THE BEATLES - I'M DOWN

 

“Você mente achando que eu não posso ver. Você não pode chorar porque está rindo de mim. Eu estou mal! Realmente mal. Eu estou mal! Pra baixo do chão. Como você pode rir quando sabe que eu estou tão mal? Como você pode rir?”.

Olhando assim, de forma tão descontraída, os primeiros versos da sensacional “I’m Down” podem parecer até engraçados e realmente dá vontade de rir. Porém, quando foi gravada em junho de 1965, para ser o lado B do single “Help!”, lançado duas semanas antes do álbum, essa música, assim como o lado A, já anunciava as grandes transformações que estavam por vir. A música é uma brincadeira em vários sentidos. Tira sarro dos gritos de John pedindo ajuda em “Help!” e também pelo autor dizer que está lamentando e deprimido enquanto o próprio Paul canta aos gritos todo animado. A letra inclui também uma frase cômica - algo que ainda não tinham usado até então: “She'll still moan, "Keep your hands to yourself!” (Ela ainda gemia, segure suas mãos aí mesmo!"), canta Paul rindo de tudo.
A sensacional “I’m Down” é um rockão simples e poderoso no melhor estilo de Little Richard e reflete bem o apreço que Paul McCart­ney (que quando mais jovem chegou a ser chamado de “o melhor Little Richard de Liverpool”) mantinha pelo cantor americano. “Eu costumava cantar as músicas dele, mas chegou um ponto onde eu queria a minha própria, então compus I’m Down”. Os Beatles abriram shows de Little Richard em outubro de 1962, uma semana depois de lançar “Love Me Do”, na Tower Ballroom, em New Brighton, e no Empire Theatre em Liverpool.

Capturada em três horas, no mesmo dia em que gravaram "I’ve Just Seen a Face” e começaram a gravação de “Yesterday” - essa sessão demonstra bem o extraordinário alcance vocal de McCartney. “I’m Down” foi composta para encerrar os shows dos Beatles, que já estavam cansados de terminar com “Long Tall Sally”, de Richard. Dessa forma, “I’m Down” encerrou com magistral brilhantismo as apresentações das turnês de 1965 e 1966

.
“I’m Down” se tornou uma das favoritas do público e dos próprios Beatles nos concertos. A performance dessa música no Shea Stadium é uma colagem memorável de imagens indeléveis: Paul está tão empolgado que em certo momento começa a girar enquanto John e George estão se acabando de rir, Ringo espancando a bateria e John tocando o piano elétrico com os cotovelos. É um retrato espontâneo e natural dos Beatles - quatro caras ainda bem jovens, da maior banda do mundo, fazendo o que mais gostavam: Puro Rock and Roll.
“I’m Down” foi gravada no dia 14 de junho de 1965 no estúdio 2 da EMI em Abbey Road e lançada no dia 19 de julho de 1965 nos Estados Unidos e 23 de julho no Reino Unido. Como sempre, foi produzida por George Martin e teve Norman Smith como engenheiro de som. Os quatro Beatles estão praticamente em seus instrumentos habituais: Paul McCartney canta e toca baixo; John Lennon faz backing vocals, toca guitarra rítmica e piano elétrico; George Harrison também faz backing vocals e toca a guitarra solo e Ringo Starr toca bateria e bongô. "I'm Down" aparece nos álbuns Beatles Forever, Rock 'n' Roll Music, Past Masters e no Anthology 2. I'M DOWN, simplesmente SENSACIONOW!!!***********

RINGO STARR - CHOOSE LOVE - 2005

 

Choose Love foi o décimo quarto álbum de estúdio de Ringo Starr, lançado em 7 de junho de 2005. Gravado ao longo de 2004 até 2005, usando a mesma equipe que criou Vertical Man (1998) e Ringo Rama (2003), Ringo produziu o set com o parceiro musical de longa data Mark Hudson e o apresentou com sua equipe de estúdio. A faixa-título tem um riff de guitarra "Day Tripper" semelhante ao dos Beatles com uma coda semelhante a "The Word" e menciona as canções dos Beatles "The Long and Winding Road", "Tomorrow Never Knows" e "What Goes On". Como sempre, um álbum de Ringo Starr não estaria completo se não incluísse alguns convidados famosos e Choose Love não se desvia da fórmula; ele apresenta Billy Preston e Chrissie Hynde como seus convidados mais notáveis.

Choose Love não conseguiu entrar nas paradas nem no Reino Unido nem nos EUA, onde tanto Vertical Man quanto Ringo Rama tiveram sucesso comercial. O álbum recebeu críticas fortes após seu lançamento e precedeu outra turnê promocional com Ringo e sua banda de estúdio, "The Roundheads". Apesar das críticas, Choose Love traz momentos deliciosos como a bonita "Wrong All The Time", 6ª faixa do CD, composta por Ringo, Mark Hudson e Gary Burr.

BADFINGER - DAY AFTER DAY

 

Na capa não tem nome da banda e nem nome do álbum, apenas eles: quatro homens ainda jovens, com visual característico de sua época, cabelos enormes, em pé, firmes, duros, em linha reta, olhando para a frente, para o futuro. Mostram-se cansados e aparentam estar muito mais velhos. O álbum "Straight Up", foi o 3º da banda britânica Badfinger, depois de "No Dice" (que trazia "No Matter What") e do primeiro, "Magic Christian Music". Esse disco foi a confirmação de seu talento extraordinário como músicos, compositores. Todas as vocalizações, os instrumentos, os solos, pianos delirantes, o carinho, o cuidado e o perfeccionismo na escolha do repertório, foi feito de forma muito precisa, nos mínimos detalhes.

"Day After Day" é  o nome da balada linda composta por um gênio chamado Pete Ham para sua superbanda Badfinger, em seu terceiro álbum, "Straight Up", lançado em 1971. Foi produzida por George Harrison, que também toca algumas partes da guitarra slide junto com Ham. Leon Russell está no piano. A música foi lançada como single e se tornou um dos maiores sucessos de Badfinger, alcançando o número 4 nos Estados Unidos e ganhando credenciamento de ouro da Recording Industry Association of America. George Harrison abandonou as gravações do álbum de Badfinger para produzir seu Concerto para Bangladesh, a mixagem final foi feita por Todd Rundgren, que assumiu "Straight Up" após a saída de Harrison. O single "Day After Day" foi lançado nos EUA em novembro de 1971 (janeiro de 1972 em outros lugares), se tornou um dos maiores sucessos do grupo e continua sendo uma das músicas mais conhecidas da banda, principalmente pelos solos de slide.

GEORGE HARRISON - I REALLY LOVE YOU - 1982

 

"I Really Love You" foi composta por Leroy Swearingen, e originalmente gravada por seu grupo The Stereos em 1961. Esse disco chegou ao número 29 no quadro da Billboard Top 40. Em 1982, a música foi regravada pelo ex-Beatle George Harrison em seu álbum Gone Troppo e é a única faixa não autoral do álbum. Também foi lançada como o segundo single nos Estados Unidos e na Holanda, em fevereiro de 1983, mas falhou nas paradas. A gravação em estúdio contou com Harrison, Herbie Flowers, Mike Moran, Ray Cooper, e os vocais e backing repartidos entre Harrison, Willie Greene, Bobby King e Pico Pena, tornam a música uma deliciosa brincadeira e um dos pontos altos de Gone Troppo.

Eela Craig "Eela Craig" (1971)

 

Não há como duvidar da musicalidade dos austríacos. Basta lembrar que esta terra deu ao mundo Mozart , Schubert , Haydn , Liszt e Bruckner , deu origem a vários  Strauss e também enriqueceu o acervo global de compositores com o legado da Nova Escola Vienense. No entanto, as coisas estavam tristes com o art rock na terra natal dos clássicos. Nesse sentido, a Áustria, segundo todos os indicadores, ficou cronicamente atrás de seus parentes alemães, sem mencionar os criadores de tendências do gênero: os britânicos. Embora, se deixarmos de lado a componente quantitativa, temos de admitir que os compatriotas de Amadeus tinham razões para se orgulharem da sua. E o nome desse fenômeno é Eela Craig . 

O conjunto foi fundado na cidade de Linz na virada de 1969-1970. Foi fundada por pessoas com boa experiência em jogos e inclinações muito singulares. Um era atraído pelo jazz, outro gostava de psicodelia, um terceiro adorava a divindade melódica dos Beatles e um quarto (formado pela Bruckner Academy of Music) sonhava em conquistar alturas sinfônicas. De uma forma ou de outra, os rapazes conseguiram encontrar um ponto em comum. E a melhor confirmação da reputação profissional do grupo eram seus vibrantes shows. A equipe teve a sorte de se apresentar no rádio, depois foram notados pelo pessoal da televisão e então o Dr. Alfred Pesek , um vanguardista inveterado e apologista do movimento New Music, interveio no destino do sexteto. Graças às suas habilidades de gestão, Eela Craig conseguiu um contrato de gravação. As mil e quinhentas cópias do primogênito sem nome esgotaram em algumas semanas. O público estava em êxtase, os críticos estavam engasgados de alegria. Um crítico elevou categoricamente a estreia dos austríacos ao topo do pedestal, preferindo "Eela Craig" ao LP "Tarkus", lançado simultaneamente pelos ingleses ELP . Não consigo julgar qual dos discos é mais forte. Mas definitivamente vale a pena ouvir o conteúdo com mais atenção.

O lançamento inclui quatro longas suítes. Duas delas foram escritas pelo pianista Hubert Bognemayr , as demais pelo guitarrista/organista Heinz Gerstenmayr . A síntese do drama épico com o grito selvagem e prolongado de Vil Orthofer (vocal, saxofone) no prólogo da faixa "New Born Child" é mais do que desconcertante. No entanto, o estilo da ação está em constante transformação. E agora uma rapsódia artística comovente com canto "normal" em inglês, sons de flauta e teclado, e então o clima elegíaco é quebrado em pedaços por uma seção pesada agressivamente carregada (guitarras duplas, saxofone selvagem, teclados e uma seção rítmica maluca). O blues-prog semiacústico "Selfmade Trip" harmoniosamente abre caminho para uma jam de fusão com solos de flauta improvisados, retornando no final ao padrão original, só que agora na projeção kraut original. A mistura de jazz e rock com toques de blues "A New Way" também é generosamente temperada com a "luz de fundo" dos metais de Harald Zuschreider (guitarra, órgão, flauta, saxofone), e os paralelos são óbvios: o Seatrain americano funcionava de maneira semelhante . O grande final do programa é a peça de 12 minutos "Indra Elegy". Aqui os artistas realmente elevam o nível: escapadas astrais de órgão e flauta, rock nuclear e contundente, pianismo puro, revelações melancólicas de art jazz com vocais e guitarra e um final luxuoso em tom pastoral. Quatro peças de 1972-1974 são listadas como bônus, e seus gêneros variam do cosmismo experimental ao prog sinfônico incrivelmente comovente.

Resumindo: um lançamento extraordinário, agora reverenciado como uma obra-prima do metal progressivo austríaco inicial. Altamente recomendado.

Eela Craig "One Niter" (1976)

 

Tendo conquistado seu nicho na música, Eela Craig está em alta. Em 1972, o grupo iniciou os ensaios para a criação em grande escala "Dimensionen zwischen Pop und Klassik". O programa, composto pelo Dr. Alfred Peschek , foi executado com o apoio da Orquestra Sinfônica de Zurique . O concerto foi gravado pela emissora austríaca ORF (Österreichischer Rundfunk), mas nunca foi lançado em mídia de áudio. No entanto, houve turnês pela Itália e Alemanha, com uma série final de apresentações em sua terra natal. Além disso, os originais de Linz usavam constantemente os palcos das casas de ópera como locais para suas próprias apresentações. Enquanto isso, um período de grandes mudanças estava se formando na vida de Eela Craig . O diretor artístico do projeto, Hubert Bognemayr, estava considerando seriamente fortalecer a linha sinfônica no repertório do conjunto. No entanto, essa reviravolta não agradou a todos os seus companheiros: os roqueiros de blues ortodoxos que dominaram durante o trabalho na estreia ficaram indignados. Hubert teve que se despedir do co-escritor Heinz Gerstenmair , do vocalista/ tocador de metais Wil Orthofer e do baterista Horst Waber . Todos os três migraram para o  conjunto Ice Planet . Eles foram substituídos por indivíduos muito criativos: Fritz Riedelberger (guitarra, piano, vocal), Hubert Schnauer (teclado, flauta) e Frank Huber (bateria, percussão). Os novos recrutas assumiram a tarefa com zelo e acabaram trazendo muitas ideias interessantes para o conteúdo do novo material...  

O álbum "One Niter" é o ápice da exploração artística de Bognemayr e as ambições filarmônicas de K. Hubert encontraram uma saída no uso de um gigantesco arsenal de teclados. Fanfarras majestosas de Mellotron, corais e uma série de arpejos de cravo dão as boas-vindas ao ouvinte no limiar da suíte de 14 minutos "Circles". Paisagens cósmicas de sintetizadores brilham em uma escala de flauta radiante. E então o leitmotiv da bravura é tocado em um tom de rock completo com uma adição de funk incrivelmente rítmica, e então se esconde atrás de uma pastoral brilhante de conto de fadas, saturada com os vocais tocantes do líder. Não é preciso dizer que a imaginação dos membros da banda literalmente flui aqui, às vezes assumindo silhuetas um tanto bizarras. De acordo com cânones semelhantes, o hino extático é transformado em uma poderosa estrutura de fusão ("Loner's Rhyme"): o hard rock é casado com o jazz; Encorajado pelas congas de Raoul Barnett , "Hammond" de Bognemire fica selvagem, mas seu timbre alegre também falha no meio da frase, completamente deslocado pela melodia lírica. Harmonias orquestrais, vinhetas de câmara renascentistas, funk perene e selvagem... Como tudo isso se encaixa? Calma, os caras do Eela Craig nos respondem e como prova apresentam o número "One Niter Medley" com uma pequena citação de Bach . O apetite acústico é satisfeito no esquete dramático "Venezuela". Quanto à faixa final, "Way Down", ela passa por todos os estágios emocionais, tornando-se mais Floydiana em direção ao final.

Resumindo: uma pequena obra-prima de grande prog sinfônico, em que a selvageria e a graça se complementam. Não recomendo pular essa parte.  

Rikard Sjöblom & Den Gyllene Orkestern "Cyklonmannen" (2005)

 

2005 foi um ano verdadeiramente frutífero para Rikard Sjöblum . Após três anos de provações, o álbum de estreia Bootcut foi lançado . Ao mesmo tempo, o esperto sueco lançou em circulação seu álbum solo "Cyklonmannen", gravado em 2003. Richard vinha alimentando essa ideia há muito tempo. O maestro conheceu a história do homem ciclone quando era estudante. O livro homônimo de Sture Dahlström (1922-2001) cativou o jovem Sjöblom com seu espírito modernista, que se destacou de outros exemplos da literatura escandinava. Mais tarde, foi revelado que Dahlström passou a maior parte de sua vida na Espanha. Tocou violão e contrabaixo em projetos de jazz. E a maneira usual de improvisar histórias influenciou naturalmente o estilo de escrita de Sture. Beatniks, monges tibetanos, um artista mafioso do gueto de Nova York, descendentes ruivos de vikings criados por uma tribo indígena... Uma série de personagens malucos, somados a revelações psicodélicas e uma atmosfera de amor livre, enfeitiçaram Ricard. Depois de se tornar profissional, ele retornou ao seu amado tema: compositor.

Visto de fora, o "Cyklonmannen" é a criação de um fanático por retro. Guitarras, Phono, Hammond B3, Fender Rhodes, ARP Pro Soloist II, Roland E15 + baixo, bateria, percussão e vocais; Este é o "conjunto de ferramentas de cavalheiro" do nosso herói. Parece que em tal situação os acompanhantes não são necessários. Contudo, Schöblum pensava diferente. Ele acabou sendo acompanhado por membros do trio de metais Den Gyllene Orkestern : Sophie Lindgren (saxofone), Peter Fredriksson (trombone), Stefan Aronsson (flauta). O conceito se encaixa em nove faixas de duração média. Sua principal vantagem é recriar o cenário emocional da virada dos anos 60 e 70. Diálogos de guitarra e órgão infundidos com "grooves" de barítono, suporte sólido na forma de riffs de saxofone, "viagens" de teclado alucinantes e as manobras de jazz necessárias formam o espaço sonoro da introdução. E então - fusão de fogo, surpreendendo a multidão com cortes e derramamentos virtuosos ("Chelsea Hotel 23rd Street - Nova York"), miragens astrais com elementos do misticismo oriental ("Frostakademien / Kinesiska Konsulatet"), trance polka a la futur ("Frostakademien / Kinesiska Konsulatet"), rock hippie com um poderoso recheio de latão ("Miss Nutcracker & Pestharnesket / Cyklonmannen (Repris)"), esquizo-sado-maso para amantes especialmente obcecados de "Hammond" ("Sexualfientliga Kommittén / Svenska Myndigheterna"), intrigante estudo artístico-swing "Janet", saga nórdica em tons mexicanos ("Taki-Indianerna och Runstenen") e o final perfeito para o banquete com molho de valsa progressiva ("La Gilas Levitaionsvals").

A versão de estúdio de "Cyklonmannen" é complementada por uma versão concerto da suíte executada no mesmo volume. Aqui, o multitarefa Ricard foi forçado a se limitar exclusivamente aos teclados. As partes restantes foram divididas entre Per Nilsson (guitarra), Robert Hansen (baixo) e Petter Diamant (bateria). Não ficou menos emocionante, "saboroso" e selvagem. Resumindo, os bônus não decepcionaram.

Resumindo: uma ótima caminhada através de um espelho nostálgico do principal neoconservador da cena artística sueca. Recomendado para fãs de Beardfish , Bootcut e outros fãs do bom e velho rock. 

MUSICA&SOM ☝

Lasting Weep "Lasting Weep (1969-1971)" (2007)

 

Este lançamento de arquivo é uma ótima oportunidade para conhecer o precursor do lendário Maneige . Então, o tempo e o local da ação são 1968, Quebec. Quatro amigos da escola unem forças para formar a banda Lasting Weep (uma versão em inglês da frase de abertura "Les sanglots lots" de "Autumn Song", de Paul Verlaine ). A formação do grupo é: Alain Bergeron (flauta, saxofone, vocal),  Jérôme Langlois (guitarra, piano, órgão, cravo, clarinete), Claude Chapleux (baixo, violão), Mathieu Léger (bateria, piano). No início, os rapazes tocam versões cover de conjuntos de blues, introduzindo de forma inovadora (mesmo antes do surgimento do Jethro Tull ) a parte da flauta nas estruturas sonoras. Perto de 1969, o quarteto finalmente começou a criar suas próprias composições. A política de repertório de Lasting Weep é prerrogativa da dupla Bergeron/Langlois. Em suas composições complexas, os coautores caminham decisivamente em direção ao rock progressivo. E embora as manobras sejam às vezes excessivamente impulsivas e cheias de fervor adolescente, certamente não se pode negar sua originalidade. O quarteto ensaia intensamente, ganhando experiência de estúdio ao ajudar a gravar trilhas sonoras para projetos documentais. Graças à generosidade de Chuck e Judy Gray, do Studio Six, os meninos conseguem imortalizar algumas das peças em filme. No entanto, eles nunca foram lançados em vinil devido à falta de contrato com uma gravadora. Foi somente em 2007 que o ProgQuébec corrigiu essa infeliz omissão, dando aos amantes da música a chance de mergulhar no passado glorioso de uma das primeiras formações artísticas do Canadá.

A edição de abertura, "29 Avril", é um exemplo de uma abordagem excepcionalmente original à criatividade. Seu desenvolvimento é baseado em uma plataforma de rhythm and blues, mas a parte melódica é feita de forma colagem. Aqui você tem passagens de flauta com um toque oriental, uma forma de canção no estilo dos primeiros Pink Floyd (Bergeron vocaliza em inglês), técnicas barrocas características e aventuras de blues-rock com o entrelaçamento de fragmentos puramente improvisados. "De mi à mi", de 9 minutos, serve como uma ilustração do que é proto-prog no sentido quebequense do termo. O material é um pouco cru, mas o espírito inspirado dos artistas compensa em grande parte as deficiências. A terceira posição "Magdalena" é uma homenagem ao gênio de I.S. Bach . É verdade que Lasting Weep trata o legado do clássico com bastante liberdade. As nobres e refinadas variações de cravo e sopro são periodicamente diluídas com ataques de hooligans: a bateria soa forte, a guitarra zomba e a flauta saqueia imprudentemente na tonalidade de Anderson. "Rien ne sert de courir, il faut partir à point" - um gesto de boas-vindas ao próprio Jethro Tull ; os trinados incessantes (respiratórios) de Alain contra um fundo de blues dão origem a associações completamente estáveis. No entanto, não há nada de ruim nisso. Um exemplo de aliança com o cinema é a dilogia "Extrait de "Safari de pêche", criada pela equipe para o filme homônimo. As faixas "Bye-bye" e especialmente a obra de 25 minutos "Carmen Kétaine", capturada "ao vivo", demonstram o avanço da banda no campo do jazz-rock, em sua vertente de câmara. Flauta e piano; saxofone, seção rítmica e delícias vibrafônicas do participante convidado Gilles Chétany - um rosto completamente diferente, mais maduro e sólido do Lasting Weep . O programa termina com vinhetas lúdicas de câmara do "Ma "Thematics", preparadas para um filme educativo infantil sobre matemática.   

Resumindo: uma coletânea muito decente, que merece a atenção não apenas dos fãs do art rock canadense, mas também daqueles interessados ​​nas origens do gênero progressivo.  

MUSICA&SOM ☝

Kultivator "Barndomens Stigar (1981) / Waiting Paths (2006)" (2008; 2 CD)

O Kultivator começou com uma seção rítmica. Especificamente, com Johan Sverd (bateria) e Stefan Karlsson (baixo). Aconteceu em 1975 na cidade sueca de Linkoping. Na verdade, o conjunto tinha um nome diferente naquela época: Tunnelbanan . Assim que o guitarrista e o oboísta se juntaram aos fundadores, todos os quatro imediatamente mergulharam em experimentos progressivos. Os concertos já estavam se aproximando quando, de repente, o tocador de metais se separou do grupo. Eles contrataram com urgência um amigo que era tecladista, tinha um sintetizador e um mellotron como substituto, mas depois de uma série de apresentações ele também desapareceu. Então a história se desenvolveu em ziguezagues: as pessoas na equipe foram embaralhadas como fichas. Foi somente no final da década que ficou claro que o Kultivator era: Karlsson (baixo, gaita cromática, sintetizador), Johan Hedren (piano Fender Rhodes, órgão, sintetizador, guitarra), Jonas Linge (guitarra, bandolim, acordeão, percussão, vocais), Ingemo Rylander (vocais, flautas doces, flauta, guitarra) e o gênio da bateria Sverd. Depois de economizar algum dinheiro, os membros da banda decidiram gravar profissionalmente as peças que testaram na turnê. Devido à economia de custos e à inexperiência do quinteto, as sessões foram conduzidas ao vivo com overdubs mínimos. É preciso dizer que os rapazes tiveram muita sorte com seu engenheiro de som: o experiente técnico Bobo Wieslander os ajudou a implementar seus planos com dignidade e sem perdas perceptíveis. Em outubro de 1980, os músicos, com as fitas master em mãos, começaram a procurar uma editora. E somente no verão do ano seguinte a sorte virou a favor dos escandinavos...

"Barndomens Stigar" agrada agradavelmente pelo frescor ideológico do material. Os suecos conseguiram saturar cálculos estritamente intelectuais com uma energia absolutamente frenética. Desde os primeiros compassos da faixa "Höga Häster" a obra é executada com potência aumentada. Ao som do "tararam" infernal de Sverd, que ama címbalos além da conta, o maestro Hedren toca alegremente o Hammond. Depois há um pequeno salto para um esquete folclórico com um molho de flauta transversal, e então Linge entra em cena com seu monstro de seis cordas em brasa. Artistas autodidatas talentosos misturam ousadamente esquemas pastorais com pós-punk de vanguarda ("Vemod"), enquanto a estética do RIO baseada no prog sinfônico ("Småfolket") rompe os espinhos para a harmonia melódica. A psicodelia de fusão sombria ("Kära Jord") alterna com motivos bufões e humorísticos passados ​​pelas pedras angulares da vanguarda ("Barndomens Stigar"). Há também uma "paixão" coral louca por combustível termonuclear ("Grottekvarnen"), uma valsa jazz-rock de guta-percha ("Vårföl") e até mesmo um filme de ação completamente "carmesim", recheado de solos desesperados ("Novarest"). Três itens adicionais de 1992, 1979 e 1980 parecem um pouco mais misericordiosos. No entanto, também há espaço suficiente para a imaginação neles.

O disco bônus nos apresenta o Kultivator do século XXI. As quatro peças, imortalizadas em condições semi-domésticas, diferem radicalmente umas das outras. Se o viscoso estudo de arte espacial "In The Darkness' Plait" exala melancolia gótica, então "Bringing Water" é um folk "puro" melodioso. "Another Day in Life", com a voz aguda e feminina da eterna Sra. Rylander, lembra vagamente as obras de Lisa o Piu , e "Waiting Paths" parece um exercício de construção de pesadelos medievais atmosféricos...

Resumindo: um ato artístico executado com perfeição para aqueles que gostam de provocar os nervos. Bem-vindo ao labirinto.  

Björn Johansson "Discus Ursi" (1998)

 

Afinal, a vida às vezes é surpreendentemente injusta! Tomemos como exemplo Bjorn Johansson . Durante o renascimento progressivo sueco dos anos noventa, esta metralhadora múltipla esteve ativa em vários níveis. Em 1994, ele contribuiu com violão clássico, fagote e flauta para o álbum "Gothic Impressions" de Per Lind . Alguns anos depois, junto com o mesmo Lind, ele realizou a criação musical conceitual "Bilbo" baseada nas obras de Tolkien . Em 2004, Björn e Per retornaram às reviravoltas da trama de "O Senhor dos Anéis", acrescentando à sua discografia conjunta o álbum "Dreamsongs from Middle Earth". E desde então não se ouviu mais nada sobre o Maestro Johansson. No entanto, se voltarmos um pouco, veremos que seu único disco solo, "Discus Ursi", se tornou um evento significativo na virada do século. Críticos progressistas, engasgados de alegria, chamaram o álbum de uma obra-prima do rock sinfônico. E o público se mostrou, de muitas maneiras, solidário com os jornalistas. Não posso julgar o grau de grandeza da criação de Bjorn. Mas provavelmente vale a pena dar uma olhada mais de perto.

O trabalho em "Discus Ursi" durou exatamente um ano — de junho de 1997 ao verão de 1998. Johansson aprimorou cada nota com o zelo de um perfeccionista, cuidando sozinho da maioria das decisões instrumentais. Na verdade, se não levarmos em conta o dueto vocal de Johan Forsman e Monika Fors , o gênio da música foi auxiliado apenas por seu fiel amigo Lind. Este último era responsável por um vasto arsenal de teclados (piano, órgãos de todos os tipos, mellotron, sintetizadores) e bateria. Bjorn era responsável pelas guitarras, instrumentos de sopro, percussão e vários dispositivos analógicos. O resultado das vigílias dos amigos no estúdio foi uma produção impressionante de 65 minutos em seis capítulos.

A brilhante e misteriosa passagem para piano "Prelúdio de Discus Ursi" nos apresenta o mundo sonoro do contador de histórias escandinavo Johansson. O primeiro tema épico no contexto do programa é a peça de 12 minutos "King of Gold". Seus parâmetros externos são determinados por três linhas principais: a voz de Forsman (o cantor tem dificuldade aqui, já que o layout do tempo oscila entre andante maestoso e vivace), o estilo de guitarra do líder (contra-estrutura: elétrico assertivo - acústico barroco) e orquestração do teclado (o som de um órgão de catedral "ao vivo" alterna com os chamados de "Yamaha" e "Akai"). A construção sem palavras de "Time Fracture" é uma mistura original de fusion prog agressivo e combativo, movimentos atonais pesados ​​"copiados" do King Crimson e neoclassicismo exuberante. Na peça estendida "Pegasus", elegias mágicas e madrigais são amarrados com confiança em um núcleo de rocha afiado e, portanto, o tecido artístico aurífero é submetido ao impacto mecânico de "guitarrismos" gerados pelo estilo pesado. As condições melódicas esbeltas da faixa "The Last Minstrel of Marble" são um bom motivo para se entregar a sonhos irreais. O final é a pretensiosa suíte de 20 minutos "Discus Ursi's Rhapsody", onde nuances do folclore nórdico são misturadas com citações de Mozart , esquemas medievais nobres são sombreados por alusões às obras de Bo Hansson , e qualquer sugestão de modernidade é instantaneamente envolta em tapeçarias vintage...

Para resumir: um ato artístico sólido, comparável em escala às realizações individuais do The Pär Lindh Project . Nota para os fãs de bom prog sinfônico.