Egberto Gismonti - Arvore (1973)

 

Continuamos com o festival da melhor música brasileira e nele continuamos revisando a dicografia deste enorme músico: "Árvore" é seu quinto álbum de estúdio, lançado em 1973, e que mistura de forma um pouco mais apreciável elementos da música contemporânea europeia com influências brasileiras, especialmente em suas composições instrumentais, mas sempre naquela mistura idiossincrática de influências do folk brasileiro, da música clássica e do jazz. Aqui você pode ouvir Gismonti no piano, violão, flautas de madeira, percussão e voz, combinados com uma pequena orquestra de cordas regida por Mario Tavares e um coral dirigido pelo próprio Gismonti.

 

Artista: Egberto Gismonti

Álbum: Arvore
Ano: 1973
Gênero: Jazz Latino
Duração: 31:50
Nacionalidade: Brasil

Estamos determinados a surpreender você e estamos aqui para provar isso, agora com um festival de pura genialidade musical de Egberto Gismonti! E este é particularmente um ótimo álbum... ouça-o com atenção e tenho certeza de que você me agradecerá. Que álbuns incríveis temos lançado ultimamente... bem, a verdade é que sempre lançamos álbuns incríveis.
O álbum se destaca por faixas como "Memória e Fado", que Gismonti posteriormente adaptou para outras versões e pode ser ouvida novamente em trabalhos subsequentes. 

 

É claro que, além de suas habilidades técnicas e composicionais, Gismonti é um mestre criador de atmosferas. Tudo isso, aliado ao seu comprometimento musical, o torna digno de ocupar essa órbita no sistema que é a ECM.

Sobre o álbum GISMONTI 1973, é provavelmente um dos melhores (embora quase todos sejam excelentes). Este álbum é provavelmente o melhor para entrar na obra de Gismonti dos anos 70. É uma introdução perfeita. Como sempre com Gismonti, é altamente sofisticado, criativo, inspirado e emocional. Ela tem um som um tanto "áspero" típico da maioria das obras de Gismonti do início dos anos 70, mas, paradoxalmente, continua muito elegante também. Por último, mas não menos importante, temos os vocais de Gismonti, que são tão emotivos e belos (e que podemos finalmente sentir falta em obras posteriores de Gismonti...). Portanto, este álbum é provavelmente a melhor escolha para se tornar um fã dos primeiros trabalhos de Gismonti (em vez de odiá-los!). Seria uma pena odiá-lo, pois, no final das contas, o trabalho inicial de Gismonti é certamente o mais fantástico e espirituoso que ele já fez.

Luigi


Um álbum que é uma paleta de emoções, em que a partir da bossa nova ele aborda músicas diversas e histórias diversas que sugerem eventos do passado e também um mundo imaterial que se sobrepõe ao nosso, oprimido, o que inclui também uma viagem onírica em "Variações sobre um Tema de Leo Brouwer". A percussão em "Salvador" prenuncia a colaboração de Gismonti com Nana Vasconcelos uma década depois.

E daqui você pode começar a ouvi-lo...

Em suma, estamos cada vez mais entrando no que mais tarde seria definido como um reino mais experimental, onde cada novo elemento adicionado forma um edifício que brilhará cada vez mais...

Bom dia, amigos cultos e escondidos! Iniciamos uma nova semana musical, sempre em busca de coisas raras, curiosas e necessárias para o nosso universo fonográfico e cultural. Não há apresentação rápida, porque você também não pode parar, aqui está o disco da página.
Vamos com Egberto Gismonti, compositor, multi-instrumentista e um dos compositores mais renomados, figura que proporciona mais apresentações. Temos esse álbum raro gravado em 1973, já relançado em CD, mas sempre difícil de encontrar. O álbum da árvore, como é mais conhecido, nos mostra uma fase em que o artista se divide. Começou a romper com algumas estruturas, criando composições ainda mais complexas, demonstrando uma forte tendência à criação instrumental. Sua música, que antes aparecia num estilo um tanto comercial, passou nos anos 70 e se tornou ainda mais comercial. Em um país como o Brasil, onde a qualidade da música popular é muitas vezes duvidosa, para um artista como Egberto, a melhor saída é o aeroporto, rumo aos lugares onde sua música é reconhecida. Mas nem por isso ele ocasionalmente abandona suas origens e sua terra. À primeira vista, ele é um artista genuinamente brasileiro e sua arte é igualmente internacional e, ao mesmo tempo, erudita, nunca perde sua referência verde e amarela. Egberto é talvez dois dos artistas mais completos da música brasileira. Este álbum conta com a colaboração de Geraldo Carneiro como letrista em todas as obras. Produzido por Milton Miranda e dirigido musicalmente pelo maestro Gaya. Um álbum, sem dúvida, dos seus melhores.
O arquivo contém dois versos, ambos em vinil e digitalmente para comparação. Confirme ou toque em…

Augusto TM

 

Aproveite o festival Gismontiano. Você pode ouvir este álbum no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4fq4wluNzzi1Mztz1AC54q

 

 

Lista de Temas:
01. Luzes Da Ribalta
02. Mémoria E Fado
03. Academia De Dança:
Dança Dos Homens
Dança Das Sombras
04. Tango
05. Foundo No Bar
06. Adágio
07. Variações Sobre Um Tema De Leo Brouwer
08. Salvador

Formação:
Egberto Gismonti / piano, guitarras, flautas, percussão, voz
Paulo Moura / saxofone
Novelli / baixo
Edson Lobo / baixo
Tenório Jr. / piano elétrico
Ion Muniz / flauta
Juan Capobianco / contrabaixo
Paul Kern / contrabaixo

 

PSI - Horizonte (1977)

 Único álbum gravado pela banda de fusion PSI, que traz sete composições originais que incluem não apenas estilos de jazz fusion, mas também elementos psicodélicos, algum funk e rock progressivo, típicos da fusão alemã, que se tornam um magnífico exemplo dessa fusão alemã que se desenvolveu na Alemanha Ocidental na década de 1970 e constituiu uma das principais cenas europeias do gênero, tanto que competia em qualidade (não em difusão) com a cena britânica da época. Esta música é baseada principalmente nas trocas vibrantes entre teclado e guitarra. A música é bastante suave, cheia de melodias peculiares, mudanças rítmicas inesperadas e uma inventividade maravilhosa, cativante do começo ao fim e sem momentos de fraqueza. Embora os músicos tivessem relativamente pouca experiência ou treinamento musical, todas essas apresentações são inspiradas e soam tão boas hoje quanto soavam na época da gravação.

Artista:  PSI
Álbum:  Horizonte
Ano:  1977
Gênero:  Jazz, Jazz Rock
Duração: ----
Nacionalidade:  Alemanha

Com sons refinados gravados ao vivo em estúdio, sem superprodução, onde o piano elétrico e as teclas conduzem a banda. No geral, está tudo bem, exceto que eu gostaria de ter dado um pouco mais de intensidade à música, e essa é, do meu ponto de vista, a única coisa que não acho excelente neste álbum.

E há uma sensação muito agradável quando você mergulha no álbum, mas ele não parece ter intensidade suficiente para te abalar completamente, ou da maneira que poderia ter com um pouco mais de energia, porque as composições dão mais impacto. De qualquer forma, não parece que esse fosse o objetivo do grupo, mas sim criar um bom groove a partir de uma música que convida ao relaxamento, com seu delicado estilo jazz fusion com leves toques psicodélicos nos movimentos de guitarra. Muitas notas de sax, guitarra e Rhodes, bons ritmos que às vezes beiram o funk, e paisagens sonoras bem interessantes, com uma boa seção rítmica com algumas bases no estilo krautrock que às vezes impulsionam as músicas em um ritmo emocionante, para animar o todo. E a tudo isso se soma sua boa qualidade sonora.

Mas vamos passar para um comentário como o pessoal...

O PSI, apesar de sua curta existência, está entre a elite do jazz fusion alemão. Nascidos em meados de 1975 em Mainz, capital do estado da Renânia-Palatinado, na Alemanha, viveram apenas dois anos e meio, período curto em que conseguiram deixar sons muito bons, publicados em uma única obra.
Há muito pouca informação sobre eles e suas origens, exceto que o grupo era formado por Bodo Feldmann no baixo e vocal, Volkmar Zimmermann na guitarra e vocal, Robert Jahn na bateria, percussão e vocal, Wilfried Kunkler no sax e percussão, além de Matthias Frey nos teclados, que parece ser o líder, tanto por suas composições quanto por sua participação estelar.
'Horizonte', um interessante trabalho de jazz fusion, com características herdadas um pouco da escola de jazz rock do seu país, com força e ânimo para se aventurar em fusões, como Passport, Missus Beastly, Kraan, entre outras; embora ao mesmo tempo eles apresentem um cenário não tanto em direção ao krautrock, mas um pouco mais em direção a um lado progressivo e mutável.
As composições e arranjos originais, todos de Matthias Frey, dão um resultado que só pode ser descrito e executado pelo PSI: uma exibição ambiciosa de diferentes passagens e intensidades executadas com sutileza, que fazem dos temas não apenas bases sobre as quais improvisar, mas a improvisação é parte dessa combinação estrutural que está em constante mutação.
A primeira faixa pode enganar, por parecer mais simples, mas é apenas um prólogo para o que virá em seguida, que é uma série de peças elegantes, onde o funky e o progressivo emergem, tratados de forma estrutural virtuosa; com uma base rítmica notável que realça o espírito das peças.
Pouco se sabe sobre o grupo em si, exceto que Matthias Frey, após esse lançamento, se tornaria um compositor prolífico, ao lado de várias bandas e vários projetos solo. O guitarrista Volkmar Zimmermann juntou-se à banda dinamarquesa "Kvartet Corona" em 1995.

Jimi Hendrix


Aliás, como não me canso de repetir, seria melhor você ouvi-lo de uma vez por todas...

Acho que este é um disco essencial para todos os apreciadores do que chamamos de jazz fusion, ou simplesmente fusion, muitos dos quais provavelmente nunca ouviram falar deste grupo ou deste álbum maravilhoso. Altamente recomendado para fãs de fusão que gostam de alto conteúdo melódico.

Você pode ouvir no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/5dN56KxAwd27xReI6xnUVf
Track List: 1. Unter der Schurze liegt die Wurze 2. Bettgerausche 3. Horizonte 4. Elektrisch Kall-Heinzje 5 . Urschrei 6. Breikopf 7. a) Drall; b) Arkadash



Formação:
- Matthias Frey / teclados elétricos e acústicos, filarmistas eletrificados, sintetizador aleatório e programado, teclas pretas e brancas, voz
- Bodo Feldmann / baixo elétrico (puro e mais puro), baixo pashe, dedo de platina, baixo com delay de tempo, voz
- Robert Jahn / bateria, bateria de reverberação, pratos simples, percussão, voz
- Wilfried Kunkler / saxofone tenor, trompa de chifre, trompa de água, congas, percussão, voz
- Volkmar Zimmermann / guitarras elétricas e acústicas, modificado por: Spassound, phasing, sintetizador, kwaka-sa-kwki, voz

The Hypersonic Factor - Benevolent Beasts (2025)

 

Recém-saído do forno, apresentamos o segundo álbum de uma banda que te envolve imediatamente na atmosfera do álbum, com seu rock baseado no jazz que ressoa desde o começo. Este é um grupo de jazz rock liderado por Jason Rubenstein, um renomado tecladista e compositor que abrange vários gêneros, um excelente músico que já apresentamos no blog principal. Em 2018, eles lançaram seu álbum de estreia de jazz rock progressivo, ardente e inquieto, e esse trabalho continua no mesmo caminho, mas o projeto está cada vez mais polido, os solos e jams são imparáveis, embora não sejam improvisações infinitas, mas trechos de energia transbordante que mudam constantemente, expressando suas emoções de forma crua como um longo conjunto de jazz fusion vigoroso dividido em 14 músicas. Um álbum muito bom para os fãs do melhor jazz rock que querem ouvir as mesmas coisas de sempre, com a mesma qualidade do passado, mas com um som moderno e da melhor maneira possível. Para eles, isso é essencial! Apresento-o a vocês em uma entrada curta e direta, mas tão suculenta quanto a melhor.

Artista: The Hypersonic Factor
Álbum: Benevolent Beasts
Ano: 2025
Gênero: Jazz rock
Duração: 67:23
Referência: Bandcamp
Nacionalidade: Multinacional

Se você gosta de bandas como Planet X , por exemplo, ou dos lançamentos solo de Jason Rubenstein , ouça porque você certamente vai entender. 

Um álbum que chega até nós sete anos após o lançamento do seu álbum de estreia, explorando apaixonadamente as múltiplas facetas do rock fusion e progressivo; com algumas faixas acústicas agradáveis ​​entrelaçadas e outros grooves de funk misturados ao som, variando os estilos frequentes de Alan Holdsworth e muitos riffs rápidos e furiosos percorrendo o disco do começo ao fim, criando uma experiência auditiva variada: linhas de baixo melódicas e cativantes do baixista, trabalho de guitarra eclético e ritmos ricos e elegantes do baterista, além do trabalho de teclado de Jason Rubenstein, compositor, arranjador e produtor, expõe sua interpretação variada que guia todo o processo de forma coesa, e tudo converge em um som coletivo orgânico e acolhedor.

Fusão instrumental, rock progressivo, jazz rock, dinâmica, grooves, swing, fibra, soul, potência, sensibilidade, imaginação e musicalidade, todos servem para criar música única e exploratória que é claramente criada com amor e paixão, e você pode perceber isso assim que toca...

Ouça, é mais fácil do que tentar explicar.

Outro álbum excelente para você conferir, especialmente se você é fã do gênero. Você não vai se arrepender, tenho certeza absoluta!

Você pode ouvir na íntegra na página do Bandcamp:
https://thehypersonicfactor.bandcamp.com/album/benevolent-beasts

Lista de faixas:
1. Groove for Danny (5:04)
2. Salome's Dance (5:20)
3. 3 (4:44)
4. Hypersonic Groove (4:50)
5. The Simurgh (5:55)
6. It's Probably Not You (5:35)
7. The Proximity Dance (5:09)
8. Hypersonic Spectrum (5:15)
9. Groove Goblin (4:28)
10. From Dawn Till Dusk (4:33)
11. Dark Matter (4:16)
12. Funk Off (4:44)
13. Light and Shade (5:17)
14. Benevolent Beasts: Coda (2:07)

Formação:
- Tom Hipskind / bateria, percussão
- Mirko Borach / baixo
- Jason Rubenstein / teclados
- Dan van den Berg / guitarra, teclados
Com:
William Paasche / Teclado (5)

Limite Acque Sicure - Limite Acque Sicure (2022)

 

Já apresentamos essa banda Tana que se autodenomina Limite Acque Sicure, e a mostramos ao público teimoso com seu excelente último álbum deste ano de 2025, o segundo da banda. Agora o Lightbulbsun nos traz seu álbum de 2022, sua excelente estreia onde já desenvolveram todo o estilo que foi lapidado em seus trabalhos posteriores. Este álbum de estreia autointitulado foi lançado em 2022 e consiste em 7 músicas em um formato de álbum conceitual que explora diversas imagens do Mar Mediterrâneo, o berço de culturas antigas. O álbum inclui uma homenagem aos mestres musicais do Bando del Muto Soccorso. Uma breve entrada para revisar algo que você provavelmente já ouviu falar antes, e estou lhe dizendo que vale muito a pena o seu tempo.

Artista: Limite Acque Sicure
Álbum: Limite Acque Sicure
Ano: 2022
Gênero: rock progressivo italiano
Duração: 65:58
Referência: Discogs
Nacionalidade: Itália

Como dissemos na primeira vez que apresentamos esses italianos, dissemos que eles são uma banda italiana com um som de rock progressivo influenciado pelos anos 70, mas trazido para um contexto moderno. A mesma coisa já foi capturada neste álbum anterior.

Nascido em Ferrara em 2005, a ideia inicial do Limite Acque Sicure era formar um grupo dedicado a revisitar ao vivo uma seleção das faixas progressivas italianas mais conhecidas, com atenção especial (mas não exclusiva) ao repertório do Banco Del Mutuo Soccorso. Foi assim que Andrea Chendi e Antonello Giovannelli começaram, tornando-se um quinteto em 2009 e finalmente um sexteto em 2016. E eles não teriam deixado esse mundo se não tivessem acabado de lançar seu primeiro trabalho com músicas próprias, um álbum muito aclamado e que se alinha diretamente com o som prog italiano mais clássico.
Uma estreia autointitulada que foca claramente nos anos setenta, mas é criativa o suficiente para evitar soar como uma cópia ou um mero revival. Na verdade, eles sempre rejeitaram ser classificados como uma banda cover ou grupo cover, "nunca querendo parecer uma cópia dos originais. (…) Em vez disso, tentamos interpretar as músicas com nossa própria sensibilidade musical pessoal." E se fizeram o mesmo com o material de outras pessoas, seu comprometimento com o seu próprio resultou em um dos álbuns mais interessantes do gênero neste ano.
Difusamente conceitual - o fio condutor seria a mudança como força motriz da evolução humana e artística - encontramos nela todos os recursos necessários (teclados excelentes, acima de tudo), além de um certo ponto positivo na forma de instrumentação oriental, duetos vocais masculino-feminino e, ocasionalmente, flauta e harpa para quando é hora de adotar um tom pastoral. Seis músicas originais, dissemos, entre as quais intercalam uma referência ao seu passado com uma versão ao vivo de "Il Giardino del Mago", a lendária suíte da estreia do Banco. Uma das faixas mais complexas do RPI, que eles não apenas dominam, mas — assumindo respeitosamente a responsabilidade por ela — conseguem encaixá-la perfeitamente no restante da lista de faixas.

Eloy Pérez

Os caras ofereceram uma música elaborada desde o início, e o álbum abre com "Sogno d'Oriente", uma faixa com mais de 12 minutos de duração, com uma introdução de percussão e atmosferas orientais. Mas falando do álbum em geral, podemos dizer que aqui você encontrará um excelente trabalho de guitarra, uma seção rítmica sólida e elaborada, inserções de teclado e uma voz quente e expressiva. Também mudanças de andamento, letras intensas e significativas, com passagens técnicas alternadas com aberturas sinfônicas, exibindo uma combinação de partes vocais e seções instrumentais de grande qualidade, refinadas e que aprimoram a técnica composicional e interpretativa da banda.

Então tudo o que resta é você ouvir...

Este é um álbum que irá mergulhar você em um mundo mágico de música progressiva de qualidade, ideias originais e toques pessoais, combinando a tradição da música italiana com uma abordagem mais experimental. Mudanças contínuas de ritmo e uma ampla gama de estilos se combinam para criar seu estilo distinto, com texturas ricas de teclado e guitarra, proporcionando uma seção instrumental extremamente agradável. 

Uma audição recomendada para todos os amantes da música progressiva, aqui você encontrará todas as qualidades que procura em um álbum, independentemente do gênero que você gosta (a menos que você goste de Justin Bieber e gêneros similares).

Você poderá ouvi-lo no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4pt5V25v0Zv948X26WY6aa

Ou no Bandcamp:
https://minotaurorecords.bandcamp.com/album/limite-acque-sicure

1. Sogno D'Oriente (12:48)
2. Terra Straniera (7:53)
3. Il Respiro Dell'Anima (8:25)
4. Antico Mare (8:02)
5. Fiamme Intorno (10:48)
6. Il Giardino Del Mago (15:51)
7. Ti Salverà (2:11)

Escalação:
- Andrea Chendi / vocais
- Ambra Bianchi / flauta, voz, harpa
- Antonello Giovannelli / teclados
- Luca Trabanelli / guitarras
- Paolo Bolognesi / bateria
- Francesco Gigante / baixo

Egberto Gismonti - Academia De Danças (1974)

 

Impressionante sexto álbum de estúdio do genial compositor Egberto Gismonti, com o qual ele foi aos poucos conquistando um lugar no coração dos ouvidos mais experimentais e aventureiros, sendo este trabalho muito particular por significar o início de uma nova etapa para o músico brasileiro, que deixa para trás a música popular brasileira para abraçar plenamente uma mistura de estilos instrumentais que combina jazz fusion, música contemporânea e música progressiva, chegando até mesmo ao próprio rock progressivo quase sinfônico, ao incorporar orquestra de cordas, sintetizadores e instrumentos acústicos e eletrônicos em suas composições cada vez mais complexas e ousadas. É o resultado de anos de evolução e busca por uma linguagem musical pessoal, que ele continuará a desenvolver por muitos anos, fundindo e combinando diferentes elementos. Damos continuidade a esse marco na carreira desse extraterrestre da música, um gênio não só no Brasil, mas no mundo todo, dentro da nossa seção do melhor da música brasileira, um festival de música para curtir e se surpreender...

 

Artista: Egberto Gismonti

Álbum: Academia De Danças
Ano: 1974
Gênero: Jazz Fusion / Latin Jazz / Progressive Rock
Duração: 53:20
Nacionalidade: Brasil

Para começar, vou deixar uma tarefa para vocês, vamos ver se vocês percebem... nesta seção há elementos que lembram uma certa música conhecida de Steven Wilson , vamos ver se vocês percebem.

Vale ressaltar que este álbum enfatiza o puramente instrumental, sendo muito mais experimental e mais próximo do que conhecemos não como rock progressivo (já que em geral Gismonti não fazia rock, mas quando fazia como neste caso, segura a calça!) mas sim música progressiva, abrangendo muito mais que o rock, e por isso, após a gravação, a gravadora EMI/Odeon (para a qual o músico trabalhava) decidiu que, devido às dificuldades econômicas do Brasil, seria o último álbum da carreira de Gismonti, já que é um álbum fora de qualquer categoria, com músicas de 25 minutos, caro por exigir sintetizadores modernos e uma grande orquestra. No entanto, o álbum foi premiado com Disco de Ouro no Brasil. Peguei essa informação da Wikipédia , esclareço.

Egberto Gismonti é mundialmente conhecido como multi-instrumentista e compositor. Ele foi profundamente influenciado pelo mestre brasileiro Heitor Villa-Lobos, e suas obras refletem a diversidade musical do Brasil. Do batuque dos índios da Amazônia ao samba e choro cariocas, passando pelo frevo, baião e forró nordestinos, Gismonti captura a verdadeira essência da alma brasileira de uma forma primitiva, porém sofisticada, e a reflete por meio de sua visão pessoal, elaborada por anos de treinamento clássico e conhecimento de uma riqueza de linguagens musicais nas quais o jazz desempenha um papel significativo.

Álvaro Neder

Tanto "Academia de Danças" como quase todo o restante da discografia de Egberto é tocado ou atravessado pelos anos de ditadura militar no Brasil, mesmo assim este álbum acabou se tornando um dos grandes clássicos da discografia de Gismonti, que aqui se aventura no uso da flauta indígena, misturada a sintetizadores, órgãos e piano elétrico, criando uma combinação única e brilhante entre a música popular de onde ele veio (ou melhor, um dos ramos de onde ele veio) com a música erudita, o jazz e a música progressiva. Além disso, talvez a aproximação com o nosso querido estilo se deva, além da fome de experimentação de Egberto, também porque aqui participam dois gigantes da música instrumental e ex-integrantes do grupo Som Imaginário : Robertinho Silva e Luis Alves .

 

Costuma-se dizer que a Academia de Dança foi um divisor de águas na carreira de Egberto Gismonti. A genialidade das composições, a beleza das melodias, a poesia das letras, a densidade dos arranjos, a exuberância técnica das performances, as bandas interconectadas nos lados A e B, a sonoridade das gravações — sim, Academia de Danzas é tudo isso, mas não é só isso. O oitavo álbum de Gismonti é um álbum que literalmente surpreendeu a minha geração em meados dos anos 70.

 

osomdovinil.org

Para que vocês possam ver, ou melhor, ouvir como soa esse lindo álbum, deixo um vídeo, e vários outros abaixo, completando a entrada (junto com algumas coisas ao vivo de outros caras que estavam aprendendo a tocar XD):

 

 

É importante deixar claro que, embora existam músicas com uma pegada elétrica, isso se dá do ponto de vista das canções tradicionais brasileiras, mas, diferentemente de outros álbuns, aqui não há nada de convencional. Pelo contrário, os temas geralmente têm desenvolvimentos harmônicos ricos e complexos o suficiente para que o violoncelista sino-francês Yo-Yo Ma tenha gravado versões alternativas maravilhosas de algumas dessas canções.

No início de sua carreira, surgiu uma controvérsia, principalmente entre os críticos, sobre se Gismonti era um músico erudito. Hoje, depois de quase trinta anos de carreira e com uma discografia extensa, pode-se dizer que ele é ao mesmo tempo: um músico erudito e popular, mas, acima de tudo, um dos maiores músicos que o Brasil já ofereceu no cenário internacional.
Egberto Gismonti conseguiu transcender todas as barreiras geográficas e culturais, tornando impossível que sua música fosse enquadrada em apenas um gênero. Sua música é influenciada pelos estilos musicais que ele ouvia, como jazz, rock, dança, folclore e música clássica.
O avô de Gismonti era o diretor de uma banda da aldeia, o que permitiu que Egberto passasse muitas horas ouvindo-a, iniciando assim seu amor pela música e, mais tarde, estudando por quinze anos no conservatório.
(...) Em 1970 gravou seu segundo disco, “Sueño 70” e depois vieram “Agua y vino” (1972), “Gismonti” (1974), “Academia de danzas” (1975). Com este álbum ele alcançou o grande público, conseguindo vender trinta mil cópias daquele disco, um fato inédito até então na música instrumental brasileira. Também naquele ano ele excursionou pelos EUA com Airto Moreira, com quem gravou o álbum "Identy". Nessa turnê, eles se apresentaram ao lado de grandes nomes do jazz, como Miles Davis, H. Hancock e Quincy Jones, obtendo grande reconhecimento.

Senhor Waldo García

 

Por fim, há álbuns especiais que temos orgulho de ter em nosso querido blog, e este é um deles, um álbum altamente recomendado para qualquer amante de música, seja ela progressiva, jazz, popular ou clássica. Não perca esta beleza!

 

Ótimo álbum... palavras grandes, imperdível no blog.

 

Você pode começar a ouvir no Spotify .

Track list:
01. Palácio da Pintura
02. Jardim dos Prazeres (Egberto Gismonti/Geraldo Carneiro)
03. Festa de Casamento
04. Um portal encantado
05. Scheherazade (Egberto Gismonti/Geraldo Carneiro)
06. Casamentos de Prata (Egberto Gismonti/Geraldo Carneiro)
07. Quatro Canções (Egberto Gismonti/Geraldo Carneiro)
08. Vila Rica 1720 (Egberto Gismonti/Geraldo Carneiro)
09. Continuidade dois parques
10. Consistente com a altura do sol
11. Conforme a altura do céu

Músicos:
- Egberto Gismonti / piano, piano elétrico, sintetizador, órgão, violão, flauta, voz
Danilo Caymmi / flauta baixo
Paulo Guimarães /
Tenório Junior flauta / piano elétrico e órgão
Luiz Alves / baixo
Roberto Silva / bateria
Dulce Bressane / vocal
Mário Tavares / orquestra de cordas regendo

CAN - Monster Movie (1969)

 

 É sempre bom ouvi-lo novamente, como se fosse a última vez. Estou me referindo ao álbum de estreia da banda alemã CAN, com influências do Velvet Underground, esse trabalho é uma referência ao Krautrock, e foi lançado durante o período em que a Alemanha estava dividida em Alemanha Ocidental e República Democrática Alemã (para a molecada que não tem ideia do que estou falando, vai ter que pesquisar um pouco de história no Google). O álbum agora é considerado material cult, com sua música atemporal, revolucionária e surpreendente. Outro clássico atemporal, um álbum que não agradará a todos, mas se atingir seu nível de apreciação, você não conseguirá largá-lo pelo resto da vida.

Artista: CAN

Álbum: Monster Movie
Ano: 1969
Gênero: Krautrock
Duração: 37:37
Nacionalidade: Alemanha

 

O álbum de estreia do Can é o único álbum completo e de qualidade a contar com o vocalista original Malcolm Mooney, cujos discursos espontâneos são complementados por uma dinâmica crua e agressiva no cânone do grupo; músicas enérgicas e dissonantes que têm uma conexão com a psicodelia e o garage rock. Certamente, a maioria dos figurões saberá do que estamos falando quando mencionamos Can , e caso você não tenha ideia do que se trata, bem, vamos analisar um pouco o estilo dele em um comentário de terceiros...

Surpreendentemente experimental e chapado, não só por ser a origem do kraut, mas também o início de *bons* discos proto-punk, pelo menos aqueles fora do garage ;)
Marco histórico tanto pela formação da banda em si quanto por suas referências musicais, que acabaram sendo muito retiradas do psych e do space rock (às vezes meio doo wop como em Outside My Door), sem mencionar os sons que os cercam.
Há muita exploração textural e tímbrica para falar aqui, não menos importante os drones de guitarra afiados de Karoli (que parecem ser o ponto de partida para o novo som conjunto de Kristof Hahn e Norman Westberg) e o baixo surpreendentemente melódico de Czukay, todos muito envolventes e em sintonia com os primeiros (e quase últimos, pré-reunião!) solos de Malcolm Mooney.
Falando nisso, acho que a participação vocal de Mooney é tão correta e afinada quanto a que Damo Suzuki eventualmente faria. É claro que havia muita conexão sonora entre todos e ele, e muito potencial a ser explorado. Mas infelizmente, a saúde mental vem em primeiro lugar, e como todos sabem, é por isso que o rapaz da Alemanha teria que sair imediatamente. Voltando ao seu estilo vocal, ele é tão caloroso em muitas partes aqui, mas também há uma ponta, um ardor, um fator de "não dou a mínima" e uma brincadeira em sua apresentação, particularmente em Mary, Mary So Contrary, e é o que Damo não conseguiria fazer até Ege Bamyasi, na minha opinião, sabendo o quanto eu adoro os dois caras igualmente.
Eu me arriscaria a dizer que este é, sem mencionar sua extensão, um exemplo melhor e mais completo do que o som do Can representa especificamente do que Ege Bamyasi e Tago Mago. Eu não diria exatamente Kraut, pois sinto que Neu e Xhol Caravan estabelecem muito mais bases no cânone deste, mas obviamente é algo próprio, com uma prostituição ainda meritória e muito mais espacial, doo wop e até muuuuuuito mais jam, como no caso da enorme, desafiadora e animada faixa de 20 minutos de Yoo Doo Right para aqueles que amam o produto de tudo isso junto. Minha cabeça está completamente destruída.

Deter

O Can foi formado em 1968 e não se tornaria apenas mais uma banda. Para começar, eles evitavam a ideia de um vocalista (a banda operava como um coletivo) ou solos longos, e nenhuma seção individual poderia ser mais importante que o todo. A música de Can antecipou tanto a tendência musical em direção à descontextualização por meio da eletrônica, pós-produção e edição, quanto a tendência cultural em direção à experiência coletiva.

Eles gravaram músicas editando faixas com material original retirado de sessões de improvisação maratona, fazendo com que sua música transcendesse qualquer tipo de premissa, estilo ou consideração prévia. "Monster Movie" foi lançado em 1969 e é de longe o álbum mais voltado para o rock do Can . Suas músicas são cruas e agressivas, fortemente influenciadas pelo trance-rock do The Velvet Underground . Embora a banda posteriormente tenha aperfeiçoado uma espécie de funk ambiente, aqui eles eram roqueiros robustos e precisos, com atmosferas sombrias e primitivas que nascem de sua base rítmica e parecem ser o coração da banda; que seduz ao ponto da hipnose e serpenteia por uma gama aparentemente infinita de texturas e variações. 

"Monster Movie" é um exemplo perfeito da transição que as bandas alemãs estão vivenciando em direção à consagração de uma música com identidade própria, contendo uma "forma" e uma "filosofia" que não deve nada à tradição anglo-americana de compreensão do rock. O álbum condensa o que Can é e um pouco do que ele quer ser; mostra de onde vem e para onde vai; Há traços inconfundíveis de suas influências adolescentes em músicas como "Mary, Mary So Contrary", "Outside My Door" e alguns aspectos centrais do genuíno padrão Krautrock que aparecem nos libertinos e tribais 20 minutos de "Yoo Doo Right". Em suas partes mais convencionais, encontramos os desabafos furiosos-sujos-desleixados do Velvet Underground e do "American garage", enquanto nas faixas de abertura e encerramento do álbum, prevalece a desconstrução harmônico-melódica da canção pop; a névoa ácida da psicodelia; o ritmo repetitivo-hipnótico e a horizontalidade na improvisação coletiva. Essas peças abrem caminho para futuras abordagens de outro componente essencial e indispensável da cena: a abstração da "música concreta" (ruído, colagens, fitas manipuladas).
O som do Can responde à linha mais "rock-oriented" dessa expressão; um lado que ele compartilha com nomes como NEU!, Ash Ra Tempel ou Agitation Free que, com suas diferentes pegadas, nunca abandonam o uso predominante de guitarra, baixo e bateria. Em "Monster Movie", o grupo explora superficialmente o "tratamento rítmico" ("groove" baseado em linhas de baixo angulares e pulso de bateria metronômico-mecânico), a "gama dinâmica" e o "ideal estético" que, no final, o torna imortal e imensamente influente; No entanto, os papéis principais ainda são interpretados por Malcolm Mooney (vocal), Irmin Schmidt (órgão) e Michael Karoli (guitarra).

 

Paulo

 

E se você nunca ouviu falar deles, você pode começar a se surpreender com este próximo vídeo...

"Monster Movie" é uma estreia surpreendente, mas seria a última para seu cantor iniciante Mooney, que sofreu um colapso nervoso no palco e retornou à tranquilidade de sua casa.

 

Para o bem ou para o mal, as bandas alemãs do final da década de 1960 mudaram o panorama do rock de vanguarda, oferecendo um coquetel das mais diversas influências, mas com uma alta dose de experimentação como denominador comum. A estreia do Can é muito mais convencional do que o que viria depois, e embora eles tenham criado um som original, ainda é possível encontrar paralelos com o que bandas como Velvet Underground ou Stooges estavam fazendo. Num álbum dominado por ritmos hipnóticos e repetitivos, é a guitarra de Michael Karoli que faz a diferença, com aquele estilo ácido emprestado de guitarristas psicodélicos mas que também sugere coisas mais futuristas. A peça estrela é “Mary, Mary So Contrary”, que, apesar da simplicidade, ganha outra dimensão graças a uma Karoli simplesmente brilhante. Quanto a “Yoo Doo Right”, 20 minutos é definitivamente muito tempo para uma música que não tem variações e não oferece muito instrumentalmente, sem mencionar o problema significativo de ter que suportar a voz de seu primeiro vocalista, Malcolm Mooney.

 

iauc

 

 

Agradecemos publicamente à LightbulbSun por restaurar este clássico maluco.

Você pode ouvir no Bandcamp:
https://canofficial.bandcamp.com/album/monster-movie

 

Lista de Temas:
1. Father Cannot Yell 
2. Mary, Mary So Contrary
3. Outside My Door 
4. Yoo Doo Right

 

Alinhamento:

- Irmin Schmidt / teclados
- Jaki Liebezeit / bateria
- Holger Czukay / baixo
- Michael Karoli / guitarra
- Malcolm Mooney / vocal