em 2001. Asa Brebner morreu em 2019, aos 65 anos.
Também conhecido como:
Jonathan Richman and The Modern Lovers
Origem: Natick, Massachusetts, EUA
Gêneros: Protopunk, rock de garagem, art rock.
Anos ativos: 1970 –19741976 –1988
Gravadoras: Warner Bros. Records, Beserkley Records, Bomp! Records, Rhino Records, Sire, Rough Trade, Twin/Tone, Virgin Music, Upside, Rounder, Demon.
Membros:
Jonathan Richman – vocais, guitarra (1970–1974, 1976–1988)
David Robinson – bateria, backing vocals (1970–1973, 1976)
John Felice – guitarra (1970–1971)
Rolfe Anderson – baixo (1970–1971)
Ernie Brooks – baixo, vocais de apoio (1971–1974)
Jerry Harrison – teclados,
vocais de apoio (1971–1974)
Bob Turner – bateria (1973–1974)
Leroy Radcliffe – guitarra, vocais de apoio (1976–1979)
Greg 'Curly' Keranen – baixo,
vocais de apoio (1976–1977, 1980–1984)
Denotra 'D' Sharpe – bateria,
backing vocals (1976–1979)
Asa Brebner – baixo, backing vocals (1977–1979), guitarra (1985–1986)
Andy Paley – guitarra, backing vocals (1979, 1985–1986), teclados, bateria (1984–1985)
Steve Tracey – vocais de apoio (1979)
Michael Guardabascio – bateria (1980–1986)
Ellie Marshall – vocais de apoio (1980–1986)
Beth Harrington – vocais de apoio (1980–1984)
Ken Forfia – teclados (1982–1984)
Ned Claflin – vocais de apoio,
acordeão (1984–1986)
Brennan Totten – guitarra,
vocais de apoio (1986–1988)
Johnny Avila – bateria,
backing vocals (1986–1988).
Discografia:
Álbuns de estúdio:
The Modern Lovers: (1976)
The Original Modern Lovers: (1981).
Jonathan Richman and the Modern Lovers
Jonathan Richman & The Modern Lovers: (1976)
Rock 'n' Roll with the Modern Lovers: (1977)
Back in Your Life: (1979)
Jonathan Sings!: (1983)
Rockin' and Romance: (1985)
It's Time For: (1986)
Label: Upside Records
Modern Lovers 88: (1987)
Live albums
The Modern Lovers
Live at the Longbranch Saloon: (1992)
Precise Modern Lovers Order: (1994)
96 Tears: (2010).
Jonathan Richman and the Modern Lovers
Modern Lovers Live Lançado: 1977.



GEORGE DUKE – SAVE THE COUNTRY (1970)

 

 Iniciando os trabalhos vinílicos de hoje ao som de George Duke e o álbum Save the Country, lançado em 1970 pelo selo Liberty. Jazzeira rolando solta com George Duke (piano acústico, piano elétrico e arranjos), Jay Graydon (guitarra), John Heard (baixo), Dick Berk (bateria), Ernie Watts (sax tenor e flauta), Charles Findley (trompete), Ernie Tack (trombone) e Glenn Ferris (trombone). Produção de Richard Bock e engenharia de som de Bert Agudelo e Dino Lappas. Direção de arte/design de Ron Wolin e Ilustração de capa de Mike Nakai. Na agulha!



Destaque

Alceu Valença - Vivo! (1976)

  Estamos de volta com o melhor do rock brasileiro, e desta vez é a vez de Alceu Valença . Seu rock psicodélico , salpicado com ritmos do No...