Comprei este disco de Wendy McNeill e suponho que você tenha uma grande surpresa para mim. Com esse som baseado (creo) na percussão e no baixo, não poderia menos que eu gravasse Tom Waits (¡además toca o acordeón!) ou Aidan Bartley. Esse tipo de música "rara" que me encanta. Eu chamo Indie ou Alternativa, mas eu criei que ela marca seu próprio estilo. Não é nada predecível e eu o recomendo vivamente.
Wendy nasceu em Edmonton, Canadá e cresceu com as influências do country e do folk dos discos de seus padres e com a música progressiva dos 70 de sua irmã (Pink Floyd, Supertramp). Com os anos passados a Sisters of Mercy, Velvet Underground, Siouxsie and the Banshees, The Cure, Blondie. Trabalhou como camarada, depois recebeu a influência da música minimalista de Steve Reich, a poesia sonora de jazz de Meredith Monk, além de Laurie Anderson e Tom Waits. Com nossos primeiros trabalhos orientados ao folk/americana, sua música foi evoluindo até chegar a esta maravilha de 2011.
Seu quinto álbum, For The Wolf, A Good Meal, mostra sua maravilhosa mistura de estilos em todas as suas facetas. Fábulas e relatos de hadas imaginativos, mas arraigados na vida real sobre desvalidos, vagabundos e valentes cavaleiros do coração. Escuro, excêntrico e revelador. Cheio de alma e giros e tacones altos pisando forte. Depois de algumas giras, bandas sonoras, produções de dança e teatro, agora ele é conhecido e apreciado como um grande intérprete ao vivo que nunca enviou a seus fanáticos uma casa decepcionada e nada menos que animada. Ama os forasteros, os gatos loucos e os corações intrépidos; todos entre os temas dos que cantam de uma maneira trágica, hermosa e inimitável. Ella é fã de perdedores, frikis e valentes, que pelo geral são os protagonistas de suas canções, criadas com vozes loopeadas, acordeão e guitarra. Com uma mistura emocionante de crueza e vulnerabilidade com aroma, cabaré e palavra falada, Wendy McNeill faz música para sonadores de coração escuro.
Gary Brown (Guitarra/Vocal) é um nativo da área de DC (Palmer Park) com mais de 30 anos de experiência como músico. Depois de pegar sua primeira guitarra (uma acústica Guild antiga) aos 14 anos, Brown, de 45 anos, rapidamente progrediu para a elétrica e depois de passagens por várias bandas locais, mais notavelmente The Spoilers, e tocando em clubes da área de DC, ele decidiu dar o salto e formar seu próprio grupo em 1992.
Bushmaster - Afogamento em Terra Seca
Escrito, produzido e interpretado por Gary D. Brown, da banda Bushmaster: com Jay Turner e Anthony Setola no baixo; Greg Phillips, El Toro Gamble e Nick Bertling na bateria/percussão; e Henry "Rusty" Morton, Lori Rudolph, Allie e Megan Bannigan, Trudi Brown, Max Muller e Charlene Brown nos vocais convidados/backup.
Lançado de forma independente em 25 de agosto de 2006, o segundo CD do Bushmaster é uma coleção inspiradora de músicas originais variando de Blues, Rock, Funk e Rap. O estilo de guitarra ardente de Gary é ainda mais fascinante (se isso é possível) do que suas cativantes performances ao vivo, você ficará grudado em seu aparelho de som durante todo o álbum. Influenciado por Jimi Hendrix, Robin Trower, Frank Marino, Freddy King e Funkadelic, a música neste CD certamente agradará a um amplo espectro de amantes da música.
Frank Zappa era um gênio; não há como negar esse fato. E como muitos gênios, a inteligência de Zappa veio com uma personalidade que era tão excêntrica quanto sua mente era brilhante, uma combinação que rendeu algumas das peças musicais mais únicas já feitas. As páginas da história estão repletas de tipos de gênios excêntricos semelhantes, a maioria dos quais estava à frente de seu tempo e/ou era incompreendida, assim como Zappa frequentemente era. Embora o enorme corpo de trabalho de Zappa seja, em uma palavra, polarizador, seria difícil para qualquer um ignorar o impacto duradouro que o talentoso guitarrista, compositor e humorista teve na maneira como pensamos sobre o que é e o que não é aceitável na música. Independentemente da tolerância de alguém para escalas de guitarra atonais e músicas sobre doenças venéreas, Zappa tornou o mundo um lugar mais seguro para os sonoramente desequilibrados, e pode ser considerado um fio importante no DNA de toda a música experimental feita após sua ascensão à (mais ou menos) popularidade.
No entanto, este não é um artigo sobre as contribuições sonoras do homem, ou a carta branca que ele emprestou aos artistas em todos os lugares para serem tão estranhos quanto seus caprichos artísticos desejam: o corpo de trabalho de Zappa é simplesmente muito grande e variado para fazer justiça sem o luxo de escrever um livro. Este é um artigo sobre o homem que defendeu sua liberdade de expressão e o direito dos artistas de criar o que quer que seja que eles tenham para expressar sem censura.
Frank Zappa nunca foi alguém que você poderia caracterizar como um seguidor; ele vivia por seu próprio conjunto de ideais e se mantinha extremamente fiel ao que acreditava ao longo de sua carreira — algo imediatamente óbvio para qualquer um que já tenha ouvido uma peça de sua música. Ao longo do lançamento de seus 85 discos, o trabalho de Zappa frequentemente operava no reino da sátira, oferecia uma dose saudável de críticas sobre quase tudo que despertava seu interesse em um determinado momento e também poderia ser considerado um tanto picante. Então, quando o PMRC, ou Parents Music Resource Center — liderado pela esposa do (então) senador Al Gore, Tipper Gore — procurou regular o que eles viam como música que estava corrompendo mentes jovens com temas satânicos (e, você sabe, todas as outras coisas que tornam a música divertida), Zappa (junto com John Denver e Dee Snider do Twisted Sister) testemunhou contra a proposta de censura de álbuns, fazendo uma declaração com uma quantidade estranha de graça, eloquência e, claro, inteligência.
Obviamente, essa foi uma época antes das mídias sociais colocarem todos a um clique de distância de uma opinião expressa publicamente, antes de haver um palanque eletrônico internacional que permitisse a todos nós articular opiniões sobre coisas como a legislação SOPA e PIPA, ou a interação complexa e complicada entre sanduíches de frango frito e a definição de casamento "tradicional", mas os artistas encontraram um azarão no politicamente inclinado Zappa. Tão profundo era o interesse de Frank Zappa no funcionamento do governo que ele levou cabines de registro de eleitores com ele em suas últimas turnês e anunciou uma candidatura à presidência antes de lutar contra o câncer de próstata que eventualmente tirou sua vida. Você conhece aqueles pequenos rótulos divertidos em CDs (discos compactos) que informam que o álbum que você está prestes a comprar contém algumas palavras obscenas? Esses foram o resultado final do que o Sr. Zappa estava lutando contra: a censura desnecessária da arte em nome dos valores familiares castrados que um punhado de esposas de Washington sentiam que eram universalmente aplicáveis.
Embora a própria existência desses adesivos (que, na experiência de muitos, tornaram o álbum automaticamente mais desejável) possa parecer uma perda nessa batalha épica contra a censura, eles estão muito longe do conceito inicial de avisos mais descritivos exigidos pelo PMRC, um rebaixamento no qual Zappa foi fundamental para incitar por meio de suas declarações absolutamente devastadoras antes do 99º Congresso de 1985. E embora a história da posição de Zappa, Denver e Snider contra a restrição frívola dos direitos dos artistas seja familiar para muitos, é uma história que merece ser passada de geração em geração, mesmo que seja apenas para adicionar um pouco de perspectiva ao clima de censura de hoje.
Assim como a discografia de Zappa, destilar suas declarações em sinopses e trechos seria remover a potência dessas palavras. Como fãs de música em uma era de liberdade de expressão quase absoluta, uma era em que as ondas de rádio estão cheias de referências sexuais flagrantes e outras coisas supostamente lascivas, pode-se considerar uma obrigação ler a declaração do Sr. Zappas, digerir seu peso e manter em mente o ditado de que se não aprendermos com a história, estamos condenados a repeti-la.
FZ, Ray Collins (quit before the European tour in September), Roy Estrada, Jimmy Carl Black, Arthur Dyer Tripp III, Ian Underwood, Don Preston, Bunk Gardner, Motorhead Sherwood.
"Arranjado, compilado, editado e produzido por Frank Zappa, este acetato de gravações originais ao vivo, projetado por Dick Kunc, foi gravado entre outubro de 1968 e maio de 1969, e masterizado na Artisan Sound Recorders em Hollywood, CA., em meados de 1969. Ele contém gravações originais únicas das Mothers of Invention tocando "Wipe Out", "East LA", "Weasels Ripped My Flesh", "Kung Fu", "Igor's Boogie", "Passacaglia", "Copenhagen Night Music", "Help, I'm A Rock", "Chocolate Halvah", "Prelude To The Afternoon Of A Sexually Aroused Gas Mask", "The Cookie Jar Lecture" e "It Must Be Your Breath". Este acetato, conhecido oficialmente como The Artisan RS 6406 Test Pressing (acetato), foi extraído por seu proprietário e generosamente doado"
Em seu lançamento solo anterior, Cedar City Sweetheart de 2023 , Andrew Gabbard se concentrou em adicionar mais elementos country/americana à sua base de indie rock. Desta vez, ele retorna principalmente aos seus pontos fortes, usando guitarra vibrante e sua voz cheia de alma para trazê-la para casa com Ramble & Rave On! Tocando todos os instrumentos sozinho (exceto o pedal steel de Sven Kahns em "I'm Bound to Ride"), Gabbard entrega um álbum sincero baseado no rock amigável ao rádio dos anos 60/70. O disco abre com guitarra vibrante e batidas de bateria boom-bap em "Just Like Magic", enquanto os vocais doces de Gabbard atingem falsete enquanto ele harmoniza consigo mesmo habilmente, começando Ramble & Rave On! em uma nota alta. Gabbard empurra para a terra do soul retrô com guitarra e piano bem posicionados para "If I Could Show You...
…(Then You Would Know What I Mean),” enquanto a faixa-título é encantada com a confiança inspirada no glam-rock, exibindo-se orgulhosamente. Outra vencedora é “All Right Mama,” que é estrondosa, vibrante e ligeiramente desequilibrada em todos os melhores sentidos, uma reminiscência do Beck principal. O álbum termina com mais duas faixas que brincam com esse estilo digital/buzzy, “I'm Bound to Ride” e “Mulberry”. Embora não sejam tão bem-sucedidas quanto “All Right Mama,” ambas misturam o som direto de Gabbard.
Para a maioria de Ramble & Rave On!, as influências de Gabbard são mais da variedade do rock clássico. “Magic Taxi” parece inspirado por Wings, enquanto “Everywhere I Go I Don't Belong” também tem toques de Paul McCartney fluindo por toda parte. Gabbard fica firme e dirige com um cover acelerado do excelente corte profundo de Neil Young, “Barstool Blues”, enquanto “Again and Again” é um pop rock cativante e distorcido que lembra os sons principais de Laurel Canyon com guitarra ecoante.
No geral, Andrew Gabbard explora seus pontos fortes vocais e de guitarra, sugerindo ainda mais com batidas e vibrações digitais durante a viagem agradável que é Ramble & Rave On
Dyp Tid , o quinto álbum do grupo norueguês de psych-rock Electric Eye, é uma contemplação do desconhecido e do inefável. Criado em uma paisagem onde o tempo e o espaço entram em colapso, o disco é o projeto mais ambicioso e experimental do Electric Eye até o momento. Originalmente encomendado pelo Sildajazz – o Festival Internacional de Jazz de Haugesund – e estreando lá em 2022, 'Dyp Tid' (norueguês para 'Tempo Profundo') é uma jornada meditativa e uma exploração do que significa existir em um universo onde o tempo se estende muito além do alcance da humanidade. Apresentado pela primeira vez ao vivo em Skåre Kirke, uma igreja octogonal de madeira em Haugesund, Noruega, construída em 1858, essas seis composições atmosféricas centralizam órgãos de igreja…
…sintetizadores e vocais corais sobre qualquer instrumentação tradicional de 'rock'. Gradualmente passando pelo minimalismo ambiente, improvisações kosmische e psych-jazz experimental, 'Dyp Tid' não é apenas um álbum, mas um espaço; uma paisagem mental onde som e tempo se cruzam. Falando sobre o álbum, Øystein Braut do Electric Eye diz: "Sempre fomos atraídos pelo cinematográfico, pela sensação de que algo parece maior que a vida, e no Dyp Tid nós entrelaçamos esses elementos em algo profundamente pessoal e totalmente evasivo."
Instalado no Duper Studio de Bergen, o espaço de gravação se tornou um laboratório para desenvolver ainda mais essas novas ideias e transformar a peça 'Dyp Tid' em um álbum de estúdio completo: "Nós nos aprofundamos na tecnologia analógica, exploramos máquinas vintage e experimentamos o que estava no limite do nosso controle. Buscamos o som das profundezas do tempo, algo que parecia infinito e incontrolável. Em uma era em que tudo parece algorítmico e previsível, buscamos criar algo que se recusasse a ser encaixotado – algo que vive e respira por suas próprias regras. O álbum entrelaça intrincadamente gravações ao vivo da igreja de madeira e sessões de estúdio, frequentemente oscilando entre as duas no curso de uma única faixa.”
Trees Speak retorna com TimeFold , seu sexto lançamento pela Soul Jazz Records, expandindo ainda mais seu universo sonoro em constante evolução. Este novo álbum se baseia em sua mistura característica de ritmos krautrock hipnóticos, angularidade pós-punk e paisagens sonoras experimentais, ao mesmo tempo em que se aventura em novos territórios ao misturar influências de eletrônica de vanguarda a formas sonoras cerimoniais. Em TimeFold, Trees Speak (composto pela dupla Damian Diaz e Daniel Martin Diaz, de Tucson) expande seus limites musicais de paisagens expansivas e intergalácticas a trilhas sonoras de filmes de terror de ficção científica italianos e franceses dos anos 1970, imaginadas e assustadoras. O álbum entrelaça perfeitamente motivos de sintetizadores ao estilo John Carpenter com esculturas de som ambiente, evocando…
…mundos imersivos que são tanto cinematográficos quanto sobrenaturais. O álbum também incorpora as influências profundamente enraizadas da dupla, que abrangem pioneiros da eletrônica como Jean-Michel Jarre (Oxygene), Tangerine Dream e Karlheinz Stockhausen. Com base nas técnicas revolucionárias da Musique Concrète, TimeFold apresenta emendas experimentais de faixas, loops e trabalhos de colagem que remontam à era de ouro da música de vanguarda. Às vezes, o álbum canaliza os tons cerimoniais e ritmos hipnóticos que lembram o krautrock do início dos anos 1970, fundindo esses sons com instrumentação orgânica como dulcimers, adicionando uma qualidade ritual terrena e semelhante a um drone à estrutura eletrônica experimental. Um novo elemento neste lançamento é a inclusão da palavra falada por Ashley Christine Edwards, que empresta ao álbum uma ponta assustadora e apocalíptica. Suas contribuições evocam um tom que lembra a cena de vanguarda dos anos 1970, relembrando artistas literários e conceituais como Ruth White. As palavras faladas criam uma experiência sensorial semelhante a cantos cerimoniais, aumentando a intensidade atmosférica do álbum. Esses elementos vocais se conectam ao tema geral do TimeFold, que continua a exploração de tecnologias futurísticas e a comunicação da natureza pela Trees Speak, com o conceito evocativo de árvores e plantas agindo como discos rígidos orgânicos que armazenam dados e conhecimento. Com mais influência do cinema de terror italiano e francês, Trees Speak explora a tensão cinematográfica em TimeFold, criando uma experiência auditiva em camadas. O disco transporta o ouvinte da beleza assustadora e desolada das vastas paisagens desérticas do sudoeste para um espaço auditivo que funde a experimentação eletrônica inicial com a urgência contemporânea da arte conceitual. Desde sua estreia, Ohms, em 2020, a produção prolífica da Trees Speak na Soul Jazz Records redefiniu continuamente os limites do gênero. O TimeFold consolida sua posição como visionários na música experimental, oferecendo um álbum que é tanto uma meditação sobre tecnologias futuras quanto uma homenagem às tradições de vanguarda que surgiram antes.
O LP de maior sucesso do Guess Who, alcançando a nona posição na América (e nas paradas por mais de um ano), se manteve bem e foi o mais próximo de uma declaração de duração de álbum definidora que o grupo original já fez. É fácil esquecer que, até American Woman , os sucessos do Guess Who estavam confinados a números mais suaves, no estilo balada - aquela música (que se originou como uma jam espontânea no palco) destacada pela guitarra fuzz-tone altamente articulada de Randy Bachman, uma batida implacável e Burton Cummings entrando no território de Robert Plant no vocal principal, transformou sua imagem. Como uma abertura de álbum, foi natural, mas a introdução lenta de blues acústico de Bachman anunciou uma série de surpresas reservadas para o ouvinte. A presença do melódico, mas altamente elétrico...
...a versão de sucesso de "No Time" (que a banda havia cortado antes em uma versão mais irregular) fez os primeiros dez minutos um golpe duplo de hard rock, mas o grupo então se desvia para o território do rock progressivo com "Talisman". O lado dois foi onde o álbum original foi mais fraco, embora tenha começado bem o suficiente com "969 (The Oldest Man)". "When Friends Fall Out", um remake de um lançamento canadense antigo do grupo, tentou um som pesado que simplesmente não é sustentável, e "8:15" foi um preenchimento de espaço semelhante, mas "Proper Stranger" cai no bom groove do hard rock. Em agosto de 2000, a Buddha Records lançou uma versão remasterizada deste álbum com uma faixa bônus de uma sessão subsequente, "Got to Find Another Way". Ironicamente, American Woman foi o testamento final do Guess Who original - o guitarrista/cantor Randy Bachman saiu logo após a turnê por trás deste álbum; o grupo resistiu e até prosperou (assim como Bachman), mas American Woman representou algo como um final, bem como um triunfo.
1 American Woman (2024 Remaster) 2 No Time (2024 Remaster) 3 Talisman (2024 Remaster) 4 No Sugar Tonight / New Mother Nature (2024 Remaster) 5 969 (The Oldest Man) (2024 Remaster) 6 When Friends Fall Out (2024 Remaster) 7 8:15 (2024 Remaster) 8 Proper Stranger (2024 Remaster) 9 Humpty’s Blues / American Woman (Epilogue) (2024 Remaster)
Primeiro lançamento deste concerto impressionante e inédito gravado ao vivo no Montreux Jazz Festival em junho de 1968. Restaurado e totalmente remasterizado a partir das fitas originais de arquivo. Inclui um original exclusivo e há muito perdido, "Along Came Zizi", bem como versões ao vivo de outras faixas clássicas do álbum de estúdio Trinity. No verão de 1968, Julie Driscoll, Brian Auger And The Trinity estavam no auge de sua popularidade e desfrutando de sucesso nas paradas por toda a Europa. Esta apresentação no Montreux Jazz Festival, lançada pela primeira vez, mostra a lendária cantora Julie Driscoll, Brian Auger e o grupo no seu melhor. Inclui um original de Brian Auger há muito esquecido, "Along Came Zizzi", bem como versões ao vivo inéditas...
…de “Soft & Furry” de Eddie Jefferson e faixas de seus álbuns “Open” e “Definitely What!”. O livreto contém uma entrevista novinha em folha com Brian Auger, na qual ele descreve suas memórias de se apresentar no festival, assim como fotos da banda no palco do show real.
07. It Doesn't Matter Anymore (radio announcer end cuts out)
08. Laughing Boy > I'm Just A Kid
09. Alone Too Long
10. Sara Smile
11. Abandoned Luncheonette (and radio DJ introduction)
12. Ennui On The Mountain 5:09
13. Gino (the manager) and encore applause
14. band introductions
15. Fall In Philadelphia
16. Every Time I look At You
17. Grounds For Separation (end applause spliced)
1975 - Em agosto de 1975, Hall & Oates lançaram seu quarto álbum, e o primeiro com a RCA, que foi simplesmente intitulado, Daryl Hall & John Oates. Os fãs geralmente se referem ao disco como o álbum "Silver" por causa da capa metálica. Embora o disco não tenha recebido muita atenção, ele eventualmente gerou o single Sara Smile, que foi para o #4 nas paradas da Billboard, que foi o grande sucesso comercial da banda. Então, em julho, sua antiga gravadora, Atlantic, relançou o single She's Gone, esperando capitalizar o sucesso de Sara Smile. Funcionou, pois a música subiu para o #7 nas paradas da Billboard. A RCA riu por último, no entanto, quando o próximo single da banda, do álbum de 1976, Bigger Than Both of Us, se tornou o primeiro hit número um da dupla! Esta transmissão em FM captura Hall & Oates após o lançamento do álbum "Silver", mas antes do sucesso nas paradas de Sara Smile, em Upper Darby, em 13 de dezembro de 1975
