ELVIS PRESLEY: GIRLS! GIRLS! GIRLS! (1962)

 

1) Girls! Girls! Girls!; 2) I Donʼt Wanna Be Tied; 3) Where Do You Come From; 4) I Donʼt Want To; 5) Weʼll Be Together; 6) A Boy Like Me, A Girl Like You; 7) Earth Boy; 8) Return To Sender; 9) Because Of Love; 10) Thanks To The Rolling Sea; 11) Song Of The Shrimp; 12) The Walls Have Ears; 13) Weʼre Coming In Loaded.

Veredicto geral: Uma ótima música, uma boa música, e acho que a expressão facial do Rei na capa deste álbum praticamente diz tudo o que você precisa saber.

Só podemos imaginar o nível de desespero no acampamento do Rei que teria levado à decisão artisticamente suicida de recorrer a um cover de um dos maiores sucessos do Mötley Crüe. Não apenas o mundo em geral mergulharia em um estado de choque total ao ouvir os contos fanfarrões do garoto de ouro da América sobre façanhas no Tattletails e no Crazy Horse, mas também ao ver Elvis com cabelo crespo, em uma roupa de motociclista, babando ao ver curvas lascivas em uma boate de striptease decadente...

...oops, desculpe, local errado no multiverso. Sim, as meninas-meninas-meninas de 1962 eram bem diferentes das meninas-meninas-meninas de 1987 em detalhes, mas a essência da música é exatamente a mesma — "Eu sou apenas um garoto de sangue vermelho e não consigo parar de pensar em [hemoglobina]". Curiosidade divertida: a música foi gravada originalmente pelos Coasters um ano antes e foi escrita para eles por Leiber e Stoller — com os dois expulsos não oficialmente do círculo de Elvis pelo Coronel, a única maneira de ele ainda manter contato com eles era por meio desses covers. Interessante, porém, que eles até deram o nome da música ao filme — acho que uma ideia de acumular dinheiro ainda é uma ideia de acumular dinheiro, mesmo que venha dos seus inimigos. A versão dos Coasters, a propósito, é muito mais lenta e relaxada; a versão de Elvis é ironicamente mais próxima de seu estilo "Yakety Yak", tanto no andamento quanto no solo de sax yakety característico do sempre presente Boots Randolph.

Nada muito especial, com certeza, mas pelo menos a velocidade alucinante e a natureza levemente hooligan da faixa-título a tornam uma abertura muito melhor do que `Tonight Is Right For Loveʼ ou `Blue Hawaiiʼ. Não é de surpreender que o álbum tenha uma bomba de mergulho a partir daí — você só precisa olhar para a lista usual de compositores, ver os procedimentos completamente dominados por Tepper e Bennett e seguir em frente. A mistura usual de pop-rockers desdentados imitando glórias passadas e baladas cafonas vomitando sentimentos antiquados... você sabe como é.

O nome de Otis Blackwell ainda chama a atenção sempre que aparece, e desta vez, não trai a confiança débil — ʽReturn To Senderʼ, um dos maiores sucessos da trilha sonora do Rei, é uma das melhores músicas pop que Otis já escreveu. Não é nem a melodia em si, mas sim a maneira como a música se apresenta como uma narrativa engraçada, ligeiramente intrigante — apresentando o narrador rejeitado não como uma pessoa ansiosa, ansiosa e de coração partido à la ʽPlease Mr. Postmanʼ, mas sim como um amante um tanto confuso que honestamente não tem ideia do que está acontecendo. Além da pegada, mais as linhas de solo perversas do sax baixo, é um clássico e você sabe disso. Infelizmente, a outra música de Blackwell no disco, ʽWeʼre Coming In Loadedʼ, é um número curto, genérico e superficial de rockʼnʼroll que parece ter sido escrito especificamente com o propósito de ter uma música sobre pesca. (Não é coincidência que ``We're Coming In Loaded'' tenha sido escrito para acomodar o roteiro do filme, enquanto ``Return To Sender'' acabou tendo o roteiro do filme adaptado a ele).

Além de ʽReturn To Senderʼ e da faixa-título, há pouco a recomendar sobre este disco. Não que Tipper e Bennett não estejam exatamente tentando — todas as suas contribuições tocam em diferentes gêneros e estilos — mas tudo sai piegas no final, culminando no terrível constrangimento de ʽSong Of The Shrimpʼ, que é desrespeitoso ao gênero calipso, a toda a população de camarões e a todos os ouvintes de música com pelo menos um pouquinho de gosto musical. ʽEarth Boyʼ é provavelmente o melhor de todos esses experimentos de gênero, um estudo em «exotica» com um arranjo musical complexo, mas Elvis não parece particularmente inspirado ao cantar aqueles versos sobre "garoto da terra sonhando com anjo".

A única outra música da trilha sonora que foi considerada digna de inclusão no Command Performances: The Essential 60ʼs Masters (a compilação «definitiva» do melhor material de Elvis de suas trilhas sonoras de filmes) é a balada melosa de Ruth Bachelor e Bob Roberts, `Because Of Loveʼ, cujo único ponto de interesse para mim é que a linha melódica ascendente que leva do verso à ponte é exatamente a mesma de ``Devil In His Heartʼ dos Donays (que todos nós conhecemos, é claro, da versão dos Beatles). Pode ser apenas uma progressão estereotipada, mas é engraçado que ambas as músicas tenham sido lançadas exatamente no mesmo ano, então seria interessante saber quem influenciou quem. Ou, espere, talvez não seja tão interessante assim. ``Devil In His / Her Heartʼ é uma música muito melhor de qualquer maneira: muita tensão de coração partido ali, enquanto ``Because Of Loveʼ apenas pinga mel nojento e pegajoso por todo o seu carpete. Não precisa se preocupar com isso, ou com este álbum em geral. 

DAVID GILMOUR: ON AN ISLAND (2006)

 

1) Castellorizon; 2) On An Island; 3) The Blue; 4) Take A Breath; 5) Red Sky At Night; 6) This Heaven; 7) Then I Close My Eyes; 8) Smile; 9) A Pocketful Of Stones; 10) Where We Start.

Veredito geral:  Tranquilo, sem intercorrências, mas uma bem-aventurança meditativa de bom gosto para todos aqueles que não têm para onde ir e nada para fazer — uma audição bastante adequada para 2020, como se vê.

Por quase 12 anos após o lançamento de Division Bell , Gilmour permaneceu em silêncio como artista e, considerando tudo, foi uma coisa boa: Division Bell não era particularmente ruim, mas mostrou que Dave tinha poucas ideias novas, e lançar outro disco de baladas suavemente deprimentes e levemente deprimentes faria pouco bem à reputação do Pink Floyd ou à sua própria. O homem não tinha nada a provar a ninguém, nenhuma obrigação contratual e nenhuma necessidade de manter a memória do Pink Floyd aos olhos do público com um novo produto. Essa situação por si só significa que quando ele ressurgiu em 2006 com seu próximo álbum solo, isso realmente significou algo para o cara de 60 anos.

Artisticamente falando, On An Island é Double Fantasy de David Gilmour (a comparação se torna ainda mais legítima pelo fato de sua esposa, Polly Samson, ter colaborado com ele liricamente em algumas faixas): um álbum de alguém que finalmente encontrou paz interior e felicidade e gostaria de compartilhá-las com você. Lento, blues, melódico, atmosférico, solitário, introspectivo, ele tem todas as marcas registradas da maioria dos solos de Dave, bem como dos produtos de Dave Floyd, com uma exceção importante: a desolação e a depressão deram lugar a uma melancolia especial e feliz. Não desejando mais ficar com raiva ou desesperado sobre os males do mundo em geral, David Gilmour agora afoga suas memórias dele nas maravilhas solitárias da beleza natural. É aqui que sua paixão por voar e velejar passa a ser totalmente compreendida — o homem é um escapista nato, e On An Island é sem dúvida sua declaração mais claramente pronunciada de escapismo de todos os tempos.

Se você conhece alguma coisa sobre Pink Floyd e David Gilmour, provavelmente conseguirá descobrir como o disco soa apenas olhando os títulos das músicas — ʽCastellorizonʼ, ʽOn An Islandʼ, ʽThe Blueʼ, ʽRed Sky At Nightʼ, ʽThen I Close My Eyesʼ... claramente, esta será uma fantasia musical romântica, inspirada em todos os lugares solitários e exóticos que o Sr. Gilmour teve a oportunidade de visitar por meio da globalização e de um impressionante saldo bancário. Felizmente, o Sr. Gilmour é um artista talentoso, ao contrário de Hugh Hefner ou do Imperador Tibério, e On An Island é uma pintura sonora adorável e requintada, se não muito memorável, ao invés de apenas uma peça padrão de muzak ornamentada que você poderia tocar no lounge de um hotel resort cinco estrelas sem medo de que alguém começasse a prestar atenção a ela.

O elo com o antigo universo do Pink Floyd ainda permanece forte: ʽCastellorizonʼ é uma abertura clássica no estilo Floyd, com uma longa e cuidadosa construção de sintetizadores esfumaçados, efeitos sonoros fantasmagóricos, overdubs inesperados (em um ponto, um banjo lo-fi enferrujado aparece do nada da mesma forma que o violão lo-fi em ʽWish You Were Hereʼ) e, eventualmente, um ataque violento de notas de guitarra sustentadas profundamente estimadas surgindo das ondas do sintetizador. A tonalidade e o tom da guitarra lembram ʽShine On You Crazy Diamondʼ, mas esta não é a música de luto por um amigo que partiu, é mais como uma interpretação emocional do oceano à noite — uma trilha sonora da natureza cuja expressividade vai muito além de qualquer trilha sonora comum, mas não pode fingir que se eleva a nenhum tipo de altura trágica. É isso que você vai ouvir do começo ao fim — uma pintura musical de ambição decididamente e intencionalmente limitada, pintada por um pintor genial certificado. Como uma paisagem de Renoir ou algo assim.

A boa notícia é que On An Island vale a pena ouvir repetidamente — surpreendentemente, muitas das faixas são de crescimento lento, cujo efeito calmante e relaxante se acumula ao longo do tempo. No começo, você pode não ser fisgado, porque as melodias fluem de uma forma calmante e sem ganchos; mas quando você se acostuma com a lentidão e a suavidade, o contraste sutil entre a melodia do verso e do refrão da faixa-título — com as estrelas convidadas Crosby e Nash se juntando a David para aquela sensação extra — revela a diferença entre sugar agradavelmente a atmosfera noturna (verso) e ter uma epifania romântica (refrão). É tudo em pequena escala, nada realmente destruidor na instrumentação ou nas harmonias vocais, mas há uma dinâmica agradável aqui. Mais importante, a guitarra de David soa mais próxima do ouvinte do que há anos — um dos piores aspectos de todos os seus primeiros álbuns solo era que a guitarra estava realmente no fundo da mixagem, distante e quase deliberadamente se recusando a se envolver em seus centros emocionais. On An Island pode ser o primeiro álbum de Gilmour em muito, muito tempo que elimina esse problema ao colocar a guitarra, nítida e clara, no topo de todo o resto. Esses estão longe de ser os melhores solos de Dave — precisamente porque seus melhores solos envolvem turbulência emocional desesperada, o que não é o caso aqui — mas cara, eles soam bem.

Nem todo o disco soa como uma canção de ninar: assim como em Double Fantasy você pode encontrar um ʽIʼm Losing Youʼ para lembrá-lo de que você tem que ganhar seu direito à felicidade plena através do sofrimento, On An Island tem coisas como ʽTake A Breathʼ, um rock psicodélico de andamento médio que interrompe o fluxo calmo com guitarras distorcidas, vocais altos e ecoantes e letras sinistras ensinando a você autoconfiança diante de probabilidades sombrias: "If Iʼm the one to throw you overboard / At least I shown you how to swim for shore". (Indiscutivelmente a melhor coisa sobre a música é sua seção intermediária, reproduzindo assustadoramente a sensação de ser arrastado para baixo d'água). Em uma veia diferente, ʽThis Heavenʼ é um blues-rock lento impulsionado por um pequeno riff acústico agradável, com um arranjo ligeiramente irregular que se poderia esperar de alguma banda indie-rock do início dos anos 2000 como o Black Keys (ou o White Stripes?); no entanto, também quebra o efeito de imersão, e não tenho certeza se sou realmente um fã.

No final, não vou mentir para você sobre estar apaixonado por nenhuma das músicas individuais; talvez o mais próximo que você possa chegar seja com ʽThe Blueʼ, que você poderia definir como "Alan Parsons tentando escrever seu próprio ʽUs And Themʼ" — com Rick Wright nos vocais, uma melodia que imita um padrão de remo constante e o arranjo mais zen de todos, se você estiver com vontade. Mas, novamente, eu nunca fui profundamente apaixonado pelo Pink Floyd pacificamente feliz, como ʽFat Old Sunʼ — uma música que foi sem dúvida a mais próxima em espírito da visão de Gilmour para este disco (e, não por coincidência, ressuscitada para sua turnê em apoio a ele); eu apenas pensei que esta música foi escrita para ser agradável, e eu obedientemente gostei dela. Eu também gosto deste álbum, obedientemente, e certamente acho que Gilmour ganhou o direito de fazer uma observação com ele — aos 60 anos, as chances de alguém capturar a beleza sutil da natureza são provavelmente um pouco maiores do que fazer uma declaração social empolgante.

Para registro, além de Crosby e Nash na faixa-título, as sessões apresentam algumas estrelas convidadas notáveis, incluindo Phil Manzanera (que é amplamente responsável pelo som «de ferro» de ʽTake A Breathʼ)  e Robert Wyatt (cuja elegante, mas sonâmbula corneta tocando em ʽThen I Close My Eyesʼ é, infelizmente, um tanto perdida aqui). No entanto, a maior parte de todos os créditos de execução ainda vai para o próprio David, que toca a maioria das partes de guitarra, baixo e percussão — agora isso é o que você chama de verdadeiro escapismo. No final, realmente não importa o quanto o produto final importa para mim, você ou qualquer outra pessoa; o importante é que On An Island realmente produz a impressão de uma carta de amor agradecida do artista ao seu Criador, e isso por si só o torna totalmente significativo, mesmo que você não tenha o desejo de reproduzi-lo várias vezes. Por outro lado, estou escrevendo esta análise na era do bloqueio da COVID e, como todos nós acabamos presos em pequenas ilhas, só Deus sabe o quão fortemente esse tipo de música pode repercutir em alguém agora. 

SET FIRE TO FLAMES: SINGS REIGN REBUILDER (2001)

1) ʽI Will Be True...ʼ (From Lips Of Lying Dying Wonder Body #1)/Reign Rebuilder [Head]; 2) Vienna Arcweld/Fucked Gamelan/Rigid Tracking; 3) Steal Compass/Drive North/Disappear; 4) Wild Dogs Of The Thunderbolt/ʽThey Cannot Lock Me Up... I Am Eternally Free...ʼ (From Lips Of Lying Dying Wonder Body #2); 5) Omaha; 6) There Is No Dance In Frequency And Balance; 7) Côte DʼAbrahams Roomtone/ʽWhatʼs Going On?...ʼ (From Lips Of Lying Dying Wonder Body #3); 8) Love Song For 15 Ontario (w/ Singing Police Car); 9) Injur: Gutted Two-Track; 10) When I First Get To Phoenix; 11) Shit-Heap-Gloria Of The New Town Planning...; 12) Jesus/Pop; 13) Esquimalt Harbour; 14) Two Tears In A Bucket; 15) Fading Lights Are Fading.../Reign Rebuilder [Tail Out].

Veredito geral: Conceitualmente sólido, emocionalmente vazio — solidão e lamentação levados a níveis quase ridículos de tédio.

Se o Silver Mt. Zion foi em grande parte uma criação de Efrim Menuck, então o segundo maior projeto paralelo separado do Godspeed You! Black Emperor deveu sua existência principalmente a David Bryant e Mike Moya, os outros dois guitarristas da banda. Assim como o Silver Mt. Zion, este foi formado para explorar ideias e conceitos que não se encaixavam muito bem na megalovisão padrão do GY!BE, e você pode ver isso nas circunstâncias em que seu primeiro LP foi gravado. Para fazer isso, os 13 músicos que constituem esta banda se mudaram para um prédio decrépito de dois andares com um século de idade que já estava marcado para demolição — e acabaram com uma peça de musique concrète de 73 minutos de duração, em grande parte improvisada , combinando melodias minimalistas com todos os tipos de sons ambientes, de pisos rangendo a torneiras pingando e carros passando.

Os objetivos artísticos de tal empreendimento são bastante óbvios — na verdade, eles não são muito diferentes dos objetivos do GY!BE como tal ou do Silver Mt. Zion: a maioria do trabalho desses caras representa um lamento sem fim pela passagem das coisas. Signs Reign Rebuilder nos convida para um serviço de luto bastante longo, no qual a atuação principal é dividida uniformemente entre o homem e as próprias coisas que o homem deu à luz e depois descartou sem pensar. Como Paul McCartney disse trinta anos antes, "por que, por que, diz o lixo no quintal". Aqui, o lixo ganha sua própria voz, e os músicos são reunidos para amplificá-lo e fazê-lo ser ouvido, sem nunca julgar nada — afinal, nascimento e morte constituem o ciclo natural da vida, então isso é tudo sobre luto, nunca sobre acusação.

Infelizmente, embora o conceito certamente funcione em um nível intelectual, não tenho certeza do que seria necessário para fazê-lo funcionar em um nível puramente sensorial. Por exemplo, a segunda faixa aqui já consiste em cerca de 13 minutos de ruído relativamente baixo — muito disso soando como se alguém estivesse arrastando um balde vazio por um caminho de cascalho, então tentando sintonizar um rádio completamente disfuncional, então usando um violoncelo para imitar o rangido de uma gangorra enferrujada. Eventualmente, alguma percussão se junta à «diversão» para adicionar dinâmica e talvez até um pouco de crescendo para fazer as coisas ferverem, mas isso é uma recompensa muito pequena para dez minutos da sua vida que você pode ter desperdiçado tentando encontrar o nirvana espiritual nos sons acima mencionados.

Se você se lembra do conceito, tudo pode fazer sentido e receber uma interpretação plausível, mas, para dizer o mínimo, não é muito divertido de ouvir, e estou usando o entendimento mais amplo de «diversão» que pode ser aplicado a tais casos. Que Sings Reign Rebuilder não é sobre melodias particularmente cativantes ou particularmente complexas é obviamente compreendido; certamente deve ser tudo sobre atmosfera de definição de humor. O problema é que é difícil gerar uma atmosfera surpreendente ou simplesmente impressionante se suas regras exigem que você se restrinja a canções fúnebres lentas, silenciosas e repetitivas de violão e/ou cordas e fitas em loop de quaisquer sons de rangidos, assobios, resmungos ou arranhões que seu ouvido possa captar nos confins de seu ambiente dilapidado. Provavelmente não é impossível , mas é difícil, e do jeito que vejo, Set Fire To Flames não realmente superou esse desafio. Ao longo de duas audições, nenhum momento do álbum conseguiu especificamente chamar minha atenção.

No seu melhor, Set Fire To Flames soa como uma versão um pouco abafada e amplamente desnecessária do próprio GY!BE — confira ʽSteal Compassʼ, um crescendo de seis minutos que usa a fórmula GY!BE, mas esquece de inventar um tema forte e falha em gerar a energia necessária, mesmo quando os trinados ecoantes obrigatórios da guitarra começam a eletrificar o espaço ao seu redor... então simplesmente desaparecem em impotência desiludida. Se era para ser assim, está tudo bem para mim, mas, novamente, apenas em um nível racional frio — como um portador da tocha para toda a mediocridade neste mundo que se esforça para ser grande e falha no meio do caminho. Pior ainda são os dez minutos de ʽShit-Heap-Gloria Of The New Town Planningʼ (de onde eles tiram todos esses títulos?), que sofrem exatamente das mesmas falhas, exceto... bem, dez minutos. Pelo amor de Deus, rapazes, o mundo não precisa realmente que vocês façam as mesmas coisas que podem fazer muito melhor em um formato maior.

Mesmo assim, este é Set Fire To Flames no seu melhor . No seu pior , eles podem soar como um jovem trio de cordas afinando (ʽTwo Tears In A Bucketʼ), ou podem simplesmente obstruir seu espaço de áudio com sons em loop de hélices de helicóptero (ʽCôte DʼAbrahams Roomtoneʼ) ou algo assim. A má notícia é que isso não se traduz em nenhum tipo de experiência coesa. Eu adoraria poder visualizar mais uma paisagem pós-apocalíptica devastada do que me está sendo oferecido, mas simplesmente não há nada muito assustador sobre esses sons. Tudo soa tão improvisado que eu não ficaria surpreso em saber que eles inventaram tudo em 24 horas, nenhum minuto das quais envolveu qualquer inspiração passageira (atualização: aparentemente, levou cinco dias, o que realmente não é muito diferente de 24 horas no grande esquema das coisas). Infelizmente, o resultado é um desastre, mesmo que algumas críticas contemporâneas tenham sido brilhantes na época (como um 9 da Pitchfork, com o crítico se gabando da construção sonora do disco como se nunca tivesse ouvido nada que soasse assim). Bem, Silver Mt. Zion 1: Set Fire To Flames 0, eu tenho que dizer. 

Fifty Foot Hose: Cauldron 1967

 

Fifty Foot Hose é uma banda americana de rock underground formada em São Francisco no final dos anos 1960 e reformada nos anos 1990. Eles foram uma das primeiras bandas a fundir rock e música experimental. Assim como alguns outros artistas da época (principalmente os Estados Unidos da América), eles tentaram conscientemente combinar os sons contemporâneos do rock com instrumentos eletrônicos e ideias composicionais de vanguarda.                                                               

                                                             
O grupo original era composto por três membros principais: o fundador e baixista Louis "Cork" Marcheschi, o guitarrista David Blossom e sua esposa, a vocalista Nancy Blossom, além de Kim Kimsey (bateria).

e Larry Evans (guitarra). David e Nancy Blossom trouxeram influências psicodélicas e de jazz para a banda. Juntos, o trio gravou uma demo que resultou em um acordo com a Limelight Records, uma subsidiária da Mercury Records. Eles lançaram um álbum, Cauldron, em dezembro de 1967. Ele continha onze músicas, incluindo "Fantasy", "Red the Sign Post" e "God Bless the Child", um cover de uma música de Billie Holiday. Era uma mistura intrigante de rock psicodélico e jazzístico com efeitos sonoros eletrônicos poderosos e avançados. "Não sei se eles são imaturos ou prematuros", disse o crítico Ralph J. Gleason.
                                                                                 

O disco vendeu poucas cópias na época, embora o grupo tivesse um pequeno, mas intenso número de seguidores em San

Francisco também excursionou com outros artistas, incluindo Blue Cheer, Chuck Berry e Fairport Convention, quando a banda foi reforçada por Robert Goldbeck (baixo). Eles se separaram no final de 1969, quando a maioria de seus membros se juntou ao musical Hair.
                                                          

Este é talvez um dos discos mais estranhos e bizarros lançados na época, e isso quer dizer muito. Ao ouvir esse disco, você nunca acreditaria que ele veio de São Francisco.   Parece muito diferente de qualquer outra banda por aí. É uma mistura inebriante acontecendo aqui. De rock direto ao blues, psicodélico, soul, folk e manipulação de fitas de vanguarda.

Uma obra-prima da psicodelia experimental e um dos álbuns com sonoridade mais singular do final dos anos 60. Apesar de ser tão diferente, ainda é incrivelmente agradável de ouvir e, talvez por causa das transições suaves ao longo do álbum, realmente te envolve. Essencial se você gosta de psicologia.
                                                        

E há os estranhos sons eletrônicos intercalados entre as músicas, tudo obra de um Louis

Marcheschi que criou os sintetizadores do zero. Você tem a versão maluca e alucinante de "God Bless the Child", de Billie Holiday, que sem dúvida os membros do The Residents levaram a sério. Há o forte toque ácido de “Red The Sign Post”, pontuado por algo que parece um sino de vaca sobrenatural, e o soul psicodélico de partir o coração de “If Not This Time”.
                                              

Há o hipnótico blues folk de "Fly Free", e termina com "Desire", que começa como o que parece ser um blues vamp uptempo direto, apenas para se tornar um ripper esquizofrênico enlouquecido que aposto que os Butthole Surfers ouviram mais de uma vez no Texas.
                                                      

O álbum foi praticamente ignorado na época e, infelizmente, o grupo original se separou e nunca mais fez outro álbum. Curiosidade: a maioria deles participou da turnê do musical Hair.  

O ETHIX

                                                                      

Extremamente raro 7" pelos membros da banda Fifty Foot Hose. Bad Trip foi gravado com Bob Noto na guitarra - Bob Gibson gritando e berrando e Cork Marcheschi tocando baixo e batendo em um grande tubo de papelão com uma baqueta. Eles gravaram em um sony de duas trilhas na sala de estar dos pais de Cork e colocaram Bob no banheiro como uma espécie de cabine de som. Era a maneira de Cork lidar com a Music Concrete e ele sugeriu que o disco poderia ser tocado em qualquer velocidade, seu amor pelo dadaísmo foi totalmente realizado em Bad Trip.

FIFTY FOOT HOSE – CAULDRON... MAIS FAIXAS RARAS E INÉDITAS
Gravadora: Big Beat Records – CDWIKD 158
Série: Nuggets From The Golden State
Formato: CD, Álbum, Reedição 1996
País: Reino Unido
Lançamento: 1967    
Gênero: Rock
Estilo: Rock Psicodélico, Experimental

FAIXAS

                                                                                     

01. Fifty Foot Hose – And After    2:06
02. Fifty Foot Hose – If Not This Time    3:39
03. Fifty Foot Hose – Opus 777    0:22
04. Fifty Foot Hose – The Things That Concern You    3:30
05. Fifty Foot Hose – Opus 11    0:26
06. Fifty Foot Hose – Red The Sign Post    2:58
07. Fifty Foot Hose – For Paula    0:30
08. Fifty Foot Hose – Rose    5:07
09. Fifty Foot Hose – Fantasy    10:14
10. Fifty Foot Hose – God Bless The Child    2:36
11. Fifty Foot Hose – Cauldron    4:55
12. Fifty Foot Hose – If Not This Time (Demo)    3:39
13. Fifty Foot Hose – Red The Sign Post (Demo)    2:17
14. Fifty Foot Hose – Fly Free (Demo)    2:41
15. Fifty Foot Hose – Desire (Demo)    11:39

THE ETHIX

                                               

16. The Ethix – Bad Trip (33 rpm)    3:21
17. The Ethix – Skins    2:24
18. The Ethix – Bad Trip (45 rpm)    2:03

Notes
Track 1 is a two minute oscillating tone. There is nothing wrong with your CD player.
Tracks 1 to 11 were previously released as the LP "Cauldron" in 1967.

MUSICA&SOM

MUSICA&SOM

Naxatras: Naxatras I 2015

 

Naxatras é uma banda de rock grega formada em 2012 em Thessaloniki, por Giannis Vagenas e Giannis

Kostandelias, colega do Departamento de Cinema da Escola de Belas Artes da Universidade Aristóteles. A música deles se move no campo do rock psicodélico. "Naxatras é uma variação do Nakshatra da astrologia indiana que se refere às 27 ou 28 fases da Lua", explica Giannis Vagenas.
                                                                                                              

Você nunca sabe com antecedência quando chegará a hora da mudança. Somente quando isso acontece.

A banda grega de rock psicodélico Naxatras já está na primeira década de existência e um número significativo de marcos foi alcançado. Depois de três álbuns completos que os estabeleceram no underground global como uma força a ser reconhecida, uma nova abordagem surgiu da maneira mais natural.
                                                                               

Mesmo antes do álbum 'III', algumas das ideias da época não combinavam com a vibe ou o lugar em que a banda estava.

estava lá e foi deixado de fora, mas mantido em segurança. A identidade do Naxatras como uma banda de jam dominante começou a ser desafiada internamente e alguns desses traços musicais finalmente encontraram seu caminho de volta ao jogo.
                                                              

Combinado com a maturidade e a habilidade artística que o tempo e as extensas turnês trazem, o novo

a música combinou com parte daquele material antigo e moldou a maneira como essa nova era soa. O foco agora está na música em si, na sólida construção de musicalidade e composição, que extrai a magia do rock progressivo clássico dos anos 70 e dos grandes compositores da história.
                                                          

O novo álbum tinha lacunas que um teclado preencheria, então um novo membro foi recebido no clã. O

as paisagens sonoras pareciam exploráveis, então um conjunto mais amplo de percussão era indispensável. O trabalho de guitarra é claro e preciso, os vocais têm uma história direta para contar, o jogo todo agora está mais intenso e exige um modus operandi diferente.
                                                     

Além disso, a atitude de improvisação teve que dar lugar a uma performance direta e intencional. O assim

Longe do som analógico característico dos Naxatras, transformado para servir ao material direto, a orquestração é multinível e cirúrgica, por isso as músicas são poderosas e memoráveis. O novo esquema de produção do Magnanimous Studios de Thessaloniki GR proporcionou uma abordagem multitrack, combinando calor e cristal.
                                                  

Então tudo se resume a isso.

Um álbum que mostra uma banda em seu auge criativo; com toda a experiência sendo colocada em prática, com todas as ferramentas disponíveis prontas, misturando o conhecimento adquirido, as influências impressas e a disposição aventureira deste grupo de jovens músicos prontos para enfrentar o mundo.
                                                   

Entrevista com Naxatras: "O psicodelicismo é uma antítese do rock corporativo mainstream"
                                          

A música de Naxatras consiste em padrões rítmicos dinâmicos, melodias oníricas, riffs pesados ​​e

solos de guitarra psicodélicos, todos com uma forte atmosfera e estética dos anos 70.
Eles foram fundados em 2012 e cultivaram seu som até 2015, quando lançaram seu primeiro álbum autointitulado, gravado inteiramente em analógico e ao vivo.
A banda usa elementos de rock psicodélico/progressivo, blues, funk, stoner e música oriental combinados com um show de vídeos psicodélicos para estimulação completa dos sentidos.
                                             

É realmente uma ótima sensação ver jovens artistas em um país que está passando por muitas dificuldades.

durante o pior período, eles colocaram sua paixão, talento e apetite na criação de pequenas obras-primas na música, como o álbum 'Naxatras' lançado em 2015.
                                               

Quando o Naxatras lançou seu primeiro álbum, chamando-o simplesmente de "I", eles não esperavam que ele tivesse cerca de 4 milhões de visualizações no YouTube.
                                          

ALBUMS

(2015) Naxatras I
(2016) II
(2018) III
(2018) Live Rituals At Gagarin 205

EPs

(2016) EP

Naxatras – Naxatras I
Label: Not On Label (Naxatras Self-released) – none
Format:    CD, Album, Limited Edition
Country: Greece
Released: Apr 26, 2015
Genre: Rock
Style: Stoner Rock, Psychedelic Rock

TRAXS

 

01. I Am The Beyonder    10:34
02. Sun Is Burning    5:17
03. Space Tunnel    6:05
04. Shiva's Dance    7:34
05. Downer    6:17
06. Waves (Organ – Sabine)  7:15
07. The West    7:06
08. Ent    9:48

Credits

Artwork, Design – Christopher Toumazatos
Bass, Vocals – John Vagenas
Drums – Kostas Harizanis
Engineer – Jesus Agnew
Guitar – John Delias

Notes 

                                                         

Nenhum dispositivo digital foi usado nas etapas de execução, gravação, mixagem e masterização da produção deste artefato relacionado ao áudio. A conversão digital de alta qualidade foi feita como a última etapa do processo de criação do CD e da versão digital para download deste álbum.
Cada música deste disco foi tocada e gravada inteiramente ao vivo durante um dia.
Um agradecimento especial a Jesus e Sabine pela grande ajuda.
                                         
                                         

Gravação e masterização analógica completa no estúdio Magnetic Fidelity.
Arte/design de Christopher Toumazatos, também conhecido como Chris RW.

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