CRONICA - GRATEFUL DEAD | American Beauty (1970)

 

De acordo com fãs obstinados do Grateful Dead (mais tarde chamados de Deadheads), Beleza Americana , lançado em novembro de 1970, é a maravilha do grupo de São Francisco. É preciso dizer que, para o Dead, fazer um álbum de estúdio é sempre um problema.

Ele segue Workingman's Dead, impresso 5 meses antes. No entanto, não é apenas uma sequência cronológica. Mas também de uma continuidade elaborada em Workingman's Dead , que obteve grande sucesso. Após as caras andanças psicodélicas com testes de ácido, o baixista Phil Lesh, o tecladista/tocador de gaita Ron "Pigpen" McKernan, os guitarristas Jerry Garcia e Bob Weir, assim como os bateristas Mickey Hart e Bill Kreutzmann, fazem uma mudança radical ao se basearem nas raízes americanas.

Seguindo os passos do som de Bakersfield, o resultado é um magnífico disco de country rock folk para ampliar seu público. Para Jerry Garcia, o líder indiscutível, é preciso atacar enquanto o ferro está quente, consertando as armadilhas encontradas em Workingman's Dead , que foi concebido às pressas. Urgência que se sente na qualidade do som. Mas também nas palavras e no gênero que beiram a caricatura.

Para Beleza Americana , publicado pela Warner Bros, o grupo vai levar o seu tempo (sem se demorar muito, porém, para não repetir a experiência de Aoxomoxoa , que o deixou endividado até o pescoço). O resultado será mais suave, mais polido, mais contido, mais direto, livrando-se dos aromas psicodélicos que ainda podem ser encontrados em Workingman's Dead .

Além disso, Beleza Americana não é obra apenas de Jerry Garcia e do letrista Robert Hunter. Cada um dos membros restantes tentará. E, finalmente, a morte grata se cercará de artistas da música country: o baixista Dave Torbert, o guitarrista David Nelson, o bandolinista David Grisman, o pianista Ned Lagin. Note-se que alguns são membros do Novo Cavaleiro do Sábio Púrpura.

Note que neste álbum, Jerry Garcia se concentrará principalmente no violão e na guitarra pedal steel, o que traz uma atmosfera intimista. Por sua vez, "Pigpen", que estava com sérios problemas de saúde, apenas tocou gaita e fez backing vocals, abandonando seu órgão em favor de Howard Wales.

Como de costume, o combo californiano nos encanta com seu senso de melodia de rápido acesso. Hinos mágicos que atingirão seu clímax nos sublimes 6 minutos de “Candyman”, uma balada bluegrass descolada atravessada por um delicado pedal steel. Um título que vai mexer muito com as emoções, principalmente com esses coros celestiais que fazem você chorar de frio. À procura deste órgão discreto que nos encanta. Sem dúvida a música mais linda deste álbum. Sentimentos irreais que podem ser sentidos nas indiferentes e nostálgicas “Brokedown Palace” e “Attics of My Life”.

Planos poéticos de pedal steel guitar que ouvimos no country rock "Box of Rain" para uma esplêndida abertura cantada por Phil Lesh, onde ele evoca seu pai moribundo. O tom está definido para um fantástico disco de 33 rpm de pura música americana com um toque de espaços abertos.

Retornamos ao melódico bluegrass country na oscilante “Friend of the Devil”, na bucólica “Ripple”, na rústica “Sugar Magnolia”, na exótica “Till the Morning Comes”. Mas acima de tudo o rústico “Operator” onde “Pigpen” canta acompanhado de sua gaita blueseira.  

O caso termina com o country blues, "Truckin'" com um toque de boogie. Relatando as aventuras da banda na estrada (e os contratempos com a polícia que encontraram ao longo do caminho), é um momento raro que nos leva de volta à loucura do acid rock dos primeiros dias.

Um sucesso artístico e comercial, Beleza Americana estabeleceria o Grateful Dead como um gigante do rock.

Faixas:
1. Box Of Rain
2. Friend Of The Devil
3. Sugar Magnolia
4. Operator
5. Candyman
6. Ripple
7. Brokedown Palace
8. Till The Morning Comes
9. Attics Of My Life
10. Truckin

Músicos:
Jerry Garcia: Guitarra solo, vocais
Phil Lesh: Baixo, vocais
Bob Weir: Guitarra base, vocais
Ron “Pigpen” McKernan: Gaita, vocais
Bill Kreutzmann: Bateria
Mickey Hart: Bateria
+
David Grisman: Bandolim
David Nelson: Guitarra em “Box of Rain”
Ned Lagin: Piano
Dave Torbert: Baixo
Howard Wales: Órgão, Piano

Produção: Grateful Dead, Steve Barncard

CRONICA - SOFT MACHINE | Six (1973)

Após o lançamento de Fifth , o saxofonista Elton Dean deixou a soft machine para tentar carreira solo. John Marshall, que assumiu definitivamente a posição de baterista, traz um conhecido de seu antigo grupo Nucleus, Karl Jenkins. Este último, além de tocar saxofone, toca oboé, mas sobretudo piano elétrico. Juntando-se ao baixista Hugh Hopper, ele enfrentará o organista/pianista Mike Ratledge.

Essa nova formação imprimirá Six em fevereiro de 1973 em nome da CBS, que eventualmente aparecerá como uma dupla. O primeiro volume será ao vivo, o segundo experimental para peças mais pessoais será no estúdio. Um formato que lembra o Ummagumma do Pink Floyd , onde o amante da música apreciará a sequência do concerto por ser um trabalho coletivo.

Gravado em novembro de 1972 no Dome em Brighton e no Civic Hall em Guildford, o primeiro volume oferece faixas que se sucedem sem interrupção, com John Marshall incluindo um refrão de bateria de 5 minutos em "5 From 13 (for Phil Seamen with Love & Thanks)".

Começa com “Fanfarra”. Breve introdução que dá o tom de um jazz rock convencional, longe das atmosferas nebulosas de trabalhos anteriores. A presença de Karl Jenkins, cujo sax nos encantará, é uma grande parte disso, menos propenso ao delírio psicodélico. Como prova, "All White", única composição do repertório da Soft Machine ( Fourth 1971), é completamente higienizada. O resto é, portanto, apenas material inédito oferecido ao público, onde o quarteto variará os andamentos e climas com uma bela fluidez. Passamos de momentos oníricos e nostálgicos (“Between”, “EPV”) para momentos sombrios (“Riff I”), mais atmosféricos (“37½”), mais alucinatórios e cacofônicos (“Lefty”), para ritmos mais funky e emocionantes (“Gesolreut”), para sets tensos e épicos (“Stumble”) para um final explosivo (“Riff II”).

O segundo volume abre com uma composição de Karl Jenkins, "The Soft Weed Factor", distribuída ao longo de 11 minutos elevados e minimalistas com este loop hipnótico pontilhado com camadas frias de teclado.

O resto são duas faixas compostas por Mike Ratledge. Começamos com "Stanley Stamp's Gibbon Album (for BO)" com sua estranha introdução e conclusão. No centro, um novo loop com um andamento mais rápido, tendo como pano de fundo uma salsa esquizofrênica que servirá de pretexto para solos alucinógenos de teclados manipulados, muito reconhecíveis no estilo de Canterbury. A abertura do lado D é “Chloe and the Pirates”, uma balada cósmica e rústica com melodias perturbadoras.

O caso termina com "1983", de Hugh Hopper, que ocupa o espaço sonoro para uma peça aterrorizante, sombria, misteriosa e angustiante. Esta faixa seria a contribuição final do baixista para o Soft Machine. De fato, Hugh Hopper, considerando que não tinha mais lugar, deixou o grupo, preferindo seguir carreira solo ou participar de diversas colaborações. Ele morreu em junho de 2009.  

Coluna dedicada a Mike Ratledge, que morreu em 5 de fevereiro.

Faixas:
1. Fanfare
2. All White
3. Between
4. Riff
5. 37½
6. Gesolreut
7. EPV
8. Lefty
9. Stumble
10. 5 From 13 (Para Phil Seamen Com Amor e Agradecimento)
11. Riff II
12. The Soft Weed Factor
13. Álbum Stanley Stamps Gibbon (Para BO)
14. Chloe And The Pirates
15. 1983

Músicos:
Karl Jenkins: Saxofone, Oboé, Piano.
Mike Ratledge: Órgão, Piano
Hugh Hopper: Baixo, Efeitos
John Marshall: Bateria

Produção: Soft Machine

CRONICA - KEVIN AYERS | Banamour (1973)

 

Desde a publicação de Whatevershebringswesing em 1972, o mundo inteiro desmoronou. Esta foi a banda que acompanhou Kevin Ayers no palco e no estúdio. Os últimos membros partiram para outros horizontes. Mais notavelmente o guitarrista/vocalista Mike Oldfield, que acaba de assinar com a novíssima gravadora Virgin. Apenas David Bedford permanece para alguns arranjos orquestrais.

Mas o cantor/multi-instrumentista inglês é um cara simpático e despreocupado que sabe como se cercar de amigos músicos prontos para segui-lo em seu país das maravilhas com testes decisivos. Apoiado pelo baixista Archie Legget e pelo baterista Eddie Sparrow, ele foi acompanhado pelo guitarrista Steve Hillage (Gong), o vocalista Robert Wyatt, o organista Mike Ratledge (Soft Machine), o pianista Ronnie Price, o trompetista Dave Caswell, o percussionista Tristan Fry, os saxofonistas Howie Casey e Lyle Jenkins, bem como um trio vocal (Barry St. John, Doris Troy, Liza Strike). Em maio de 1973, toda a turma imprimiu Banamour para Harvest.

Este quarto ^álbum é baseado no título central, “Decadence”, que se estende por 8 minutos, uma obra-prima de música sublime. Faixa elástica com esse arpejo de guitarra que nos hipnotiza em uma atmosfera cósmica e vaporosa. Peças que, segundo o autor, foram inspiradas em Nico, cantora e musa do Velvet Underground em seus primórdios. Combinação nova-iorquina que influencia este bolo. Kevin Ayers tentando imitar Lou Reed no folk pop "Shouting in a Bucket Blues" com Steve Hillage que cria alguns ótimos solos para nós.

O álbum abre com "Don't Let It Get You Down (For Rachel)", onde os Beatles não estão muito longe. Mas a magia dessa abertura é fundir o pop dos 4 boys in the wind com a alma despreocupada dos corais gospel. Estilo afro-americano com muitos metais combinados com o espírito de paródia caro a Kevin Ayers, que encontramos em "When Your Parents Go to Sleep". Sobre esta última surpresa! Kevin Ayers está relutante em entregar o microfone a qualquer outra pessoa. "When Your Parents Go to Sleep" será a exceção que confirma a regra ao deixar o canto para Archie Legget, onde sua voz rouca e nasal se encaixa nessa música que gosta de se deixar viver. Boa mistura do gênero Stax com passeios tranquilos.

Mais adiante está o blues alucinatório, "Interview", que deixa entrar o órgão manipulado e perturbador de Mike Ratledge relembrando os grandes dias de ácido do Soft Machine. Um título que continua com o breve e celestial “Hino Internacional”. Deparamo-nos com a balada sonhadora “Hymn” e, para concluir, com a curta e bucólica canção de ninar “Beware of the Dog”, com suas orquestrações nebulosas e pomposas.

Outra sombra pairando sobre este álbum é o temperamental Syd Barrett. Amplamente perceptível em “Oh! "Wot a Dream", que lembra o delírio dos patos loucos em "Bike", do primeiro trabalho do Floyd. Kevin Ayers presta homenagem ao seu amigo Syd, que foi para outro lugar de onde parece não querer retornar. Uma música com cheiro de ilhas, lançada em novembro de 1972 como single com o lado B “Connie On a Rubber Band” com tons de reggae. 

Após o lançamento de Banamour , Kevin Ayers deixou a Harvest para ir para a Island.

Faixas:
1. Don’t Let It Get You Down (For Rachel)
2. Shouting In A Bucket Blues         
3. When Your Parents Go To Sleep 
4. Interview   
5. Internotional Anthem       
6. Decadence 
7. Oh! Wot A Dream
8. Hymn         
Beware Of The Dog

Músicos:
Kevin Ayers: Vocal, Guitarra
Archie Legget: Baixo, Vocal de Apoio, Vocal
Eddie Sparrow: Bateria
+
Steve Hillage: Guitarra
Mike Ratledge: Órgão
Robert Wyatt: Vocal de Apoio
Dave Caswell: Trompete
Tristan Fry: Percussão
Ronnie Price: Piano
Howie Casey, Lyle Jenkins: Saxofone
David Bedford: Arranjos, Orquestração
Barry St. John, Liza Strike, Doris Troy: Vocal de Apoio

Produção: Kevin Ayers e Andrew King

CRONICA - GRATEFUL DEAD | Vintage Dead (1970)

 

Este álbum ao vivo foi lançado sem o consentimento dos membros do Grateful Dead. No entanto, este não é um bootleg, mas um lançamento legal. Este vinil é da gravadora Together Records. Este último queria coletar gravações ao vivo de combos da área da Baía de São Francisco para fazer uma antologia. No entanto, a Together Records faliu e o projeto fracassou. A Major MGM paga a dívida restante e recupera as fitas para fazer um disco de 33 rpm. Lançado em outubro de 1970 e intitulado Vintage Dead, foi impresso por uma das subsidiárias da MGM, a Sunflower Records.

Este LP é composto de gravações ao vivo no final de 1966 no Avalon Ballroom em São Francisco, quando o grupo ainda não havia lançado seu primeiro álbum. A formação é composta pelo baixista Phil Lesh, o organista/harmonista Ron "Pigpen" McKernan, o baterista Kreutzmann e os guitarristas Jerry Garcia e Bob Weir.

Composto por 5 peças, os títulos são apenas capas. Um disco que testemunha uma época em que as bandas americanas tentavam sobreviver imitando os padrões de outras pessoas em locais que se tornaram lendários.

Naquela noite, o Dead estava bem estabelecido, experimentando habilmente todos os estilos americanos em voga nos anos 60, adicionando seu próprio toque sob a influência de testes decisivos. Começamos com “I Know You Rider”, um padrão tradicional de country blues popularizado por Blind Lemon Jefferson. Uma canção animada e entusiasmada onde o órgão de “Pigpen” define o cenário. Ele nos leva em um carrossel caleidoscópico enquanto a guitarra de Jerry Garcia desenvolve solos animados de acid rock intercalados com coros gospel. O quinteto já mostra seu talento melódico. Um talento que reencontramos mais tarde no cover folk de Bob Dylan, “It's All Over Now, Baby Blue”, carregado de emoção.

Continuamos a noite com um blues lento, "It Hurts Me Too", de Elmore James, acompanhado de uma gaita stoner. Recorremos ao acid soul em “Dancing in the Street”, um sucesso de Martha and the Vandellas (escrita por Marvin Gaye) para concluir este primeiro lado.

Mas a atração deste álbum é "In the Midnight Hour" de Wilson Pickett ocupando todo o lado B. Ao longo de 18 minutos, o Grateful Dead demonstra sua habilidade de improvisar no palco para uma jam bluesy e alucinatória.

Um disco que francamente não era essencial, mas que curiosamente obteve grande sucesso, do qual, infelizmente, Jerry Garcia e sua trupe não se beneficiaram. Observe que Vintage Dead ainda não teve um relançamento em CD.

Títulos:
1. I Know You Rider
2. It Hurts Me Too
3. It’s All Over Now Baby Blue
4. Dancing In The Street
5. In The Midnight Hour

Músicos:
Jerry Garcia: Guitarra solo, vocais
Phil Lesh: Baixo, vocais
Bob Weir: Guitarra base, vocais
Ron “Pigpen” McKernan: Órgão, gaita, vocais
Bill Kreutzmann: Bateria

Produção: Robert Cohen

Elton John : Live In Australia

 

A turnê de Elton pela Austrália em 1986 seguiu quase imediatamente a turnê mundial que ele havia começado no ano anterior, que foi inicialmente em apoio ao Ice On Fire , mas continuou tentando dar vida ao Leather Jackets . O que foi diferente na etapa down under foi a abordagem: 26 apresentações foram espalhadas por cinco locais, e cada uma contou com sua banda na primeira metade, então Elton se apresentou acompanhado pela Orquestra Sinfônica de Melbourne enquanto enfeitado com peruca empoada, pinta e traje colonial à la Mozart.

Tal evento estava clamando para ser documentado, e no ano seguinte um álbum ao vivo destacando a parte orquestral apareceu, junto com um vídeo caseiro com seleções de ambas as metades. Nos EUA, o álbum foi lançado intencionalmente pela MCA, sinalizando que ele também estava farto de estar na Geffen. (Algumas músicas não foram incluídas, em parte devido à capacidade limitada de um CD na época.)

Desde o começo ele soa rouco; na verdade, ele faria uma cirurgia na garganta imediatamente após a turnê. Mas é um programa aventureiro, começando com três cortes profundos de seu segundo álbum homônimo . O grande espetáculo de “Tonight” é seguido pelo mais reconhecível “Sorry Seems To Be The Hardest Word” do mesmo álbum . “The King Must Die” remonta ao segundo álbum, e faz o mais rockeiro “Take Me To The Pilot”, e agora ele está realmente se divertindo. A banda equilibra bem a orquestra em “Tiny Dancer”.

“Have Mercy On The Criminal” era uma das favoritas pessoais de Elton, ele diz, especificamente por causa do arranjo original de Paul Buckmaster, desenvolvido aqui, mas ainda com bastante espaço para Davey Johnstone solo. “Madman Across The Water” tem poder, mas não ameaça o suficiente para o nosso gosto, mas o single de sucesso surpresa foi “Candle In The Wind”, tocada por Elton solo com alguma ajuda de teclado (além de filmagens vintage de Marilyn Monroe no vídeo). Esta se tornaria a versão preferida da música pelos próximos dez anos. “Burn Down The Mission” sai um pouco dos trilhos no final com os backing vocals cantando “burn it down”, mas “Your Song” é tratada com um pouco mais de respeito. Enquanto “Saturday Night's Alright For Fighting” era o encerramento padrão, aqui ela é omitida e substituída por “Don't Let The Sun Go Down On Me”.

Depois do constrangimento que foi Leather Jackets , Elton estava de volta, por assim dizer. Ele insistia que nunca estava ausente, mas Live In Australia ainda era um bom lembrete do que ele podia fazer, assim como do que ele tinha feito, e conseguiu agradar fãs sofredores junto com novos convertidos.

Van Morrison : Latest Record Project

 

Como se o negócio de discos não o incomodasse o suficiente, Van Morrison foi forçado a restringir sua carreira de artista pela intrusão rude da pandemia mundial de Covid. Naturalmente, ele levou para o lado pessoal. Negado o direito de fazer shows, ele lançou três singles em sucessão — “Born To Be Free”, “As I Walked Out” e o mais contundente “No More Lockdown” — assim como uma colaboração com Eric Clapton em “Stand And Deliver”, como se esses dois caras sozinhos fossem os mais atingidos pela crise.

A atitude de Van se estendeu ao título de Latest Record Project Volume 1 , com arte de capa que lembrava uma caixa de fita multipista. Tendo dois anos desde seu último álbum, ele conseguiu criar mais de duas horas de material e simplesmente o lançou. (Nenhum dos singles de 2020 nem as colaborações de Clapton foram incluídas.) Nosso primeiro pensamento foi que essa era uma abordagem semelhante à que ele adotou com Hymns To The Silence , e então cambaleamos com o conceito de que o álbum já tinha trinta anos.

A faixa-título segue a linha de seus outros discursos sobre a futilidade do negócio que ele escolheu, e se tornou mais longa cantando algumas palavras de cada vez com a banda repetindo cada linha. “Where Have All The Rebels Gone?” é uma pergunta pertinente, exceto que sua resposta imediata é “se escondendo atrás de telas de computador”. Além disso, é um groove de um acorde com uma guitarra rockabilly saborosa. “Psychoanalysts' Ball” seria adorável se fosse sobre qualquer outra coisa, e o groove soul decente de “No Good Deed Goes Unpunished” não consegue esconder o fato de que a maioria das linhas não se preocupa em rimar. “Tried To Do The Right Thing” reafirma a tese melhor, musicalmente e liricamente, e se apega ao romance.

Voltamos a reclamar em “The Long Con”, um longo blues de 12 compassos sobre ser um “indivíduo alvo”, a vítima de quem está “puxando as cordas”. Ele encontra alegria na música em “Thank God For The Blues”, mas é difícil pensar em “Big Lie” como algo diferente de um discurso moderno para o qual ele envolveu o cantor de blues britânico Chris Farlowe. Se ao menos ele tivesse deixado de fora o primeiro verso e o chamado de outra coisa. “A Few Bars Early” é uma ideia inteligente e adequadamente taciturna.

Apostaríamos dinheiro de verdade que Van estava familiarizado com o padrão de blues "It Hurts Me Too", mas com base em sua música de mesmo nome, ele perdeu o ponto (dica: chama-se empatia). "Only A Song" parece sugerir que ele não pode ser responsabilizado por tudo o que ele vomitou, mas pelo menos ele toca um sax alto decente. "Diabolic Pressure" deve tê-lo mantido limitado a dois acordes e uma variação deles fora da ponte, "Deadbeat Saturday Night" é cheia de rimas óbvias, e entendemos o ponto na hora de "Blue Funk", uma música decente de outra forma - o tapa na "mídia mainstream" à parte - mas estamos apenas na metade deste álbum.

A mensagem de “Double Agent” é confusa, com seus tapas no MI5 e no Kool-Aid, e “Double Bind” (que começa com a revelação de que “o controle mental mantém você na linha”) é igualmente paranoica. “Love Should Come With A Warning” é uma mudança de ritmo muito bem-vinda, e “Breaking The Spell” encontra conforto na natureza, mesmo que o refrão não seja original. “Up County Down” é simplesmente confusa; há muitas referências irlandesas nas letras, junto com chamadas de volta a pontos anteriores de sua carreira, mas ele não se incomodou em adicionar mais do que um bandolim e banjo à combinação de R&B, e o refrão é tão inspirado quanto “Blowin' Your Nose” ou “Nose In Your Blow” .

“Duper's Delight” seria um devaneio maravilhoso saído diretamente de Into The Music ou No Guru, No Method, No Teacher, não fosse por sua diatribe contra as mentiras que “eles” (provavelmente apresentadoras de telejornal) estão lhe contando. Ele dedilha uma bela guitarra em “My Time After A While”, outro blues competente de outra forma contaminado neste contexto, e embora nenhum saxofonista seja creditado, isso soa como ele também. “He's Not The Kingpin” é cantada em uníssono com PJ Proby, outro convidado especial forçado a cantar sobre a agenda da mídia. “Mistaken Identity” é mais um exemplo em que ele insiste que não o conhecemos de verdade, o que é risível considerando seu material tendencioso.

A reta final não é promissora. A recauchutagem de Bo Diddley “Stop Bitching, Do Something” poderia muito bem ter sido intitulada “Put Up Or Shut Up”. “Western Man” tem um swing country suave, mas novamente está muito ocupado lançando insultos para tentar rimar. Não há pontos para adivinhar sobre o que é “They Control The Media”, mas não há como superar “Why Are You On Facebook?” em inanidade. Finalmente, “Jealousy” é sua resposta para qualquer um que ainda esteja em seu gramado, caso “Mistaken Identity” não tenha deixado claro.

Qualquer um que tenha acompanhado a carreira de Van de perto até este ponto já deve ter percebido que ele é possivelmente o milionário mais rabugento deste lado de um romance de Dickens, e é difícil imaginar alguém ficando do lado dele. Seis músicas de 28 não são nem uma média de rebatidas decente, mas se ele as tivesse pegado e encontrado outras letras para coisas como "Duper's Delight", poderíamos ter realmente tido um álbum conciso digno de sua voz, que continua tão forte quanto sempre. Mas não.

Slim Dunlap: The Old New Me and Times Like This

 

Ao que tudo indica, Bob Dunlap era um cara muito simpático na cena musical de Minneapolis, cuja vida mudou quando ele foi convidado para se juntar aos Replacements como guitarrista principal. E isso não é tudo: como ele estava substituindo o insubstituível Bob Stinson, os 'Mats insistiram que ele fosse chamado de Slim Dunlap, como se alguém fosse ficar confuso de outra forma.

Seu tempo na banda durou apenas alguns anos e alguns álbuns, mas ele foi bem recebido pela base de fãs, e as pessoas naturalmente ficaram preocupadas com seu bem-estar quando os 'Mats se separaram. Ele passou um tempo em turnê com o também recém-solo Dan Baird do Georgia Satellites, e embora não tivesse desejo de ser um frontman, ele teve apoio suficiente nas Twin Cities para financiar um álbum solo, embora por meio de um desdobramento do Twin/Tone. The Old New Me até mesmo venceu a estreia solo de Paul Westerberg nas lojas por alguns meses; Westerberg é vagamente creditado entre os artistas, um dos quais é o futuro Jayhawk Tim O'Reagan.

O álbum é uma mistura agradável de acordes e riffs de Stonesy (melhor exemplificados por “Rockin' Here Tonight”) e honky tonk de merda. Em outras palavras, divertido. “Isn't It” é um groove maravilhoso com um órgão de pista de patinação para dar destaque. “Partners In Crime” soa como se Westerberg estivesse na mistura, e sua influência é sentida em “Taken On The Chin”. A melhor música é “The Ballad Of The Opening Band”, um tributo terno a todos aqueles perdedores de um homem que os conhecia bem. É seguido por uma interpretação do obscuro instrumental de James Burton “Love Lost” para uma coda maravilhosa.

Três anos depois, Times Like This saiu, com um pouco mais de dinheiro gasto na embalagem e mais trilhas experimentais, quase lo-fi, como nas barulhentas “Jungle Out There” e “Chrome Lipstick”. Há também mais autorreferências da vida como músico profissional dessa vez, da primeira metade do medley de preparação da banda de “Not Yet/Ain't No Fair (In A Rock 'N' Roll Love Affair)” até “Nowheres Near” (Westerberg também aparece aqui) e “Radio Word Hook Hit”, que não tem uma. O álbum não é tão divertido e é um pouco mais cansado, embora as pessoas gostem. Bruce Springsteen até gravou um cover ainda não lançado de “Girlfriend”.

De lá, ele desistiu do estrelato e principalmente se apresentou em Minneapolis entre empregos diários até que um derrame o derrubou em 2012. Músicos e amigos se uniram para ajudar com suas contas médicas, o que levou ao projeto “Songs For Slim”. O primeiro lançamento foi um EP de covers creditado aos Replacements, que era principalmente Westerberg e Tommy Stinson, exceto pela versão de banda solo de Chris Mars de “Radio Word Hook Hit” (ele também fez a arte); singles beneficentes semelhantes de outros amigos e admiradores viriam a seguir, eventualmente coletados em um LP duplo. Seus dois álbuns também foram reembalados pela primeira vez em vinil para um Record Store Day como My Old New Records ; após sua morte em 2024, a taxa atual de seu catálogo, novo ou usado, disparou.